Los californianos defienden en la actualidad una de las propuestas más transgresoras de cuantas están presentes en la música jamaicana revival, en el sentido de que aderezan su repertorio de temas de reggae primigenio –una parte de ellos versiones de clásicos del género como John Holt, Shark Wilson & The Basement Heaters, Symarip o Marcia Griffiths- con una considerable carga de contundencia escénica y agresividad en la forma de tocar instrumentos tales como el órgano o las guitarras. Ellos lo definen como “dirty reggae”, un término tan deudor de formaciones de innegable virtuosismo (Hepcat, The Slackers), como de la prolija escena hardcore-punk americana. El resultado es un sonido tan autóctono y genuino que no deja a nadie indiferente. ¡¡Make it reggae!!

Se dice que vuestra banda fue formada como una combinación de The Vessels y The Rhythm Doctors para un proyecto concreto como banda de apoyo al vocalista jamaicano Derrick Morgan, para quien se supone debíais editar un álbum que finalmente nunca ha sido editado. ¿Por qué no ha aparecido? ¿Podrías recordar cómo fue la experiencia de trabajo con él? ¿Qué lección/es aprendisteis de Derrick?

Es una historia bastante simpática, porque reuní una banda para hacer de soporte de Derrick Morgan en Los Ángeles cuando aparecimos y a él le encantaba la banda. Eran, en general, gente de Hepcat, mi antigua banda The Rhythm Doctors… él no podía creerse lo buena que era la banda. Aproximadamente tres meses más tarde Derrick Morgan me llamó por teléfono y me dije “¡Oh dios! ¡Es Derrick Morgan al teléfono y me está llamando a mí!”. Me comentó “me encanta la banda. Voy a ir a Inglaterra para grabar un nuevo álbum aprovechando una gira. ¿Puedes escribir y grabar un álbum para mí?”. Le dije “Por supuesto. Sí”. Así que llamé a los mejores músicos en Los Ángeles, gente de See Spot, de Hepcat, de la antigua banda The Rhythm Doctors, Roger –nuestro organista- que tocaba en The Vessels y grabamos un álbum entero para él en la línea de Derrick Morgan: ska, rocksteady, reggae. Lo terminamos y pensamos “vamos a traer a Derrick para que registre las voces”, pero no le dio tiempo. Así que vino para una actuación y le comenté “¡Ey Derrick, tengo el cd con las canciones!” y me dijo “es genial, yo también tengo un cd para ti”. Y yo pensé “¿Un cd para nosotros? Si ya hemos terminado el álbum”. Él terció “si bueno, quizá podamos usar una o un par de ellas. Quiero que regrabéis estas canciones”. Le espeté “¿Estas canciones?” y me dijo “sí, unas maquetas que hice” y eran todos clásicos suyos. Quería que regrabáramos sus viejos temas y pensé “yo no quiero grabar Housewife Choice de nuevo. Ya ha sido hecha, es un clásico y estaba bien la primera vez. ¿Por qué tenemos que rehacer Fatman y estos clásicos?”. Para ser honesto, me enfadé puesto que me había dejado bastante dinero grabándolo, nos llevó mucho tiempo hacerlo, había probablemente treinta músicos distintos, seis o siete compositores y un montón de tiempo y esfuerzo de mi bolsillo. Aunque lo hice por amor y no esperaba que nadie me lo devolviera, pero… Ese es el motivo por el que nunca fue editado.

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Estas navidades me regalaron la edición castellana de “Ver Trenchtown y Morir” de la referente francesa Hélène Lee, y que aquí se tradujo bastante apropiadamente a su contenido como “Trenchtown Reggae. En las calles de Bob Marley”. Justo ahora que acabo de estar allí, donde indefectiblemente todos mis caminos no conducían a Rema sino a Trenchtown, y cuando además se acaba de estrenar en DVD la elegía sobre Leonard Howell, “Le Premiere Rasta”, el fundador anarquista de la Comunidad del Pinnacle y por ende del movimiento rastafari en paralelo con la doctrina panafricana de Marcus Garvey.

Con Jamaica siempre me pasa. Es curioso cómo esa continua disputa entre el duppy y el obeah, entre lo legendario y lo real se confabula para enviarme señales. Llamadme supersticioso, pero no creo que haya otro lugar mejor en el mundo para volverse animista. Desde que Bragga decidió subirse a mi coche cuando visité Hope Road 56 en 1991 para buscar las viejas huellas de un pasado mejor y se despidió de mí diciéndome: “ahora ya has visto, ve y enseña a tus gentes, spread the holy vibe”, he sentido una fuerza permanente que me impulsa a cumplir su designio, aun no sé bien por qué. Sí, allí las señales de la naturaleza van y vienen con tal frecuencia que es imposible no escucharlas, incluso pese a la estridencia del omnipresente grito dancehall de la ciudad, encarnación permanente de Babylon, y tan distinto del olvidado livity del campo.

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Raphaël “Fyahsoul Selecta” Visse. Libourne. 1975

Hola a todos y todas, me llamo Raphaël (si como el cantante escandaloso…), nací en Francia un 15 de Octubre en 1975 y, por razones familiares, me moví bastante por toda la geografía gala hasta instalarme en la periferia de París en 1990.

En mi casa siempre ha sonado música de todo tipo ya que mis padres eran muy aficionados a escucharla. Por otro lado mis primos, que me llevaban unos pocos años, tocaban todos guitarra, bajo o percusión latina, algo que me acostumbró pronto a escuchar ensayos caseros de horas y a oír discos en bucle, la mayoría de música negra y de rock’n'roll. Por otra parte mi padre fue durante mucho tiempo gerente de discotecas en los 80, en la costa atlántica, y pasé muchas vacaciones de verano en este ambiente,  ahí contacté con el poder del dj y los detalles de su trabajo, su cabina era mi refugio ya que era jovencito y toda esa gente de fiesta me parecía cuando menos acojonante.

En 1995 me ofrecieron un puesto de responsabilidad en el trabajo que desempeñaba con la condición de que me fuera a trabajar a España un tiempo y alcanzara un nivel de castellano aceptable. Con este proyecto entre las manos me vi llegar a la Costa Brava (Tossa de Mar) el día 1 de Mayo de ese mismo año.

 Allí me dí cuenta de que disponía de un acceso diferente (por no decir deficiente) a la música negra comparado con el que tenía en mi país. Pronto me encontré echando de menos lugares donde escuchar buen funk, jazz y, por supuesto, sonidos africanos y caribeños como el zouk, la biguine, la salsa y, por supuesto, el reggae y el raggamuffin. Todo menos el hip hop que estaba en un cierto auge y me hizo disfrutar mucho ( 7 notas, CPV…).

Fiel a mi principio del “hazlo tu mismo” y con el apoyo de amigos y de unos bares legendarios del pueblo, como El Pots o el Sivas, me decido a organizar unas pequeñas sesiones de música negra variada, ya que era bastante inviable en esos tiempos ofrecer sesiones exclusivas de reggae o dancehall. Así, poco a poco, empecé a pillarme los dedos con esta cultura y a ansiar más cantidad y calidad.

Visitaba habitualmente la tienda de discos Rimshot y comenzaron los encuentros con la escena Barcelonesa algunos de sus selectores como Raül (Dance Crasher) o Supah Lion (Luv Messenger). En 2001, Manel, uno de los organizadores del festival reggae de Torellò me propuso una sesión que por molestias físicas no pude atender pero aún así estuve detrás de los platos con gente experimentada. Eso me acabó de inocular el virus del formato sound system y su poder para difundir buenas vibraciones.

 Desde entonces, y a lo largo de mis andaduras por Girona, Barcelona y después Granada, me crucé con mucha gente y algunas personas (que en los dos casos se reconocerán), y que por bien o por mal me enseñaron mucho.

Decidí darle forma a mi proyecto y me autodenominé Fyahsoul Selecta (chulo el tio…jeje). Mi primer proyecto de sound/colectivo se llamo Buckshott Sound, donde se incorporó, naturalmente, Poppa Gud Vybz al poco tiempo (y lo mantiene vivo con el apoyo de Nytto Dread y con muchísimo arte). Mi paso por Girona y Barcelona fue discreto seguramente debido a mi gusto por promocionar la música antes que mi persona, añadiéndole a eso ciertas dosis de timidez enfermiza.

 En 2005 llego a Granada y hago circular unas mixtapes básicas que me abren las puertas de más o menos todas las salas y bares consumidores de reggae de la ciudad como el Upsetter, Pata Palo, Harlem o La Telonera. También conocí a los protagonistas de la escena reggae granadina los cuales me recibieron de forma estupenda y también se reconocerán. Quiero destacar los encuentros con Nasharï Sound, Fuman, Pablo (Rebelmadiaq Sound) y, más tarde, Deïvi (Zion I-Drens) ya que fueron los más productivos y mis aliados en los mejores proyectos, en los que más disfruté, especialmente con Fuman, con quien fundamos la crew Natural Progression y organizamos los eventos Beatz and Vibez en la sala Boogaclub, un proyecto sin pretensiones cuya rentabilidad económica fue nula pero la humana un rotundo éxito. Allí comprobamos, a lo largo de siete ediciones, el poder de la gente que mueve sus discos y sus vibraciones incluso por cero dinero.

Se acabó esta brasa de datos y agradecimientos. Allí va mi top 5 de los lps. Como me fue casi imposible establecer un ranking de los que mas me gustan, me tuve que regir por otro parámetro.

Estos son los 5 lp’s que despertaron mi pasión por el reggae a finales de los 80, y aún así no fue tarea fácil dejar de lado a Gladiators, Shabba Ranks y tantos más.

Gracias de parte de un discreto selector que solo quiso aportar su grano de arena al movimiento reggae estatal, y disculpas por los los olvidos de personas y salas que al final fueron muchas, demasiadas para mi memoria cannabica.

 Big up Reggae.es. 
1Love.

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1. Bob Marley – African Herbsman

Primer encuentro con un disco que escucharía en bucle hasta el día de hoy ya que no me canso de hacerlo. Representa mi despertar musical absoluto en una edad en la que ni entendía inglés pero, de forma instintiva, me llenó siempre y cuando al tiempo entendí las letras se confirmó lo anterior.

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2. Serge Gainsbourg – Aux Armes etcetera

Porque es uno de los típicos discos que siempre has visto en casa y un día lo oyes y no te lo crees, este poeta francés con una obra muy amplia y ecléctica ha tocado muchos palos musicales y, en su aventura jamaicana, se rodeó de Sly and Robbie y de las I-Three para grabar, entre otras cosas, una versión del himno nacional francés con una ironía genial y producir dos Lps y un directo que no tienen desperdicio ninguno.

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3. Peter Tosh – The Toughest

Es la banda sonora de muchos momentazos de mi adolescencia en París y lo hace inolvidable, aparte de que me parece una obra maestra.

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4. L.K.J. – Forces Of Victory

Sigo buscando algo superior a este disco, fue un shock musical para mi, por su originalidad, la profundidad de su poesía y la impecabilidad de su producción

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5. Yellowman – Nobody Move

Este día me topé con el poder del digital y del flow del King of Dancehall. Mi tía lo trajo de Londres hacia 1993 y lo desgasté literalmente, el tocadiscos no volvió a funcionar igual de bien cuando acabé de oírlo mil veces por lo menos. Sin hablar de los walkmans que reventaron con esta cinta dentro.

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Continuando en la línea de posts que estamos haciendo, vamos a seguir explicando las partes que componen un sound system. Por supuesto nos referimos al tipo sound system que podemos encontrar en la escena reggae. En el post anterior hemos explicado a grandes rasgos qué entendemos por sound system y como se compone, pero ahora ha llegado el momento de profundizar un poco en cada elemento.

El preamp es una de los elementos más característicos que podemos encontrar en la mayoría de sound systems. Su diseño y apariencia apenas ha cambiado desde sus orígenes en sus primeras ediciones en Jamaica, y aun hoy en día son muy utilizados en ésta época de alta tecnología.

¿Para qué sirve un preamp? Basicamente representa el cerebro del sound system. Centraliza múltiples funciones en un único elemento y permite al operator llevar el control técnico y artístico. Tener un preamp estándar es como tener una mesa de mezclas, un ecualizador y un crossover (divisor de frecuencias) todo en uno. Su nombre proviene del hecho de que este elemento se conecta antes de la etapa de amplificación, actuando como primer nivel de amplificación.

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Durante muchos años han sido el centro neuronal del estudio de grabación, aunque hoy ya no tanto debido a los ordenadores. Aun así, en realidad, todos los programas de grabación incluyen una mesa virtual. Así que tal vez deberíamos mantener esta apreciación sobre ellas, aunque sea solo conceptualmente.

Quizás sean también el centro de todas las miradas profanas que entran por la puerta de un estudio. Muchas luces, muchos botones… “¿Oye, pero que de botones, no?, ¿ya los necesitas todos?”

Vamos a hacer una descripción pensando en todos aquellos que que no hayáis trabajado con una. Os gusta el Reggae, lo amáis, ¿pero no sabéis hacerlo? Pues aprender sobre las mesas, parece un punto básico para poder empezar a hacer música.

Precisamente, en el Reggae el uso del mezclador tiene un papel muy importante.

Son muchos los que atribuyen a King Tubby el papel de inventor de la remezcla y por tanto, parece lógico pensar en la mesa de mezclas como su instrumento musical. Y lo mismo sucede con Lee Perry y otros coetáneos colegas, que a base de estrujar potenciómetros desarrollaron el Dub. La forma de filtrar de una mesa o la forma de saturarse, incidían de forma creativa en lo musical, y no como hasta entonces, solo en lo sonoro.

Pues ahí andaban, por ejemplo King Tubby con una mesa MCI de las antiguas, 12 canales que se exprimieron al máximo y su corona de Mc Donalds después de un menú con Coca Cola…

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Una vez respondida la entrevista, me pregunta Pedro si ha satisfecho las expectativas depositadas en ella. Creo a la luz de sus respuestas, extensas y explícitas, no se puede añadir mucho más a lo ya expresado por él. Para poneros en antecedentes a quienes no lo conozcáis, os diré que Pedro Espinosa, conocido en panorama jamaicófilo como “Aianai” -castellanización de la popular expresión egocéntrica jamaicana “I and I”-, es cofundador -junto al cantante guineano Juan Borikó- de Potato, el veterano conjunto vitoriano de música jamaicana -en activo desde 1984-; pionero -y probablemente el único- en importar la poesía dub de Linton Kwesi Johnson o Mutabaruka al reggae patrio y un agitador nato de conciencias bajo el decrecentista lema “abajo el trabajo y viva la vida contemplativa”.

Comenzando por el principio, en la década de los setenta y en pleno apogeo juvenil, conoces al guineano afincado en Vitoria, Juan Borikó, un amigo inolvidable al que terminarías por apodar Johnny Brusko, con quien conformarías la sociedad Babinton PIP (producciones-ideas-promociones) y de la cual emergería la idea embrionaria de conformar una formación vitoriana propiamente de reggae como Potato. Me gustaría que recordaras las circunstancias que hicieron que vuestros caminos se cruzaran, las actividades que surgieron al calor de vuestra sociedad Babinton PIP y cómo os planteáis, en un principio, llevar a término el proyecto de Potato (concepto, estilo, músicos, mensaje).

Juantxo (JB) y yo nos conocemos desde los 14 años y aunque íbamos a colegios distintos, coincidíamos muchas veces en un bar del centro de Vitoria especializado en cervezas. La peculiaridad de este establecimiento era que tiraba muy bien la cerveza de caña y ofrecía jarras de diferentes tamaños desde 2 litros hasta la más pequeña de un zurito (algo menos que un corto) y a nosotros nos encantaba comprobar cuántas de esas jarras éramos capaces de beber en una tarde. Tengo que decir que también éramos muy deportistas y jugábamos a fútbol en ligas federadas en infantiles y juveniles, JB en el San Viator y yo en el Deportivo Alavés. Él era un extremo muy bueno y habría podido llegar lejos si se lo hubiera tomado más en serio. El caso es que a los 17 años nos separamos al ir a la Universidad, yo me largué a Madrid a estudiar periodismo y él a Burgos a hacer aparejadores, aunque en verano siempre volvíamos a vernos. Fue a comienzos de la década de los ´80 cuando regresamos de nuevo a Vitoria, cada uno con nuestro título, aunque nos costó encontrar trabajo, sobre todo a mí que ganaba una miseria colaborando en un periódico y en una radio local. No obstante, tuve la suerte de que me contrataran para el Festival Internacional de Jazz de Vitoria-Gasteiz, convirtiéndome en el primer jefe de prensa del certamen en 1982, año en el que tocaron Ella Fitzgerald y Oscar Peterson, entre otras grandes figuras. Los responsables del festival necesitaban igualmente alguien que pegara los carteles anunciadores del evento, que eran unos cuantos miles, así que para sacar un dinero extra, me encargué también de ello junto a mi amigo JB. Había que vernos por la noche con el balde de cola, el carro de la compra con los carteles y la escoba para embadurnar las paredes. Cuántas veces nos paró la policía. Hay que señalar que JB y yo, además de beber y fumar hash y marihuana, leíamos mucho, hablábamos mucho y pensábamos más. Supongo que los porros tendrían algo que ver, pero se nos ocurrían miles de ideas; desde presentarnos ante Xabier Arzallus, factótum del PNV para reclamar un carné de identidad vasco para JB, que en aquel entonces figuraba como apátrida por negarle la nacionalidad tanto el gobierno español como el de Guinea Ecuatorial, hasta organizar un comando que echara del poder al dictador Obiang, que se había cargado a su tío, el igualmente dictador Macías. JB se proclamaría presidente y yo sería el primer ministro. Para organizar todas estas ideas que fluían constantemente por nuestras cabezas, decidimos crear Babinton PIP, una especie de empresa en la que canalizamos la pegada de carteles, no sólo de jazz, sino de cualquier otro evento, y todo tipo de actividades, como la organización de los primeros conciertos de rock subvencionados por las instituciones alavesas. Os diré, por ejemplo, que el 27 de Abril de 1982 organizamos en la Plaza de los Fueros de Vitoria, con motivo de la fiestas del patrón de la provincia San Prudencio, un concierto de rock en el que tocaron La Polla Records y Hertzainak y en el que colaboraron, adornando la plaza y diseñando el cartel, artistas que luego han tenido gran resonancia internacional como Juan Luís Moraza, Juncal Vallestín y Juan Sagastizábal. Además, estoy seguro que nunca hasta entonces habían cobrado tanto La Polla ni Hertzainak. Ni que decir tiene que el concierto fue una bomba y un gran éxito que posibilitó que el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz nos encargara la organización de otros tantos conciertos de jazz y rock durante los fines de semana de Julio y Agosto en diferentes parques de la ciudad, que además grabamos en video y de los que lamentablemente sólo se conserva uno, mítico eso sí, de Hertzainak con su primer cantante Gama en el Parque de Arriaga. Mientras hacíamos todo esto, cambiamos nuestro bar de adolescencia, donde nos conocimos, por otro mucho más pequeño y cutre del Casco Viejo llamado Ja-Mi, por Javier y Michel, que lo habían montado gracias a las indemnizaciones que les habían dado al echarles de sus respectivos curros. El bar lo descubrió JB, porque se hallaba camino de su casa en el barrio de Zaramaga. Lo bueno del Ja-Mi era que sólo ponía música reggae, pues el hermano de Javi era un forofo de Bob Marley y de ese estilo musical y viajaba mucho a Londres y se traía discos que grababa en casete para que se pusieran en el bar. Evidentemente, también se fumaba mucho. Allí descubrimos a todos los grandes: Peter Tosh, Toots & The Maytals, Burning Spear, Max Romeo, Mikey Dread, Steel Pulse, Sugar Minott, Dillinger, Gladiators, Cimaroons, Byron Lee & The Dragonaires… Yo seguía teniendo el programa de radio en Radio Cadena y aproveché para meter mucho reggae y hacer publicidad del bar, que empezó a llenarse de gente y de músicos, entre estos, los componentes de un grupo de verbena llamado Drakkar. JB y yo pasábamos muchas horas en el Ja-Mi hablando, bebiendo, fumando y jugando al futbolín y al cubilote y, mientras sonaba la música de fondo, tarareábamos estrofas en castellano que nos íbamos inventando. A la vez, el casco medieval de Vitoria se iba llenando de bares con música que iban sustituyendo a los de los txikiteros de toda la vida, que cedían sus establecimientos para que tocaran los grupos locales. Los Cicatriz irrumpieron en la escena que ya contaba con Hertzainak y La Polla, aunque estos vivían en Agurain, un pueblo a 20 kilómetros de Vitoria. La zona empezaba a bullir de gente creativa y alternativa, se empezaron a organizar procesiones ateas para contrarrestar las tradicionales de Semana Santa, con pancartas como “Soy Ateo y Poteo”, firmadas por Ateos Reunidos Geyper o Herejes del 36. Para acompañar a estas procesiones, se juntaban algunos músicos que tocaban percusión o instrumentos de viento, a los que se sumaba gente como nosotros que no teníamos ni idea de tocar pero que estábamos por la labor. Por darle algún nombre a estas agrupaciones, se decidió llamarla Banda Municipal de Ska. Ahí tenemos el embrión de lo que iba a ser Potato. Pero la banda no se crea hasta que no convencemos a los miembros de Drakkar de que somos unos grandes letristas con grandes ideas que sólo necesitamos unos músicos que nos acompañen para triunfar. En aquel tiempo, principios de 1984, triunfaban los grupos punk y oi! de clara influencia británica, con Sex Pistols como paradigma. Se trataba de subir a un escenario y expresar, con cuatro acordes mal dados y cuatro gritos, toda la frustración y violencia que gran parte de la juventud sentía. Tanto social como políticamente, el desencanto era total y las drogas y la música eran la única satisfacción para mucha gente. Era un sentimiento de cabreo continuo y de desprecio a cualquier institución, que se manifestaba en los conciertos con el lanzamiento constante de botes de cerveza hacia el escenario y de escupitajos a los cantantes. Todo resultaba bastante sórdido y violento. En aquel ambiente, nosotros quisimos introducir un poco de color, de sosiego, de humor e ironía. Nos preocupaban las mismas cosas y nos sentíamos igualmente marginados y totalmente opuestos al sistema y queríamos manifestarlo pero de una manera más apacible, con un ritmo más tranquilo y sincopado que permitiera a las chicas acercarse a las primeras filas de los conciertos sin temor a ser aplastadas por el baile del pogo, recibir un escupitajo o ser alcanzadas por un botellazo. Nuestro espejo era The Specials, la banda multirracial londinense que habían sabido reciclar los antiguos ritmos jamaicanos con unas letras reflejo del momento social en el que vivían y que eran respetados por punks, mods, rockers y demás. Así que un día nos presentamos en el local de ensayo de Drakkar con una botella de whisky y las letras de “Monkey Man” en versión Specials y “Jamaica Ska”, igualita a como la cantaba Byron Lee, pero en castellano; y les convencimos. Más tarde, llevamos nuestra peculiar versión de “Punki Reggae Party” de Bob Marley. Estas letras las componíamos JB y yo al alimón. La de “Miguelín El Casero” se me ocurrió a mí después de una noche especialmente loca en la que me era imposible dormir. Cuando la cosa parecía que ya iba encaminada, se corrió la voz en el Ja-Mi de que íbamos en serio y muchos quisieron apuntarse, entre ellos Potxo, al que le dijimos que necesitábamos un trompetista y no dudó en comprarse el instrumento sin haber tocado nunca y Pako, que quiso tocar el trombón pero fue incapaz y empezó como corista, porque a nadie le decíamos que no si realmente se comprometía en el proyecto que aún estaba muy en el aire. Porque lo cierto es que de Drakkar, tan sólo el batería Timoteo Ozaeta a.k.a. Jalas y el teclista Javier Olloki a.k.a. Oki se metieron a fondo. Lo que pasa es que Oki quería tocar en la nueva banda el saxo, de modo que enganchamos a Amaia, que de pequeña había estudiado piano, para que se animara con los teclados. También mostró mucho interés Julio Díez, que se hizo con el bajo. Ya teníamos la base, porque a la guitarra contábamos con Koldo Quilchano, que era el guitarrista de Drakkar y aunque nos veía como unos chiflados, se comprometió a tocar con nosotros, al menos al principio. Conformada la banda, sólo nos quedaba el nombre y éste se le ocurrió a JB, que propuso Potato, pronunciado fonéticamente como tal por la tradición de cultivo de la patata que había en Álava, pero aportando ese toque internacional de escribirlo en inglés. Para sofisticarlo un poco más, decidimos añadir lo de “punki reggae party banda”. Una vez creado Potato, empezamos una labor de difusión y promoción firmando pintadas en todos los wc de los bares de la ciudad y en las tapias de las calles, de tal manera que sin haber tocado nunca y sin tener nadie ni idea de que era eso de Potato punki reggae party banda, habíamos levantado una enorme expectación en la ciudad. Cuando anunciamos que Potato iba a hacer su debut el 31 de Diciembre en una fiesta organizada por la emisora Radio Cadena en Álava, más de dos mil personas se congregaron para ver aquello y la verdad es que no debieron quedar defraudados, aunque tan sólo tocamos nuestras versiones de “Monkey Man”, “Jamaica Ska”, “Miguelín El Casero”, “Punki Reggae Party” y “Babilonia”, único tema original compuesto en un 90% por JB. Desde que decidimos montar la banda hasta que debutamos en público, apenas transcurrieron seis meses.

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En aquella época no había la posibilidad de escuchar las canciones en internet, ni siquiera había programas de radio de Reggae en Londres aparte de las 2 horas semanales que Rodigan tenía los sábados y otro programa de Radio London los domingos. Aparte de los Sound Systems sólo en las tiendas de Reggae se podían escuchar cientos de temas raros. A veces los escuchaba una vez pero tardé años y años en poder adivinar autores, sellos o volverlas a escuchar de nuevo. Ciertas canciones eran tan raras que sabía de su existencia por artículos o conversaciones, pero eran casi imposibles de conseguir o incluso escuchar fuera de un reducido y exclusivo círculo de coleccionistas o selectores. Algunas canciones descatalogadas tardé 15 años en poder oírlas. Hoy en día  entre Google y Youtube se tarda un minuto! Por entonces aprovechabas cada hora libre para pasarte por una tienda para escuchar música! Un par de horas libres se aprovechaban yendo a una tienda. Maná caido del cielo para un adicto al Reggae!

Y por supuesto siempre memorizaba la famosa lista de discos más vendidos del mes de Dub Vendor. Y la usábamos de referencia para nuestro programa de radio (esta lista adjuntada de éxitos del 86… que recuerdo repasamos casi íntegra en nuestro programa de radio de por entonces).

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1.Sean Paul feat. Alexis Jordan / Got To Luv U

2.Popcaan / Only Man She Want

3.Mavado / Settle Down

4.Aidonia / Bad Pickney

5.Supa Hype, Munga & Chi Ching Ching / Imma Need Security

6.Khago / Tun Up Di Ting

7. Mavado / Do Road

8.Assassin aka Agent Sasco / Convertable

9. Mavado / Final Destination

10.Aidonia / Caribbean Girls

Vía: Reggae Vibes

Me habían hablado maravillas del show que Zion Train presentaron tiempo atrás en el Nowa Reggae Festival de Vilanova. A partir de ahora seré yo quien lo haré.

La noche empezó con el triplete mágico de Badalona. Badalonians Sound & Sr. Wilson en el escenario son sinónimo de prender la mecha de cualquier fiesta. No les he visto una selección mediocre nunca. Si a esto le sumamos las no pocas habilidades del Sr. Wilson al micrófono, dándole al Rub-a-dub como pocos en esta tierra, el resultado es que te ponen a tono para lo que se avecina.

Acabar su set con “Kunta Kinte” de The Revolutionaries dice mucho de esta crew. “No dancehall inna di session, jus’ foundation” como decia Xavi. Flow.

Después de salir a echar humo a la concurrida terraza de Razzmatazz, pudimos comprobar que la sala se había llenado notablemente y que, tras algunos problemas, la sesión de Zion Train acababa de comenzar.

La puesta en escena es de lo mas simple. Nada supérflua. Incluso fría a primera vista: DubDadda es el arquetipo de hombre británico con tripa cervecera, que passaría perfectamente como supporter de cualquier club inglés. David Fullwood, el típico hombre discreto, canoso, con su camiseta con el Lion of Judah curtida en mil batallas, y Neil Perch, una máquina creativa que, impertérrito, no para quieto sirviendo en directo una avalancha sónica épica.

El show empezó con contundencia. Los ritmos steppers salían a escena sin descanso. La cosa no podía ir a menos, y puedo asegurar que no fue así. Tema tras tema el público conectaba más y más con el trio londinense. Se iba creando una atmosfera realmente de fiesta. Todos los ritmos se llevaban su forward. Las sucesivas introducciones de los temas eran repetitivas: DubDadda comentaba con el público, reclamaba ruido, hacia reverencias… Perch lanzaba un teclado solitario… entraban unos vientos… un poco de eco… y… Subgraves por la vena!

La gente bailando como posesos con cara de felicidad era la respuesta a la brutal dosis de wattios que estabamos soportando.

Llegados a este punto se ha de reconocer que el sonido de la sala ha mejorado notablemente. Nos comentaban desde Caravelle que se estaba mejorando la acústica de la sala. Doy fe de ello. Sonó brutal.

Era tal el grado de complicidad que se creó en la sala que incluso Sevi salió al escenario y se llevó el reconocimiento del público por impulsar la cultura sound system en Barcelona.

Zion Train siguieron a lo suyo mientras cada vez eran mas necesarios unos tapones para los oídos. Las creaciones Dub en directo dan mucho juego y Perch es un auténtico maestro creando atmósferas que te hacen vibrar (literalmente). La mezcla Techno-Dub machacón transporta a la audiéncia de manera irremediable hacia limbos donde no hay problemas mas allá de asegurarse que no se te rompan los tímpanos.

El desmelene total llegó con los bises. Para que seguir con steppers si podemos pasar a una especie de jungle super acelerado! El forward del público de multiplicó como los beats que salían de las pistas de Zion Train. A toda velocidad acabamos bajando las escaleras del Razz 2, como huyendo de un tsunami de sonido, que lejos de arrasar con todo, nos envolvió y nos llevó al paraíso del subgrave. Que no se escape el tren hacia Zion la próxima vez.

Texto: Ranking Rick
Fotos: Laia Buira

No puedo empezar la crónica describiendo como se iba llenando la sala, porque llegué cuando Beenie Man y su banda Zagga Zow Band entonaban ya la segunda canción. Aposentándome en las últimas filas observé una sala Bikini, que tenía cerrada la segunda parte, y el aforo no era un lleno hasta la bandera.

Beenie estaba moviendose en el escenario y ya entonaba su “Oh na na na na” con temas clásicos como Who Am I o Romie, conectando con el público más fiel de las primeras filas.

Siguió con sus movimientos de caderas y con todo un temazo como Come Again consiguió el mayor forward de toda la noche. Con este tema comprobé que los smartphones sustituyen cada vez más los mecheros en los conciertos, la prohibición de fumar y el poder tener un recuerdo en el móvil deben ser la causa.

Momento para los covers con un fugaz mix de Bam Bam y Murder She Wrote de Chaka Demus & Pliers, bien interpretado por la banda, pero la sorpresa llegó con la versión de I gotta Feeling de Black Eyed Peas, dejando a la mayoría de los presentes mudos y un poco descolocados con lo que estaban viendo, así que terminó la canción haciendo el moonwalk y con una sonrisa al público quedó todo arreglado.

Hubo menciones para los encarcelados Buju Banton y Vybz Kartel, deseándoles lo mejor, pero coincidencia o no, la canción que venía justo a continuación era King of the Dancehall, invitando a subir a media docena de chicas a moverse con él en el escenario.

Sin perder mucho el tiempo y con energía, entonó los temas Tell Me, Dude y Mmmh Mmmh, dejando para el final su single más popular del 2011: I’m drinking Rum & Red Bull.

Así se retiró, y de poco sirvieron los cuatro silbidos reclamando algún que otro tema más, para los que una hora y cuarto de show les pareció poco.

El autoproclamado Rey del Dancehall vino a hacer lo que sabe, dancehall y hacer mover a la gente con sus hits, pero parece que a este tipo de artistas hay que perdonarles que su voz en directo deje mucho que desear, y que en algunos momentos parezca que confunda el cantar con el gritar.

¿Y quien se atreve a decirle a un artista con más de 30 años en los escenarios que un par de coristas y prescindir del chico que le acompaña en la voz quizás le hubiera ayudado en esta gira europea?

Puede ser que mis espectativas fueran muy altas, así que espero tener otra oportunidad para ver de nuevo a Beenie Man, y salir del concierto con mejores sensaciones que las de esta noche.

Texto: Edu Blasi
Fotos: Laia Buira

Comienza la función. La banda se marca los primeros acordes y alguien, suponemos un road manager o promotor europeo, irrumpe discreto en escena para prender una barritas de incienso que, clavadas a conciencia en una manzana “red delicious”, serán las encargadas de disipar por la sala el humo denso y purificador del sándalo, competidor por excelencia de los efluvios de la planta santa. Apenas unos segundos transcurridos y dicho actor secundario hace una nueva aparición furtiva con el fin de depositar la maleta con las pertenencias de Perry en el escenario.

Lee “Scratch” Perry no tarda en hacer lo propio, jaleado entre aplausos y ovaciones y ataviado con un atrezzo que haría enmudecer a Paco Clavel y palidecer al mismísimo Cañita Brava. De pies a cabeza: botas de après-esquí, medias con un bandeado arco iris, pantalones piratas blancos, gafas luminiscentes, gorra de beisbol condecoradísima y alhajas brillantes por doquier, micrófono incluido. Pura extravaganza.
Han corrido ríos de tinta sobre su figura y nosotros, recelosos de ciertos medios y decididos a constatar que parte hay de cierto en todo ello y a desentramar que parte es puritita falacia, aprovechamos la visita del Dalí antillano para dilucidar varios episodios de su enigmática vida.

¡¡Sean ustedes bienvenidos al hilarante “Universo Scratch”!!

En tus primeros pasos en el panorama musical se te conocía como “Dr.Dick” (Dr.Falo), uno de tus múltiples apodos y se dice que antes de pasar una velada contigo, la mujer en cuestión debe hacer reverencias ante tu miembro. ¿Es esto cierto?

¿Reverencias al pene? No, no, no.

Clement “Coxsone” Dodd empleó a Prince Buster como guardaespaldas de algunos artistas de su factoría, siendo uno de ellos tú. ¿Era Jamaica tan peligrosa en aquel tiempo en comparación a la actualidad, que requeriste de los servicios de un escolta?

Prince Buster era definitivamente mi amigo y en Kingston necesitabas hombres malos que lucharan contra hombres malos. Yo tenía un tipo que luchaba contra hombres malos, Prince Buster y por eso era mi guardaespaldas. Juntos hicimos “Judge Dread” y se convirtió en un gran éxito. Teníamos guardaespaldas porque yo puedo combatir con palabras, con música, pero Kingston es tan agresivo que les propones una palabra y como no consiguen encontrar una respuesta, tratan de encontrar un machete, una pistola o un cuchillo. No puedes competir con la palabra, como te he dicho. Piensan que lo mejor es matarte porque tienes algo con lo que no pueden tratarte, ya que los empequeñeces con palabras. Yo consigo que gente que se cree grande empequeñezca con palabras. Las palabras son mis armas.

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Gemma Solés Coll. La Bisbal d’Empordà . 1981.

Crecí escuchando el piano y la voz de mi hermana Alba, que adiestró mi oído desde que llegué a la familia. A pesar de que mi madre se empeñara en hacernos bailar Sardanas durante la infancia, de cantar en el coro de la iglesia y entonar Habaneras en el coche con mi padre, los antiguos casetes de Bob Marley de mi hermana y la afición a Dr.Calypso o Skatalà por parte de mi hermano, que trabajaba en la radio local, junto con un disco del congoleño Papa Wemba que mi tío hizo llegar a nuestras manos algo extrañamente, fueron los primeros contactos que tuve con el universo sincopado. Y como en mi pueblo la tradición musical es casi el segundo motor económico después de la cerámica, seguramente fueron la banda bisbalense Komando Moriles los que motivaron a nuestra generación a moverse por la “escena skatalítica” de Catalunya, y conocer lo que sucedía más allá de nuestras fronteras, cuando la ausencia de internet nos separaba, y bastante, del resto del mundo. Así conocimos a bandas como Malarians o New York Ska-Jazz Ensemble, pero también ahondamos con las primeras escuchas de Skatalites o Toots & The Maytals, y nos desplazamos a festivales que nos permitieron investigar un poco más. De esta manera destapamos la caja de pandora que para muchos de nosotros solo fue el principio de una vida de melomanía.

Mi primera experiencia como cantante fue durante los noventa, en un grupo de versiones de Soul y Reggae con amigos, que no salió del local de ensayo (una antigua cuadra de cerdos que ahumábamos por las tardes). A partir de Master Kush, como nos llamábamos, empecé a hacer colaboraciones con un grupo local de versiones, con los que grabé una maqueta. Por aquel entonces mis viajes a Senegal me tenían poseída con cintas piratas que compraba en los mercados de Dakar y bandas jamaicanas y de reggae africano que conocí a través de lo que son los sound systems de allí, que suenan desde cualquier lugar y que generan auténticas pistas de baile improvisadas y polvorientas. Aquello me impresionó de sobremanera!

Al cabo de poco, montamos una banda-tributo a Marley con varios amigos del pueblo, que tuvo una corta pero intensa vida. Durante este periodo puse voz a la maqueta de la banda Delighters (Km20, 2006) y toqué con ellos durante una temporada, bajo el apodo de Lil’Soule; al mismo tiempo que empecé a cantar con los barcelonenses The Kinky Coo Coo’s, adictos y grandes conocedores de todo lo jamaicano, que me terminaron de enganchar al Reggae y al Rocksteady. Aunque el Soul y el Reggae siempre fueron mis principales influencias, fue gracias a mi amigo Genís Bou que comencé a interesarme por el Jazz. También con él colaboré en el primer disco de The Gramophone Allstars (Just Delightin’,2008) y, durante la primera etapa de la banda, puse mi voz al servicio de su música. También grabé junto a la banda de Swing y Jazz clásico Jazzadlimitum el tema On the Sunny Side of the Street (Like Nothing, 2008).

El grupo catalán de Reggae-Dancehall Pirat’s Sound Sistema contó asimismo conmigo para hacer los coros en su disco Vol.II (2007) y puse voz a un tema de Mazoni, banda de mi amigo Jaume Pla, grabando una versión de Pau Riba en su disco Esgarrapada (2007) y en posteriores proyectos como Mazoni i les Mazoni (junto a Bikimel y Helena Miquel de Delafé y las Flores Azules). De ahí surgió otra iniciativa con singles digitales llamada Cuiques, con temas de Jaume Pla cantados por mí. Y aún colaboré con los catalanes Samitier en su disco de pop Missatges de l’Aigua (2010) o con la banda de Soul ibérico Los Retrovisores, poniendo coros en uno de los temas de su disco (La nostalgia ya no es lo que era, 2010 – Flor y Nata Records).

1.Khago / Turn Up Mi Ting

2.Popcaan / Clean

3.Mavado / Settle Down

4.Vybz Kartel / Put It On Hard

5.Lea-Anna / Murder

Vía: BBC 1Xtra

Volvemos a la carga con la tercera parte de nuestro blog Vibrations. Vamos a empezar a profundizar un poco. Desde luego hay mil maneras de hacer, pero en principio vamos a intentar hacerlo bueno, bonito, y barato.

Nuestra intención es construir un sound system, un equipo de sonido. Para ello debemos entender qué es el sonido. El sonido es un tipo de energía cinética (movimiento molecular), que en este caso corresponde a las moléculas del aire que nosotros generaremos a través de un altavoz que transforma la energía eléctrica en energía mecánica que provoca ese movimiento molecular, por tanto el sonido. Llamamos sonido a esas frecuencias audibles por el hombre que se suelen situar entre los 20 y 20Khz.

Simplificando el asunto y mirando un poco a lo auténtico y más ortodoxo, podemos definir en nuestro sound system 3 partes: una primera de tratamiento de la señal eléctrica (música), otra segunda parte de amplificación de la señal y otra tercera en la que la señal eléctrica amplificada se transforma en música. Es decir, mezclador/equalizador, amplificadores y altavoces. Aparte no hay que olvidar otras partes importantes como es el cableado y la alimentación eléctrica de nuestro equipo.

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Algunos ya sabéis que acabo de volver de Kingston. Aunque el cartógrafo oficial de la ciudad de los mil pecados, del infierno en la tierra, es Nando García Guereta con su blog “Crónicas from Kingston” y aunque por supuesto entre bomberos no nos pisamos la manguera, eso no quita para que en lugar a la topografía artística por barrios con que nos obsequia de cuando en cuando, en este “Natty in de Red” nuestra topografía particular la dediquemos a costumbres, localismos, ritos y leyendas, que a más de uno le romperán cien tópicos, ya superado (supongo) el “paz y amor” jipi de los tiempos de Bob Marley. Y sí, el Don de los malos, el Weirll Boss sigue entre rejas. Dile a tu mamá que no se preocupe. Que de momento, no vendrá a cenar a tu casa.

Primer tópico: “¿Jamaica se ha vuelto lesbiana?”. ¿Pero no habíamos quedado, tan evolucionados como somos desde Europa, que era machista y homófoba hasta lo rancio?. No es sólo que Melanie Walker, Veronica Campbell, Shelly-Ann Frazer y Kerron Stewart, dominen con paso firme el atletismo femenino mundial en velocidad, o que Spice (sí la misma del himno guarro –y ¿machista?- “Ramping Shop”) diga desde el título de su último single que “Dick is the name of my boyfriend” ó que Tiana alardee del sex appeal de su vulva carnosa en “Pum Pum Phat” sobre el riddim del “Summertime” de Kartel. Es que no hay mayor diversión actual en Jamaica, más allá de las apuestas a los caballos en el hipódromo de Caymanas Park de Portmore, que por cierto acababan de robar por enésima vez en su historia cuando me vine; que los Go-Go Clubs, donde los shows lésbicos se exhiben con la misma naturalidad, que por el contrario en la calle se vuelven todo pudorosos, como un censor norteamericano viendo un pezón de Janet Jackson por la MTV.

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El regreso de Puppa Albo a los escenarios de Barcelona tan solo cuatro meses después de su visita al Cruïlla de Cultures dejó claro que el siciliano afincado en Port Antonio tiene una auténtica legión de seguidores.  La sala Apolo mostraba su mejor aspecto para recibir una dosis de reggae internacional de primer orden.

Alborosie se presentó sobre el escenario con un MOBO bajo el brazo y su último trabajo “2 times revolution”. Está en forma y plenitud. Su voz, siempre rota, ya es una de las que todo el mundo reconcocerá aunque pasen los años.

El show comenzó a ritmo de ganja anthems sin descanso. El público, entregadísimo, coreaba una y otra vez los ya conocidos “No cocaine” ,“Herbalist” y “Waan di herbs”. La banda disparaba con  contudencia  un éxito tras otro y Alborosie comenzó su particular ceremonia. Como frontman es un auténtico crack. Maneja a su antojo a la audiéncia, y la lleva por donde él quiere. Se metió a todo el mundo en el bolsillo en apenas un abrir y cerrar de ojos. Así pues,la comunión fue total.

Personalmente eché de menos algunos de sus covers mas sonados, pero no faltaron sus ya clásicos “Money”, ”Police”, ”Rastafari anthem” o “Sound killa” por destacar algunos. De las incursiones en el último trabajo destacaré “Respect” donde un acertado sampler de Jr. Reid  redondeaba una canción que acerca a Alborosie al sonido más latino (recordando a Manu Chao).

Para que el espectáculo no cojee por ningun lado. Alborosie también tira de coristas para que su show sea mayúsculo. Un ska bien interpretado y bien bailado hace subir un poco mas la temperatura de la sala.

El concierto se presentó en dos partes bien diferenciadas, incluyendo un buen descanso en el que el batería se dedicó a demostrarnos que lo suyo son las baquetas. (Impresentable versión del “Jah live” de Marley que se podia haber ahorrado).

De nuevo en el escenario y tras una introducción dub del “Can’t stand it” de D. Brown, el concierto tomó rumbo hacia un final pretendidamente apoteósico. Antes, a destacar el multi-artista que es el único miembro blanco de la banda: Canta canciones de Celentano, toca la trompeta y el teclado (a la vez!), mete efectos dub, toca el nyahbingi-sintetizador. Impresionante.

El show se cerró entre el delirio del público con el dueto “Blessings” mano a mano con la corista y el inevitable “Kingston town” que puso patas arriba al Apolo en pleno éxtasis.

Se lo tiene bien montado Alborosie. Llegó, vió y venció. Como los grandes. Y que por muchos años!

Texto: Ranking Rick
Fotos: Laia Buira

En esta crónica voy a hablar de una de las expresiones culturales mas desconocidas que hay en Jamaica, la forma de lidiar con la muerte.

El parque de los heroes nacionales se encuentra en el camino que va desde el corazon de Downtown hacia Crossroads. Este nombre lo recibió una vez que Jamaica gano su independencia. Anteriormente los ingleses lo utilizaban como hipódromo.

En sus 20 hectareas de terreno se erigen varios monumentos y tumbas de personalidades ilustres.

Entre los monumentos mas representativos estan el que recuerda a los jamaicanos muertos con el uniforme británico en las dos guerras mundiales del siglo anterior. El monumento al lider panafricanista Marcus Garvey, cuyos restos tuvieron que ser repatriados porque murió y fue enterrado en Inglaterra. Al que fuese primer ministro Donald Sangster, al fundador del PNP Norman Manley y a su primo fundador del JLP Alexander Bustamante.

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No se recuerda en el mundo del artisteo hijo mejor que padre. Acaso Tarrus mejorará a su progenitor Jimmy Riley pero aquí se acaba el cuento. Ni Andrew Tosh se equiparará nunca a Peter, nadie de la saga Marley ha escrito con letras de oro su singular apellido, Enrique y Shaila no han hecho olvidar a Julio Iglesias y Rocío Dúrcal y Paquirrín… En fin que no.

Al Griffiths no va a ser una excepción y su papá Albert, ya retirado, no ha de temer por su reinado.

Cargar en la mochila la enorme losa del nombre The Gladiators, es tarea pesada y el bueno de Al se ha hundido en el intento.

No es que sea un mal artista, canta aceptablemente con un timbre parecido al de su ascendente y se mueve con soltura en el escenario, pero precisamente esa facilidad que se traduce en una altivez al estilo chulo-guapo no encaja con el grupo que triunfó en la década de los 70.

Su padre lideraba la formación con sobriedad y humildad, la aparatosidad de unos pantalones de cuero negro chirría al lado de unas finas harmonías locales. Ni la insistente retahíla con la que nos taladraba: original Gladiators, ni el buen hacer vocal de Ruddlowe Robinson y Gallimore Sutherland, quien con su guitarra consiguió el momento más puro de la velada con “Say What You’re Saying” de Eric Morris, hicieron olvidar a los gladiadores de siempre.

Tampoco se aprovechó del excelente sonido de Bikini ni de la solvente banda con Clinton Rufus a la cabeza de operaciones, en la que sólo desentonó el trompeta, algunos se empeñan en introducir gatos en sus instrumentos.

Los remozados The Gladiators se olvidaron de sus grandes Hits de cabecera y fabricaron un “set” donde primaron las composiciones de nuevo cuño.

No parece una mala estrategia para mirar hacia el futuro (innovar nunca hace daño) aunque parece errático transformar magnas composiciones como “Mixed Up”, “Naturally” o “Stick A Bush” en deslavazadas comparsas.

Al Griffiths se hartó de preguntar al respetable: ¿Do You Want More?

En estas condiciones, un No como respuesta se considera lo más adecuado.

Texto: Barracuda
Fotos: Laia Buira

Termina la actuación de The Penguins. El numeroso público se acerca a las barras del local para avituallarse. En una esquina un personaje talludito, con bigote y cara de malas pulgas conversa animadamente con otro de aspecto más juvenil que saborea una copa de cerveza.

- Al final se han acabado animando – comenta el del bigote.

- Sí, la llegada de más gente les ha ayudado, hubieran seguido tocando durante horas – afirma el joven que apura la copa.

- ¿No crees qué les falta un poco de alegría en el escenario?

- Es posible pero yo los veo muy mejorados, sobre todo desde que han incorporado un nuevo cantante.

- ¿Cómo se llama?

- Ramón Mirabet, me han dicho que quedó tercero en “La Nouvelle Star” francesa.

- Lo veo verde.

- Mejorará, acaba de llegar, tiene buena pinta.

- ¿Cantan más temas suyos, no?

- Sí, sí, trabajan duro. Esta que se llama “I Thought You Were Stronger”, no está nada mal.

- Sigo pensando que les falta “trempera”.

- A ti sí que te falta… en fin, calla que parece que ya salen.

Nuestros amigos abandonan la barra acompañados de dos cervezas más y se dirigen a contemplar el nuevo aterrizaje de The Skatalites en Barcelona. Esta vez homenajean a Lloyd Knibb, fallecido el pasado 12 de mayo. Los músicos se plantan en el escenario y empieza la cuenta atrás.

Esta vez el teclista Cameron Grenlee inicia el descuento para atacar “Freedom Sounds” en castellano. Al huraño bigotudo se le atraganta la cerveza.

- Pero ¿qué hace? Eso es sacrilegio.

- Calla, escucha y no le pierdas la vista al saxo de la derecha, es africano, se llama Azemebo Audu. Es una bestia.

El concierto transcurre sin muchas sorpresas pero debido a la ausencia de Doreen Shaffer hay algún cambio en el repertorio habitual. El trompetista Kevin Bachelor canta “Carry Go Bring Home” y “A Message To You Rudy” con solvencia y se lucen especialmente en “A Love I Can Feel”, la novedad más sabrosa de la velada.

El show acaba y el respetable se retira con la habitual sonrisa en la boca y el estado de satisfacción que producen las actuaciones del grupo liderado por Lester Sterling, el único miembro original que aún perdura en la banda.

Nuestros viejos conocidos, ya con los ojos vidriosos por culpa de la cebada, continúan su dialogo.

- No deberían llamarse The Skatalites, sólo queda uno de los fundadores – farfulla el bigotudo.

- Pues no sé porque, nadie toca este repertorio mejor que ellos y Sterling sigue siendo mucho Sterling – balbucea el jovencito.

- El sonido no es el mismo, no tocan igual.

- No estoy de acuerdo, las nuevas incorporaciones son de gran nivel. Azemebo y también el trombonista, Andrae Murchison son dos máquinas.

Dime una banda actual de Ska que dé tan buenas prestaciones.

- No sé, no sé. Pero ya me dirás qué sentido tiene tocar el “Three Little Birds” con las maravillas que podrían interpretar.

- Ahí me has pillado. Eso sobraba.

Los amigos se despiden pensando ya en los próximos eventos de Reggae de la ciudad.

Han visto su enésimo concierto de The Skatalites. Uno ha salido protestando y el otro encantado. Si el año que viene vuelven repetirán.

The Skatalites siguen siendo The Skatalites.

Texto: Barracuda
Fotos: Laia Buira

Es lamentable que así ocurra, pero lo cierto es que, salvando gestas épicas y plusmarcas mundiales obtenidas por su inagotable cantera de atletas y velocistas (Usain Bolt, Veronica Campbell, Asafa Powell, Merlene Ottey, Donovan Bailey, Shelly-Ann Fraser, Don Quarrie, Lindford Christie…), Jamaica sólo salta del olvido más flagrante -dicen que el peor de los desprecios- a la primera plana mediática cuando se producen estallidos de violencia como los ocasionados en la circunscripción de Tivoli Gardens, al Oeste de Kingston, por la reciente petición de extradición a EE.UU. para juzgar al don dadda Christopher “Dudus” Coke. Cabe preguntarse entonces, ¿dicha violencia se produce en episodios ocasionales o la propia isla se encuentra inmersa en un ciclo de violencia que se recrudece por momentos? ¿Cómo se explica que dicha petición haya generado un revuelo semejante, con manifestaciones vecinales expresándose a favor de Dudus, reproches e insultos graves entre políticos de idéntico signo (JLP), tiroteos por parte de las fuerzas del orden y numerosos artistas más o menos reconocidos componiendo temas acerca de los sucesos y a favor de la paz?

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Quizás quienes no me conozcan en persona ( y mi sentido del humor ) se hayan tomado literalmente lo de la ” reggaeología “! ( “reggaeology”  es un juego de palabras en referencia a la ” ghettology ” del gran Sugar Minott ).

Leo en los comentarios referencias a “aprender”… como si esto fuese un curso académico! No soy ningún profesor. Tampoco soy uno de esos  músicos con una perspectiva limitada por mi profesión ( de hecho ni he estudiado teoría musical ni tan siquiera se  leer música ) y diferente de cualquier otro oyente. Como ya dije ante todo me sigo considerando un fan de la música.

En mi primera entrada quiero rendir un pequeño homenaje a las tiendas de Reggae, lugares donde he pasado miles de horas y lo que significan para mí.

Hace unas semanas cerró, 35 años después de su inaguración, Dub Vendor, la tienda de Reggae más emblemática de Londres. Para mí es un día triste que refleja una desoladora realidad y el fin de una era.

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Supa Bassie… ¿de donde viene tu nombre artístico?

En un principio mi nombre artístico como solista era Jr Bassie, el nombre me lo puso mi hermano mayor Carlos (Neetee Stereotone Sound) Fue en 1998 cuando fundamos Stereotone Sound. Todo vino por la canción “Mr Bassie“ de uno de mis artistas favoritos de toda la vida, Mr Horace Andy. Este artista y esta canción en concreto, siempre me gustaron mucho, y como soy el pequeño de 5 hermanos, me bautizaron como Jr Bassie. Mas tarde mi buen amigo Sergio (Heartical Sound) vino a pasar unos días a Valencia, y tras un show en Valencia y después de grabarle unos dubplates para su sound me dijo; tu no eres Jr eres Supa! y desde entonces me quedé con el aka de Supa Bassie como nombre artístico.

Cuéntanos un día a día en tu ciudad Aldaia, Valencia.

Aldaia es mi ciudad natal y es donde vivo, pero en realidad paso la mayor parte del tiempo en Valencia capital. Normalmente mi día a día, es organizar mi trabajo de oficina; mailing, promoción, contratación, grabaciones, ensayos, preparar mis sesiones de dj (trabajo como dj en diferentes clubs de Valencia) y estar un poco pendiente de todo el aspecto musical alrededor de Supa Bassie y Stereotone Sound. También colaboro con diferentes artistas y bandas, pero todo depende de la temporada. Si estamos en una temporada en la que escasean los shows, y nos toca trabajar en cosas ajenas a la música, lo hacemos como todo el mundo. Pero siempre intento trabajar, organizar mi día a día, y sobrevivir alrededor del ámbito musical.

¿Nos contarías un poco acerca de tus distintos proyectos musicales? Stereotone, Okokan, Supa Bassie…

Stereotone Sound, nació en 1998 de la unión de 2 programas de radio legendarios en la ciudad de Valencia, Rapapolvos y Top Vibes Fm, el director y presentador de Rapapolvos era Fandos Martínez aka Ele. Fandos también era el director y editor de la mítica revista de Hip Hop/Reggae Rapapolvos, donde colaborábamos desde Top Vibes Fm encargándonos de la parte más reggae de la publicación. Los directores y presentadores de Top Vibes Fm, eran Luis y Carlos aka Neetee & Greetee (Mis hermanos mayores). Yo siempre estaba por el estudio de la radio y terminé colaborando en los programas. En aquella época organizábamos sesiones de dj en clubs, como Top Vibes y Rapapolvos y un buen día en 1998 decidimos crear un sound system al más puro estilo jamaicano con 2 djs, un Mc, y un cantante. Por aquel entonces, yo cantaba con mi primera banda de Reggae  Llança de foc y cuando teníamos shows con Stereotone, siempre hacia mi show en formato sound system. A partir de ese momento, empezamos a salir por todo el estado español y fue cuando realmente empecé como artista solista. A lo largo de los años hemos trabajado con muchos artistas valencianos, artistas españoles, y artistas jamaicanos, tanto en shows, como en grabaciones, como en producciones de eventos. En la actualidad seguimos haciendo sesiones en diferentes clubs de Valencia como Turmix, donde tenemos una residencia semanal todo los miércoles desde hace 4 años. También estamos trabajando en producciones con artistas de internacionales, que muy pronto verán la luz… ¡Atentos!

Okokan Sound System, nació a finales del 2007, Nano Bravo y yo estábamos trabajando juntos con Stereotone Sound y teníamos una tienda de discos de música jamaicana, que a su vez la utilizábamos como oficina de producción de eventos. Sargento García vivía desde hacía algún tiempo en Valencia y nosotros no lo sabíamos. El Sargento García es un hombre muy sencillo, del barrio, y de estar pendiente de todo lo que sucede en la calle. Un día nos conocimos tras un show en Valencia, y nos invitó a ir a su radio (Radio Timbo). Nosotros le invitamos a pinchar en una de nuestras fiestas y empezamos a colaborar. Cuando nos quisimos dar cuenta, El Sargento estaba preparando una gira en formato sound system por México y nos propuso trabajar juntos, decidimos formar Okokan (Corazon en Yoruba) nos encerramos en el estudio unos meses antes de la gira, y nació el disco Okokan sound Vol-1. Estuvimos de gira por prácticamente todo México, entre Marzo y Mayo del 2008. Tras la gira por México, Nano Bravo se quedó a vivir en México, y El Sargento y yo seguimos trabajando como Okokan Sound con diferentes colaboradores durante un año aproximadamente. Más tarde decidimos cambiar el nombre de Okokan Sound System por el de Salsamuffin Sound System, que actualmente es el formato sound system de Sargento García, en el cual colaboramos diferentes artistas y músicos según la ocasión.

Como Supa Bassie, en los últimos tres años he estado trabajando y colaborando principalmente con Sargento García, sin dejar de lado mi faceta como solista y el trabajo con Stereotone Sound, pero si dedicando la mayor parte de mi tiempo a trabajar con los diferentes formatos de Sargento, Okokan/Salsamuffin Sound, ocasionalmente con la banda (Colectivo Iyé Ifè) y trabajando en Radio Timbo. Con Sargento García tuve la oportunidad de estar de gira por varios países como; España, Alemania, Italia, Suiza, Francia, Colombia, Ecuador, Argentina, Chile, La India, Malabo… Aprovechando las visitas a estos países y en concreto a Colombia, decidí quedarme algún tiempo, para conocer el país y trabajar allí como solista, haciendo shows y grabando con algunos artistas y productores colombianos. Durante el tiempo que duraron esas giras y el tiempo que pasé en diferentes países, nacieron y se grabaron varias canciones incluidas en “Crónicas de un viaje”.

Actualmente estoy trabajando en varios proyectos en solitario, en un proyecto que será un grupo con otros artistas, y centrándome en preparar la gira que me llevará a Venezuela del 1 de Febrero al 1 de Abril del próximo 2012.

Después de la gran acogida que tuvo Okokan Sound, ¿habéis pensado en continuar quizá editando otro álbum?

La verdad que lo veo un poco difícil, tanto Sargento Garcia, como Nano Bravo, como yo, llevamos muchos proyectos entre manos y en principio no hay intención de recuperar el proyecto Okokan. Sargento García esta trabajando en este momento en la promoción de su nuevo álbum, en el cual colaboré en el single de adelanto “Yo soy Salsamuffin”, Nano Bravo sigue viviendo en México y esta trabajando en sus proyectos, y yo estoy en Valencia trabajando en mis grabaciones, con Stereotone Sound, con Red Gold and Green Band y con Old School Band.

La verdad que a mi personalmente me gusto mucho el disco de Okokan, y pienso que era un proyecto muy interesante, pero por diferentes motivos nos vimos obligados a decidir dejarlo y parar ese proyecto.

En bastantes de los temas que forman parte de “Crónicas de un Viaje” se puede ver que la base es de Internet… explícanos un poco el proceso de creación de estos temas.

“Crónicas de un Viaje” es una recopilación de canciones grabadas en diferentes estudios, en varios países y con diferentes productores entre el 2008 y el 2011. Puedes encontrar instrumentales y colaboraciones con bandas de instrumentación real, como instrumentales hechos por productores, como bases descargadas de internet como muy bien dices. El hecho de utilizar bases instrumentales de internet es bien sencillo de entender. Utilizar instrumentales en los cuales otros artistas han grabado es muy particular de la música jamaicana, y trabajando a la vieja usanza y por comodidad, decidí utilizar varias versiones instrumentales de ciertos riddims que me gustaron, y que me tocaron la fibra.

La forma de trabajar es sencilla, diferentes artistas y productores me plantearon grabar sobres sus ritmos, y me hicieron escucharlos. Cuando escucho un instrumental que me gusta, siento algo así como cosquillas en el estomago, y automáticamente empiezo a escribir sobre el instrumental, sintiendo la necesidad de encerrarme en el estudio para grabar la canción.

En resumen, esa fue la forma de trabajar y de crear las canciones, tanto con las bases que me hicieron llegar diferentes productores, como con los instrumentales de internet que me gustaron.

¿Dónde ha sido producido el álbum?

Como te explicaba en la pregunta anterior, “Crónicas de un Viaje” es una recopilación de canciones grabadas en diferentes estudios, en varios países y con diferentes productores entre el 2008 y el 2011. La revisión final del trabajo, la elección de los temas y el master, se hicieron en el Tuffies Yard Studio de Valencia de la mano de la Stereotone Family.

En “Crónicas de un Viaje” Puedes encontrar canciones que se grabaron pensando en este trabajo, como canciones que salieron en trabajos de otros artistas como “Ganjah “ con Jahsta que apareció en el ultimo álbum de Jahsta, donde mi parte vocal fue grabada en Valencia, y posteriormente mezclada por Roberto Sanchez en A-lone, “Tu sonido va a morir“ con Daddy Maza que fue grabada en Valencia , y después mezclada en Alemania para el Gym riddim en los Kingstone Studios, “Brown skin girl” que fue grabada, mezclada y producida por Paupa Man (Contratempo/Bambiriling) en Castellón para el Dancing Mood Riddim , “Señorita” y “ Me dices te quiero” que fueron grabadas en Valencia en el Mad Lions Studio, producidas por Stereotone y que salieron en formato single de vinilo, o la canción “Original Raggamuffin” que se grabó y mezcló en Valencia, sobre un Real Rock riddim que me hicieron llegar dese Usa, interpretado por la Andrew Diamond Band de California.

Sabemos que Valencia ha sido la cuna del reggae ibérico… ¿cómo ves la escena valenciana en la actualidad? ¿Qué artistas destacarías?

Actualmente la escena Valenciana está un poco más dormida que en épocas anteriores, existen muchas bandas, artistas, djs, sound systems, asociaciones y promotores que trabajan por y para el Reggae pero realmente cada vez hay menos salas, bares, y clubs donde programar Reggae. Eso evidentemente no es bueno para la escena, aunque existen sitios como Juanita Club y Dub Club donde la banda sonora es el Reggae, y siguen apostando por la música que tanto amamos.

Respecto a los artistas y bandas que destacaría, hay muchos que me gustan y se les tiene que reconocer su trabajo y dedicación. Alguna de mis influencias mas directas desde bien joven del Reggae valenciano y que me gustaría destacar son Jah Macetas y El Rumbero Jamaicano (R.I.P) Mandievus y los Naturals y Alberto Tarin.

Destacaría también el trabajo y empeño de las backing bands: Red Gold and Green (con músicos de Jah Macetas/ Naturals/Survival) y Old School Reggae Band (Antiguos Llança de Foc).

Tampoco nos podemos olvidar de los veteranos Ki Sap/Shake it ups, de Dr Jau y los Golden Singles Band, de El Gran Miércoles y de varias bandas jóvenes que están trabajando muy bien como The Skafeinats, The Offbeaters, Black Rice o la Gang Band.

Como artistas solistas destacaría a Alberto Gambino, Mandievus, Queen Smiley, Edu Altarriba, Jah Berning, Ital Erik, Natxo Dreams, Don Dadda, Supa Litros, Kinky Bwoy, Aripa, El Papado y Dodo Ashanty

Y de la escena española, ¿a quién destacarías?

Hoy x hoy existen muy buenas bandas, y grandes artistas en la escena Reggae Española. Como bandas bajo mi gusto personal destacaría Roberto Sanchez y Lone Ark Riddim Force, BDF, Ambassah, Txilum, Jah’sta, Contratempo, Rockers Roots, Chalwa, Emeterians y South Fire entre otros.

Como artistas solistas Sr Wilson, Jah Nattoh, Miguel Arraigo, U-rie, Pekeño Zergiote, Dactah Chando, Paupa Man, Aniki, Daddy Maza, Mr Karty, Irie Souljah, Ras Lutah, King Konsul, Roe Delgado, FRAC, El Hermano L, La Puta Opepé, Swan Fyahbwoy, Shabu, Lasai Man, Mr Rango, Little Pepe, Pinacle Rockers, Tosko Man, Hector Banton, Kingder, JML, Dakaneh y Novato.

Seguro que me olvido de algunos artistas, pero son muchos hoy por hoy la verdad…

¿Cómo surge tu amor por el reggae?

Como te decía antes, soy el pequeño de 5 hermanos. Mi hermano mayor Manuel, escuchaba mucho Reggae a finales de los 70s principios de los 80s. En esa época todavía estaba vivo Bob Marley y se puede decir que estaba un poco de moda el Reggae en España.

Mis otros dos hermanos mayores (Neetee and Greetee / Stereotone sound) escuchaban muchos discos de artistas que fueron editados en España como Bob Marley, Peter Tosh, Capital Letters, Dr Alimantado, Jimmy Cliff , Reggae Regulars y los míticos recopilatorios “Sabor a Reggae”. Compartíamos habitación en casa de mis padres, y como buen hermano pequeño terminé enganchadísimo y enamorado de la música que escuchaban ellos.

¿Nos adelantarías alguno de tus futuros proyectos?

En este momento estoy preparando diferentes proyectos en solitario, y un proyecto en formato grupo con otros artistas. Pronto tendréis noticias y sabréis de que hablo, pero de momento no puedo adelantar más, por que como dice el refranero, a boca cerrada no entran moscas…

Texto: Pedro ACR

Quiero dedicar esta entrada a mis colegas/hermanos de esa ciudad de la que el gran Juan Manuel Serrat cantaba excelencias, Que bonito es Badalona en invierno y en verano! Gracias a gente como Dance Crasher y Badalonians, y tantos otros que por mil rincones perdidos siguen empecinados en preservar un legado artístico que sin su devoción y trabajo estaría en peligro de extinción, ya que desgraciadamente en Jamaica no tienen interes por su propio legado historico. ¡Va por vosotros!

Este es un viaje muy alejado de las dos anteriores entregas que digamos eran de “rabiosa actualidad”, este es un viaje en el tunel del tiempo a una de las paradojas más surrealistas que uno pueda imaginar, la importancia una institución católica en una isla marcadamente antipapal. Vaya por delante que yo me declaro ateo, pero no solo no simpatizo con el catolicismo, si no que en mi opinión y sin tratar de ofender a los pocos interesados en mi columna que practiquen esta religion, no puedo por menos que opinar que las religiones no son mas que farsas. El hecho de que la jerarquía católica sea un nido de corrupción no quita para que muchas personas bienintencionadas que son parte de la iglesia católica practiquen con sus ejemplos lo que proclaman con sus palabras y hagan auténticas heroicidades por ayudar al prójimo, y este es el caso que nos ocupa en la inmensa personalidad de la Hermana Maria Ignacia Davies -si estoy equivocado y existe un dios seguro que la tendra en su gloria-

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FMI. Deuda Soberana. Crisis internacional. Desempleo. Recortes y empobrecimiento popular. Revolución social. Seguro que son conceptos que te suenan absolutamente actuales, y lo que es peor directamente relacionados con tu bolsillo y tu dignidad. Sin embargo, repasando la historia, uno descubre que cuando los indignados del 15-M van, los jamaicanos, esos negros pobres e ignorantes de una pequeña isla en el Caribe, y más en concreto aquellos que todavía conservan cierta conciencia rasta, vuelven, porque en JA, en esta nueva encrucijada histórica mundial, como en tantas otras cosas, ya han ido y vuelto varias veces. Lee y aprende para tomar tus decisiones frente a la próxima cita electoral del 20-N.

¿Los jamaicanos, como los españoles, son mayoritariamente de izquierdas?. El tópico dice que sí, sea lo que sea, lo que eso signifique. Existen unas constantes comunes bien arraigadas en el acervo cultural popular en ambas sociedades, que parecen confirmar el aserto. Sin embargo, a la esperanza de los pueblos, siempre va anudada una contrapartida de decepción, humillación y escepticismo de la que es difícil escapar…

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Hoy es el día en el que por primera vez, quizás en toda la historia de la humanidad, los pueblos de todo el mundo nos unimos. Y lo hacemos para tomar conciencia de que el cambio global es necesario, un mundo a escala humana, en el que la igualdad, la fraternidad y la justicia sean por fin el eje vertebrador de nuestras sociedades.

Todos los imperios del mundo tienen un final, y esta crisis parece el principio del fin de este imperio capitalista occidental.

Hoy es un día para estar alegre, y así lo sentimos desde la Asociación Cultural Reggae, porque entre todos vamos a construir un mundo mucho mejor, un proceso que empezó hace mucho pero que ahora se empieza a hacer masivo. Cada día somos más los que hemos despertado.

Así que hoy unete a la manifestación de tu ciudad, que no te lo cuenten, se parte del cambio que deseas.

Hagamos por fin que el espíritu del ONE LOVE reine sobre la tierra.

Más de uno se llevo a engaño.

Las letras que formaban la palabra Steel Pulse lucían gigantescas en el cartel promocional del concierto y empequeñecían la realidad.

Esta vez David Hinds, no cantaría con la banda de toda su vida sino que lo iba a hacer acompañado del Sound System francés Kill Dem Crew. Una estrategia publicitaria lícita, todo estaba bien explicado aunque fuera en estilo pitufo, pero que acabó confundiendo a una parte del personal.

La mayoría esperaba encontrarse con aquellas melodías cambiantes e hipnóticas que a veces descolocaban, que siempre conmovían y las hallaron enlatadas y mutadas, servidas por un sound que propinó una sesión de prólogo en tono indigesto que no presagiaba nada bueno.

También soñaron con reencontrarse con los trinos de una voz inimitable y se sorprendieron cuando apareció fría en un inicio acústico inhabitual.

Impacientes y aburridos, algunos desfilaron para encontrar emociones más satisfactorias. Creían huir del desastre.

¿Desastre? Yo no diría tanto.

Cierto es que en un intento de darles otros vientos, las canciones sonaron algo más ralentizadas, faltas de frescura pero conforme avanzaba la noche aquel sonido en principio pesado se iba transformando en envolvente y casi subyugador. Buena prueba de ello fue la versión de “Handsworth Revolution” que sonó muy convincente.

La voz de Hinds está desgastada y pedía a gritos (afónicos) unos coros de socorro, pero su magnetismo sigue intacto. Escucharle entonar “Rally Round”, “Ravers”, “Sound System” o “Roller Skates”, es volver a abrazar algunos de los más esplendorosos momentos que nos ha dado el Reggae creado fuera de Jamaica e incluso dentro de la misma isla.

Creador de ritmos inolvidables y propios, David Hinds también introdujo con buen tino algunos ajenos como “Last War” o “World A Music” de Ini Kamoze en el acertado intento de abrir nuevas fronteras y adhesiones.

El nativo de Handsworth (Birmingham), materializó un set corto, chocante, pero motivador y excelentemente iluminado. Mejorable pero prometedor.

Sea con banda, sound, patinete o haciendo el pino, David Hinds es demasiado importante para ningunearlo o no prestar atención a sus nuevas inquietudes.

Muévase por donde se mueva seguiremos, sin desfallecer, las conmociones que aún desatan su personalidad y sus legendarios, bellos e interminables dreadlocks.

Texto: Barracuda
Fotos: Laia Buira

Vinieron. Ellos tenían la Biblia y nosotros teníamos la tierra.

Y nos dijeron: “Cierren los ojos y recen”.

Y cuando abrimos los ojos, ellos tenían la tierra y nosotros teníamos la Biblia.

El único descubrimiento que ocurrió el 12 de octubre de 1492, fue que América descubrió el capitalismo. Cristóbal Colón, financiado por los reyes de España y los banqueros de Génova, trajo la novedad a las islas del mar Caribe.

Desde la Asociación Cultural Reggae queremos recordar que después de más de cinco siglos de expolio por parte de los países Occidentales ha sido aniquilada una tercera parte de las selvas americanas, está yerma mucha tierra que fue fértil y más de la mitad de la población casi no tiene que comer.

Los indios, aquellos sobrevivieron al genocidio (no como los Arawak, genuinos habitantes de Jamaica totalmente exterminados por enfermedades y la espada),  son víctimas del más gigantesco robo de la historia universal, siguen sufriendo la usurpación de los últimos restos de sus tierras, y siguen condenados a la negación de su identidad. Se les sigue prohibiendo vivir a su modo y manera, se les sigue negando el derecho de ser.

Al principio, el saqueo fue ejecutado en nombre del Dios de los cielos. Ahora se cumplen en nombre del dios del Progreso.

Tampoco nos queremos olvidar de que el proceso iniciado el 12 de Octubre sirvió también para que se recrudeciera uno de los episodios más vergonzosos y atroces de la historia de la humanidad: la diáspora africana.

Por eso desde la ACR no tenemos nada que celebrar, este es un día de denuncia y de recuerdo para nuestros hermanos americanos y africanos.

El viernes 7 nos dirigimos a Málaga el equipo de Blood & Fyah Sound para disfrutar de un fin de semana de gran importancia para el reggae nacional y la cultura del sound system. Para empezar Positive Sound y Zion Sound organizaron la noche del viernes el evento Málaga The Ring que contaba con un elenco de grandes sound systems nacionales. Esto sirvió como entrante para el Málaga Reggae Sound Clash (Madrid vs Barcelona) organizado por Wadada Promotions, que ha sido el primer Tag Team Clash (competición por equipos) a nivel nacional.

El cartel del Málaga The Ring (King Horror, Skorea Sound, Smoka Sound, Positive Sound, Zion Sound y Mufaya Sound) prometía no defraudar al amante del reggae. Tuvimos el placer de hacer el warm up de la party que, aunque no se terminó de abarrotar, se compensó con la gran calidad del sonido y las sesiones que se escucharon esa noche. Mientras, en la puerta de la sala, se escuchaban conversaciones sobre el clash de la siguiente noche,  posibles ganadores y dubplates.

Al día siguiente nos presentamos antes de la apertura de puertas para cubrir el gran evento y realizar el reportaje fotográfico. Cuando llegamos parecía no haber mucha gente, cosa que cambió conforme pasaron las horas y fueron llegando al lugar una gran representación de la mayoría de las sound systems de la península, convirtiendo aquello en un reencuentro para muchos conocidos.

Para caldear el ambiente de war, Wadada Sound se preparó un espectáculo de alto nivel y justo antes de terminar la sesión, salió al escenario a hacer su debut una niña de doce años llamada Sky, la cual cantó sobre el I love riddim y se hizo un impresionante acapella del tune Three Little Birds de Bob Marley. Agradecer a Lion Selecta por su gran esfuerzo al estar convaleciente.

Empieza el Sound Clash con Payo explicando las normas, el funcionamiento y presentando el jurado a la massive, mientras entran los dos equipos y se sitúan a ambos lados del escenario dejando el trofeo en zona neutral. El sorteo designa que empiezan el equipo formado por Fire Warriors y Urtica Sound.

La ronda libre comienza con Najib al micro con mucha fuerza y con ganas de guerra, como primero suena un nominativo de Romain Virgo y después empiezan a tirar dubplates más bien oldies como Max Romeo, Sister Nancy, Eek A Mouse…, para agotar posibilidades posteriores al equipo contrario. Se empiezan a ver estrategias de Clash y una excelente coordinancion entre los dos sounds de la ciudad condal. Cuando es el turno del equipo de Madrid se vislumbran tensiones entre los dos equipos, Mista T al micro presenta un plate de John Holt y tunes más variados, desde Max Romeo a Mavado, terminando en un pedazo de Gyptian que levantó a la sala. La votación elige como ganador a Chalice y Kachafaya y el marcador se estrena con los dos primeros puntos para la combinación madrileña (Barcelona 0 – Madrid 2).

La segunda ronda, que es la de Reggae en español, el equipo catalán apuesta por una ronda de artistas Reggae de la tierra: mueve a toda la massive con un tema de soca de King-Der, un excelente nominativo de Hermano L y, para terminar, utilizan una estrategia de big tunes de hip hop españoles. El equipo madrileño hizo una ronda de artistas más amplia, que incluyó nombres tan importantes como Little Pepe, Shabu, RapsuskleI, Morodo, Cobra, Bezea, Swan Fyahbwoy…, y el punto de la ronda se lo llevan ellos. El marcador queda Barcelona 0 – Madrid 3, momento en el que se inicia una discusión por un fallo de la organización en cuanto al equipo con el que pinchaba cada bando, pero se decide no penalizar y prosigue el Clash sin que tenga más trascendencia.

La ronda de New Roots se inicia con Skarra Mucci y el tune My Sound dando en el clavo. Después dejan claro, con un soberbio alardeo de Gappy Ranks, que tienen muy buena relación con el artista. Los madrileños abrieron su turno con un fantástico Capleton en en Liberation riddim, a lo que siguió una muy buena selección en la que triunfaron Marlon Asher y Tanya Stephens. Esta ronda la votación estuvo más ajustada pero el punto terminó siendo para el equipo catalán, con lo que el marcador se equilibra un poco Barcelona 1 – Madrid 3.

En la cuarta ronda, dedicada a tunes de Dancehall, los sounds barceloneses sacan sus armas: Bounty Killer, Konshens y Busy, para terminar con un Mavado picante. Kachafaya y Chalice hicieron muy buena respuesta a Barcelona lanzando un General Levy para empezar y cayeron Beenie Man, Bounty Killer, Vybz Kartel y Assassin terminando fallidamente con un tune de los raperos neoyorquinos Mobb Deep, sobre una instrumental de producción propia. Esto sería un motivo para que los dos puntos subiesen en el marcador de Barcelona, consiguiendo una puntuación de Barcelona 3 – Madrid 3

Se llega al Dub Fi Dub, en el que solamente valen tunes hasta el año 1980 inclusive, con un marcador en empate. Hasta el quinto tanto existió una lucha reñida llevando la puntuación igualada, en el que sonaron Steel Pulse, Toots, Sugar Minott…, después pareció adelantarse Barcelona con una combinación de U-Roy y Jonh Holt, así como un Pionners. Pero Madrid se termina de recuperar con el tema de 96 Degrees de Third World terminando la ronda final con la misma puntuación, decidiéndose todo el Clash en un dubplate a muerte. El primero es Madrid que apuesta por un soberbio Ken Boothe y Barcelona responde con un gran as que llevaba guardando largo tiempo ya, un as en forma de Gregory Isaacs. La votación tuvo que ser repetida ya que al jurado no le quedaba claro, pero al final Fire Warriors y Urtica Sound ganan el punto y por lo tanto se proclaman ganadores del Málaga Reggae Sound Clash.

¡Felicitaciones al Barcelona Team; Urtica Sound y Fire Warriors!

Y por último dar gracias a los promotores y todos los sound systems que han participado por ofrecernos un sound clash de calidad.

Texto y fotos: Blood & Fyah

A estas alturas han corrido ríos de tinta sobre lo prolijo de la cantera catalana de músicos talentosos para la formación de nuevas bandas de música jamaicana. No voy a negar que algo de cierto hay en ello -cuando el río suena…-, pero en buena medida también han subyacido ciertos intereses en alimentar el mito.

En el caso que nos ocupa, el proyecto The Gramophone Allstars (TGA) es un spin off de The Delighters, cuya finalidad principal era la de desarrollar en plenitud la faceta más jazzística que comenzaba a aflorar en su alma máter compositiva, el saxofonista Genís Bou -quien responde gentilmente a esta entrevista-.

Tres de años de trayectoria y tres par de trabajos en el mercado -“Just Delightin” (Silver Bullets, ´08), “Simbiosi” (Liquidator, ´10) y “Levitant a la deriva” (Liquidator, ´11)- nos permiten descubrir una gema que, a falta de ser pulida, brilla con la luz que irradia su vocalista Judit, hábilmente sustentada por jóvenes músicos de jazz en formación.

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Luchar contra dos gigantes como son un domingo por la tarde y un partido del Barça aunque éste no sea precisamente crucial, deviene siempre en derrota asegurada. Ni los titanes pueden con ello.
Así pues la primera visita de Don Carlos a Barcelona, se saldó con un tímido fracaso de público pero con un notable triunfo artístico. Ése que se perdieron los que optaron por el “pack” cervecita, palomitas y sofá en lugar de disfrutar de un singular artista. La pereza induce muchas veces al fracaso.

No creemos engañar a nadie al afirmar que a pesar de ser uno de los fundadores de Black Uhuru y de poseer una discografía estimable, el de Kingston nunca ha sido un primerísimo espada en esto del sonido jamaicano, pero vistas sus prestaciones actuales que dejarían en calzoncillos a más de dos, constatamos que lo que se cocía antaño tenía mejor aroma y sabor que muchos de los platos indigestos actuales.

Elegante, simpático, con voz cuidadísima, se metió a sus seguidores en el bolsillo en un santiamén.

Empezó a elevar su figura, ya de por si enorme, con una primorosa lectura de “Dice Cup” y se transformó como si fuera Gulliver en Liliput en las esplendorosas “Johnny Big Mouth” y “Tomorrow Is Another Day”.

“Oh Girl” no la llevaba en el repertorio pero la cantó “A Capella” a petición de un entusiasta espectador. El recuerdo de su época en Black Uhuru fue para la tremenda “Who’s Coming To Dinner”, donde puso en su sitio a Michael Rose, estupendo cantante pero muy pagado de sí mismo y en evidentes horas bajas.

La Dub Vision Band, formación británica que le acompañó, se mostró apelmazada en un principio para ir mejorando al transcurrir del show. Faltos de soltura en algunas fases consiguieron su mejor entendimiento con el jamaicano en “Lazer Beam” que a la postre se erigió en lo mejor de la noche. El espíritu jazzístico de la banda relució en un colofón de estilo reggae-swing que dejó entrever que quizás sean más aptos para otros menesteres.

Para el final quedaron entre otras un fenomenal “cover” de “Every Day Is Just a Holiday”, la maravilla creada por The Sensations y una potente “Satta Massagana”, vitoreada como de costumbre.

Los 80, una década insulsa tanto en el cine como en lo musical que muchos en el empeño de desenterrar lo imposible y no inventar, resucitan constantemente. Unos años que en el campo de la reggae-music nació un germen nuevo que iría asentándose con mayor o menor fortuna. Uno de sus representantes se dejó caer tras largo tiempo de espera para demostrar que no todo fue sombrío en aquella época y que su mejor cosecha aún sigue viva. Con ustedes el señor Carlos, Don Carlos.

Próximo destino: David Hinds.

Texto: Barracuda
Fotos: Xavi Guillamon (Papa Dick / Soundsystem FM)

“Una tarde me encontré con la melancolía y descubrí qué para hablar con ella hacía falta algo de poesía”.

La poesía, cursi para muchos y la voz del alma para otros. Procedente de las clases altas en muchos lugares pero también de los suburbios. La poesía desde sus orígenes se caracterizaba por tratarse de una comunicación no destinada a la lectura, sino de una representación realizada ante un auditorio por un individuo o un coro con acompañamiento de un instrumento musical.

En cierto modo, toda expresión artística es poesía. Una forma de ser, vestir, andar, hablar y actuar ante la vida puede ser poética. Hay privilegiados que nacen con un don para ella. Ante los sentimientos de fracaso, ellos siempre tienen una segunda estrofa que añadir a la tuya y terminar esa “poesía” de una manera más positiva o con un cierto aliento de esperanza.

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Antes de nada dar la bienvenida a los nuevos compañeros de blog, Daggabway y Cai. Buena idea por parte de Lalo que las nuevas generaciones den su punto de vista sobre dos aspectos tan importantes como son el baile y también como no, los Sounds. Junto con las atinadas críticas de Barracuda, las afinadas observaciones de Monty, las historias caribeñas de Thunda (por cierto, se echan de menos que no hayan más) y la aportación de un servidor la oferta del Reggae-Blog.net de la Asociación Cultural Reggae creo se refuerza. Respeto máximo para la ACR y todos los que aquí colaboran.

A lo nuestro, después del maratón de Gaza pasaremos al otro lado, una visita por el Gully Side y su máximo exponente, David Constantine Brooks, AKA Mavado, AKA Gully God.

La ciudad de Kingston limita al sur con el malecón que da a la bahía de Kingston, el resto se encuentra rodeada de montañas, excepto una pequeña franja al lado de la bahía por donde circula la Mandela Highway con rumbo a Spanish Town la antigua capital…

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15:20. Terminal 1. El Prat Vuelo. VY8465. Después de unos minutos de retraso, aparecen Konshens, Darrio y Raffael de Magic Box por la puerta de salida.

Cuando llegamos al hotel los soundbwoys ya estaban esperando, la sesión con más dubs hasta la fecha en la gira a cargo de Skorea Sound. Como primeras impresiones, Konshens es un artista abierto, conoce Europa y como es la gente de aquí, fácilmente puedes hablar con él y con Darrio,…

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La Asociación Cultural Reggae, a través de sus páginas www.reggae.es y www.acreggae.com y físicamente a través de sus integrantes y amigos en Bilbao, quiere ser parte incondicionalmente de la oposición al desalojo del centro cultural autogestionado Kukutza III de Bilbao. Suponemos que os ha llegado a través de los medios de comunicación información, posiblemente sesgada, sobre las acciones que se están tomando en Bilbao en contra de uno de los espacios culturales autogestionados más importantes del cantábrico y las respuestas de la población.

Kukutza IIIes un centro cultural autogestionado ubicado en el barrio bilbaíno de Rekalde. Su historia merece la pena, es una de las historias de movilización ciudadana, de trabajo en equipo, de un barrio y miles de personas remando juntas en una dirección y consiguiendo objetivos imposibles al margen del apoyo (o más bien con la oposición) de políticos, instituciones, gobernantes y la ley. Unión de niños, jóvenes, ancianos, gente de toda clase y distinción social ha aportado y se ha servido durante lustros de Kukutza. Especialmente a la gente de fuera de Bilbao os pedimos que dediquéis un rato a ver este documental donde podéis informaros de cómo, cuándo, dónde y por qué se formó la que posiblemente ha sido y sigue siendo un ejemplo para muchísimas otras iniciativas culturales autogestionadas:

En serio, merece mucho la pena que lo veáis.

Otra visión diferente la podéis encontrar en el espectacular Lip Dub que hicieron este mismo verano para llamar la atención sobre el peligro que corría el centro:

Kukutza y el Reggae

Durante todos estos años Kukutza ha servido de rampa de lanzamiento a multitud de proyectos relacionados con nuestra música. Bandas bilbaínas, vascas, nacionales, internacionales… la lista de grupos de Reggae que ha tocado dentro de Kukutza es absolutamente interminable. La propia Asociación Cultural Reggae, como miembro del extinto movimiento cultural Mamut que aglutinaba a seguidores de música negra de la zona, participó en la creación de una fiesta-jornadas en Kukutza hace unos años con la presencia de casi toda la escena Reggae de la zona.

No en vano, dentro de todas las adhesiones que está viviendo el centro, ayer (casualidad el día del desalojo), iba a haber un concierto Reggae. Itziarren Semeak, Bilbomatiks y Akatz iban a tocar gratuitamente, sumándose así a centenares de artistas e intelectuales en el apoyo a Kukutza III. Pero llegó el desalojo y, lógicamente, el concierto no pudo darse dentro de Kukutza.

Fiesta Mamut en Kukutza durante el concierto de Akatz

Lejos de amedrentarse, los componentes de estas 3 bandas decidieron que el concierto se iba a dar pasara lo que pasara y así fue. Las 3 bandas actuaron ayer, a las 19:00 horas, en la plaza de Rekalde, a escasos 200 metros de la entrada del centro donde centenares de policías antidisturbios permanecían en pie de guerra. De hecho, ayer a la tarde, un poco antes, a las 17:00 hubo una manifestación que había sido convocada con sólo 12 horas de antelación y que reunió a miles de personas: niños, padres, jóvenes, ancianos… y que acabó con innecesarias y absolutamente desmedidas cargas policiales. Desde la ACR queremos apoyar y dar la enhorabuena y las gracias a las 3 bandas por tener el coraje suficiente para ponerse a tocar en medio de ese clima de tensión para esa gente que había sufrido esas cargas, arriesgándose ellos mismos y sus equipos e instrumentos a verse en medio de una carga policial, como estuvo cerca de pasar.

Y es que mientras Akatz interpretaba “Aguafiestas”, la policía (puede que dándose por aludida) realizó unas cargas contra la multitud sin llegar a entrar en la plaza. Eso provocó una momentánea estampida del público que disfrutaba del concierto-protesta, que muy pronto volvió a ocupar su lugar de nuevo. El concierto acabó con humor, con Akatz invitando a músicos de otras bandas a interpretar un Monkey Man con un estribillo vacilón que acabó siendo coreado: “Azkuna (alcalde de Bilbao) es un Monkey Man”.

Akatz actuando el día del desalojo

¿Qué ha sucedido?

Se ha dictado una orden de desalojo a petición del propietario para derribar el centro y construir posteriormente viviendas de venta libre a petición de su propietario, una empresa cántabra llamada Cabisa. A priori, desde fuera, y con lo que se está contando (que es eso y nada más) parecería que no hay razón para oponerse. Pero hay unas cuantas cosas más a tener en cuenta.

¿Por qué Kukutza III no debe derribarse?

Hay cientos de miles de razones para no derribar Kukutza III. Se podría hacer una lista infinita, pero como todas esas razones os las podéis imaginar, cada uno tendréis las vuestras y nosotros las nuestras, lo que sí vamos a enumerar es algunos argumentos de tipo legal que avalan la supervivencia de Kukutza:

• Cabisa es una empresa vinculada en casos de corrupción urbanística en Cantabria. Ahora mismo hay un juicio contra 20 técnicos municipales y 2 ex alcaldes de Castro Urdiales por presunta prevaricación en la concesión de licencias a esta empresa. El alcalde de Bilbao parece que quiere seguir el mismo camino.
• Cabisa compró a precio de saldo este pabellón como suelo industrial no urbanizable. En 1995 la Asociación de Vecinos y Vecinas de Rekalde solicitó al ayuntamiento la recalificación de estos terrenos de suelo industrial a suelo destinado para equipamientos en un barrio sin ninguna infraestructura cultural. Un barrio que tiene más de 20 000 habitantes y está completamente pegado a barrios como Indautxu, Basurto o Irala, lo que convertiría a cientos de miles de personas en destinatarias de este suelo.
• El ayuntamiento no sólo no hizo caso a los vecinos sino que recalificó el suelo en urbanizable, disparando descomunalmente su valor de mercado en una actuación tremendamente sospechosa y que recuerda a muchas otras vividas en todo el país y a la que mantiene a esta empresa en litigios por el vecino municipio de Castro Urdiales.
• Se ha solicitado además al Gobierno Vasco que el proyecto Kukutza III sea reconocido espacio cultural protegido al amparo del artículo 22c de la Ley de Patrimonio Cultural. Si el GV acepta estudiar el caso la demolición de Kukutza debe de ser paralizada hasta ser resuelto el expediente.

Actualizaciones

Aquí iremos actualizando la información que nos vaya llegando sobre todo lo que está pasando allí.

• 21 de septiembre, 5:00: La Ertzaintza con cientos de efectivos, armados y con tanquetas y con un helicóptero realizan un desalojo violentísimo, desproporcionado y brutal del centro Kukutza III. Aquí podéis ver fotos del desalojo.
• 21 de septiembre 12:00: la jueza ha paralizado el derribo de Kukutza horas después del contundente desalojo.
• 21 de septiembre, 18:00: una manifestación pacífica integrada por miles de personas (5000 según Gara, 4000 según El Correo, 350 según Intereconomía) recorre las calles de Rekalde. Cuatro idiotas que no persiguen el objetivo común manchan la marcha lanzando algunos objetos contra la policía. La policía autónoma responde con cargas y violencia desmedida contra la población.
• 22 de septiembre, 10 de la mañana: Se ha convocado a todo el mundo a una concentración a las 12:30 en los jardines de albia, frente a los juzgados, durante el juicio donde posiblemente se decida el futuro de Kukutza. Así mismo se convoca a todo el mundo a una manifestación pacífica a las 20:00 en la plaza de Rekalde.
• 22 de septiembre, 14 horas: cientos de personas se han manifestado pacíficamente en las inmediaciones del palacio de Justicia de Bilbao coincidiendo con la vista rápida donde se está decidiendo el futuro de Kukutza III. Además, responsables de Kukutza han dado una rueda de prensa donde han presentado 40 partes médicos para aclarar que no hubo sólo 3 heridos como dijo el sr. Ares, consejero de interior. También han aprovechado para recordar la existencia de una marcha pacífica esta tarde las 20:00 en Rekalde.
• (22/09, 15:45): Varias fuentes nos comentan que la Ertzaintza ha cargado con desproporcionada violencia contra la multitud que se congregaba en las inmediaciones del palacio de justicia. Todas coinciden en afirmar que no ha mediado ningún tipo de provocación, pero no podemos corroborarlo al no haber estado presentes. Podéis seguir todos estos acontecimientos a través de Arriaga Irratia en su twitter donde van informando de primera mano y colgando vídeos de lo que va sucediendo: twitter.com
• 22/09 21:00: La manifestación está transcurriendo por cauces pacíficos con miles de personas. Podéis seguirla en directo en vídeo, en streaming aquí
• 23/09 7:00: Hoy la jueza decidirá si se sigue adelante con el derribo o no. Ayer la asociación de vecinos de Rekalde presentó sus alegaciones que podéis leer en varios medios. En función de la resolución de la jueza se convocarán nuevas movilizaciones.
• 23/09 12:50: Según nos comentan, la jueza HA DADO LUZ VERDE AL DERRIBO. Llamamiento a toda la sociedad a que acuda en masa a Kukutza. Ya sólo nos libra un milagro. Se van a ver muchas lágrimas hoy en Rekalde…
• 23/09 20:00: La Ertzaintza tiene sitiado el barrio de Rekalde y a sus vecinos. Las excavadoras han comenzado a derribar el frontal de Kukutza. Según nos informan los compañeros de ACR-Bilbao la represión es brutal, no se recuerda actos así…
• 25/09 17:00: Durante todo el fin de semana se han sucedido las protestas vecinales y las cargas policiales desproporcionadas. Ha habido cargas dentro de bares, de estaciones de tren, de portales particulares, la policía se llevó a la fuerza partes médicos del ambulatorio de Rekalde según señalan en kukutza.blogspot.com y los detenidos se cuentan por decenas. En internet se pueden ver multitud de vídeos y fotografías que detallan la brutalidad de la respuesta policial pese a que los requisamientos de teléfonos móviles y cámaras se han sucedido y las amenazas y persecuciones a quienes trataban de grabar o retratar lo sucedido.
  Desde Kukutza han mandado un comunicado a todo el mundo que os trasladamos:

Kukutza quiere agradecer a todos lx vecinxs de Errekalde, Bilbotarras, y compañeras de Euskal Herria y el mundo entero la solidaridad mostrada en defensa de este proyecto popular. Todo el apoyo recibido en estos dias nos dan fuerza para seguir adelante.Hoy nos vamos a dedicar a ayudar a todas esas vecinas y ciudadanas que han recibido palizas por parte de la policia de Ares y Azkuna, así como a dar soporte a las ciudadanas detenidas.

Las gentes de Errekalde y las compañeras que se acercaron al barrio están contando lo sucedido. Tenemos que documentar la cacería policial, mandad vuestras fotos, testimonios, links de videos, partes… a ” kukutza@gmail.com”.

No van a ocultar este Estado de Excepción. La Verdad está en la calle. El pueblo tiene la palabra.

Atentas a las próximas movilizaciones.

 

29/09 10:00: Se convoca a todo el mundo a una  MANIFESTACION PACÍFICA Y FESTIVA en el Sagrado Corazón Bilbaíno para hoy a las 19:00. La manifestación está convocada por colectivos de toda índole, sindicatos y partidos de la Villa. Más info aquí:

Iñigo Elexpuru Zaballa. Bilbao. 1975.

Hola. Me llamo Iñigo Elexpuru Zaballa, y vine al mundo un 11 de Febrero de 1975 en el barrio Bilbaino de Deusto. Las primeras cintas de Reggae llegaron a mis manos por medio de mis hermanos, como a muchos imagino, y comencé  en esto de la música jamaiquina, como músico, formando Akatz en el año 1992 con cinco amigos (Ibon Larruzea, Unai “Bita” Quecedo, Pablo Bosquet, Oliver Munilla y Liher UIrbizu) en el pueblo vizcaino de Bakio, donde todos pásabamos los veranos y muchos fines de semana.

A los 13 años me senté por primera vez en una batería. Fue con mi gran amigo Nacho Beltrán y un grupo de gente del cole. Ahí empezó a entrarme el gusanillo de la batería y de los instrumentos  en general, ya que con los años,  he aprendido a “manosear” algún otro. Recuerdo que las primeras cintas de Reggae llegaron a mis manos como un año o dos después. En aquella época empezaba a comprar mis primeros discos y a interesarme por la música en general, aúnque en mi casa siempre se escuchó música, en parte gracias a mis antepasados cubanos, y en parte a mi madre, que hizo en su día la carrera de piano, instrumento que siempre ha presidido el salón de mi casa.

Por entonces nos dedicábamos a coger olas y a divertirnos en una Boite que teníamos en Bakio . En ella dimos nuestros primeros conciertos para los colegas. Es curiosa la relación entre el surf y la música reggae tanto en mi pueblo como en muchos otros del litoral cántabrico, ya que por medio de los amigos surferos de mi hermano, llegaron esas primeras cintas de 90 con discos de Bob y The Wailers (si ya me gustaba un poco el Reggae y la batería, conocer a Carlton Barret fue… buff… un punto y aparte), Burning Spear, Yellowman, Tosh, etc..

En los años posteriores formamos Akatz, y empezamos a pasarnos muchos otros discos entre nosotros (Potato, Skatallites, Alpha Blondy, Gregory Isaacs, Ijahman Levy, …), también muchos de Rock, Soul, Jazz,… a tocar en muchos saraos, festivales, partys surferas…Vinieron nuevos músicos que subieron el nivel (Oscar Redondo, Aratz Diez,…). Empezamos a viajar a muchos festivales como los primeros U-zona Reggae, donde conocimos a muchas de las bandas míticas de la escena nacional, tocamos junto a leyendas como Desmond Dekker y empezamos a realizar nuestras primeras grabaciones y también a frecuentar la Rasta shop, hoy Massive Reggae Diskak de nuestro amigo Jaime, que fue fundamental en mi culturización en lo que a música jamaiquina se refiere.

Ya ensayando en Bilbao con Akatz y por medio de Dubby Ambassah (en aquel momento compartíamos local con su grupo Ambassadors), conocí en el local a Roberto. Yo andaba preparando una versión con Akatz del Jah Heavy Load. Recuerdo que a Rober le gusto y me dijo “oye tio, me gustaría que grabases unas bateras en mi estudio”. Yo ya había visto a Lone Watti en directo y había escuchado las increíbles grabaciones que Rober les había pasado a Jaime, Dubby y compañía.

Desde entonces han pasado más de 10 años y echando la vista atras no puedo por lo menos que sentirme orgulloso de todas las cosas increibles que he hecho junto a Rober y mis amigos de Lone Ark, en estos años, como batera en su estudio y en directo, tales como compartir disco junto a Sly Dumbar, girar con Linval Thompson, tocar junto a mitos como KIddus I y Chinna Smith, Earl Sixteen, Horace Martin… grabar los discos de Lone Ark, un montón de producciones para otros artistas, singles, diez pulgadas, buff!! necesitaría tres páginas para contarlo todo. Gracias Ras!!

También me siento muy orgulloso de seguir perteneciendo a Akatz después de casi 20 años, ¡que gran historia la nuestra chicos!.

Hoy en día sigo tocando la batería en Lone Ark, con la que nos encontramos presentando el album “From Creation” del magnífico cantante Alpheus, tocando la percu y coros con Akatz, y grabando con Rober muchas cositas ricas que iréis conociendo poco a poco.

Bueno, vamos al tema que nos ocupa. Condensar en cinco discos mi fascinación por la música jamaiquina sería muy complicado, así que voy a enumerar cinco discos que, sin ser probablemente los mejores, si que han sido fundamentales para mi por diversos motivos.

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1. Yellowman – Mr. Yellowman.

Este disco fue el primero que me supe casi de memoria cuando había escuchado bastante poco de música reggae. Sin comprender las letras (tenía 13 años), la rítmica empleada por Yellowman en sus fraseos me cautivó por completo, tanto, que no dude en copiar una de sus líneas de voz y componer un tema para Akatz, titulado por mis amigos con mi mismo nombre, (Iñigoman), ji,ji,ji… Producido por Junjo Lawes y los Roots Radics como banda. Booom!

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2. Johnny Osbourne – Truths and Rights.

Para mi, uno de los mejores discos de la historia del Reggae, sino el mejor. Temazo tras temazo, es un disco muy variado en estilos que tiene de casi todo lo que me gusta del Reggae, sobre todo un cantante, buff!, maravilloso. Muy roots, un poco Soulfull, letras mágicas. Selección de ritmos made in Studio One con los Sound Dimension. Difícil de mejorar.

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3. The  Skatalites – Return of the big guns.

Podría haber elegido entre varios de los discos de esta legendaria banda, ya que muchos de sus discos rularon  por el lokal. Si en el Reggae fue fundamental para mi conocer a Carlton Barret, Santa Davies o Sly Dumbar, fue igual de importante como batería conocer a Lloyd Knibb, músico fundamental en el desarollo de la batería en la música jamaiquina. Este disco tiene todo lo que más me gusta del Ska-Jazz. Delicado y contundente a la vez.

Disco editado por Island Records después de la reunión de la banda tras su primera separación. Gran parte de los músicos originales aderezados con algunos grandes músicos de sesión.

Como curiosidad decir que en su día, grabamos una maqueta con Akatz que ha sido muy importante en nuestra trayectoria, llamada “Particular kosta”, que era la portada de este disco con nuestras cabezas pegadas en los cuerpos de los Skatalites, muy Akatziano vaya! Hemos tenido además la fortuna de tocar con ellos un par de veces y eso es algo que podré contar a mis nietos.

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4. The Viceroys – Ya Ho.

Magnifico disco de este trío vocal, un formato (el de trío vocal) que me encanta. Estuve enganchadísimo a este disco durante largo tiempo. Podría haber puesto también aquí el disco “Countrymen” de The Twinkle Brothers, que creo que es el disco que más veces me he comprado (creo que 4 veces, ya que lo he regalado 3). Sin embargo, tengo un especial cariño por éste.

Un disco donde quedan claras las diferentes características vocales de sus tres intérpretes (Tinglin, Bernard y Gayle), ya que cada uno cuenta con unos registros muy diferentes a los demás. Temas como, Love Jah (oohh, ooh, before is to late), So many problems o Don’r cry, que harán las delicias de los amantes del Roots. Discazo, vamos!

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5. Loud and Lone – Showcase vol II.

El primer vinilo que grabé a la batería para Rober y Borja. Un disco al que tengo también muchísimo cariño y que supuso un antes y un después para mi como músico de Reggae. Grabado en tomas muy directas y libres, en 8 pistas de bobina, tiene un sonido de esos heavyweight, muy analógico, rugoso, orgánico. Unas composiciones increíbles aderezadas con el riesgo y la intrepidez de
la energía juvenil. Para mi, una auténtica joya de la producción de reggae nacional.

Probablemente he grabado mejores trabajos en lo que a técnica instrumental se refiere, pero pocos tan mágicos y reales.

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Si algo queda claro del Rototom 2011 es que la indiferencia, cuando no el enfrentamiento, entre los seguidores españoles del roots y del dancehall sigue más vigente que nunca, para desgracia de una escena creciente que en lugar de unirse, se fragmenta cada vez más. Cierto que afortunadamente hay muchos seguidores del reggae que todavía pueden disfrutar del mento y el ska al new roots y el dancehall de Not Nice, Cashflow o Don Corleon, como simples expresiones temporales de una misma música jamaicana, pero una gran mayoría parece haberse establecido en el desprecio al otro, como forma de autoafirmación, y así vamos mal.

Los seguidores del dancehall suelen hacer gala de una cierta despreocupación. Si no entiendes las letras es tu problema. Si no estás al tanto de los últimos éxitos en la Isla es tu problema. Tampoco parecen muy interesados en mantener la conexión rasta que unió en su día la evolución de la música reggae, tal vez porque ya difícilmente se encuentra siquiera en la propia Isla, donde ahora abunda el fashion, la cosmética y el ensueño con el lujo, especialmente en los guetos.

Por su parte los seguidores del roots parecen seguir conservando un cierto prejuicio con la producción digital, de forma que lo analógico es siempre, infinitamente superior, sobre todo si es ejecutado en directo. Ni siquiera necesitan cuestionar las letras o los mensajes, para descalificar el subgénero. Es curioso, porque este esquema mental reproduce al pie de la letra lo sucedido con la revolución generacional del punk, donde las audiencias más conservadoras primaban el virtuosismo (de por ejemplo, el rock sinfónico) sobre la actitud (aunque era cierto que inicialmente los punks no sabían tocar, pero que importaba). Sin embargo, Marley y Tosh, en cuanto pisaron Inglaterra se alinearon más rápidamente con los punks que con Eric Clapton o Peter Gabriel.

De alguna forma, el esquema de división se reproduce en la programación del Festival y sus carpas. Un par de días con mayor acento dancehall (Vegas, Shaggy) y luego básicamente a leyenda diaria de la roots & culture, y eso que falló Bunny Wailer, quien no quería compartir cartel con Rita Marley (no me extraña).

¿Pero realmente la oferta musical de la Isla es tan irreconciliable como parece, visto desde Europa?. Porque si no fuera así, significaría que somos nosotros y no ellos quienes tenemos un serio problema de comprensión, por más festivales que pretendan programarse sobre cultura jamaicana.

Un repaso a las distintas atracciones del Rototom 2011, como supermercado de las distintas ofertas jamaicanas, parece ir en esa última dirección de que las contradicciones están más en Europa que en la Isla.

La Dub Station parecería en principio el templo sagrado del roots. Mucha de su programación corresponde a oldies y deconstrucciones dub, como este año de homenaje hizo Aba Shanti con el repertorio Marley. Pero tal vez se trate de pura etiqueta. Blacka Dread maneja con maestría incuestionable el sound “Channel One” desde su Londres de siempre. Yo soy adicto a ese sabor entre 80’s y 90’s que caracteriza al reggae de la capital inglesa. Sin embargo, muchos de los supuestos incondicionales del roots, no parecían protestar cuando en la recta final de su set, Blacka programaba directamente dubstep y drum’n’bass. Los mismos incondicionales que no aparecieron por ninguna parte en los espléndidos monográficos que la carpa del Juanita Club de Valencia programó sobre algunos de los sellos más imprescindibles del reggae roots como Black Ark, Randy’s, Trojan, Joe Gibbs y otros. En cambio, el Juanita se llenaba de cuando en cuando con la intervención de sounds con una apuesta declaradamente dancehall, sin que los incondicionales opusieran resistencia alguna.

En el otro córner, la carpa de Dancehall parecía tener el lleno casi asegurado noche tras noche, muy por encima, en cuanto a afluencia, del vecino escenario de ska, y ello pese al pobre sonido de noches como la de David Rodigan, aunque también con pleno al quince en noches como las de los alemanes Sentinel, que para eso es sound champion nº 1, de lo que se deduce que una proporción de público probablemente superior a la que se piensa por los organizadores, lo que busca es precisamente la excitación de la actualidad jamaicana, más allá de servidumbres a la tradición rasta ó clásica del reggae, a la que en todo caso no parecía hacerse ascos, siempre que viniera presentada con soporte digital (Barrington Levy, Buju en clave rasta, etc.).

Así que en las 2 carpas existieron contradicciones en el respetable asistente. Pareciera más bien, una cuestión de simple presentación formal. Si se me presenta en el contexto y con el formato adecuado, mis oídos (y sobre todo mis pies) aceptan casi lo que sea. Como prueba de mi tesis, pienso preguntarle a Blacka Dread si sería capaz de colar a Gaza en una de sus sessions, y a Sentinel si serían capaces de colocar a Hugh Mundell, por poner un ejemplo extremo. Apuesto a que los 2 me contestarían que sí, si no lo han hecho ya. ¿Así que por qué tanta tribulación con los géneros y los fans en Europa, y aún más, me atrevería a decir que especialmente en España?.

Si nos fijamos en la afluencia a los escenarios principales, las diferencias no parecieron ser para tanto. Claro que salvo noches completas como la Queen Ifrica, Tony Rebel y Shaggy de un lado, o la de cierre con Michael Prophet, Johnny Clarke y Horace Andy por otro, la mezcla de estilos en el cartel resultaba un poco deslucida. Por ejemplo es difícil que Konshens, con su propuesta actualizada, pudiera suscitar la más mínima atención de los que volaron con leyendas como Lee Perry y Ken Boothe, que le precedieron en el mismo escenario.

Uno puede entender que las filosofías de ambas escenas sean incompatibles, pero cuando se sufre la fascinación por Jamaica que sentimos muchos, no debiera segmentarse tanto la audiencia, porque ellos no lo hacen cuando crean su música. Por ejemplo, es verdad que una modelo como Toya, consigue construir una carrera siguiendo los pasos –a la jamaicana- de lo más babilónico del mundo TV basura en el que vivimos, copiando hasta en el look a petardas como Rihanna, Paris Hilton o Victoria Beckam, y acaba teniendo su propio reality-show (solo que en entregas de vídeo) y obteniendo un nº 1 con un gracias a dios dedicado al sueño de las chicas pobres con convertirse en chicas materiales (“True Blessing”), que cualquier seguidor que respete la filosofía rasta podría considerar una blasfemia, e incluso acaba sojuzgando a Beenie Man en una especie de versión a la jamaicana de Pimpinela en “One Man Girl”.

Todo eso es verdad, pero también que I-Wayne reventó el mercado con “Can’t Satisfy her” hace 5 años, con una parodia de la moda de las chicas materiales y la prostitución encubierta o que, de pronto, aparece Queen Ifrica abroncando a las adolescentes que copian la imagen de Toya y el bleeching, en el vídeo de “Me Nuh Rub”, mientras que a la vez compite ferozmente con el mismo Kartel en su diss “No Bwoy” ó en su ya clásico “Fyah Mumma” y en muchos otros riddims hardcore de ahora mismo con los que también se prueba.

Así que dentro de lo que podría considerarse dancehall, coexisten los dos mensajes, las dos líneas, las dos escuelas, la simplemente escándalosa pero tremendamente infecciosa y la consciente y más crítica (escuchen a la Fyah Mumma reprochar el continuo cotilleo actual en “Rasta nuh chat Rasta” o rendir tributo a Marcus Garvey en “Essence of my Life”), como en realidad han coexistido siempre. Si no, recuerden los tiempos de Garnett Silk y Tony Rebel a la contra, en pleno auge del guns & slackness, por no hablar de Sugar Minott en su periodo de Youth Promotion. Además buena parte de los riddims actuales todavía siguen reciclando riddims clásicos del reggae de siempre (del Stalag 17 al Real Rock).

¿Luego, si la bronca no está estrictamente en la música (más allá del prejuicio antidigital), entonces, dónde se rompe en dos la música que llega de Jamaica?. Pues más que posiblemente, en nuestros oídos y nuestros ojos.

A diferencia de la mayoría de Europa, muchas de nuestras generaciones de amantes del reggae siguen conectando con el espíritu hippy y del rock previo al punk y despreciando la cultura hip-hop. Ante ese socavón generacional y cultural no hay nada que hacer, más allá de la evolución personal de cada uno.

También a diferencia de la mayoría de Europa, el nivel general de inglés sigue siendo demasiado bajo. Así que en estilos como el del dancehall o el hip-hop, donde las habilidades ante el micro representan entre el 60% y el 80% del impacto de una canción, el foso cultural resulta más difícil de saltar.

Por último, en la falta de identificación con la tradición jamaicana con la que se presenta, como mera extensión del hip-hop americano, el dancehall en España, abusando de sus estereotipos, como tuvimos oportunidad de comprobar en el Festival con la polémica artificial creada por el Diario Público en torno a la supuesta homofobia y machismo del reggae. Para desmentirla, Capleton aglutinó en el escenario, tanto a los seguidores del dancehall como del roots y new roots, convenciendo incluso a los más escépticos, que pensaban que sólo sabía gritar y no cantar.

Así que a ambos bandos les digo: menos etiquetas y más buscar la buena música. Que Jamaica tiene mucha que ofrecer, en cualquier época y en cualquier estilo. “Not Judge, before judge yourself”, dijo el Sabio.

Texto: Carlos Monty

Vía: nattyindered.reggae-blog.net

Hoy estamos con Chalwa Band, un nombre que puede que sea novedoso para mucha gente, pero lo cierto es que es una banda que lleva ya unos años siendo habitual de los escenarios de Reggae de Bizkaia.

Tras varios años girando, componiendo y tocando ha llegado para ellos un punto de inflexión: la unión con King Konsul (12 Tribu, Makala, Roots&Water…). Junto a él se han puesto manos a la obra y han grabado su primer álbum en A-Lone Ark Muzik Studio, con Roberto Sánchez.

Os invitamos hoy a conocerles mejor. La entrevista fue realizada antes de verano pero por diferentes motivos no ha podido ser publicada hasta ahora. Es por ello que personalmente pido disculpas tanto a los que la lean como, sobre todo, a Chalwa Band.

Bueno, fuera de Bizkaia no se os conoce excesivamente, así que lo primero igual sería preguntaros por cómo empezásteis, cómo os conocísteis y por qué os dio por montar una banda de Reggae.

En nuestro pueblo, para lo pequeño que es, hay bastante afición al Reggae/Ska desde hace muchos años. Como somos pocos y nos conocemos todos muchas veces acudimos a conciertos juntos, aún siendo de diferentes cuadrillas. De esta forma nos juntamos varias personas con ganas de formar un grupo de Reggae.

Al comienzo éramos seis personas. No teníamos un estilo definido pero sí que se reconocían gustos diferentes. Entre los componentes el primer vocalista fue el hoy conocido Novato. La banda pronto empezó a crecer pero paralelamente a su crecimiento surgieron varios debates sobre qué estilo de música sería la base del grupo. Una parte del grupo abogaba más por el Roots Reggae y otros se decantaban más por el Dancehall o Ragga por lo que después de un año más o menos la banda sufrió una escisión.

Entonces fueron tres componentes (batería, teclados y percusión) los que comenzaron un nuevo proyecto cuya base sería el Reggae consciente, el Roots Reggae. Al poco tiempo se incorporaron bajo y guitarra a la banda y así nació Chalwa Band.

Ahora contáis con la voz de King Konsul, del que luego hablaremos, pero antes de conocerle, ¿cuáles eran las líneas de trabajo de Chalwa?

En poco tiempo logramos conseguir un local en alquiler compartido con otras dos bandas. Uno de los integrantes de la banda estuvo de vocalista un tiempo, mientras encontrábamos algún mensajero melódico. Los ensayos y los conciertos eran más instrumentales…

Grabando el tema del Txapel de Armintza junto a Bita

¿Habéis trabajado con más cantantes en el pasado?

Han pasado varios vocalistas por la banda durante estos años. Hemos conocido a gente que lo hace muy bien en otros estilos pero siempre hemos tenido claro que queríamos un mensaje melódico.

Hace dos años tuvimos la oportunidad de hacer de backing band para dos artistas italianos, Nico Royale y Marc One. Fue todo una experiencia y lo pasamos muy bien a pesar de no tener mucho tiempo para ensayar…

Ese mismo año conocimos a King Konsul y a Bita. Entonces creamos un proyecto en común con King Konsul con el que hoy en día estamos muy a gusto.

Si no me equivoco, a King Konsul le conocéis con motivo de la grabación de la canción del Txapel Reggae de Armintza de 2009, donde también participaba Bita de Akatz. ¿Cómo surge empezar a trabajar juntos en un proyecto en común con King Konsul?

Para muchos de nosotros tocar en el Txapel era un sueño que se iba a hacer realidad. Hemos pasado muchos años debajo del escenario del puerto de Armintza disfrutando de las bandas de festival por lo que tocar arriba nos motivó muchísimo y de ahí nació la idea de crear la canción promocional del festival. Era una canción en euskera por lo que pensamos que el emisor fuese alguien conocido de la escena vasca.

De esta manera nos pusimos en contacto con Bita y King Konsul, que a su vez tenían proyectos diferentes. Su implicación fue inmejorable desde un principio por lo que todo fue sobre ruedas… Fue entonces cuando nació la unión Chalwa Band / King Konsul.

Para los que no os conocen, ¿cómo definiríais vuestro Reggae?

Nuestro reggae se basa en la armonización de diez componentes básicamente. Obviamente hay grupos y cantantes que influyen en gran medida en nuestras composiciones. Un ejemplo de ello son Dennis Brown, Gladiators, Max Romeo…

Podríamos decir que en general nos gusta más el reggae de los 80 que el reggae moderno, aunque escuchar, escuchamos de todo.

¿Cuándo y cómo surge la idea de grabar un disco a este nivel?

Cuando fuimos a grabar a Santander la canción del Txapel nos impresionó mucho la manera de trabajar de Roberto Sánchez. Para entonces ya teníamos varios temas propios por lo que después de la primera experiencia con él quisimos repetir, pero esta vez grabando nuestros temas. Era cuestión de tiempo pero el haberle conocido entonces aceleró la grabación de nuestro primer álbum.

Chalwa Band grabando en A-Lone Ark Muzik Studio

¿Qué tal la experiencia de grabar en A-Lone Ark Muzik Studio?  

¡Genial! Ha sido un placer grabar con uno de los grandes maestros del reggae internacional. Hemos aprendido mucho con Roberto. Estar con él en una grabación es como tener una barita mágica cuando quieres modificar un arreglo o añadir una melodía determinada. Parece como si te leyese el pensamiento…

Con Roberto nos hemos sentido como en casa. Además de ser un gran profesional es una gran persona con la que puedes hablar sobre cualquier aspecto y eso se valora mucho. Ha sido como estar en familia, de verdad. ¡Repetiríamos ahora mismo!

¿Cuáles son vuestros planes de futuro? ¿Os vamos a ver de gira este verano?

Nuestros planes a corto plazo pasan por disfrutar con el nuevo disco. Tenemos bastantes actuaciones en Julio, Agosto y Septiembre y nos faltan por confirmar algunas actuaciones para el Otoño. Os indicamos alguna de ellas: El 9 de Julio actuaremos junto con Anthony B en Bilbao, el 15 estaremos con los Revolutionary Brothers en Zarautz, el 25 actuaremos junto con la New York Ska Jazz Ensamble y en Agosto podemos destacar nuestra actuación el día 21 en fiestas de Bilbao.

Esperamos que la gente disfrute tanto del disco como nosotros hemos disfrutado grabándolo. Podéis seguir nuestros conciertos en www.myspace.com/chalwaband. Para más información : www.chalwaband.com

Por último agradeceros este espacio que nos habéis reservado y por supuesto la gran labor que hacéis para que gente como nosotros estemos al día del panorama Reggae estatal e internacional.

Entrevista realizada por Mos

Como se ha dejado claro en los foros, esta segunda entrega es por total y unánime petición popular, lo cual la hace especial e irrepetible.

En el año 1997 la compañía Apple lanzó una de las campañas de publicidad mas interesantes e inteligentes que nunca se han hecho. Bajo un escueto Slogan “Think Different” – Piensa diferente- e ilustrado por imágenes de personajes tales como Pablo Picasso, Maria Callas, Ghandi, Albert Einstein, Miles Davies o John Lennon lanzaba este mensaje:

“Esto es para los locos, los desadaptados, los rebeldes, los conflictivos, para aquellos que ven las cosas de forma diferente. Las normas no estan hechas para ellos, ni saben respetar el status quo. Puedes estar en desacuerdo con ellos, vilependiarlos o glorificarlos. Pero no puedes ignorarlos. Porque ellos cambian las cosas. Ellos empujan a los humanos hacia adelante. Y mientras algunos los ven como locos, nosotros los vemos como genios. Porque solo los que están tan locos como para creer que pueden cambiar las cosas logran hacerlo.”

Probablemente los directivos de Apple no tienen ni idea de quien es Vybz Kartel, pero supieron describirlo sin conocerle.

En realidad Adijah Palmer aka Vybz Kartel, aka Addi, aka Di Teacha, aka Emperor fi di Gaza, aka Dancehall Hero, aka Mikal Cakesoap Jackson aka Di Bleacha, no nació en Waterford (Gaza) sino en Waterhouse, una área garrison al suroeste de Kingston, pero a los 5 años su familia se mudó hacia Waterford en lo que entonces eran apenas unas cuantas casas bajo un sol ardiente. Dado su carácter un tanto conflictivo le mandaron a estudiar a Kingston al colegio Calabar. Famoso por haber producido los primeros velocistas jamaicanos que lograron medallas en velocidad allá por las olimpiadas de los años 1948/52.

También famoso por la estricta disciplina a la que somete a sus alumnos y de donde el joven Palmer fue expulsado por su indómito carácter a los 16 años. Finalmente se gradúa a los 17 años en el Tutorial College con matrículas de honor en matemáticas, inglés, geografía y literatura. A los 15 años bajo el nombre de Adi Banton graba su primer tema “Love Fat Woman” – Me gustan las gordas-. Solo imaginar a este imberbe chaval escribiendo un tema con ese título ya me provoca una sonrisa que me cubre la cara.

En la anterior entrega expliqué más o menos la carrera de VK hasta el presente, así que este Gaza 2.0 tratará de explicar menos del pasado y más del presente y futuro de VK en varios de los diferentes y curiosos aspectos de sus variadas actividades.

Carrera musical

En el año que corre de 2011 yo diría que su carrera musical está en el zenit después de 10 años desde que se empezaron a publicar sus grabaciones con asiduidad. El número de hits que lleva este año es incontable, “Summa time” (ni el mismísmo Georgie Dann) “Real badman”, “Freaky gyal”, “Lyricist”, “Brtish love”, “Poor people land”, “Half on a baby”, “Open up”…. son sólo algunos de los éxitos masivos acumulados en la mitad de lo que va de año. VK no tiene Visa para ir a USA y como dice en su tema “Poor people land” es un refugiado en su propia tierra. Pero eso lejos de desanimarle le motiva. VK no tiene que estar pendiente de sus giras, de sus asesores ni productores porque VK está en absoluto control de su carrera, que básicamente consiste en trabajar sin parar. Levantarse, hacerse un porro y meterse en el estudio, ya sea a grabar, a preparar alguno de sus próximos vídeos y a dirigir sus, en algunos casos limpios o en otros no tan limpios, negocios. Para llegar a este lugar ha dejado grabados ya unos 300 títulos. En su discografía están por ahora “Up 2 Di Time”, “More Up 2 Di Time”, “J.M.T”, “The Teachers Back”, “Pon di Gaza”, “Pon di Gaza 2.0″ y “Kingston Story”.

Temática de sus líricas

La más repetida sin duda es la sexual. En lo que llamamos mundo occidental judeocristiano y que en tal alto concepto nos tenemos resulta que el sexo es un tema polémico. Mientras los egipcios lo tenían en altísima estima, los indios tienen su Kamasutra y sus templos están adornados con escenas sexuales, los japoneses tienen una secular tradición de grabados de tematica sexual, los griegos adoraban a Eros, los romanos se ponían morados, los yoruba tienen a Ochun y así tantas y tantas civilizaciones, pues resulta que como decía antes los occidentales seguimos llenos de prejuicios sexuales. Yo paso de polemizar sobre el sexo y me uno al grito de VK , -Salido y orgulloso-.

El tipo habla de sexo, ¿y qué? El tipo se pasa el día pensando en follar y follar y tiene una habilidad enorme para producir una inmensa variedad de temas sexuales excelentemente escritos. ¿Cual es el problema?

El tipo apoya a las putas en sus canciones, a las bailarinas de los gogos que todo el mundo desprecia él les dedica dulces canciones eróticas. Inventa posiciones inverosímiles, símiles originalisimos, sinceridad brutal a la hora de enumerar las cantidad de parejas que tiene. ¿El sexo oral es un tabu en Jamaica? VK canta como le comen el rabo. Su dulce forma de desvirgar a su novia. Y sobre todo su brutal y salvaje sinceridad  -This is not a love song, this is a fuck song – Esta canción no es de amor, si no es de follar- Quedas avisado. ¿O es que a ti no te gusta follar?

Violencia. Esto si puede resultar más conflictivo, pero yo estoy de abogado del diablo. ¿Qué fue primero el huevo o la gallina? Los niños se vuelven violentos por culpa de VK, o VK que a su vez es una víctima de una sociedad violenta habla de lo que el ha vivido. Yo estoy con la segunda opción, la violencia es culpa de los que han creado este sistema político en Jamaica que promueve la violencia, no el que canta sobre ella. ¿Homero no escribía de guerras que era lo que veía? Los temas violentos son innumerables, y probablemente el más conflictivo fue aquel que incitaba a matar en plena luz del día. Durante una temporada en Gaza sólo se asesinaba a plena luz del día.

Ya en menor medida hay temáticas sociales, herbalisticas y cotidianas.

Portmore Empire

El Portmore Empire se crea en el año 2007 a raíz de la salida de VK de la Aliance de Bounty Killa. Inicialmente sus componentes más activos son Black Rhyno, Jah Vinci, Lisa Hype, Popcaan y Gaza Indu.

Como todo imperio que se precie este se dirige por un emperador, no como una democracia. Los miembros del Imperio no son tratados como ciudadanos, sino como súbditos. Los súbditos se dirigen cada día al estudio a ver si el emperador decide quien o cual va a grabar en tal o cual riddim. Por supuesto a capricho del emperador, faltaría más. Todavía hay clases.

El primero en alzar la voz en contra del sumo emperador es Black Rhyno, poco después de su mega hit “Pon di bike back” se siente ninguneado y se pira sacando al mercado un tema contra el emperador. El resultado es que la casa de Rhyno en Portmore arde y hoy en día su música ha desaparecido como si un huracán la hubiese arrastrado más allá del mar Caribe. Así pues Popcaan asciende y se le premia dándole un papel en “Clarks”. Shaw Storm sube un peldaño.

Lysa Hype es fotografiada haciendo una mamada y se publica en el tabloide Star. Esto le cuesta su puesto, abandona el imperio y se cambia de nombre a Lisa Hyper. A pesar de un intento de Beenie Man por rescatar su carrera esta se difumina inmediatamente.

Gaza Kim asciende pero cae en desgracia en muy poco tiempo, a la salida de un estudio en Big Yaard tiene una discusión con algún miembro de la seguridad de Kartel que la abofetea y queda expulsada de forma sumarísima. Las dos bajas femeninas son ocupadas por Slim y Sheba.

Finalmente, el probablemente más talentoso de todos se harta de la tiranía imperial y huye, eso si, sin formar ruido, arrivederci Jah Vinci. Y para terminar el productor Notnice que compartía sello con Kartel anuncia en TV, muy comedido eso si, que es la última baja de este curioso imperio.

Negocios Legales

La verdad que este capítulo tiene su gracia. VK siempre se da el gusto de hablar en sus entrevistas de sus negocios legales y de cómo es un empresario que emplea mano de obra local y paga impuestos. Hacia el año 2007 VK conoce a un curioso hombre de negocios, norte americano, de raza negra y casado con una jamaiquina. Su nombre es Corey Todd. Crean un ron caribeño Street Vybz Rum y una marca de condones Daggerin. Por mis muertos juro que aun estoy por ver que en una gasolinera o farmacia vendan condones de Kartel y mira que los pido para hacer risas. Les pregunto a las chicas que atienden que como no tienen Daggerin condom, que me han jodido la noche, se me quedan mirando con cara de donde habrá salido este whitie tan flipado. Con el ron lo mismo, no lo he visto ni en una licorería, sólo en vídeos de VK, así pues aunque no tengo pruebas, decreto que son negocios tapadera de otros negocios. Hace tan solo unos meses Kartel y Todd estan en guerra. Todd asustado ha ido por todas las televisiones anunciando las amenazas de muerte de VK y avisándole que tiene pistolas para defenderse, así es el Salvame deluxe de esta isla del One Love.

Problemas con la justicia

En Jamaica hay una curiosa figura legal que se llama person of interest. Si el gobierno te declara persona de interés, tu obligación es presentarte en la comisaría de policía más cercana y a ver para que demonios te quieren. Nada transciende de estas detenciones indefinidas, tu despareces, hasta que vuelves a aparecer, y aquí no ha pasado nada. Kartel es considerado person of interest cada tanto, a nadie le sorprende. El tipo se presenta se pasa unas semanas arrestado, y sale después y punto y final. Dicen las malas lenguas de Portmore que las detenciones son el relación con negocios que no tienen que ver con el ron o los condones, si no que son más complicadas. Como no tengo pruebas pues no digo nada más.

Reality Show

En Septiembre la cadena de televisión CVM estrena “Teachas Pet” – La mascota del profesor-. 10 jamaiquinas y 10 foráneas lucharán por conquistar el corazón de VK en una mansión de lujo en las colina. Confieso que he cambiado de opinión, de pensar que los reality shows son una aberración cultural ya me estoy viendo mirándome todos los capítulos y quizás votando por móvil en el Teachas Pet. He dicho.

Podría escribir Pon di Gaza 3.0 y hablar de bleaching, tatuajes, masonería y otros temas, pero ya paso. No hay consulta esta vez.

Mañana me voy a Port Antonio donde hay un bolo más de la Gaza. Allí estaré sin duda, pero ya anuncio que hasta aquí he llegado.

Para nivelar un poco este maratón de la Gaza el próximo barrio sera Cassava Piece, hogar de acogida de Mavado aka Gully God. Un paseo por el Gully Dide, y después dedicado a Dance Crasher y Badalonians bajaremos a la Alpha Boyz School a hablar de Ska.

Hala, se acabó. It done!

Texto: Fernando García-Guereta.
Vía: cronicasfromkingston.reggae-blog.net

Texto de Carlos Monty

Como dijo el sabio: “Había dicho que no volvería a escribir un poema como éste”. Llevo un año fatal. Desde que empecé a escribir aquí, me han tocado las necrológicas de Gregory Isaacs, Gil Scott-Heron y ahora… alguien tan cercano como Pere Andrés, lo que hace todo más doloroso.

Cuando he sabido la noticia, inmediatamente me ha invadido un sentimiento de rabia, de indignación. Me pone enfermo que los talentos naturales se vayan, y más si son de estas tierras, con lo que cuestan de cultivar.

A mi alma llorosa se han venido en avalancha multitud de anécdotas y situaciones vividas a lo largo de los años con quien, sin duda, ha sido la mejor voz española de la música reggae de todos los tiempos, con ese timbre tan negro que no parecía español, ese sabor soul que ponía a sus interpretaciones y que le hizo famoso con “Toda Una Vida”, “Dime” y tantas otras, que arrastraba hasta a los pijos de toda España. Y también con ese carisma gitano y popular con el que más que interpretar, sentía, desnudaba su alma atormentada y liberada a un tiempo, ante el público.

Recuerdo que al principio, mediados los 80, yo no le prestaba demasiada atención. El foco de todo era el Maestro, Moses, Monlion, Sergio, quien imponía la disciplina a esa banda de pueblo, que en cada presentación acababa colocando casi a unos músicos distintos, tocaran en la banda municipal o en un grupo de rock (los que estuvieran más a mano), a los que Sergio tenía que disciplinar (sobre todo a los guitarristas para que no se pusieran a emular a Santana o Mark Knopfler, y se limitaran a hacer skank). Todo era muy valenciano.

Tanto, que una noche de primavera de 1987, me acabé quedando sólo en el “Pub Brillante” de Russafa, donde solía citarse la gente más inquieta de la ciudad. Remy Carreres, de Comité Cisne, que solía colaborar con Macetas, me lo presentó, y cuando cerraron el garito, nos fuimos juntos a seguirla. Me confesó que era la primera vez que salía de marcha en todo el invierno, que había estado recluido sin salir. Entonces no le dí importancia a aquel comentario, creo que ni siquiera me lo tomé en serio, pero acabamos a las 10 de la mañana en algún agujero clandestino de la Malvarrosa, donde le dejé cuando yo ya no podía más.

Mi gran amigo de entonces, Rafa Villalba (Seguridad Social, Macetas) me había introducido en el ambiente del grupo, y desde entonces me convertí en fan incondicional. Sobre todo cuando Alberto Tarín acabó quedándose con la guitarra. Mucho del repertorio eran versiones de Marley, y ahí me parecía que Pere deslumbraba. Cantaba un “Exodus” de 8 minutos, como el original y no sonaba a impostura. También cuando cantaba “Solo Jah (reina)”. Era tan increíble, que cuando mis amigos de Madrid me visitaban, y Michael Campbell (Mickey para los amigos) subía al escenario a hacer su suave dancehall del “Loco Rap” o a hacerle chapeos a Pere, los ponía de espaldas al escenario y jugaba a que acertaran quien cantaba en cada momento. Casi siempre fallaban, tal era el timbre negro del entonces joven Pere.

Pero lo que no sabía entonces es que como tantos premiados con un gran don, el alma rebelde de Pere vivía por dentro, su propio tormento. Una tarde fui a visitarlos a los estudios Tabalet, donde se estaba grabando “Toda Una Vida”. La tensión propia de cualquier grabación profesional, y más con las expectativas tan altas que el grupo había levantado en cada actuación, y con Steven Wright (Ijahman Levy, Pablo Moses) venido de Londres para la ocasión y Mickey por allí, parecía incrementada con la impaciencia y la habitual informalidad de Pere. No sé por qué, con el paso del tiempo, me recuerda a mi adorado Héctor Lavoe, en sus tiempos de La Fania. Confieso que la situación me resultaba de lo más incómodo. Menos mal que por allí andaba el gran Alberto Tarín para poner orden en el estudio y reconducir el barco a buen puerto.

Como todos sabéis, “Toda Una Vida” (la canción primero y el álbum después) se convirtieron en clásicos. De momento era un fenómeno local al que la prensa musical de Barcelona no prestaba ninguna atención. Pero el single empezó a sonar nada menos que en “Los 40 Principales” de SER Valencia, y sin llegar a ser un hit, hizo que en todas partes, desde los barrios obreros a los pijos de Distrito 10 o del Saler y el Perelló en vacaciones, todo el mundo supiera que había un grupazo que hacía música reggae, que ponía tiernas a las chicas y que se podía bailar en castellano.

No sé si fue en el 91 ó el 92 (la memoria me falla, preguntárselo a Ragna, que toma memorex), que creo recordar en la Zeleste 2 de Barcelona, Rock de Lux convocó el primer certamen nacional de bandas de reggae. Pere y Macetas arrasaron como un avión y eso que el sonido les falló en las 3 primeras canciones. Desde entonces, como en la película de Will Smith, son leyenda.

Pero mi contacto más inmediato con Pere surgió cuando él y Sergio abrieron por entonces la tienda de discos Negril, que muchos recordarán. Me caía algunas mañanas o tardes por allí, y cuando le pillaba a solas, se veía al verdadero Pere, fumando y bebiendo, para pasar la soledad junto a la música.

Un día me contó una de sus muchas batallas: resulta que la policía le había detenido cuando intentaba entrar en su propio coche por la ventanilla!! (creo que era ese que sale en la foto de rudeboy, que he colgado en Facebook). Se había dejado las llaves dentro, y la pasma se negaba a creer que el carro fuera suyo. Al final acabó humillado en la comisaría, al ponerse borde, donde según contaba le habían obligado a casi desnudarse y ponerse a hacer flexiones en el suelo, sólo para regocijo de sus torturadores. Así era él, le pasaban cosas impensables para los demás, porque cuando se ponía, no tenía freno.

Negril y su colaboración con Macetas terminó como el lucero del alba. El pleito perdido con Sergio por el nombre y los derechos del grupo, el contrato con multinacional para Ras La Tribu, que no quiso, no supo, o no pudo mantener, y su afición a la bebida y la autodestrucción en aumento.

A mitades de los 90 era fácil encontrarlo en los ambientes más inusuales de la noche valenciana. También tirado en cualquier calle o rincón. Conforme su ansiedad crecía su estado era cada vez peor y su garganta lo notaba. No recuerdo si antes o después de su temporada en el Sur, de donde volvió aflamencado, ya había empezado a actuar con el sobrenombre del Rumbero Jamaicano. En plenos años 90, su experimento de “Reggaemenco” resultaba demasiado arriesgado incluso para los amantes del reggae, inmersos por lo general en el roots clásico, o como mucho en el new roots, y su presencia y falta de voz agotaba poco a poco el carisma y aceptación de los que disfrutó pocos años antes. Lo curioso es que su hermandad con los gitanos del Cabañal, la Malva, Nazaret o Pinedo fue en aumento, hasta hoy.

Una noche se presentó, sólo (como generalmente solía hacer entonces) en el Kingston (legendario pub que reunía a la flor y nata del hip-hop y el reggae en la capital del Turia en los 90). Puro underground. Viendo a tanto aprendiz de bad-bwoy, pareció sentirse desplazado. Respiró cuando encontró en mí una cara conocida. Sin embargo como sobrepasado por no ser reconocido por las nuevas generaciones, se puso a llamar la atención de la barra, cantando en voz alta y dando palmas y tocando el taburete como si fuera el cajón, fuera de lugar, casi violento. Entonces me sentí incómodo, me daba pena que alguien como él se pusiera en evidencia de ese modo.

Luces y sombras. Le perdí la pista durante largo tiempo. Pero de pronto me llamaba y le volvía a sentir entusiasmado por algo. Que si estaba trabajando en el campo y el contacto con la naturaleza le había vuelto a centrar. Que si quería montar una Asociación de Artistas valencianos con el guitarrista ciego Julio Galcerá, para exigirle a Rita un trato digno a los músicos de la ciudad. A cada proyecto se le notaba la misma pasión por la vida, la misma ilusión que siempre, pero también su mismo atropellamiento, y en consecuencia, cuando las cosas no le salían, la misma decepción.

A finales de los 2000, vagaba como alma en pena por los conciertos de la reeditada banda de Jah Macetas en formato de trío vocal con Bernie Molina, Sergi León y Edu Altarriba, esperando para que Monleón le autorizara a subir al escenario al final del bolo para cantar su aun recordado “Dime”.  Y de pronto, hace un año, en un concierto en Sedaví, aparece rejuvenecido, y convence a Moses, que según él ya andaba cansado del formato de trío vocal, para que la marca Macetas diera soporte a su propio reportorio que en clave flamenca y castiza ya tenía incluso maquetado. Buena parte del nuevo disco de Macetas recoge ese repertorio.

Pero cuando alguien necesita agarrarse a la senda de la autodestrucción, los días de vino y rosas nunca cesan. Lejos de lo que pueda creerse, sus espantadas en ensayos, conciertos (como aquel fallido del U-Zona Reggae de los 90 al que no se presentó) continuaron durante este último año. Ciclotímico como era, Pere, que ya se había sometido hace años a un tratamiento de desintoxicación, estaba condenado a tomar fármacos para controlar su adicción al alcohol. Esto no era estorbo, para que, cuando él así lo decidía, se saltara la dieta y en su perfil agresivo se convirtiera en incontrolable para cualquiera que lo rodeara. Tan pronto se presentaba disciplinado y saludable, dispuesto a mantener una forma sana, y así completar la grabación del disco y preparar presentaciones y más recientemente el Rototom, cómo desaparecía 2 meses dejando a todo el mundo colgado. Así era Pere: luces y sombras.

Luego, el pasado Domingo, sólo 2 días después de su puesta de largo en el Rototom, dándolo todo y con la voz bastante recuperada, cuando todos hacían planes para la promoción, giras, presentaciones en Barcelona, con Mad Professor, etc., de pronto aparece desafiante en Valencia y con ganas de guerra. Perdido en Jávea durante casi una semana, sólo se sabe que volvió a beber en grandes cantidades. El parte médico habla de “Paro cardiaco con derrame por pancreatitis aguda”. Encontrado sólo en un hotel. Viviendo sus últimas horas, sólo, pero como él decidió pasarlas.

Muchos tendréis la tentación de juzgarle. Yo no soy quién. Todos tomamos decisiones equivocadas todos los días. Y muchas veces lo hacemos sabiéndolo, a conciencia. Me duele su pérdida. Mucho. Pero he conocido a muchos grandes cuya grandeza no sé si residía en su tormento interior o en su lucha interna entre el bien y el mal. Pere libró su última batalla contra sí mismo, y la perdió. Y con él, todos. Por eso, sólo me queda respetar su última decisión, y decirle: gracias, amigo, por todo lo que nos has dado, bueno y malo, a lo largo de todo este tiempo. Nuestras vidas no hubieran sido lo mismo, sin tu ímpetu, tu ilusión y tu entrega.

Como Jah reina, ¡¡tu música vive!!

Texto: Carlos Monty
Fotos: Archivo Carlos Monty

Nos ha dejado uno de los pioneros de la escena reggae española, gran artista, muy querido y respetado por todos sus amigos y los que lo conocíamos, el gran Pere Andrés. Hace menos de una semana que reíamos con él en el Rototom y pudimos disfrutar del que, sin saberlo, sería su último concierto.

En breve avanzaremos más datos sobre el fallecimiento de Pere Andrés aka Rumbero Jamaicano.

Desde la Asociación Cultural Reggae mandamos mucho amor a sus familiares y amigos.

Avui va bé, Pere, demà també!!

Jah Macetas y El Rumbero Jamaicano – Avui va be by Jah Macetas

Fotos: Roberto Passoni y Eduardo G. Magaña

En la playa dels Terrers de Benicàssim, se oyen las últimas notas: hoy, de la mano de 5 djs europeos, despedimos el Rototom hasta la edición de 2012 .

Entre el olor a mar y “Row like a boat” de Beenie Man, vienen a la mente momentos que resumen los 10 días de la mayoría de edad que el European Reggae Festival ha celebrado este año.

Desde mis ojos…

Un hecho a valorar: la colecta de Cruz Roja para combatir la crisis alimentaria de Somalia, y la colecta de la Asociación de Reggae de Murcia para la reconstrucción de Lorca.

Una frase: “We think Africa is far. But no. We are all Africa.” Brigadier Jerry

Artistas que arrancan sonrisas: Mr Vegas – energía y Jimmy Cliff – talento eterno.

Un lugar en el que moverse es inevitable: el rincón de percusión de Combe Capelle y el African Village.

Un aplauso merecido: el dado a Leo Bassi por su exposición sobre el papel de la iglesia en la sociedad.

Un momento de conexión: darse un baño en el Mediterráneo con el reggae del Sunbeach entonado en toda la playa.

Una razón para sonreír durante una hora: el intento (muy cómico) de venta de piedras. Piedras comunes del suelo del recinto Rototom. Dentro del mismo recinto. Y caras

Una frase para resumir el festival: “Hemos de entender el reggae como un todo, que engloba muchas manifestaciones, pero conserva las mismas raíces”. (Los ponentes de “La evolución de los fundamentos del reggae”).

Una razón para volver el año que viene: volver a los ACR Meetings, al Sunbeach, a los conciertos, a los talleres. Volver a tener tiempo para todo, sin tener obligación de nada. Volver a escribir, por amor al reggae.

Si habéis estado en Benicàssim estos días, os animo a definir vuestra experiencia.

Texto: Reborn4theVibe
Foto: Lorenzo Scaldaferro

“Los medios de comunicación de masas: ¿Es el sexismo la nueva normalidad?”

Amparo Panadero, de la Plataforma de Mujeres Artistas, ha presentado en el Foro Social a Anna Sales (Fundación Isonomía) y a Rosa María Calaf (TVE) para hablar sobre algo (hasta cierto punto) conocido por todos, aunque abiertamente comentado por pocos: el sexismo socialmente creado y aceptado.

Durante esta sesión se ponen de manifiesto numerosas facetas de esta transmisión mediática de roles y estereotipos. Es analizado cada uno de los patrones que se pretende que cada individuo cumpla en función de su sexo.

Además de la aclaración de que el sexismo no equivale sólamente a machismo (de hecho el sexismo en los medios no favorece ni a hombres ni a mujeres), hay otra faceta de este “arma” del sistema social que me llama especialmente a atención. Rosa María Calaf habla sobre un informe del “The Independent” en el que se presentan las estrellas femeninas de la música.

El interés de este informe radica en su énfasis en el hecho de que nunca se habla de la calidad musical de estas artistas. La reseña sobre ellas está siempre acompañada de montajes fotográficos a todo color, con muy poca ropa. Se concluye que, desde hace tiempo, la artista usa su cuerpo para vender discos, al margen de la calidad de su trabajo. Su papel, sexualizado y cosificado en los medios, es cubrir la cuota de mercado establecida por el sistema para esta industria.

Escuchando este informe y el apasionante análisis que Rosa María Calaf hace de él, recuerdo mi primer día en el Rototom y lo que más valoré del ambiente: la ausencia de maquillaje, de canon de vestimenta y de miradas reprobatorias entre hombres y entre mujeres. El hecho de que nadie mira, juzga ni critica a nadie y que cada momento conforma una vida de calidad, sin roles ni patrones que cumplir y con banda sonora a ritmo de reggae, hace que uno desee que llegue el momento en el que todos los días del año, en todo el mundo, se viva el vibe de Rototom.

Texto: Reborn4theVibe
Foto: Luca D´Agostino

El último día del festival llegó el pasado sábado 27 de Agosto y lo hizo con una programación pensada especialmente para los amantes de los sonidos más clásicos.

La tarde no podía empezar mejor, charla con Bunny Lee, Johnny Clarke y Michael Prophet entre otros en la Reggae University y proyección por parte de la ACR del documental Intensified. Come Forward.

Como ya sucedió el día anterior, parte de los artistas que participaron en las charlas de la Reggae University también lo hicieron actuando en el Main Stage, pero vamos por partes.

Pasadas las 21:00 Brigadier Jerry aparecía en el escenario principal tras actuar la anterior noche por sorpresa en el Dancehall. Bangarang, Answer o Kutchie fueron algunos de los ritmos que la banda que acompañaba a Briggy interpretó para que el artista repasara los temas más conocidos de su extensa carrera como Jah Will Do It Again o Jamaica Jamaica. El jamaicano no se olvidó a lo largo del su actuación de sus compañeros de profesión, acordandose en algunos de sus versos de Shabba, Ninjaman, Supercat o Josey Walles. Aunque fue un buen show, parecía que la banda no lograba sacarle toda la potencia y fuerza que se podía esperar de una actuación como la que estabamos viendo. Pero esa sensación desapareció por completo con la entrada a escena de la siguiente backing band.

Los siguientes 3 artistas, Michael Prophet, Johnny Clarke y Horace Andy, compartían banda y desde el primer momento esta dio muestras de una fortaleza especial. El primero en salir fue Michael Prophet, divertido, comunicativo y con muchas ganas de hacer disfrutar al público el artista no paró ni un segundo quieto, cantando y bailando. Por supuesto no faltaron clásicos como Gunman a los que el público respondió masivamente.

Practicamente sin tiempo para descansar el legendario Johnny Clarke tomaba su puesto en el escenario para protagonizar uno de los mejores directos de esta pasada edición. African Roots, King of the Arena, Crazy Baldhead, Roots Natty Roots,… temas fundamentales del Roots Reggae que Clarke supo defender sobre el escenario.

Horace Andy fue el encargado de cerrar la programación del Main Stage aunque antes de que esto sucediera los organizadores del festival junto a todo el staff al completo aprovecharon para subir al escenario, agradecer al público su apoyo al festival y confirmar, como ya hicieron el pasado año, que la edición número 19 (la tercera en España) tendrá lugar nuevamente en Benicàssim.

Andy por su parte firmó un fin de fiesta perfecto, como solo él sabe hacer, a base de dulces melodías y grandes ritmos. Abrió con Surrender y a partir de allí Sleepy no descansó hasta satisfacer las espectativas de un público que recibió al veterano artista de Studio One con gran entusiasmo.

Tras esto, el público se dividió entre los distintos escenarios escogiendo así entre las distintas propuesta que el festival ofrecía: King Alpha y Blackboard Jungle en la Dub Station, Sashamane y Saxon en el Dancehall, Upstemians en el Lion Stage, Reggaebretols, Family Business y Alan Humbert en el Ska Club y Mas Jahma y Freedom Cry en el Free Yard. En resumen, opciones para todos los gustos.

Texto: Leggo
Fotos: Carlo Crippa y Ranieri Furlan

Poco a poco nos acercamos a la recta final del festival. Como ya pasó la pasada semana, al coincidir en fin de semana la afluencia de público aumentó en comparación a la que suele visitar el recinto del Sunsplash entre semana.

Brigadier Jerry, quien en principio tenía que actuar el viernes en el Main Stage pero que finalmente ha sido desplazado al sábado para suplir la baja de Gyptian en el escenario principal, participó en la charla Rastaman Vibration dentro de la Reggae University acompañado por Colin Grant. Como parte de la programación de la Reggae University la ACR proyectó el film Utopía Etiopia de Sergio Moleón y Alberto Tarín, los cuales también formaron parte de la primera actuación de la noche del Main Stage.

Los Jah Macetas centraron su directo en el escenario principal en sus nuevos temas. Ante el poco público que se congregaba a esa hora defendieron con oficio sus nuevas creaciones (Sueño, Nueva canción de libertad, María, Tu frialdad,…) dejando un poco de lado sus temas más clásicos. A pesar de esto Dime o Toda una vida tanbién formaron parte del repertorio de los valenciados.

Que Lee Perry es un personaje indispensable para entender el desarrollo y la evolución del Reggae es indudable, pero eso no significa que el show que ahora mismo este productor/artista ofrece aporte algo a la música jamaicana. Perry se limitó a ejercer de “gurú”, recitando versos, bendiciendo el suelo con agua,… Un poco en la línea de sus últimas actuaciones más cerca de una actuación teatral que de un concierto. En mi opinión, bastante prescindible.

Por suerte, la siguiente actuación del Main Stage iba a ser muy distinta. Un Ken Boothe que parece encontrarse en plena forma se hizo acompañar por los barceloneses Blackstarliners, reforzados para la ocasión con dos vientos y una guitarra originarios de la Kinky Coo Coo’s. Cantante y banda ofrecieron lo mejor de ellos mismos interpretando a la perfección clásicos de la talla de Silver words, The train is coming, Artibella, When i fall in love, Moving away, Everything I own,… Parece que los años no pasan para este veterano que cada año demuestra ser capaz de más sobre el escenario.

Destacar también la breve actuación de la jamaicana Chantelle Ernandez previa a la salida en escena de Ken Boothe y el detalle de este último al invitar al escenario al productor Bunny Lee, quien también se encontraba en el festival.

El último en subir al escenario del Main Stage fue el jovencisimo Konshens, un artista que como en su momento ya se comentó en esta web, lo tiene todo para triunfar pero le falta algo, posiblemente ese algo es la experiencia que solo se consigue con los años. Last Drink, Forward, Good Girl Gone Bad (con la obtuvo el mayor forward de la noche),… se fueron intercalando en una primera parte del concierto en el que el jamaicano tuvo ciertos problemas de sonido que no le facilitaron para nada el trabajo.

Demostró tener ganas y se entregó ante un público que le pedía más. Sin duda, la recta final del show mejoró a partir de Dem Ah Talk, sobre el Trailer Reload riddim y con la presencia de Darrio, quien también interpretó su Own Gun sobre el mismo ritmo. Winner, Buss a blank y Realest song cerraron una buena actuación de un artista que está en plena evolución.

Tras el cierre del Main Stage nos encontramos con Dactah Chando que presentaba su álbum Clara al más puro estilo New Roots/Dancehall acompañado de una gran banda que logró sacar lo mejor del artista canario.

Channel One ponían la Dub Station en pie primero a base de Roots (Heptones, Burning Spear,…) para ir pasado al más puro Uk Style, como ya habían hecho anteriormente algunos de sus compañeros en días anteriores.

En el Dancehall Stone Love no pudo acudir a su cita con el Rototom así que fue substituido por Sud Sound System, Lampa Dread, One Blood y como invitado especial al micro el mismisimo Brigadier Jerry.

Texto: Leggo
Fotos: Carlo Crippa y Roberto Passoni

Roger Stephens y Esteban Ibarra protagonizaron las charlas principales de la Reggae University y del Foro Social respectivamente del pasado jueves. Rico Rodriguez no pudo asistir a tiempo a la proyección del documental Rico. The Legacy a la que si asistieron sus directores Jep Jorba y Marc Almodóvar.

En el terreno musical, tras la actuación de los alicantinos El Gran Miércoles en el Lion Stage, el Main Stage empezó a calentar motores con la primera actuación de la noche. Perfect salía a escena acompañado por los austríacos House of Riddim con los que parecía entenderse a la perfección.

Es cierto que Giddimani es un artista al que le gusta gritar, tal vez demasiado, pero también es cierto que eso no le impide cantar y ofrecer un buen show. Le ayudó una variada selección de temas como I Smoke a Spliff, Reggae Music, Bomboclat o el hit Handcart Bwoy con el que cerró su actuación.

Lutan Fyah era el siguiente y si bien en lineas generales cumplió sobradamente con su papel sobre el escenario, en mi opinión le faltó algo más de entrega y compenetración con la banda. Nuh Talk o Bits & Pieces fueron algunos de los temas más aclamados por el público que respondió ante el de St. Catherine que planteó un concierto 100% centrado en ritmos New Roots que al final resultó algo monótono.

Un cambio de horario en los conciertos del escenario principal hizo que el siguiente en actuar fuera Tiken Jah Fakoly. El africano apareció arropada por una banda formada por más de 12 músicos que le ayudaron a repasar los temas de su último trabajo African Revolution. Gran actuación del que es sin duda una de las mayores estrellas del reggae africano y que demostró contar con gran cantidad de seguidores entre los asistentes al festival.

Ante la inminente actuación de Ali Campbell uno podía preguntarse si el ex UB40 centraría su show en su nuevo trabajo o bien tiraría del repertorio de su ex banda. El británico planteó un directo donde temas propios y versiones se combinaron a partes iguales, siendo estas últimas con Kingston Town, Cherry Oh Baby, Falling in love with you, y sobretodo, la esperada Red Red Wine, las que consiguieron una mayor respuesta por parte del público. Pop Reggae interpretado por uno de los reyes del género que en algunos momentos mostró cierta falta de voz pero que dejó a su púbico satisfecho con su actuación.

Tras no poder contar con Rico Rodriguez durante el meeting de la tarde, el jamaicano perdió el vuelo que le tenía que traer a Benicàssim, una nueva oportunidad se presentaba para los asistentes del festival con la actuación del veterano trombonista en el Lion Stage acompañado por los catalanes Root Diamoons.

Los de Barcelona abrieron el show mientras el público se acercaba, en su mayoría desde el escenario principal, para que Rico apareciese al poco rato para incorporase al grupo. Siempre es agradable poder disfrutar de la actuación de alguién tan importante dentro de la historía de la música jamaicana pero lo cierto es que el jamaicano de 77 años de edad no se encuentra en su mejor estado de forma. Abrieron con Freedom Sounds a la que siguieron Africa o Bridge View entre otras y aunque la banda hizo lo posible para ayudar a Rico, el jamaicano cada vez tiene más problemas para lograr finalizar sus solos de trombón. Sensación algo amarga ver una vez más como algunos artistas de avanzada edad siguen sobre los escenarios en parte por amor a esta múasica pero muchas veces, no digo que sea este el caso, debido a los tratos totalmente injustos que hacen que no cobren los royalties de los temas que registraron en el pasado, situación que les obliga a vivir unicamente de las actuaciones en directo.

Mientras, en el Dub Station Roberto Sanchez y Genius impartían su propia Dub Conference con el apoyo de Ranking Forrest y Ambassah al micro. La primera parte estubo centrada en la selección de temas y la segunda en la mezcla de producciones salidas de los estudios de estos dos músicos. Tras ellos, Dubkasm tomaban el control empezando su selección con temas de Frankie Paul, Sizzla, Junior Reid o Michael Rose junto con la versión dub de cada una de ellos. Solo Banton se unió a ellos para completar un show que ya se alargaría hasta el cierre del festival.

Urtica se encargaba del warm up en el Dancehall y demostraban el porque son los actuales capeones del Spanish Clash. Nuevos dubplates combinados con otros que ya habíamos podido oir en otras ocasiones y un show cargado de energía dio paso a la actuación de Black Kat. El jamaicano, que tuvo algunos problemas con el equipo, hizo una sesión centrada en sus dubplates más populares (Cocoa Tea, Jah Cure, Terry Linen, Richie Spice,…) presentando los temas a la vez que realizaba la selección.

En el Ska Club Sir Lord Tennant cerró la programación tras la actuación de Marc Ibarz (Tasty Grooves) acompañado por Toni Face.

Texto: Leggo
Fotos: Ranieri Furlan y Lorenzo Scaldaferro

Para los que nos quedamos con ganas de aclarar el concepto y rol del dancehall, el viernes Fernando Garcia-Guereta presento su trabajo, “Hit me with music”. El documental cuenta con imagenes el tema debatido el jueves (“El Dancehall como elemento identitario”), oyendo sobre este sonido y cultura de boca de los que lo crean, promueven y viven a diario.

El documental, para cuya realizacion Fernando ha contado con la ayuda de la cantante Zenny, incluye entrevistas tanto con figuras prominentes del dancehall – Vybz Kartel, Mavado, Yellowman – como con personas anónimas, que representan diversas zonas del país. Ambos casos definen el papel real del dancehall en Jamaica – esta música es su billete para salir de la pobreza, su arma de pelea y la sintesis de su fe.

Especialmente los artistas y autores de las letras, que crean tanta controversia fuera de las fronteras jamaicanas, insisten en que la letra no se ha de interpretar de forma literal (Yellowman insiste “don’t take them words that seriously”), sino que se han de analizar sus simbolos para entender su significado real. También comentan el componente comercial de muchas actitudes que no son entendidas fuera de Jamaica.

Fernando, después de la presentación de este documental, subraya la autenticidad del sentimiento de Jamaica y de la importancia de la musica en la vida de sus niños, los que rien en primer plano en la última escena, mientras nos enseñan los ultimos pasos que han aprendido.

Texto: Reborn4theVibe

Una vez más, los meetings, las charlas, los talleres y los debates precedieron a la programación musical del miércoles con un sinfín de actividades pensadas para soportar de la mejor manera el fuerte calor. Entre ellas nos encontrabamos con la participación de la nobel de la paz Shirin Ebadi en el Foro Social, la charla sobre el legado de Marley que promovía la ACR dentro de la Reggae University y la proyección del film La Notte del Leone.

El Lion Stage volvió a ser el primero en ofrecer música en directo con la actuación de los argentinos Livity Song que repetían en el festival tras su paso por el Main Stage hace un par de días.

Poco después Sud Sound System darían inicio a la programación del Main Stage. Analizar la actuación de los de Salento bajo un punto de vista unicamente musical no sería justo. En mi opinión, el grupo está muy limitado en el aspecto vocal pero logran suplirlo con un directo muy ensayado, grandes dosis de energía y letras que conectaron con una gran cantidad de público venido en gran parte de Italia que esa noche llenó el escenario principal del festival y mostró el gran amor y respeto que sienten por este veterano grupo.

Ojos de Brujo fueron el único grupo que sin hacer reggae entraron dentro de la programación del festival. La respuesta del público fue positiva, de hecho, seguramente algunos de los asistentes de aquella noche lo hacían en gran parte atraidos por el show de los de Barcelona. El grupo, que en algunos momentos concretos realizó guiños a la música jamaicana, presentó en lineas generales un show bastante parecido al que nos tienen acostumbrados.

Sin duda, viendo la afluencia de público fue un acierto el contar con ellos aunque tal vez abría que preguntarse si un festival que se presenta como el mayor evento de Reggae europeo, por lo menos en cuanto a duración, debe centrarse unicamente en los sonidos nacidos de la isla del caribe o debe abrir sus brazos a nuevos sonidos alejados de la linea original del festival.

Capleton se reconcilió con el público en España con un show enorme. Tras su últimas actuaciones la verdad es que algunos ya estabamos preparados para un poco lo mismo de siempre, mucho saltar, mucho gritar y poco cantar, pero el de St Mary demostró que estabamos equivocados.

Abrió con That day will come y no bajó la guardia ni un segundo, Raggy Road, Who I am, Mi deh Ya, Toppa Tings, Good in her Clothes y así hasta cerrar con su más reciente Some Day. The Prophet en plena forma, posiblemente mejor que nunca, conectando con el público que se volcó con el artista de principio a fin. King Chango is back again, y nosotros nos alegramos porque el New Roots necesita de artistas como él.

En el Lion Stage los alemanes Jamaram presentaban su propuesta Reggae/Mestiza con la colaboración de Sara Lugo, hermana del cantante de la banda.

En la Dub Station, Iration Steppas empezaban su set a base de Roots (Barry Brown, Barrignon Levy,…) acompañados por Maki Banton y YT al micrófono al que también se les unía por momentos el propio Mark Iration. Las combinaciones entre los tres se sucedían a la vez que la selección de los ritmos avanzaba hacía un sonido más digital atrayendo a gran número de público.

En el Dancehall, Youthman Promotion, el sonido del desaparecido Sugar Minnot, mostraba su colección de dubplates (Dennis Brown, Garnett Silk y por supuesto Sugar Minott, entre otros) frente a un público que parecía no responder demasiado ante la actuación de los jamaicanos que fueron adentrándose en el early dancehall para, tras una breve actuación de su Mc ahora convertido en cantante, continuar con dancehall más actual (Shabba, Kartel, Mavado,…) que ahora si logró captar una mayor atención por parte del público.

En el Ska Club Dave Hill, Stu Patterson Natty Bo y Earl Gateshead, estos dos últimos repetían de nuevo en la zona destinada a los sonidos más clásico, seleccionaban auténticas joyas en formato 7″.

Por último, en el Free Yard los catalanes Urtica tomaban contacto por primera vez con el público del Rototom antes de subir al día siguiente al escenacio del Dancehall para realizar el warm up para Black Kat, pero eso ya será mañana…

Texto: Leggo
Fotos: Elia Falaschi y Carlo Crippa

Poco a poco, sin darnos cuenta, hemos superado al ecuador del festival.

El sexto día en el Rototom supuso uno de los días con mayor afluencia de público registrada hasta la fecha, más de 25.000 personas, y eso que era un martes.

Sin duda, el apellido Marley sigue atrayendo a gran cantidad de público y es que esa misma noche Rita, Ziggy y Ky-mani Marley se darían cita sobre un mismo escenario.

Ya por la tarde, Ky-mani tenía prevista una charla con motivo de su polémico libro Dear Dad que finalmente fue cancelada.

Los venezolanos Jahbafana y más tarde los franceses Rod Anton & the Ligerians se estrenaban en el escenario del Lion Stage. En la Dub Station Blackboard Jungle, propietarios de las potentes torres de sonido que custodian el area destinada al Dub, empezaban a preparar el terreno para recibir a Unitone y al mítico Aba Shanti I.

El Main Stage empezó a llenarse con la salida de los Africa Unite al escenario. El grupo, creado por Bunna y Madaski hace ahora más de 30 años, volvió a demostrar su calidad sobre la tarima del escenario principal del Rototom.

Ziggy era el siguiente en subir a escena, y aunque el hijo de Bob y Rita dispone de cualidades vocales sobradas para ofrecer un buen directo su actitud algo distante y un directo lineal y falto de feeling con el público le restó puntos. Interpretó temas de la época de Ziggy Marley and the Melody Makers, otros más recientes y como era de prever, algunas canciones de su progenitor. Rita, de la esperábamos una actuación completa, solo subió al escenario para realizar a duo junto a su hijo el tema One Love.

Así llegamos hasta la última actuación de la noche del Main Stage con Ky-Mani Marley. Warriors o Hustler son en mi opinión un claro ejemplo del talento de este cantante convertido a actor (Shottas, Haven o One Love) que demostró una mayor entrega que su hermano aunque, al igual que él, no se olvidó de interpretar algunos de los temas de su padre como Trouble in the world,  I shot the Sheriff,  Redemption Song o la masivamente coreada por el público No woman No cry.

¿Que pasaría si los hijos de Marley se dedicaran unicamente a interpretar sus propios temas? Está claro que tanto Ziggy como Ky-Mani lograron una mayor atención del público al poner voz a las melodías creadas por su padre que con su propio repertorio. Pero por otro lado ambos disponen de una discografía y bagaje suficientemente extensos como para poder centrar su show en sus respectivos trabajos.

Pero no toda la música vino exclusivamente del escenario principal, los autríacos Iriepathie, responsables del sello Irie Vibrations, presentaban su nuevo trabajo en el Lion Stage acompañados de la misma banda que actuó junto a Luciano la pasada noche en el Main Stage. Buenos ritmos y un show muy preparado que si bien cojeaba un poco en el terreno vocal, tal vez merecería algo más de atención por parte de un público que apenas acudió al Lion Stage.

Tommy Tronado y sus Golden Singles Band sí que lograron atraer a una mayor cantidad de público al segundo escenario del festival con su Ska instrumental que daría paso a los italianos Train to Roots, que serían los encargados de cerrar este punto del festival.

Mientras, en la Dub Station Aba Shanti I, ya había tomado el cotrol del equipo para trasportarnos, primero con Roots y más tarde al más puro Uk Style, por una sesión que enganchó desde el primer segundo con un público entregado. El británico estubo más comunicativo que en anteriores shows y agradeció en numerosas ocasiones el calor que el público le brindaba cerrando su sesión a altas horas de la madrugada.

Para los que quiseran otro tipo de plan, los alemanes Sentinel vinieron con su dubplate box bien cargado y con la compañia de la cantante Etzia. Por fin el sonido del la Dancehall Area ha mejorado gracias a dos nuevas torres de altavoces, los fieles a este espacio seguro lo agradeceran.

Por último, Ben Gun Mento Band llenaron el Ska Club de ritmos tropicales, calypso y mento para cerrar una nueva noche cargada de buena música.

Texto: Leggo
Fotos: Elia Falaschi y Carlo Crippa

El quinto día del Rototom dejó un buen número de buenos momentos entre los asistentes.

La Reggae University contó nuevamente con los ACR Meettings, siendo las Formulas alternativas de edición musical el tema central, así como la sesión Images of Africa, con la presencia de Luciano y Louis Chude-Soku, mientras que Rita Marley y Carolyn Cooper fueron las protagonistas de No woman no cry.

El Main Stage se presentaban tres propuestas bastantes distintas pero a la vez muy interesantes, una tónica que continuaría al finalizar la programación del escenario principal.

Gappy Ranks, uno de los artista europeos con mayor proyección del momento, hizo de director de unos Blackstarliners que funcionan como un reloj. La compenetración entre el artista y la banda de Barcelona es total, tanto en la ejecución de los temas de corte más clásico, Pumpkin Belly, Put the Stereo On o Heaven in your eyes como al interpretar temas dancehall como el hit Stinkin Rich.

Un esperadísimo Linton Kwesi Johnson aparecía en escena acompañado por la banda de Dennis Bowell tras la finalización de la actuación del artista británico. Para algunos, el directo del jamaicano afincado en el Reino Unido puede antojarse algo lento o monótono, en cambio para otros entre los que me encuentro, se trata de una de las experiencias más gratas de las que un aficionado a la música puede llegar a disfrutar.

Linton representa mejor que nadie el compromiso y la militancia social, temas construidos como auténticas poesias que además se ven arropados por una inmensa banda como es Dennis Bowell Dub Band. Los temas de Linton se combinaban con pequeñas charlas introductorias, haciendo especial incapié en la situción que vive actualmente Inglaterra y las revueltas que han tenido lugar en los barrios más humildes del Reino Unido.

Tras esto, The Messenjah volvía al escenario principal del Rototom y no defraudó. Luciano abrió su concierto con Give Praise para seguir desgranando algunos de los mejores temas de su extensa dicografía. Sweep over my Soul, Never Give Up o la emotiva For the Leaders se sucedieron en un concierto donde el artista demostró una gran conexión con el público y una atitud admirable llena de energía.

Al finalizar la programación una vez más el publico se dividió entre los distintos encenarios que hasta ese momento estaban bastante vacios.

En el Lion Stage el grupo de Nueva Zelanda, Katchafire, hacían bailar a un buen número de personas que si bien no les conocían si apreciaban la calida de la banda.

Stand High junto a un Pupa Jim en plena forma conectaron desde el primer momento con el público de la Dub Station. El dinamismo, la calidad y su estilo festivo fue sin duda su mejor baza.

La Dancehall Area contó con tres de los mejores selectores de la escena italina, Macromarco, Indi y Mad Kid, que hicieron bailar al público sin parar a base de remixes, hip hop y por supuesto, mucho reggae y dancehall. La selección cargada de trucos de los selectores italianos tuvo el apoyo al micro Lampa Dread (One Love HP).

Por su parte, el Ska Club tampoco se quedó atrás. Natty Bo (Ska Cubano) y Earl Gateshead (Trojan Sound System) firmaron una selección a base de clásicos atemporales donde también hubo espacio para el roots.

El Lion Stage cerró su programación con los californianos Soul Sindikate & Dub Trooper mientras que el sond andaluz King Wadada hizo lo propio en la Free Yard.

Texto: Leggo
Foto: Roberto Passoni y Elia Falaschi

Encaramos la cuarta jornada del Rototom Sunsplash y cerramos el primer fin de semana de esta edición, que según la organización ya está superando las previsiones una vez más. La tarde comenzaba de nuevo con una de los encuentros propuestos por la Asociación Cultural Reggae en sus ACR Meetings, esta vez Puppa Fran, Lyo de Leones Humildes e Iñigo de Rootikaly debatieron sobre los diferentes conceptos y formas de entender el sound system.

El Lion Stage abría con los ganadores del Contest Galego, la banda Natural Green. Aunque el público estaba esperando para el segundo de los artistas español que tendremos este año en el Main Stage, y el principal estandarte del dancehall nacional, el chico de fuego, Swan Fyabwoy. Actuación en la que le acompañaron los zaragozanos Jahsta, que junto con Karty obtuvieron mucho forward del público conforme iban desgranando los temas de su repertorio, bien conocido por la massive que coreaba continuamente y ayudaba en los estribillos, haciendo las delicias de los artistas. La afluencia de público era importante, teniendo en cuenta que los artistas nacionales no suelen llenar igual que los internacionales, como pudimos ver en la pasada edición del Rototom, quizás por que el público europeo no conecta con las letras en castellano y por el desconocimiento de nuestros artistas fuera de nuestras fronteras.

Sin embargo ayer Swan congregó a más gente que su compañero de tarima británico, el veterano Maxi Priest. Conforme se desarrollaba su actuación veíamos como un goteo incesante de personas iban abandonando el Main Stage. El repertorio y los acompañantes de Maxi Priest no fue desde luego el más acertado. Todo lo contrario que con el alemán Gentleman, un lleno absoluto de incondicionales que corearon sus temas más famosos como Lonely Days, Superior, Chages o la popular Dem Gone. Cerró el concierto en compañia del veterano Richie Stephens, quien demostró sus increibles dotes vocales.

Mientras tanto, en el Dub Station la sesión de Leones Humildes que comenzó con mucho público quedaba reducida a la mínima expresión durante la actuación de Gentleman y volvió a llenarse cuando terminó esta. Es todo un acierto la configuración del área Dub del Rototom, por sonido y por la ampliación que hace que muchos militantes de la Roots & Dub music puedan disfrutar de su música. Leones Humildes dieron el relevo a uno de los míticos sounds systems ingleses, el veterano Jah Observer que vió como la cúpula del dub no dejaba ningún espacio libre. Quizás el rumor que corría de que posiblemente sería una de sus últimas actuaciones hizo que muchos lo eligieran a la otra sesión que estaba teniendo lugar en el dancehall: King Jammy’s.

Uno de los mayores productores y dub master que han salido de la isla nos regaló una sesión plagada de dubplates de todas las épocas, empezando por el dubplate de Old Good Days de Gentleman. Sin duda, sus mejores momento fueron cuando ofrecía los sets más clásicos (Black Uhuru, Ini Kamoze, Tenor Saw,… ) siendo un poco extraño verle pinchar temas más actuales como el Shoot Out de Michael Rose. Algunos esperabamos del creador de ritmos como Sleng Teng un show más centrado en su faceta como productor.

Destacar también a los alemanes Sillywalks que propusieron un set algo más original al de otros colectivos que habían visitado el escenario del Dancehall en días pasados rescatando del olvido temas de Beres Hammond o Everton Blender entre otros.

De reseñar en el Lion Stage la actuación de la banda checa United Flavours, que conectó a la perfección con el público gracias a su carismática cantante Sista Carmen dejándole el testigo a Prince Osito y los barceloneses Urban Roots.

Texto: ACR Crew