Los californianos defienden en la actualidad una de las propuestas más transgresoras de cuantas están presentes en la música jamaicana revival, en el sentido de que aderezan su repertorio de temas de reggae primigenio –una parte de ellos versiones de clásicos del género como John Holt, Shark Wilson & The Basement Heaters, Symarip o Marcia Griffiths- con una considerable carga de contundencia escénica y agresividad en la forma de tocar instrumentos tales como el órgano o las guitarras. Ellos lo definen como “dirty reggae”, un término tan deudor de formaciones de innegable virtuosismo (Hepcat, The Slackers), como de la prolija escena hardcore-punk americana. El resultado es un sonido tan autóctono y genuino que no deja a nadie indiferente. ¡¡Make it reggae!!

Se dice que vuestra banda fue formada como una combinación de The Vessels y The Rhythm Doctors para un proyecto concreto como banda de apoyo al vocalista jamaicano Derrick Morgan, para quien se supone debíais editar un álbum que finalmente nunca ha sido editado. ¿Por qué no ha aparecido? ¿Podrías recordar cómo fue la experiencia de trabajo con él? ¿Qué lección/es aprendisteis de Derrick?

Es una historia bastante simpática, porque reuní una banda para hacer de soporte de Derrick Morgan en Los Ángeles cuando aparecimos y a él le encantaba la banda. Eran, en general, gente de Hepcat, mi antigua banda The Rhythm Doctors… él no podía creerse lo buena que era la banda. Aproximadamente tres meses más tarde Derrick Morgan me llamó por teléfono y me dije “¡Oh dios! ¡Es Derrick Morgan al teléfono y me está llamando a mí!”. Me comentó “me encanta la banda. Voy a ir a Inglaterra para grabar un nuevo álbum aprovechando una gira. ¿Puedes escribir y grabar un álbum para mí?”. Le dije “Por supuesto. Sí”. Así que llamé a los mejores músicos en Los Ángeles, gente de See Spot, de Hepcat, de la antigua banda The Rhythm Doctors, Roger –nuestro organista- que tocaba en The Vessels y grabamos un álbum entero para él en la línea de Derrick Morgan: ska, rocksteady, reggae. Lo terminamos y pensamos “vamos a traer a Derrick para que registre las voces”, pero no le dio tiempo. Así que vino para una actuación y le comenté “¡Ey Derrick, tengo el cd con las canciones!” y me dijo “es genial, yo también tengo un cd para ti”. Y yo pensé “¿Un cd para nosotros? Si ya hemos terminado el álbum”. Él terció “si bueno, quizá podamos usar una o un par de ellas. Quiero que regrabéis estas canciones”. Le espeté “¿Estas canciones?” y me dijo “sí, unas maquetas que hice” y eran todos clásicos suyos. Quería que regrabáramos sus viejos temas y pensé “yo no quiero grabar Housewife Choice de nuevo. Ya ha sido hecha, es un clásico y estaba bien la primera vez. ¿Por qué tenemos que rehacer Fatman y estos clásicos?”. Para ser honesto, me enfadé puesto que me había dejado bastante dinero grabándolo, nos llevó mucho tiempo hacerlo, había probablemente treinta músicos distintos, seis o siete compositores y un montón de tiempo y esfuerzo de mi bolsillo. Aunque lo hice por amor y no esperaba que nadie me lo devolviera, pero… Ese es el motivo por el que nunca fue editado.

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Una vez respondida la entrevista, me pregunta Pedro si ha satisfecho las expectativas depositadas en ella. Creo a la luz de sus respuestas, extensas y explícitas, no se puede añadir mucho más a lo ya expresado por él. Para poneros en antecedentes a quienes no lo conozcáis, os diré que Pedro Espinosa, conocido en panorama jamaicófilo como “Aianai” -castellanización de la popular expresión egocéntrica jamaicana “I and I”-, es cofundador -junto al cantante guineano Juan Borikó- de Potato, el veterano conjunto vitoriano de música jamaicana -en activo desde 1984-; pionero -y probablemente el único- en importar la poesía dub de Linton Kwesi Johnson o Mutabaruka al reggae patrio y un agitador nato de conciencias bajo el decrecentista lema “abajo el trabajo y viva la vida contemplativa”.

Comenzando por el principio, en la década de los setenta y en pleno apogeo juvenil, conoces al guineano afincado en Vitoria, Juan Borikó, un amigo inolvidable al que terminarías por apodar Johnny Brusko, con quien conformarías la sociedad Babinton PIP (producciones-ideas-promociones) y de la cual emergería la idea embrionaria de conformar una formación vitoriana propiamente de reggae como Potato. Me gustaría que recordaras las circunstancias que hicieron que vuestros caminos se cruzaran, las actividades que surgieron al calor de vuestra sociedad Babinton PIP y cómo os planteáis, en un principio, llevar a término el proyecto de Potato (concepto, estilo, músicos, mensaje).

Juantxo (JB) y yo nos conocemos desde los 14 años y aunque íbamos a colegios distintos, coincidíamos muchas veces en un bar del centro de Vitoria especializado en cervezas. La peculiaridad de este establecimiento era que tiraba muy bien la cerveza de caña y ofrecía jarras de diferentes tamaños desde 2 litros hasta la más pequeña de un zurito (algo menos que un corto) y a nosotros nos encantaba comprobar cuántas de esas jarras éramos capaces de beber en una tarde. Tengo que decir que también éramos muy deportistas y jugábamos a fútbol en ligas federadas en infantiles y juveniles, JB en el San Viator y yo en el Deportivo Alavés. Él era un extremo muy bueno y habría podido llegar lejos si se lo hubiera tomado más en serio. El caso es que a los 17 años nos separamos al ir a la Universidad, yo me largué a Madrid a estudiar periodismo y él a Burgos a hacer aparejadores, aunque en verano siempre volvíamos a vernos. Fue a comienzos de la década de los ´80 cuando regresamos de nuevo a Vitoria, cada uno con nuestro título, aunque nos costó encontrar trabajo, sobre todo a mí que ganaba una miseria colaborando en un periódico y en una radio local. No obstante, tuve la suerte de que me contrataran para el Festival Internacional de Jazz de Vitoria-Gasteiz, convirtiéndome en el primer jefe de prensa del certamen en 1982, año en el que tocaron Ella Fitzgerald y Oscar Peterson, entre otras grandes figuras. Los responsables del festival necesitaban igualmente alguien que pegara los carteles anunciadores del evento, que eran unos cuantos miles, así que para sacar un dinero extra, me encargué también de ello junto a mi amigo JB. Había que vernos por la noche con el balde de cola, el carro de la compra con los carteles y la escoba para embadurnar las paredes. Cuántas veces nos paró la policía. Hay que señalar que JB y yo, además de beber y fumar hash y marihuana, leíamos mucho, hablábamos mucho y pensábamos más. Supongo que los porros tendrían algo que ver, pero se nos ocurrían miles de ideas; desde presentarnos ante Xabier Arzallus, factótum del PNV para reclamar un carné de identidad vasco para JB, que en aquel entonces figuraba como apátrida por negarle la nacionalidad tanto el gobierno español como el de Guinea Ecuatorial, hasta organizar un comando que echara del poder al dictador Obiang, que se había cargado a su tío, el igualmente dictador Macías. JB se proclamaría presidente y yo sería el primer ministro. Para organizar todas estas ideas que fluían constantemente por nuestras cabezas, decidimos crear Babinton PIP, una especie de empresa en la que canalizamos la pegada de carteles, no sólo de jazz, sino de cualquier otro evento, y todo tipo de actividades, como la organización de los primeros conciertos de rock subvencionados por las instituciones alavesas. Os diré, por ejemplo, que el 27 de Abril de 1982 organizamos en la Plaza de los Fueros de Vitoria, con motivo de la fiestas del patrón de la provincia San Prudencio, un concierto de rock en el que tocaron La Polla Records y Hertzainak y en el que colaboraron, adornando la plaza y diseñando el cartel, artistas que luego han tenido gran resonancia internacional como Juan Luís Moraza, Juncal Vallestín y Juan Sagastizábal. Además, estoy seguro que nunca hasta entonces habían cobrado tanto La Polla ni Hertzainak. Ni que decir tiene que el concierto fue una bomba y un gran éxito que posibilitó que el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz nos encargara la organización de otros tantos conciertos de jazz y rock durante los fines de semana de Julio y Agosto en diferentes parques de la ciudad, que además grabamos en video y de los que lamentablemente sólo se conserva uno, mítico eso sí, de Hertzainak con su primer cantante Gama en el Parque de Arriaga. Mientras hacíamos todo esto, cambiamos nuestro bar de adolescencia, donde nos conocimos, por otro mucho más pequeño y cutre del Casco Viejo llamado Ja-Mi, por Javier y Michel, que lo habían montado gracias a las indemnizaciones que les habían dado al echarles de sus respectivos curros. El bar lo descubrió JB, porque se hallaba camino de su casa en el barrio de Zaramaga. Lo bueno del Ja-Mi era que sólo ponía música reggae, pues el hermano de Javi era un forofo de Bob Marley y de ese estilo musical y viajaba mucho a Londres y se traía discos que grababa en casete para que se pusieran en el bar. Evidentemente, también se fumaba mucho. Allí descubrimos a todos los grandes: Peter Tosh, Toots & The Maytals, Burning Spear, Max Romeo, Mikey Dread, Steel Pulse, Sugar Minott, Dillinger, Gladiators, Cimaroons, Byron Lee & The Dragonaires… Yo seguía teniendo el programa de radio en Radio Cadena y aproveché para meter mucho reggae y hacer publicidad del bar, que empezó a llenarse de gente y de músicos, entre estos, los componentes de un grupo de verbena llamado Drakkar. JB y yo pasábamos muchas horas en el Ja-Mi hablando, bebiendo, fumando y jugando al futbolín y al cubilote y, mientras sonaba la música de fondo, tarareábamos estrofas en castellano que nos íbamos inventando. A la vez, el casco medieval de Vitoria se iba llenando de bares con música que iban sustituyendo a los de los txikiteros de toda la vida, que cedían sus establecimientos para que tocaran los grupos locales. Los Cicatriz irrumpieron en la escena que ya contaba con Hertzainak y La Polla, aunque estos vivían en Agurain, un pueblo a 20 kilómetros de Vitoria. La zona empezaba a bullir de gente creativa y alternativa, se empezaron a organizar procesiones ateas para contrarrestar las tradicionales de Semana Santa, con pancartas como “Soy Ateo y Poteo”, firmadas por Ateos Reunidos Geyper o Herejes del 36. Para acompañar a estas procesiones, se juntaban algunos músicos que tocaban percusión o instrumentos de viento, a los que se sumaba gente como nosotros que no teníamos ni idea de tocar pero que estábamos por la labor. Por darle algún nombre a estas agrupaciones, se decidió llamarla Banda Municipal de Ska. Ahí tenemos el embrión de lo que iba a ser Potato. Pero la banda no se crea hasta que no convencemos a los miembros de Drakkar de que somos unos grandes letristas con grandes ideas que sólo necesitamos unos músicos que nos acompañen para triunfar. En aquel tiempo, principios de 1984, triunfaban los grupos punk y oi! de clara influencia británica, con Sex Pistols como paradigma. Se trataba de subir a un escenario y expresar, con cuatro acordes mal dados y cuatro gritos, toda la frustración y violencia que gran parte de la juventud sentía. Tanto social como políticamente, el desencanto era total y las drogas y la música eran la única satisfacción para mucha gente. Era un sentimiento de cabreo continuo y de desprecio a cualquier institución, que se manifestaba en los conciertos con el lanzamiento constante de botes de cerveza hacia el escenario y de escupitajos a los cantantes. Todo resultaba bastante sórdido y violento. En aquel ambiente, nosotros quisimos introducir un poco de color, de sosiego, de humor e ironía. Nos preocupaban las mismas cosas y nos sentíamos igualmente marginados y totalmente opuestos al sistema y queríamos manifestarlo pero de una manera más apacible, con un ritmo más tranquilo y sincopado que permitiera a las chicas acercarse a las primeras filas de los conciertos sin temor a ser aplastadas por el baile del pogo, recibir un escupitajo o ser alcanzadas por un botellazo. Nuestro espejo era The Specials, la banda multirracial londinense que habían sabido reciclar los antiguos ritmos jamaicanos con unas letras reflejo del momento social en el que vivían y que eran respetados por punks, mods, rockers y demás. Así que un día nos presentamos en el local de ensayo de Drakkar con una botella de whisky y las letras de “Monkey Man” en versión Specials y “Jamaica Ska”, igualita a como la cantaba Byron Lee, pero en castellano; y les convencimos. Más tarde, llevamos nuestra peculiar versión de “Punki Reggae Party” de Bob Marley. Estas letras las componíamos JB y yo al alimón. La de “Miguelín El Casero” se me ocurrió a mí después de una noche especialmente loca en la que me era imposible dormir. Cuando la cosa parecía que ya iba encaminada, se corrió la voz en el Ja-Mi de que íbamos en serio y muchos quisieron apuntarse, entre ellos Potxo, al que le dijimos que necesitábamos un trompetista y no dudó en comprarse el instrumento sin haber tocado nunca y Pako, que quiso tocar el trombón pero fue incapaz y empezó como corista, porque a nadie le decíamos que no si realmente se comprometía en el proyecto que aún estaba muy en el aire. Porque lo cierto es que de Drakkar, tan sólo el batería Timoteo Ozaeta a.k.a. Jalas y el teclista Javier Olloki a.k.a. Oki se metieron a fondo. Lo que pasa es que Oki quería tocar en la nueva banda el saxo, de modo que enganchamos a Amaia, que de pequeña había estudiado piano, para que se animara con los teclados. También mostró mucho interés Julio Díez, que se hizo con el bajo. Ya teníamos la base, porque a la guitarra contábamos con Koldo Quilchano, que era el guitarrista de Drakkar y aunque nos veía como unos chiflados, se comprometió a tocar con nosotros, al menos al principio. Conformada la banda, sólo nos quedaba el nombre y éste se le ocurrió a JB, que propuso Potato, pronunciado fonéticamente como tal por la tradición de cultivo de la patata que había en Álava, pero aportando ese toque internacional de escribirlo en inglés. Para sofisticarlo un poco más, decidimos añadir lo de “punki reggae party banda”. Una vez creado Potato, empezamos una labor de difusión y promoción firmando pintadas en todos los wc de los bares de la ciudad y en las tapias de las calles, de tal manera que sin haber tocado nunca y sin tener nadie ni idea de que era eso de Potato punki reggae party banda, habíamos levantado una enorme expectación en la ciudad. Cuando anunciamos que Potato iba a hacer su debut el 31 de Diciembre en una fiesta organizada por la emisora Radio Cadena en Álava, más de dos mil personas se congregaron para ver aquello y la verdad es que no debieron quedar defraudados, aunque tan sólo tocamos nuestras versiones de “Monkey Man”, “Jamaica Ska”, “Miguelín El Casero”, “Punki Reggae Party” y “Babilonia”, único tema original compuesto en un 90% por JB. Desde que decidimos montar la banda hasta que debutamos en público, apenas transcurrieron seis meses.

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Comienza la función. La banda se marca los primeros acordes y alguien, suponemos un road manager o promotor europeo, irrumpe discreto en escena para prender una barritas de incienso que, clavadas a conciencia en una manzana “red delicious”, serán las encargadas de disipar por la sala el humo denso y purificador del sándalo, competidor por excelencia de los efluvios de la planta santa. Apenas unos segundos transcurridos y dicho actor secundario hace una nueva aparición furtiva con el fin de depositar la maleta con las pertenencias de Perry en el escenario.

Lee “Scratch” Perry no tarda en hacer lo propio, jaleado entre aplausos y ovaciones y ataviado con un atrezzo que haría enmudecer a Paco Clavel y palidecer al mismísimo Cañita Brava. De pies a cabeza: botas de après-esquí, medias con un bandeado arco iris, pantalones piratas blancos, gafas luminiscentes, gorra de beisbol condecoradísima y alhajas brillantes por doquier, micrófono incluido. Pura extravaganza.
Han corrido ríos de tinta sobre su figura y nosotros, recelosos de ciertos medios y decididos a constatar que parte hay de cierto en todo ello y a desentramar que parte es puritita falacia, aprovechamos la visita del Dalí antillano para dilucidar varios episodios de su enigmática vida.

¡¡Sean ustedes bienvenidos al hilarante “Universo Scratch”!!

En tus primeros pasos en el panorama musical se te conocía como “Dr.Dick” (Dr.Falo), uno de tus múltiples apodos y se dice que antes de pasar una velada contigo, la mujer en cuestión debe hacer reverencias ante tu miembro. ¿Es esto cierto?

¿Reverencias al pene? No, no, no.

Clement “Coxsone” Dodd empleó a Prince Buster como guardaespaldas de algunos artistas de su factoría, siendo uno de ellos tú. ¿Era Jamaica tan peligrosa en aquel tiempo en comparación a la actualidad, que requeriste de los servicios de un escolta?

Prince Buster era definitivamente mi amigo y en Kingston necesitabas hombres malos que lucharan contra hombres malos. Yo tenía un tipo que luchaba contra hombres malos, Prince Buster y por eso era mi guardaespaldas. Juntos hicimos “Judge Dread” y se convirtió en un gran éxito. Teníamos guardaespaldas porque yo puedo combatir con palabras, con música, pero Kingston es tan agresivo que les propones una palabra y como no consiguen encontrar una respuesta, tratan de encontrar un machete, una pistola o un cuchillo. No puedes competir con la palabra, como te he dicho. Piensan que lo mejor es matarte porque tienes algo con lo que no pueden tratarte, ya que los empequeñeces con palabras. Yo consigo que gente que se cree grande empequeñezca con palabras. Las palabras son mis armas.

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Supa Bassie… ¿de donde viene tu nombre artístico?

En un principio mi nombre artístico como solista era Jr Bassie, el nombre me lo puso mi hermano mayor Carlos (Neetee Stereotone Sound) Fue en 1998 cuando fundamos Stereotone Sound. Todo vino por la canción “Mr Bassie“ de uno de mis artistas favoritos de toda la vida, Mr Horace Andy. Este artista y esta canción en concreto, siempre me gustaron mucho, y como soy el pequeño de 5 hermanos, me bautizaron como Jr Bassie. Mas tarde mi buen amigo Sergio (Heartical Sound) vino a pasar unos días a Valencia, y tras un show en Valencia y después de grabarle unos dubplates para su sound me dijo; tu no eres Jr eres Supa! y desde entonces me quedé con el aka de Supa Bassie como nombre artístico.

Cuéntanos un día a día en tu ciudad Aldaia, Valencia.

Aldaia es mi ciudad natal y es donde vivo, pero en realidad paso la mayor parte del tiempo en Valencia capital. Normalmente mi día a día, es organizar mi trabajo de oficina; mailing, promoción, contratación, grabaciones, ensayos, preparar mis sesiones de dj (trabajo como dj en diferentes clubs de Valencia) y estar un poco pendiente de todo el aspecto musical alrededor de Supa Bassie y Stereotone Sound. También colaboro con diferentes artistas y bandas, pero todo depende de la temporada. Si estamos en una temporada en la que escasean los shows, y nos toca trabajar en cosas ajenas a la música, lo hacemos como todo el mundo. Pero siempre intento trabajar, organizar mi día a día, y sobrevivir alrededor del ámbito musical.

¿Nos contarías un poco acerca de tus distintos proyectos musicales? Stereotone, Okokan, Supa Bassie…

Stereotone Sound, nació en 1998 de la unión de 2 programas de radio legendarios en la ciudad de Valencia, Rapapolvos y Top Vibes Fm, el director y presentador de Rapapolvos era Fandos Martínez aka Ele. Fandos también era el director y editor de la mítica revista de Hip Hop/Reggae Rapapolvos, donde colaborábamos desde Top Vibes Fm encargándonos de la parte más reggae de la publicación. Los directores y presentadores de Top Vibes Fm, eran Luis y Carlos aka Neetee & Greetee (Mis hermanos mayores). Yo siempre estaba por el estudio de la radio y terminé colaborando en los programas. En aquella época organizábamos sesiones de dj en clubs, como Top Vibes y Rapapolvos y un buen día en 1998 decidimos crear un sound system al más puro estilo jamaicano con 2 djs, un Mc, y un cantante. Por aquel entonces, yo cantaba con mi primera banda de Reggae  Llança de foc y cuando teníamos shows con Stereotone, siempre hacia mi show en formato sound system. A partir de ese momento, empezamos a salir por todo el estado español y fue cuando realmente empecé como artista solista. A lo largo de los años hemos trabajado con muchos artistas valencianos, artistas españoles, y artistas jamaicanos, tanto en shows, como en grabaciones, como en producciones de eventos. En la actualidad seguimos haciendo sesiones en diferentes clubs de Valencia como Turmix, donde tenemos una residencia semanal todo los miércoles desde hace 4 años. También estamos trabajando en producciones con artistas de internacionales, que muy pronto verán la luz… ¡Atentos!

Okokan Sound System, nació a finales del 2007, Nano Bravo y yo estábamos trabajando juntos con Stereotone Sound y teníamos una tienda de discos de música jamaicana, que a su vez la utilizábamos como oficina de producción de eventos. Sargento García vivía desde hacía algún tiempo en Valencia y nosotros no lo sabíamos. El Sargento García es un hombre muy sencillo, del barrio, y de estar pendiente de todo lo que sucede en la calle. Un día nos conocimos tras un show en Valencia, y nos invitó a ir a su radio (Radio Timbo). Nosotros le invitamos a pinchar en una de nuestras fiestas y empezamos a colaborar. Cuando nos quisimos dar cuenta, El Sargento estaba preparando una gira en formato sound system por México y nos propuso trabajar juntos, decidimos formar Okokan (Corazon en Yoruba) nos encerramos en el estudio unos meses antes de la gira, y nació el disco Okokan sound Vol-1. Estuvimos de gira por prácticamente todo México, entre Marzo y Mayo del 2008. Tras la gira por México, Nano Bravo se quedó a vivir en México, y El Sargento y yo seguimos trabajando como Okokan Sound con diferentes colaboradores durante un año aproximadamente. Más tarde decidimos cambiar el nombre de Okokan Sound System por el de Salsamuffin Sound System, que actualmente es el formato sound system de Sargento García, en el cual colaboramos diferentes artistas y músicos según la ocasión.

Como Supa Bassie, en los últimos tres años he estado trabajando y colaborando principalmente con Sargento García, sin dejar de lado mi faceta como solista y el trabajo con Stereotone Sound, pero si dedicando la mayor parte de mi tiempo a trabajar con los diferentes formatos de Sargento, Okokan/Salsamuffin Sound, ocasionalmente con la banda (Colectivo Iyé Ifè) y trabajando en Radio Timbo. Con Sargento García tuve la oportunidad de estar de gira por varios países como; España, Alemania, Italia, Suiza, Francia, Colombia, Ecuador, Argentina, Chile, La India, Malabo… Aprovechando las visitas a estos países y en concreto a Colombia, decidí quedarme algún tiempo, para conocer el país y trabajar allí como solista, haciendo shows y grabando con algunos artistas y productores colombianos. Durante el tiempo que duraron esas giras y el tiempo que pasé en diferentes países, nacieron y se grabaron varias canciones incluidas en “Crónicas de un viaje”.

Actualmente estoy trabajando en varios proyectos en solitario, en un proyecto que será un grupo con otros artistas, y centrándome en preparar la gira que me llevará a Venezuela del 1 de Febrero al 1 de Abril del próximo 2012.

Después de la gran acogida que tuvo Okokan Sound, ¿habéis pensado en continuar quizá editando otro álbum?

La verdad que lo veo un poco difícil, tanto Sargento Garcia, como Nano Bravo, como yo, llevamos muchos proyectos entre manos y en principio no hay intención de recuperar el proyecto Okokan. Sargento García esta trabajando en este momento en la promoción de su nuevo álbum, en el cual colaboré en el single de adelanto “Yo soy Salsamuffin”, Nano Bravo sigue viviendo en México y esta trabajando en sus proyectos, y yo estoy en Valencia trabajando en mis grabaciones, con Stereotone Sound, con Red Gold and Green Band y con Old School Band.

La verdad que a mi personalmente me gusto mucho el disco de Okokan, y pienso que era un proyecto muy interesante, pero por diferentes motivos nos vimos obligados a decidir dejarlo y parar ese proyecto.

En bastantes de los temas que forman parte de “Crónicas de un Viaje” se puede ver que la base es de Internet… explícanos un poco el proceso de creación de estos temas.

“Crónicas de un Viaje” es una recopilación de canciones grabadas en diferentes estudios, en varios países y con diferentes productores entre el 2008 y el 2011. Puedes encontrar instrumentales y colaboraciones con bandas de instrumentación real, como instrumentales hechos por productores, como bases descargadas de internet como muy bien dices. El hecho de utilizar bases instrumentales de internet es bien sencillo de entender. Utilizar instrumentales en los cuales otros artistas han grabado es muy particular de la música jamaicana, y trabajando a la vieja usanza y por comodidad, decidí utilizar varias versiones instrumentales de ciertos riddims que me gustaron, y que me tocaron la fibra.

La forma de trabajar es sencilla, diferentes artistas y productores me plantearon grabar sobres sus ritmos, y me hicieron escucharlos. Cuando escucho un instrumental que me gusta, siento algo así como cosquillas en el estomago, y automáticamente empiezo a escribir sobre el instrumental, sintiendo la necesidad de encerrarme en el estudio para grabar la canción.

En resumen, esa fue la forma de trabajar y de crear las canciones, tanto con las bases que me hicieron llegar diferentes productores, como con los instrumentales de internet que me gustaron.

¿Dónde ha sido producido el álbum?

Como te explicaba en la pregunta anterior, “Crónicas de un Viaje” es una recopilación de canciones grabadas en diferentes estudios, en varios países y con diferentes productores entre el 2008 y el 2011. La revisión final del trabajo, la elección de los temas y el master, se hicieron en el Tuffies Yard Studio de Valencia de la mano de la Stereotone Family.

En “Crónicas de un Viaje” Puedes encontrar canciones que se grabaron pensando en este trabajo, como canciones que salieron en trabajos de otros artistas como “Ganjah “ con Jahsta que apareció en el ultimo álbum de Jahsta, donde mi parte vocal fue grabada en Valencia, y posteriormente mezclada por Roberto Sanchez en A-lone, “Tu sonido va a morir“ con Daddy Maza que fue grabada en Valencia , y después mezclada en Alemania para el Gym riddim en los Kingstone Studios, “Brown skin girl” que fue grabada, mezclada y producida por Paupa Man (Contratempo/Bambiriling) en Castellón para el Dancing Mood Riddim , “Señorita” y “ Me dices te quiero” que fueron grabadas en Valencia en el Mad Lions Studio, producidas por Stereotone y que salieron en formato single de vinilo, o la canción “Original Raggamuffin” que se grabó y mezcló en Valencia, sobre un Real Rock riddim que me hicieron llegar dese Usa, interpretado por la Andrew Diamond Band de California.

Sabemos que Valencia ha sido la cuna del reggae ibérico… ¿cómo ves la escena valenciana en la actualidad? ¿Qué artistas destacarías?

Actualmente la escena Valenciana está un poco más dormida que en épocas anteriores, existen muchas bandas, artistas, djs, sound systems, asociaciones y promotores que trabajan por y para el Reggae pero realmente cada vez hay menos salas, bares, y clubs donde programar Reggae. Eso evidentemente no es bueno para la escena, aunque existen sitios como Juanita Club y Dub Club donde la banda sonora es el Reggae, y siguen apostando por la música que tanto amamos.

Respecto a los artistas y bandas que destacaría, hay muchos que me gustan y se les tiene que reconocer su trabajo y dedicación. Alguna de mis influencias mas directas desde bien joven del Reggae valenciano y que me gustaría destacar son Jah Macetas y El Rumbero Jamaicano (R.I.P) Mandievus y los Naturals y Alberto Tarin.

Destacaría también el trabajo y empeño de las backing bands: Red Gold and Green (con músicos de Jah Macetas/ Naturals/Survival) y Old School Reggae Band (Antiguos Llança de Foc).

Tampoco nos podemos olvidar de los veteranos Ki Sap/Shake it ups, de Dr Jau y los Golden Singles Band, de El Gran Miércoles y de varias bandas jóvenes que están trabajando muy bien como The Skafeinats, The Offbeaters, Black Rice o la Gang Band.

Como artistas solistas destacaría a Alberto Gambino, Mandievus, Queen Smiley, Edu Altarriba, Jah Berning, Ital Erik, Natxo Dreams, Don Dadda, Supa Litros, Kinky Bwoy, Aripa, El Papado y Dodo Ashanty

Y de la escena española, ¿a quién destacarías?

Hoy x hoy existen muy buenas bandas, y grandes artistas en la escena Reggae Española. Como bandas bajo mi gusto personal destacaría Roberto Sanchez y Lone Ark Riddim Force, BDF, Ambassah, Txilum, Jah’sta, Contratempo, Rockers Roots, Chalwa, Emeterians y South Fire entre otros.

Como artistas solistas Sr Wilson, Jah Nattoh, Miguel Arraigo, U-rie, Pekeño Zergiote, Dactah Chando, Paupa Man, Aniki, Daddy Maza, Mr Karty, Irie Souljah, Ras Lutah, King Konsul, Roe Delgado, FRAC, El Hermano L, La Puta Opepé, Swan Fyahbwoy, Shabu, Lasai Man, Mr Rango, Little Pepe, Pinacle Rockers, Tosko Man, Hector Banton, Kingder, JML, Dakaneh y Novato.

Seguro que me olvido de algunos artistas, pero son muchos hoy por hoy la verdad…

¿Cómo surge tu amor por el reggae?

Como te decía antes, soy el pequeño de 5 hermanos. Mi hermano mayor Manuel, escuchaba mucho Reggae a finales de los 70s principios de los 80s. En esa época todavía estaba vivo Bob Marley y se puede decir que estaba un poco de moda el Reggae en España.

Mis otros dos hermanos mayores (Neetee and Greetee / Stereotone sound) escuchaban muchos discos de artistas que fueron editados en España como Bob Marley, Peter Tosh, Capital Letters, Dr Alimantado, Jimmy Cliff , Reggae Regulars y los míticos recopilatorios “Sabor a Reggae”. Compartíamos habitación en casa de mis padres, y como buen hermano pequeño terminé enganchadísimo y enamorado de la música que escuchaban ellos.

¿Nos adelantarías alguno de tus futuros proyectos?

En este momento estoy preparando diferentes proyectos en solitario, y un proyecto en formato grupo con otros artistas. Pronto tendréis noticias y sabréis de que hablo, pero de momento no puedo adelantar más, por que como dice el refranero, a boca cerrada no entran moscas…

Texto: Pedro ACR

A estas alturas han corrido ríos de tinta sobre lo prolijo de la cantera catalana de músicos talentosos para la formación de nuevas bandas de música jamaicana. No voy a negar que algo de cierto hay en ello -cuando el río suena…-, pero en buena medida también han subyacido ciertos intereses en alimentar el mito.

En el caso que nos ocupa, el proyecto The Gramophone Allstars (TGA) es un spin off de The Delighters, cuya finalidad principal era la de desarrollar en plenitud la faceta más jazzística que comenzaba a aflorar en su alma máter compositiva, el saxofonista Genís Bou -quien responde gentilmente a esta entrevista-.

Tres de años de trayectoria y tres par de trabajos en el mercado -“Just Delightin” (Silver Bullets, ´08), “Simbiosi” (Liquidator, ´10) y “Levitant a la deriva” (Liquidator, ´11)- nos permiten descubrir una gema que, a falta de ser pulida, brilla con la luz que irradia su vocalista Judit, hábilmente sustentada por jóvenes músicos de jazz en formación.

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Hoy estamos con Chalwa Band, un nombre que puede que sea novedoso para mucha gente, pero lo cierto es que es una banda que lleva ya unos años siendo habitual de los escenarios de Reggae de Bizkaia.

Tras varios años girando, componiendo y tocando ha llegado para ellos un punto de inflexión: la unión con King Konsul (12 Tribu, Makala, Roots&Water…). Junto a él se han puesto manos a la obra y han grabado su primer álbum en A-Lone Ark Muzik Studio, con Roberto Sánchez.

Os invitamos hoy a conocerles mejor. La entrevista fue realizada antes de verano pero por diferentes motivos no ha podido ser publicada hasta ahora. Es por ello que personalmente pido disculpas tanto a los que la lean como, sobre todo, a Chalwa Band.

Bueno, fuera de Bizkaia no se os conoce excesivamente, así que lo primero igual sería preguntaros por cómo empezásteis, cómo os conocísteis y por qué os dio por montar una banda de Reggae.

En nuestro pueblo, para lo pequeño que es, hay bastante afición al Reggae/Ska desde hace muchos años. Como somos pocos y nos conocemos todos muchas veces acudimos a conciertos juntos, aún siendo de diferentes cuadrillas. De esta forma nos juntamos varias personas con ganas de formar un grupo de Reggae.

Al comienzo éramos seis personas. No teníamos un estilo definido pero sí que se reconocían gustos diferentes. Entre los componentes el primer vocalista fue el hoy conocido Novato. La banda pronto empezó a crecer pero paralelamente a su crecimiento surgieron varios debates sobre qué estilo de música sería la base del grupo. Una parte del grupo abogaba más por el Roots Reggae y otros se decantaban más por el Dancehall o Ragga por lo que después de un año más o menos la banda sufrió una escisión.

Entonces fueron tres componentes (batería, teclados y percusión) los que comenzaron un nuevo proyecto cuya base sería el Reggae consciente, el Roots Reggae. Al poco tiempo se incorporaron bajo y guitarra a la banda y así nació Chalwa Band.

Ahora contáis con la voz de King Konsul, del que luego hablaremos, pero antes de conocerle, ¿cuáles eran las líneas de trabajo de Chalwa?

En poco tiempo logramos conseguir un local en alquiler compartido con otras dos bandas. Uno de los integrantes de la banda estuvo de vocalista un tiempo, mientras encontrábamos algún mensajero melódico. Los ensayos y los conciertos eran más instrumentales…

Grabando el tema del Txapel de Armintza junto a Bita

¿Habéis trabajado con más cantantes en el pasado?

Han pasado varios vocalistas por la banda durante estos años. Hemos conocido a gente que lo hace muy bien en otros estilos pero siempre hemos tenido claro que queríamos un mensaje melódico.

Hace dos años tuvimos la oportunidad de hacer de backing band para dos artistas italianos, Nico Royale y Marc One. Fue todo una experiencia y lo pasamos muy bien a pesar de no tener mucho tiempo para ensayar…

Ese mismo año conocimos a King Konsul y a Bita. Entonces creamos un proyecto en común con King Konsul con el que hoy en día estamos muy a gusto.

Si no me equivoco, a King Konsul le conocéis con motivo de la grabación de la canción del Txapel Reggae de Armintza de 2009, donde también participaba Bita de Akatz. ¿Cómo surge empezar a trabajar juntos en un proyecto en común con King Konsul?

Para muchos de nosotros tocar en el Txapel era un sueño que se iba a hacer realidad. Hemos pasado muchos años debajo del escenario del puerto de Armintza disfrutando de las bandas de festival por lo que tocar arriba nos motivó muchísimo y de ahí nació la idea de crear la canción promocional del festival. Era una canción en euskera por lo que pensamos que el emisor fuese alguien conocido de la escena vasca.

De esta manera nos pusimos en contacto con Bita y King Konsul, que a su vez tenían proyectos diferentes. Su implicación fue inmejorable desde un principio por lo que todo fue sobre ruedas… Fue entonces cuando nació la unión Chalwa Band / King Konsul.

Para los que no os conocen, ¿cómo definiríais vuestro Reggae?

Nuestro reggae se basa en la armonización de diez componentes básicamente. Obviamente hay grupos y cantantes que influyen en gran medida en nuestras composiciones. Un ejemplo de ello son Dennis Brown, Gladiators, Max Romeo…

Podríamos decir que en general nos gusta más el reggae de los 80 que el reggae moderno, aunque escuchar, escuchamos de todo.

¿Cuándo y cómo surge la idea de grabar un disco a este nivel?

Cuando fuimos a grabar a Santander la canción del Txapel nos impresionó mucho la manera de trabajar de Roberto Sánchez. Para entonces ya teníamos varios temas propios por lo que después de la primera experiencia con él quisimos repetir, pero esta vez grabando nuestros temas. Era cuestión de tiempo pero el haberle conocido entonces aceleró la grabación de nuestro primer álbum.

Chalwa Band grabando en A-Lone Ark Muzik Studio

¿Qué tal la experiencia de grabar en A-Lone Ark Muzik Studio?  

¡Genial! Ha sido un placer grabar con uno de los grandes maestros del reggae internacional. Hemos aprendido mucho con Roberto. Estar con él en una grabación es como tener una barita mágica cuando quieres modificar un arreglo o añadir una melodía determinada. Parece como si te leyese el pensamiento…

Con Roberto nos hemos sentido como en casa. Además de ser un gran profesional es una gran persona con la que puedes hablar sobre cualquier aspecto y eso se valora mucho. Ha sido como estar en familia, de verdad. ¡Repetiríamos ahora mismo!

¿Cuáles son vuestros planes de futuro? ¿Os vamos a ver de gira este verano?

Nuestros planes a corto plazo pasan por disfrutar con el nuevo disco. Tenemos bastantes actuaciones en Julio, Agosto y Septiembre y nos faltan por confirmar algunas actuaciones para el Otoño. Os indicamos alguna de ellas: El 9 de Julio actuaremos junto con Anthony B en Bilbao, el 15 estaremos con los Revolutionary Brothers en Zarautz, el 25 actuaremos junto con la New York Ska Jazz Ensamble y en Agosto podemos destacar nuestra actuación el día 21 en fiestas de Bilbao.

Esperamos que la gente disfrute tanto del disco como nosotros hemos disfrutado grabándolo. Podéis seguir nuestros conciertos en www.myspace.com/chalwaband. Para más información : www.chalwaband.com

Por último agradeceros este espacio que nos habéis reservado y por supuesto la gran labor que hacéis para que gente como nosotros estemos al día del panorama Reggae estatal e internacional.

Entrevista realizada por Mos

La banda caraqueña Desorden Público cumple 26 años y para celebrarlo se vienen con nuevo trabajo “Los Contrarios”. Un disco muy Desorden, cargado de mucho ska, pero como siempre aderezado de sonidos latinoamericanos como la cumbia, el merengue, calipso y mucho más. Este año una vez más se embarcan en una gira europea que los mantendrá un mes por el viejo continente en el que visitarán seis países.

En días anteriores tuvimos la oportunidad de mantener una amena conversación vía telefónica con Caplis, bajista y fundador de Desorden Público, en la que nos comentó sobre el nuevo trabajo de la banda y la gira europea, entre otras cosas.

¿Qué nos puedes comentar de este nuevo trabajo?

Caplis. Es un disco muy Desorden, un disco que obviamente responde a nuestra raíz musical que es el ska, pero como siempre, un ska muy mestizo. Un ska donde tenemos influencias nuestras, muy caribeñas, como el merengue en un tema llamado “Ciudad de los locos”, tenemos también la cumbia presente en un tema llamado “Cristo Navaja”. Hay un calipso, pero un calipso en la onda actual de las islas que tenemos enfrente nosotros aquí en Venezuela, coquetea un poco con la electrónica a nivel de loops y zámpelos, pero es un calipso al fin, y a la vez tienes unas voces muy venezolanas con un par de chicas invitadas de los Vasallos del Sol, una agrupación folklórica experimental bien interesante. Las hermanas Machado hacen su colaboración en este tema, que para muchos es uno de los platos fuertes de este nuevo trabajo.

“Los Contrarios” es nuestra nueva apuesta por un trabajo de estudio, que teníamos desde el 2006 que no hacíamos nada de material nuevo de estudio.

La canción emblemática de este disco a nivel lírico es la que da título al álbum, un tema en el que tratamos de hacer early reggae o skinhead reggae, que por cierto se escucha bastante en España, donde hay furor con estos sonidos. Sin embargo una vez que lo teníamos más o menos listo empezamos a meterle un poco el toque Desorden, con unos chapeos de timbales y un órgano o piano medio montuno y entonces el tema no quedó ni skinhead reggae ni tan latino, entonces quedó uno de esos híbridos interesantes y sabrosos que a uno terminan gustándole más que cualquier cosa que tenías en mente originalmente.

Igual nos pasó con un tema del disco anterior “Estrellas del Caos”, que se llama “No Vale la Pena”, uno de nuestros favoritos, un tema de esos que no es ni chicha ni limonada, que no es una cosa ni otra, pero un híbrido bien interesante.

Hasta los momentos “Los Contrarios” ha ido muy bien aquí en Venezuela, agotó su primer tiraje en menos de un mes. En las condiciones que está el mercado discográfico venezolano es casi un record haber vendido, a lo mejor se van a reír por allá con las cifras, pero hoy en día el mercado está tan deprimido que un disco de oro son 5000 discos, y nosotros vendimos la mitad en menos de un mes sin haber sonado todavía en radio el segundo single, porque estábamos esperando terminar el video para lanzarlo con todos los hierros.

También te puedo contar que en este nuevo disco tenemos un par de invitados especiales, uno de ellos Rubén Albarrán de los Café Tacuba. En un tema llamado ”El Poder Emborracha”, uno de los temas más quisquillosos o mejor dicho más combativos del disco, siendo un tema muy pop en su esencia musical, tiene una de las letras más directas. El solo titulo lo dice todo “El Poder Emborracha”, y en este tema es donde contamos con la participación de Rubén Albarrán, gran amigo y cantante de los Café Tacuba, una banda que es muy querida a nivel latinoamericano y se que en Europa también son muy conocidos.

Y otra participación muy especial en este nuevo disco es un personaje legendario en el rock alemán llamado Campino, de la agrupación Die Toten Hosen, banda muy popular en Alemania, Austria, Suiza… Unos tipos vendedores de más de 26 millones de discos en su carrera, y que es una gran oportunidad que nos brindan de popularizar un poco más a Desorden en esas tierras.

Háblanos sobre las tres versiones que hay en el disco de Alí Primera, The Clash y Madness.

C. Hay una versión de Alí Primera con una letra que nos encanta, el tema se llama “Dispersos” y es una adaptación muy a lo Desorden. Quizás quienes conozcan el tema original cuando oigan la nuestra les parecerá como un tema nuevo, pero en esencia es el gran maestro cantautor del pueblo venezolano, gran influencia para nosotros también de toda la vida Alí Primera, y la letra con más vigencia que nunca en la actualidad venezolana.

Hay otro par de temas en el que Desorden refleja sus influencias de la vida, uno es The Clash, que es el tema “City of the Dead”. Una banda legendaria que todos los días nos sigue sorprendiendo, nos sigue influenciando. Fue como una especie de homenaje a Joe Strummer y al mismo tiempo una especie de retribución de tantas influencias y tantas cosas buenas que nos dio esa banda, es como devolverle un poco, y es precisamente en esa canción donde aparece el alemán Campino, de los Die Toten Hosen, como invitado.

La otra versión que está en el disco es como una especie de bonus track, ya que era una canción que habíamos editado por ahí en una recopilación tributo a los también británicos Madness, otra de nuestras inmensas influencias de la vida, y es el tema “It Must Be Love”, que fue muy popular en las radios del mundo entero, incluso comerciales. Este tema casualmente entró por una petición de un amigo de una radio venezolana, el amigo Polo Troconis, de la estación de radio en la que nosotros trabajamos. Nos dijo que no fuéramos tontos, que era un tema que solo se consigue en una recopilación que se editó en Francia porque no la ponen en este disco nuevo. Pónganla aunque sea como un bonus track… Y resulta que la canción nos está abriendo unas puertas enormes, actualmente en Australia está sonando en una de las radios más fuertes del quinto continente con una rotación impresionante porque les encantó esa versión que hicimos de “It Must Be Love”, porque dentro de todo el respeto que tiene por el sonido de Madness tiene también el sabor de Desorden. Un saborcito latino, muy muy chévere quedó esa versión, y bueno, lo que entró casi de carambola nos está dando unos frutos enormes. De hecho estamos invitados para Australia para finales de septiembre principios de octubre de este mismo año.

Así que este año con “Los Contrarios” y un poco de cosas que están pasando, se perfila chévere para Desorden, ahora vamos a Europa.

Mucho trabajo detrás de todo eso y hay un merito a ese trabajo.

C. Cierto, sobre todo un trabajo sin cansarnos, sin tirar toallas, sin estar pensando en disoluciones, ni nostalgias, un trabajo constante, de seguir hacia delante, de seguir haciendo lo que nos gusta haciendo lo que sabemos hacer, y sobre todo creyendo mucho en nuestro trabajo. Hay épocas malas, hay épocas en la que la cosa está difícil, donde cada vez es más difícil sonar en radio, por lo menos aquí en Venezuela, donde hay tendencias que se van comiendo el mercado, se ponen tan de moda que hacen pasar todo lo que se considere medianamente alternativo, lo hacen pasar por debajo de la mesa. Te hablo del caso del reggaeton, el caso de la típica balada latina pop, merenguera, personajes como Olga Tañon, Gilberto Santa Rosa,… cosas que siempre están aquí como lo máximo, en lo popular, y entonces aparece uno con su disquito y medio pasa por debajo de la mesa, pero la cuestión es tener constancia y perseverancia.

Veintiséis años después, once discos, giras que los han llevado por diferentes partes del mundo, Ecuador, Brasil, Colombia, México, Panamá, Estados Unidos, Europa, Japón y ahora Australia. ¿Se imaginaban esto?

C. Nunca nos imaginamos esto y creo que ese ha sido el secreto, no estar con las miras puestas en unos sueños inalcanzables, si no simplemente “como va saliendo vamos viendo”. Y cada vez apostamos más por el trabajo serio, hacer contactos, tratar de hacer las cosas realidad, y bueno, también no considerar nada imposible sin pecar de soñadores, tampoco pecar de tontos frustrados.

¿Se puede decir que es el resultado de la fidelidad de Desorden a su sonido?

C. Yo creo que si, exactamente, le damos mucho valor a eso. Desorden es una banda que nunca le ha tenido miedo a las etiquetas, nos consideramos una banda de ska latinoamericano, eso es lo que somos, este o no esté de moda el género, nosotros nos seguimos sintiendo identificado con él, y seguimos orgullosos de portar esta etiqueta. No es el caso de otras bandas latinoamericanas que han temido ser encasillados y han temido ser dejados de lado porque un ritmo pasó o no pasó de moda. A nosotros eso ni nos va ni nos viene, y bueno, también el haber sido tan fieles a un sonido es lo que nos ha abierto puertas en muchas partes donde quizás nunca lo hubiéramos esperado.

También el mantener, después de veintiséis años, casi intacta la columna vertebral de la formación original de Desorden Público, contando a muchos compañeros  que han pasado por la banda y ahora con nuevos componentes; llámense Noel, Magu, Coco, Julio, pero manteniendo esa columna vertebral.

C. Es así, es cierto, ahí seguimos fieles Horacio, Oscarelo, Danel y yo. Es como nuestro patrimonio, Desorden Público es nuestro modus vivendi, nuestra familia, nuestro trabajo, todo está allí.

Desorden Público se convirtió en una gran razón de nuestras vidas, y chévere, de verdad que han sido veintiséis años que se han ido ligeros, no ha sido nunca una carga pesada, sino que más bien ha sido una gran fortuna poder vivir haciendo lo que nos gusta, poder vivir haciendo lo que más nos llena.

El día a día caraqueño es un vivo retrato de lo que son los discos de Desorden Público y una vez más ha quedado reflejado con “Los Contrarios”.

C. Es así, es la fuente que nos provee de inspiración, el día a día de la sociedad en la que vivimos. Tratamos de no ser tan localistas, pero nos damos cuenta de que nuestra realidad es similar a la realidad de Latinoamérica y de urbes del mundo entero. A veces son desgracias, a veces son felicidades. No sé, a lo mejor más de uno se siente identificado con esas letras.

Una “Ciudad de los Locos” puede ser Madrid, puede ser Barcelona, puede ser Ciudad de México, puede ser Sao Paulo, o Caracas, pero bueno, obviamente la inspiración principal viene de vivir en una ciudad como la nuestra, en Caracas, somos de aquí y nunca lo hemos negado ni lo podremos negar jamás.

Háblanos de la nueva gira europea.

C. Te cuento como dato extra que estamos ahora rodando con una banda que me encanta, una banda que están de visita por primera vez en Latinoamérica, los Busters, de Alemania. Un llenazo en la plaza de La Castellana el sábado, fue uno de los shows más sabrosos que hemos tenido en mucho tiempo aquí en Venezuela. Una banda impresionante, y bueno, estamos acompañándolos. Estuvimos en Barquisimeto ayer en su último show, y bueno, estamos despidiéndolos a ellos y casi que me subo a casa para hacer las maletas para alistarnos un mes por Europa.

Salimos el próximo lunes y desde el 30 de junio estaremos pisando territorio de la península ibérica. Vamos a empezar en Girona, en un show de precalentamiento antes de bajar a Madrid, que será el 1 de julio en la Sala Heineken, el 2 estaremos en Barcelona en la Sala Bikini, el 3 de julio estaremos en Galicia, Santiago de Compostela, un show que consideramos especial por el nexo que une a Venezuela con Galicia, y cerramos en Estepona el día 5.

Así que vénganse todos los que puedan, el año pasado estuvo muy sabroso en la Sala Caracol por un elemento muy especial para nosotros; el ver más público español que público venezolano, que siempre es como el tiro al piso, van a ir todos los venezolanos que se fueron de Venezuela que están añorando un poco de venezolanidad, esos siempre serán bienvenidos, pero en especial la invitación es para el público español. Acudan a ver a una banda que tiene ya casi veintiséis años tocando, que nos entregamos por completo en un escenario, que disfrutamos muchísimo lo que hacemos y que prende la fiesta. El público español es tan rumbero como el latinoamericano, así que bueno, esas cinco fechas de España sabemos que van a ser una gran fiesta.

Además Papo, es un hecho, el disco ya está editado en España de la mano del gran amigo Chema Torres Calderón, de Cantabria, es un sello pequeñito que ya ha editado nuestros trabajos más recientes, “Estrellas del Caos” y este disco “Los Contrarios”. Es un hecho que por primera vez está editado en Europa gracias a una disquera española, entonces bueno, obviamente vamos promocionando este nuevo material. También hoy me llegó la noticia de que ya está editado en Suiza, así que ya tenemos dos frentes, uno para un frente más sajón germano y otro para el frente más latino hispano.

¿Cuántos países conforman la gira?

C. Vamos a hacer seis países en esta oportunidad, muchas fechas en Alemania porque nuestra agencia de manejo en Europa es una agencia de Berlín. Vamos por segunda vez a Hungría, un país donde nos fue muy bien el año pasado y en vista de lo bien que nos fue este año nos salieron dos grandes festivales, cosa que nos tiene muy felices. Vamos a la República Checa, a otro buen festival de ska, que es el Mighty Sound, donde por cierto tocaran los Skatalites. Increíblemente están en el cartel, obviamente con nuevo baterista, cosa que será como un conflicto de sentimientos. Una alegría por ver a los Skatalites pero una tristeza por ya no ver a Lloyd Knibb en esos tambores.

Parece que estamos siendo testigos del fin de un ciclo, recientemente se ha ido gente muy grande de la música jamaiquina como Alton Ellis, Sugar Minot, Gregory Isaacs y más recientemente el señor Lloyd Knibb, al que ustedes hace una nota en su página web.

C. Si, de verdad, todas han sido muertes muy sentidas, pero en especial nosotros conocimos personalmente a Lloyd Knibb, tocamos juntos, no era un personaje súper simpático, pero era un tipo bien ameno, de conversar, tranquilo y tal, pero tuvimos mucho acercamiento con él.  De hecho la primera vez que viajamos a New York, en 1991 o 1992, tuvimos la gran suerte de ver a los Skatalites al completo, fue la primera banda ska que veíamos nosotros saliendo de Venezuela, tuvimos esa inmensa suerte de verlo, y además de verlos de cerquita. Y bueno, la muerte de Lloyd Knibb ha sido bien sentida por este lado, nosotros dedicamos unas palabras en nuestra propia página web, creo que todavía lo pueden chequear, y bueno si, lo que tú dices, de cierta manera es un fin, o se va cerrando el libro del ska original, la verdadera raíz. Entonces ya todo lo que viene es a consecuencia del trabajo de esos grandes maestros, todos los que han ido desapareciendo en años recientes. A la final es la ley de la vida, pero gracias a dios dejaron bastante material y clases magistrales en esos grandes discos.

Invitación a todo el público que le guste el ska, que le guste la fusión de lo latinoamericano con lo jamaiquino, que le guste la fiesta, un fiesta de buena onda en la que no habrá violencia. Vamos a pasarla bien, a compartir, a un encuentro de esos grandes amigos conocidos y por conocer. Así que tanto Madrid como Barcelona, Gerona, Galicia y Estepona, vamos con todo a mostrarles este nuevo material. Y obviamente además del disco “Los Contrarios” vamos a tocar todas esas canciones que son obligatorias en el repertorio de Desorden.

Entrevista realizada por: Papo Irie

Roots & Vibes tiene el enorme placer de anunciar la primera visita a nuestro país de una leyenda viviente del Reggae, John Holt, mítica voz del grupo The Paragons y después solista de exitosa carrera de más de 50 años.

Dentro del mini-festival benéfico Barcelona Reggae por Japón, a celebrar el próximo martes en la sala Apolo de Barcelona, intentaremos recaudar fondos para los afectados por el terremoto y posterior tsunami que afectó al país nipón. Junto a él estarán también Andrew Tosh (el hijo del legendario Peter Tosh –miembro original de The Wailers junto a Bob Marley, Bunny Wailer y los hermanos Barrett) y un amplio elenco de participación barcelonesa: la banda Green Valley, y los cantantes Miguel Arraigo, Aniki, Hektor Banton, Prince Osito, Ben’jammin, King-Der y  Señor Wilson, acompañados por cuatro de los sounds barceloneses más relevantes, Nyahbingi, Badalonians, High Vibes y King Horror.

Y todo ello por sólo 12€ anticipada, así que no hay excusa para ayudar en una buena causa! Os esperamos!

Entrevista a John Holt:

No es fácil reunirse con John Holt. Nos tomó varios intentos para tener la oportunidad de sentarnos frente a él. Quedamos en el estudio Exodus en Hill Road en Kingston. Ha sido una espera de varias horas, sin que apareciese. Cuatro horas más tarde, nos da nueva cita en Stone Love Studio (donde finaliza su nuevo álbum), en la noche, en el frío jamaicano de diciembre (19 grados). Esta vez, es la buena. Después de sólo dos horas de espera, el cantante original de Greenwich Farm, está finalmente ante nosotros.

Entonces comienza a embargarnos la emoción del momento. Con él, hablamos de su trayectoria, The Paragons, en su carrera en solitario, el dancehall y reggae, Europa…

¿Cuales fueron sus primeros pasos en la música?

John Holt: tenía 12 años cuando participé en un concurso de talentos, del que Joseph Vere Johns fue responsable, “Opportunity Hour”. Fue estrenado en la radio RJR y cada sábado por la noche y semana tras semana, al final lo gané. Desde allí, fui y he sido considerado como un cantante profesional, incluso sin todavía haber grabado ningún álbum.

¿Cuando entró usted por primera vez en un estudio?

El concurso semanal hacía que mi foto estuviera en todos los periódicos. El productor Leslie Kong (jefe del sello Beverley, que inició a Bob Marley) vino conmigo a hablar con mi madre. Luego me pidió que grabase en el sello Beverley y el título fue llamado Forever I will Stay. Durante varias semanas, la canción alcanzó un continuo bucle en las dos radios únicas de la isla, RJR y JBC. Mi madre era muy entusiasta, ella amaba mi voz y siempre me empujó a cantar.

¿Quiénes son los artistas con más influencia en usted?

Especialmente los crooners! Mario Lanza, Nat King Cole y Frank Sinatra.

Después de Police in Helicopter, estaba en la mira del Gobierno y la policía. Tuve que quitarme de en medio por un tiempo.

¿Cómo ha llegado a la religión rasta?

Crecí en la cultura Rastafari. Yo siempre estaba rodeado por algunos rastas. Les escuchaba sin tomar parte en la conversación. Una noche, tras el Sunsplash en 1983, me afeité en el backstage antes de subir al escenario. Y allí, dije ‘John, esta es la última vez que deberás afeitarte’. Nadie nunca me influyó ni me preguntó, lo hice por mí. Empecé a hacer crecer mis dreadlocks, pero yo ya estaba impregnado de la cultura. Ahora soy parte de las doce tribus de Israel, y voy al campamento en Old Hope Road, Kingston.

En 1970, se inicia como solista. El grupo The Paragons se separa…

No me separé de ellos. Obtuvieron una beca en Estados Unidos, y se fueron. El periodo en el grupo fue un periodo fantástico, tuvimos catorce hits todos número uno. Cuando se fueron, no tuve ningún deseo de continuar la aventura con “reemplazos”, como se hace hoy.

Intentó encontrar suerte en el Reino Unido en 1974, pero esto no fue realmente un éxito

Yo no diría que no fue un éxito, pero no fue inmediato. Fui en 1974 para construir una nueva carrera. No esperaba un tremendo boom. En 1975, el álbum “1000 volts of Holt” seguía siendo número uno en las listas inglesas.

El decenio de 1990 fue difícil. ¿Qué sucedió?

Dos razones para ello. Mi sello Trojan Records quebró en el Reino Unido. Y mi dinero desapareció con ellos. Fue terrible, realmente difícil. Posteriormente firmé con Volcano y Coxsone. Grabé Police in Helicopter. El tema siempre estuvo prohibido en la radio, pero no en el escenario. En el presente tema, digo “si los soldados siguen quemando la hierba, vamos a incendiar los campos de caña” … Y buffff !! en el este de Kingston, comenzaron la quema de los campos de caña de azúcar. Estaba en la mira del Gobierno y la policía. Tuve que que quitarme de en medio por un tiempo, hasta el álbum A Love I can Feel con Coxsone (Studio One).

Hay una historia de “conjura” de algunos cantantes como Dennis brown, Gregory Isaacs, Delroy Wilson y usted mismo, para competir con el éxito de la deejays…

Ya en la década de 1980, me asocio con Dennis Brown, Gregory Isaacs y Delroy Wilson para tratar de contrarestar el éxito de los Deejays. A diferencia de ellos, decidimos tomar partido por la buena música. Música intelectual. Buen sonido con buenas palabras.

¿Funcionó?

Sí, lo hizo. Tomemos el ejemplo de mi álbum Wild Fire con Dennis Brown. Está considerado como el mejor álbum dúo de reggae, incluso hoy en día.

¿Ha seguido la evolución de la música jamaicana desde la década de los 60? ¿Cuál es su opinión sobre esta industria de hoy?

Esta nueva música, sonando en la radio, es simple: no tiene melodía, ni historia, falta de voz. Los deejays o singjays usan riddims. No hay ninguna historia, sin continuidad. Van de un extremo a otro. Y cuando la voz es interesante, nadie sabe quien canta. Para un riddim, hay quince cantantes! ¿Quien canta? ¿Quién inventó el “pull up”. ¿Por qué? Los deejays produjeron esta cadena y lo que no se recuerda son las palabras. Las palabras y su poder necesitan música (“Word, Sound & Power”)

¿Y la nueva escena de reggae?

En el reggae hoy, se necesitan arreglos en el tiempo. Los cantantes de hoy son demasiado ansiosos y actúan como si hubiera una emergencia. No entiendo cual es la urgencia. Necesitan tomarse su tiempo.

Visita muy poco Europa ¿Por qué ha esperado tanto tiempo en volver?

El problema real es que el negocio en Europa, fue traspasado en beneficio del reggae dancehall. Por el precio de un artista de reggae, los productores prefieren invitar a diez deejays. Es menos costoso, ya que no necesitan músicos. Traen su CD. Esto es maltratar el reggae. Y ahora, hay muy poco respeto por los veteranos, y se premia a artistas sin bagage ni experiencia.

En su discografía, existe este concierto extraordinario en Londres con la Orquesta Filarmónica de Londres. ¿Cómo sucedió?

Ya había trabajado con una orquesta para el álbum 1000 volts of Holt, de Brian Rogers. De hecho, nos fuimos a una gira en Londres para esta grabación con 37 músicos de la orquesta. Más de veinte años después, Linda, una filántropa británico, deseaba renovar la experiencia con la Orquesta Filarmónica de Londres. Fue la primera vez que tocaba reggae y desde entonces, ningún artista de reggae ha tenido la ocasión de probar. Era un sueño. Preparamos este momento para San Valentín, una fecha muy celebrada por los jamaicanos en Inglaterra.

Texto: Ratiba Hamzaoui y B.C

La banda más famosa de Ska proveniente del país del sol naciente, Tokyo Ska Paradise Orchestra, visita nuestra península en los próximos días, el sábado 9 estarán en el Festival Cruilla de Barcelona,  y las otras dos fechas serán: 11 de Julio, sala Heineken, Madrid (20:30) y 12 de Julio, Kafe Antzokia, Bilbao (20:30). Puntos de venta Madrid: Ticketmaster, Escridiscos, Discos Upbeat, Cd Drome. Puntos de venta Bilbao: Ticketmaster, Kafe Antzokia, www.kafeantzokia.com, Power Records.

Roots & Vibes Reggae anima a todos los amantes del Ska y de la música en general a no perderse este increíble espectáculo sobre el escenario, os ofrecemos una reciente entrevista con el genial grupo japonés.

Hablamos con Atsushi Yanaka, saxofonista baritono y uno de los miembros originales que empezaron la banda unos veinte años atrás.

¿Puedes, por favor, hacer una introducción de la banda para los lectores que no os conozcan?

Atsushi: Somos una banda compuesta por diez hombres y tocamos ska mezclado con todo tipo de música. Hemos estado de gira por Europa unos 5 o 6 años y este es nuestro quinto tour europeo. Y esta es la segunda vez que tocamos en esta sala. Antes, tocamos en Lowlands, Parkpop y también en Raymann is laat.

Muchas bandas parecen durar tan sólo unos años, pero vosotros aún os mantenéis fuertes tras veinte años. ¿Cuál es el secreto?

Atsushi: (risas) Hablamos mucho entre nosotros y nos gusta tocar música ska, por supuesto. Y nunca nos peleamos, no sé por qué (risas). La felicidad siempre gana.

¿Habéis tenido problemas alguna vez al ser tanta gente en la banda?

Atsushi: Los camerinos son demasiado pequeños para nosotros (risas), y el escenario también lo es en las salas pequeñas. Pero aceptamos todo tipo de escenarios y tocamos en muchos durante nuestros tours.

¿Cómo soléis componer vuestras canciones? ¿Contribuyen todos los miembros o sólo algunos? ¿Se hacen alguna vez debates o compromisos?

Atsushi: Casi todos los miembros componen canciones. Siempre lo escribimos primero sobre papel y luego lo tocamos para probar. Entonces arreglamos la canción.

Habéis hecho algunas colaboraciones con varios artistas como Puffy, Chara, Shéna Ringö, etc. ¿Cómo escogisteis a estos artistas para esas colaboraciones?

Atsushi: Requiere tiempo y es algo así como una coincidencia. Pero ellos se sienten honrados de tocar con nosotros porque hemos estado tocando durante casi 20 años. Así que es fácil.

¿Hay más artistas con los que os gustaría trabajar, y por qué? (En este punto, otros miembros que se estaban relajando en la sala se unieron)

Takashi Kato: ¡Rolling Stones!
Atsushi: Terry Hall, de The Specials. Pero no tengo ni idea, lo siento.
Takashi Kato: ¡Sting! ¡Bono!

¿Habéis considerado alguna vez tener un vocalista permanente para la banda?

Atsushi: Algunas veces nuestro batería canta y hemos lanzado algún single con él cantando. Otras veces los otros miembros cantan también.

¿Así que preferís no tener un vocalista como undécimo miembro?

Atsushi: Anteriormente hemos tenido vocalistas, pero lo dejaron, lo cual pasó dos veces. Pero estamos orgullosos de ser una banda instrumental. Tenemos canciones con un estilo en que la gente puede cantar fácilmente, que es también importante para nosotros.

Sois una de las únicas bandas japonesas que estáis interesados en tener muchos conciertos en cualquier lugar del mundo. ¿Qué es lo que os atrae de tocar en países extranjeros?

Atsushi: Simplemente nos gusta tocar, especialmente en lugares desconocidos.

Habéis tocado en los Países Bajos anteriormente varias veces; ¿qué pensáis del público de aquí y se parece al del resto de Europa?

Atsushi: Los Países Bajos… (saca su diccionario para encontrar la palabra adecuada) ah, tienen buenos modales (risas). Siento que hay lazos invisibles en los Países Bajos, como si se ayudasen entre ellos en la fiesta. No son muy salvajes.

¿Qué es lo más extraño que os ha pasado a la banda desde que hacéis tours fuera?

Atsushi: (lo piensa un poco) En Alemania, nos paramos en una cafetería y tuvimos que pagar para ir al lavabo. Eso nunca pasa en Japón. Y otra cosa más, durante algunos conciertos, el público no miraba al escenario. Sólo bailaban y no nos miraban. Estaban muy concentrados en su baile y a veces pensaba ‘miradnos!’ (risas).

¿Un mensaje final para vuestros fans?

Atsushi: Siempre necesitamos gente fiestera en nuestros conciertos porque siempre queremos sentir lo mejor. ¡Porque somos animales de fiesta! (risas) Así que, ¡venid a nuestros conciertos!

¡Muchas gracias por la entrevista!

Texto: Chenka y Kay
Fotos: Laia Buira

A pocos días de la celebración de una nueva edición del Nowa Reggae, los próximos 8 y 9 de Julio en Vilanova i la Geltrú, hablamos con los organizadores del festival para conocer un poco más la historia de este gran evento que este año llega a su sexta edición.

La primera edición del Nowa Reggae fue en 2006, hace ahora 5 años. ¿Que originó  el nacimiento del festival? ¿Tienen los inicios del Nowa alguna relación con La Mota, festival ya desaparecido que se celebraba en Cubelles?

El festival nació gracias a la asociación Endimari y al apoyo del público que solía llenar los pequeños conciertos que organizábamos en 2004 – 05. Dado que tenían un fuerte seguimiento decidimos apostar por un pequeño festival de dos noches que, gracias a la experiencia que nos dio organizar conjuntamente La Mota Festival con El Cubell, pudiera ofrecer al público de nuestra ciudad un festival de dos noches en la playa de Vilanova con diferentes artistas y sound systems del estado y el extranjero. El público respondió gratamente y eso nos motivó a seguir trabajando para cada año poder ofrecer a nuestro público un producto cada vez mejor elaborado.

Viendo el cartel de este año, con artistas como Gappy Ranks, Tarrus Riley o Duane Stephenson, jovenes artistas que gozan de éxito fuera de nuestras fronteras pero que aun resultan algo desconocidos para el público español ¿creeis que el cartel de esta edición es arriesgado o por el contrario, el ofrecer una selección algo más especializada consigue enfocar el festival hacia un público más concreto y desmarcarse de otros festivales?

La oferta de festivales de reggae en España es bastante escasa, tan solo existen 2 o 3 más y nosotros siempre intentamos ofrecer todos los estilos de la música jamaicana en un solo fin de semana, esa es la especialización que buscamos, traer la isla jamaicana a la playa de Vilanova i la Geltrú durante un fin de semana. Cada año además apostamos por artistas revelación, como Gappy Ranks, otros que ya están muy bien considerados en la escena de reggae mundial como Tarrus Riley o Duane Stephenson y además somos unos enamorados de las leyendas vivas del reggae, como The Pioneers que van a traer los ritmos que sonaban en los años 70. No nos queremos especializar en ningún estilo jamaicano en concreto pero si nos gusta priorizar las bandas y apostar por la calidad musical de este género.

En el Nowa Reggae, además de las actuaciones musicales propias del festival, nos encontramos con una serie de actividades paralelas para los asistentes como Nowa Docs, Nowa Freestyle Park o Nowa Soccer. ¿En que consisten estan actividades?

Cada año trabajamos más intensamente en estas actividades paralelas al festival para ofrecer al público un producto más completo. Este año estrenamos el Nowa Freestyle Park que va a tener lugar en el skate park de Vilanova el domingo previo al festival. Va ser una fiesta donde podremos presenciar una exhibición de skaters y scooters de diferentes puntos de Catalunya a la vez que diferentes dj’s se alternan en los platos. Otra de las actividades que ofrecemos va a ser el día 7 de Julio en el centro de Vilanova i la Geltrú, se trata del Nowa Pon Di Town donde vamos a contar con la presencia de Microguagua, Bigga Love y Urtica Sound. Las demás actividades van a ser durante el sábado del Nowa Reggae en la misma playa del recinto con un torneo de futbol playa, el Nowa Pon Di Beach con diferentes sounds o el pase del documental recientemente estrenado, Hit Me With Music, en el cine municipal de Vilanova. Todas estas actividades paralelas son gratuitas y se pueden consultar en nowareggae.com

¿Cuales creeis que son los principales atractivos del Nowa Reggae?

Nos gustaría destacar por encima de todo el lugar donde se celebra, unos jardines ubicados en la playa del faro con una vistas magníficas y un entorno espectacular, eso hace que el Nowa Reggae tenga un valor añadido en comparación con otros festivales. Otro atractivo es la implicación de toda la organización por intentar ofrecer la máxima comodidad a todos los asistentes, nos gusta que el público disfrute de la música y por su disfrute personal.

El camping que ofrecemos para todos los asistentes que deseen acomodarse allí es otro de los atractivos, ofrecemos transporte de ida y vuelta al festival y además cuenta con piscina y otros servicios para que la estancia sea más cómoda.

El Nowa Reggae, a diferencia de otros festivales, está organizado por un grupo de jovenes de la comarca. ¿Como os coordináis para tomar las decisiones y llevar a cabo año tras año el festival?

Realmente es una tarea que nos comporta estar durante todo el año organizando el festival de forma altruista para que en la fecha de este lleguemos con todo bien preparado. No és fácil pero nos motiva poder organizar este festival y los otros que organizamos a lo largo del año como el Nowa Jungle Sensi o el Meeting de Sound Systems del Garraf entre otras fiestas. Cada miembro de la organización está especializado en las diferentes tareas que supone crear el festival y gracias a la experiéncia adquirida cada año podemos mejorar diferentes aspectos del Nowa Reggae como las actividades paralelas, una mejor oferta artística o la comodidad de los asistentes.

El festival, además cuenta con su versión invernal, el Nowa Reggae Jungle Sensi. ¿Que diferencias hay entre ambas ediciones?

El Nowa Jungle Sensi es una apuesta por los estilos musicales que han derivado y tienen influencias de la música jamaicana como el dubstep, drum & bass, jungle o grime. Ya cuenta con 4 ediciones con buena respuesta por parte del público y reconocidos artistas ya han pasado por el Nowa Jungle Sensi como Benny Page, Ed Solo, Jayou o Zongo Sound. Las fechas suelen ser en Febrero y es una cita que no se suelen perder todos los amantes de estos estilos musicales en efervescencia.

El pasado año el Rototom Sunsplash, uno de los mayores festivales de reggae de Europa, se trasladó a tierras españolas. ¿Como creeis que afecta la aparición de un festival de estas dimensiones dentro del panorama nacional a los otros festivales? ¿Como es la relación entre ambos festivales?

Nuestra relación con el Rototom Sunsplash es muy buena, intentamos coordinarnos lo mejor posible para que el objetivo común, hacer crecer la música reggae en nuestro país, se cumpla con garantías a medio o largo plazo. Uno de los valores del reggae és la unión y desde el primer día que intentamos que las relaciones con Rototom sean lo más cordiales posibles.

La aparición del Rototom por tierras españolas ha sido una de las mejores notícias que se hayan dado en nuestro país por lo que respecta a la música jamaicana, ha hecho que mucha más gente y medios de comunicación se interesen y se familiarizen con este tipo de música y cultura, cosa que siempre es positivo para la escena reggae en España.

La zona del Garraf sufrió  hace unos años un “boom”, por decirlo de algún modo, con el nacimiento de festivales, sound systems y fiestas que tenían lugar dentro de la comarca. ¿Que queda de todo aquello?

Siempre ha habido grupos de música reggae o ska en nuestra comarca, sobretodo en Vilanova y St. Pere de Ribes. Skabetxina, Bugies, Riamba Gang o Mocambo son algunos de ellos y gracias a todo este movimiento nacieron diferentes sound systems como Urtica, Mystikal Fyah, Nickotchan o Shut Up & Listen que se encargaron de exportar la música reggae del Garraf al resto de Catalunya y de esta manera situar nuestra comarca en el mapa en lo que respecta a la música jamaicana. Hoy en día queda todavía mucha gente que sigue trabajando para la música reggae y lo mejor es que sangre nueva está rejuveneciendo la escena en el Garraf como Monkey’s Family o Rasta Respect. Por lo que respecta a público sigue habiendo un seguimiento por esta música que se muestra en todas las fiestas que se organizan en Vilanova o alrededores, debemos estar orgullosos y muy contentos por este movimiento y apoyo incondicional del público del Garraf, desde aquí aprovechamos para dar las gracias a tod@s!

Texto: Leggo
Fotos: Judit Contreras

Ante las próximas visitas de Alborosie a nuestro país, el lunes día 4 en Madrid dentro del ciclo Veranos de la Villa en el escenario Portal del Angel, y el sábado día 9 de julio dentro del Festival Cruilla en Barcelona, tuvimos la oportunidad de charlar brevemente con el artista siciliano afincado en Jamaica.

La reciente edición de su nuevo álbum “2 Times Revolution” (Greensleeves 2011), donde se estrena cantando en castellano en el tema La Revolución, es la base en la que se sustenta su gira estival europea de 2011.

¿Cuándo comienza realmente la carrera profesional de Alborosie?
Alborosie: Empecé con mi propia banda a los 15 años, en Italia, y estuvimos juntos diez años.

En el año 2001 decides emprender tu carrera en solitario, ¿qué te motivó a ello?
A: Porque me enamoré de Jamaica. Quería vivir en este país, y no todos estaban de acuerdo conmigo. Decidí mudarme aquí y comenzar mi carrera en solitario.

¿Hay alguna posibilidad de que tú y Reggae National Tickers volváis a reuniros?
A: No. Son grandes músicos, pero ahora están metidos en diferentes proyectos.

¿Recuerdas la primera vez que visitaste Jamaica
A: ¡Wow! Era muy joven en aquella época. Tendría 17 o 18 años… La verdad es que la primera vez no me atrajo demasiado, pero más tarde me acostumbré al ambiente cuando vine regularmente, a principios de los 90.

¿Y cómo fueron tus inicios allí?
A: Jamaica es una cultura diferente, ¿sabéis? Tuve que adaptarme: aprender el idioma, acostumbrarme a una alimentación diferente… Fue difícil, pero ahora me siento muy feliz.

¿Por qué una persona nacida en Italia como tú decide convertirse a la cultura rastafari?
A: Tengo mi propia visión y creo mi propia espiritualidad, aunque Dios siempre está por encima de todo. Nadie te puede decir qué hacer o cómo… Como os digo, tengo mi propia visión, quiero añadir mi toque personal.

Tus dos primeros álbumes, “Soul Pirate” y “Escape From Babylon” son en inglés. Tu lengua materna es el italiano, ¿para cuándo un disco íntegramente en tu idioma?
A: No, no es posible. Ahora hablo para el mundo, ¿por qué dar un paso atrás y hablar sólo para Italia? El mundo es mi hogar.

El pasado verano se editaba el disco “Escape From Babylon” y ocho meses después lo hacía “Escape From Babylon To The Kingdom of Zion”. ¿Cuál es la principal diferencia?
A: Es el mismo álbum, aunque incluye algunos temas nuevos. El álbum se publicó en Norteamérica y el sello decidió editarlo en Europa de modo digital.

¿Cuándo podremos escuchar entonces nuevo material de Alborosie?
A: Ahora mismo !! Acabo de editar mi nuevo proyecto, “2 Times Revolution” que espero que sea muy grande, ya que es mi tercer trabajo. Estar atentos y compradlo, es un álbum increíble, es una llamada a la revolución, son tiempos de cambio y el título refiere a una doble revolución porque con una no es suficiente.

Acabas de finalizar tu primera gira por Estados Unidos, ¿cómo te sientes?
A: Ir a tocar a USA es algo que me llena de excitación. Somos profesionales, y esperamos hacer grandes conciertos. Me dedico a la música, y nadie puede arrebatármelo; o te gusta, o no.

¿Crees que la gente americana entiende la música reggae de la misma forma que lo hace el público europeo?
A: Los americanos entienden mejor la lengua. En Europa la gente suele fijarse más en la música, en el ambiente; en Norteamérica quieren saber de qué hablas. En mi caso me dirijo a todo tipo de gente: blancos, negros, amarillos… No hay diferencia para mi. Acabo de estar en México, y ha sido alucinante. Tocamos en locales llenos y la respuesta de la gente fue increíble. Creo que Dios me está ayudando…

Con todo el tema trágico de Haití o Japón tan reciente, ¿has pensado en hacer alguna canción para recaudar fondos?
A: No es algo que tenga planeado. Ya estoy metido en varias guerras por mi cuenta. Hay mucha gente que ya lo ha hecho, y yo me dedico a otras batallas, de tipo político y social.

¿Cuál es tu principal influencia musical?
A: Mi mayor influencia es la vida. Aunque Bob Marley, por supuesto, ha sido una figura que ha calado mucho en mi. Pero la vida diaria es lo que me inspira de verdad; la vida en Jamaica es muy colorista, cada día aprendes algo nuevo y hay que escribir una canción sobre ello.

¿Crees que sería posible entender la música reggae sin la figura Bob Marley?
A: Por supuesto. Bob abrió la puerta para todos. Pero incluso Jamaica sería diferente si Marley no hubiese existido. Es el jefe, la mayor influencia…

Alborosie es un gran artista, músico y productor, un genio polivalente pero de carácter sencillo y afable. Ya han pasado casi tres años de la primera visita del artista italiano a España, en el Marbella Reggae Festival allá por agosto de 2008, de la mano de Roots & Vibes en colaboración con Wadada Promotions, y en este 2011, veremos a un Alborosie mucho más consolidado como artista de primera línea a nivel mundial.

No os perdáis la oportunidad de verlo en directo acompañado por su banda jamaicana The Shengen Clan en estas dos citas ineludibles, y cabe destacar que en Madrid lo hará teloneado por los zaragozanos Jahsta, una de las bandas nacionales con más nombre en nuestra geografía. Os esperamos!

Texto: Julian F Garcia

¿Josué qué es para ti Anti-stablishment?

Para mi significa Anti Establecido, creo que no pude encontrar un título mejor para lo que quería decir con mi disco, puede ser desde lo más mínimo hasta ser lo más anárquico. Para mí cualquier cosa que esté en contra de lo establecido es antistablishment, ya sea un antisistema, o una simple persona que paga sus impuestos y no está de acuerdo con lo que se haga con ellos. Quería criticar el sistema que nos domina, expresar un sentimiento hacia este sistema, en una palabra, antistablishment.

En relación con este tema ¿qué crees que puede aportar el reggae para el movimiento “antisistema” que está surgiendo en estos últimos tiempos?

Yo creo que el reggae ha sido siempre antistablishment, creo que nunca va a llegar, y creo que nunca debería de llegar a ser un movimiento popular como está ocurriendo en otras músicas como puede ser el rap, que ya no es tan reivindicativa. No quiero que eso suceda con el reggae.

Por mi parte, y en este sentido, creo que llevo aportando algún tiempo, y me gustaría que la gente que hace reggae tenga conciencia y esta música no llegue a un nivel en el que existan letras vacías, populares, para que todo el mundo mueva la cadera. Se pueden hacer temas con los que logres que la gente mueva las caderas, pero también temas que digan “Eh! Esto es lo que está pasando”, y denuncies algo.

Si no recuerdo mal, es la segunda colaboración que haces con Chico, de Jamaica… Cuéntanos un poco como surgió esta colaboración.

La colaboración surgió cuando viajamos a Jamaica a grabar el Beware of dog. Surgió fácil, Chico es un artista con el que siempre me ha gustado trabajar.

Desde que salió de la mano de Mr. Vegas, cuando Mr. Vegas era Mr. Vegas, era un artista que ya había grabado muchos singles, y la primera vez que grabé con el flipé, era un sueño para mi. Cuando empecé en esto nunca creía que llegaría a colaborar con él, y ahora me gusta mucho colaborar con él porque siempre está dispuesto, es un artista muy profesional, y eso es algo que hoy en día en Jamaica es muy difícil de encontrar. La profesionalidad a la hora de llegar puntuales, de trabajar seriamente, etc, no que lo hagan bien, que si que lo hacen bien, pero en otros aspectos dejan mucho que desear.

¿Y la colaboración con Aaron?

Bueno con Aaron igual, incluso antes de que tuviésemos LP’s editados éramos muy amigos, colegas de graffiti, de pasarnos las maquetillas de unos a otros, ya en el primer LP Ocho Kilates ya tenía una colaboración con él.

En este LP no quería que las colaboraciones no fueran con artistas muy importantes y que no tuviera mucho feeling. Por eso también elegí a Chico, ya le conocía bien. A Aaron no lo veía como una colaboración en plan estrofa tuya estrofa mía, simplemente le pedí un cacho de rap, quería un solo suyo, creo que al final salió muy bien.

¿Cómo están funcionando las ventas del disco?

Las ventas del disco, la verdad es que están funcionando bien, relativamente bien. Lo que sucede es que esto lo digo hablando en un contexto en que no se vende nada, así que nos damos con un canto en los dientes, recuperamos la inversión. No hay espacio físico para colocar los cd’s, antes las distribuidoras se llevaban bastantes cd’s, los conseguían colocar en los expositores, pero cada año los expositores reducen su tamaño, los sellos pequeños somos los primeros afectados.

Volviendo al disco, quería preguntarte ¿es 100% producción tuya?

Si, en efecto, es 100% producción mía. Los instrumentales, las letras, yo lo grabé y yo lo mezclé. Lo único que no hice fue masterizarlo. A veces me preguntan cómo diferencio la faceta de músico, productor, o Dj, y y siempre digo que Chulito Camacho es todo eso mismo, la unión de todo. A lo mejor si yo fuera un tío que solo cantase no sería Chulito Camacho, y si alguien me hiciera los riddims tampoco sería Chulito Camacho. Creo que me va bien así, en este sentido me siento bastante afortunado, la gente te llama, yo creo que la carrera de un artista va muchas veces en función de la cantidad de conciertos que hace. Creo que después de llevar cinco años sin sacar un disco, pues que el año pasado hiciera diez conciertos creo que es bueno.

¿Cómo surge tu amor por la música reggae?

Bueno, yo vengo del mundo hip hop, empecé escuchando rap, pero en la época en la que empecé era normal que se dieran colaboraciones entre los raperos y la gente del reggae, y a mi me encantaba. Me acuerdo, era muy canijo, pero me dejaron un cassete de un pibe que a su padre le encantaba el reggae, se había hecho una cinta con grabaciones de 7’’, te hablo de hace como 17 o 18 años.

Creo que tengo la cinta todavía por ahí, pues eso era joven, y la cinta para fumar era cojonuda (risas). Con el tiempo iba sabiendo los artistas, eran canciones de Gladiators, Alton Ellis, Gregory Isaacs. Y cuando llegué a Londres y ponías la radio y ahí tenías todas las canciones de la cinta. Realmente fue en Londres cuando me quedé flasheao!  Antes de eso no tenía nada de cultura, conocía lo típico, a Shaggy, a Bounty, etc, pero mi viaje a Londres me cambió. Me fui con un colega con 20 años, y nos fuimos sin nada, nos presentamos ahí en Gatwick sin un duro, con la mochila, flipando por el centro de Londres sin saber inglés, tan sólo con nuestra chinilla. Un día en Oxford Street, a las 12 de la noche, jugábamos a echarle el humo de un peta de hachís a la gente, de repente un tío se dio la vuelta y nos dijo: “Vosotros sois españoles, ese olor!!!!” (risas).

Nos tiramos a su cuello, le preguntamos donde podíamos ir, y nos llevó a su casa, y su casa estaba en el barrio de Harlesden, que es como estar en Jamaica. Vivíamos veintipico personas en una casa de protección oficial, ponías la radio de la zona y es que era todo reggae, lo nuevo, lo viejo, todo.

¿Chulito, prefieres roots o dancehall?

Para mi el reggae es roots y es dancehall. Reggae es transmitir lo que llevas dentro, en un contexto musical puedes ser moderno y transmitirlo de una forma, o hacer roots y transmitir otras cosas.

Para mi no hay diferencia entre roots o dancehall, eso lo hace otra peña. Yo, y creo que la mayoría de los artistas, incluyendo los jamaicanos, un riddim es un riddim. No importa si es roots o es dancehall. Se pueden hacer letras muy conscientes con el dancehall, y letras muy locas con música roots.

¿Prefieres actuar con selektah o con banda?

Hombre, prefiero con banda, porque puedes transmitir muchas más órdenes, se puede jugar con más cosas. A parte que el feeling que transmite la banda no es como con un Dj.

Personalmente, yo intento currármelo igual, con banda creo que es mucho más espectáculo, pero con DJ también se ve un poco el tema, una hora cantando sólo con un DJ detrás donde la atención se centra tan solo en dos personas, es distinto.

Entrevista realizada por Pedro ACR

Iñaki, Josu, Javi y Jaime en Massive Reggae Diskak (mediados de los 90)

Nos hemos juntado en un café del barrio de Uribarri de Bilbao con Jaime, Iñaki y Javi, las tres patas de Massive. Están de enhorabuena porque cumplen 20 años juntos trabajando por el Reggae y hemos querido charlar con ellos y que nos hablen de sus sensaciones actuales y de cómo se plantean el futuro pero sobre todo de sus recuerdos y vivencias. Es una entrevista en la que en sí hay muchas y pocas preguntas que realizar al mismo tiempo, porque al final son tantísimas cosas que contar que las anécdotas fluyen, la conversación es ágil y casi no hace falta mi aportación para que Javi, Iñaki y Jaime vayan contándonos una barbaridad de cosas. No es sólo la historia de un colectivo, lo que nos van a contar es cómo empezó el Reggae en este país y cómo ha ido creciendo hasta el punto que lo conocemos todos hoy en día.

La entrevista la vamos a publicar en dos partes dada su extensión. Aquí tenéis la primera y muy pronto colgaremos el resto de la entrevista.

Bueno, la primera pregunta es obligada. ¿Cómo se forma Massive Sounds? ¿Cómo empieza todo y cómo os conocéis?

JAIME: En realidad es un proceso de bastantes años, aunque la historia empieza cuando abro yo la tienda en 1991, Massive Reggae Diskak (en sus primeros años conocida como Rasta Shop) en Bilbao. La primera tienda de discos estatal especializada en música jamaicana. Al celebrar el primer aniversario de la tienda me surge la posibilidad de hacer mi primer concierto, con la banda jamaicana Mystic Revealers. Contacté con el Ayuntamiento a quien les presenté el proyecto y acabamos hablando de la posibilidad de hacerlo en La Merced, una antigua iglesia. Se consiguieron los permisos etc. la cosa salió bien. De hecho ese local es ahora la famosa sala Bilborock.

A partir de esa experiencia tuve interés por traer artistas  de Reggae a actuar. El Ayuntamiento se puso en contacto poco después conmigo para proponerme hacer algo en Aste Nagusia (fiestas de Bilbao). La propuesta ya era para hacer algo más grande (traer a Culture desde Jamaica) y como vi que para esto iba a necesitar colaboración, conecté con la gente del programa de radio Reggae Rocking (Iñaki ya vivía en Londres) y con Javi, quien había organizado en 1987 un concierto en Gernika con Pato Banton y Tippa Irie. Así que me puse en contacto con ellos y encontré un grupo de gente muy receptiva con la idea porque en realidad estábamos hablando de ponernos a hacer lo que nos gusta.

Alton Ellis, Earl 16, Tippa Irie, Robotiks & Massive Crew en Bilbao (1995)

IÑAKI: Josu y yo hacíamos Reggae Rocking, fue el primer programa de radio sobre Reggae. Empezamos en la radio en 1983 y  se nos ocurrió la idea de hacer un programa sólo de Reggae, copiando bastante el estilo de nuestro héroe radiofónico de por entonces, Rodigan, que hacía su legendario Roots Rockers en Capital Radio en Londres y escuchábamos sus cintas con devoción. Años más tarde nos enteramos de que Xabi Ansorena tenía un programa de Reggae en Pamplona al mismo tiempo. ¡Y no sabíamos nada el uno del otro! También hacía el programa con nosotros Ángel… aunque los 3 nos hacíamos llamar de otra forma en antena porque no queríamos que nuestros padres se enteraran. ¡Éramos estudiantes y a veces hacíamos piras para ir a la radio! (Risas)

Ángel en realidad vino más tarde, él era nuestro fan numero uno y acabó haciéndolo con nosotros. Ángel era el más organizado y creativo de los 3. Conocimos a Jaime por el programa, él vino un día a visitarnos al estudio. Nosotros teníamos unos 20 años, llevábamos ya unos años escuchando Reggae (desde el 78) y él era 4 é 5 años más joven aún… le acababa de dar el flechazo del Reggae… y le pegó fortísimo.

JAVI: Cuando traje a Tippa y Pato en el 87 nosotros no nos conocíamos todavía. Habíamos llegado cada uno por su propia vía a la música jamaicana y cada uno por su lado teníamos la sensación de esto es lo que me gusta pero qué solo estoy. Con este concierto conocí a Ángel quien me presentó a sus compañeros de programa, a Josu e Iñaki (que estaban en Londres) unos meses más tarde.

IÑAKI: Sí, Ángel nos llamó a Londres (habíamos ido a ver el Reggae Sunsplash del 87 ) para decirnos que un tío de Gernika traía a Tippa Irie y Pato Banton, algo increíble por aquel entonces.

Yabby You actuando en el II Bilbo Reggae Splash (1993)

JAVI: Lo demás fue muy sencillo, éramos un grupo de gente que acaba coincidiendo porque tienen una afición común muy rara y muchas ganas de compartirla. Las relaciones se intensificaron porque yo trabajaba en una radio comercial (Gernika Irratia, luego Onda Vasca) y conseguí traerme el programa Reggae Rocking a esta emisora. El programa tenía exactamente el mismo nombre y el mismo equipo, pero no era exactamente el mismo programa. En Bilbao se hacía los viernes por la tarde, normalmente en directo, mientras que en Gernika se grababa los domingos por la tarde y se emitía los lunes.

Fue una cosa natural que nos juntáramos: Jaime que tenía la tienda, yo que había organizado un concierto, me gustaba la música jamaicana y había producido esos programas y la gente de Reggae Rocking que eran ya activistas desde hacía años. Concretamente, Iñaki estaba en Londres y conocía a artistas de Reggae y Josu que además era periodista. Los 4 juntos creamos Massive y cada uno de los cuatro cubríamos nuestra parcela.

IÑAKI: Pero a pesar de llevar años como adictos al Reggae (12-13 años) y haber hecho algunas cosillas, un fanzine sobre Bob Marley en el 84, un programa de Radio, fiestas de Reggae… la apertura de la tienda en el 91 fue el verdadero inicio de todo y también ha sido y es nuestro punto de conexión, el centro neurálgico y nuestro cuartel general.

¿Cómo fue contactar con un grupo jamaicano de primerísimo nivel por primera vez?

JAVI: Yo tenía la experiencia previa del concierto del 87. La persona con quien lo hice tenía un dominio absoluto del inglés, lo que facilitaba las comunicaciones con el manager de los artistas, pero aun así fue complicado por muchos factores. Destacaría el hecho de que en aquel entonces no teníamos información. Hoy en día sabes dónde está cada artista, dónde vive, qué hace, en qué gira está… y entonces era una aventura.

Conseguimos contactar con dos artistas que nos pareció que tenían suficiente entidad para montar un concierto que eran Tippa Irie y Pato Banton (el primer concierto de Dancehall en este país y la primera vez que alguien traía desde Londres a artistas de Reggae). Aquel concierto tuvo infinidad de dificultades para llevarse a cabo, pero yo diría que especialmente por nuestra propia inexperiencia. Fue una aventura donde cometes un montón de errores y donde aprendes un montón. Aunque hablamos de la prehistoria de Massive. En realidad Massive como tal empieza en el 91 y empieza con un grupo de primerísimo nivel: Culture.

JAIME: Sí, para contactar con Culture la cosa fue por teléfono y con mucho trabajo. Empezamos a descubrir las peculiaridades de negociar y trabajar con artistas jamaicanos y todo lo que eso conlleva. Hay que decir que Culture en esas fechas ya eran un dúo, no eran un trío. Kenneth Dayes ya se había salido del grupo y yo me puse firme e insistí en que sin Kenneth Dayes no había concierto y al final lo conseguimos. Fue la última gira en la que actuaron los tres juntos como pueden atestiguar las fotos que muy pronto van a estar disponibles en nuestra web. Bueno, en realidad sólo hicimos un concierto con ellos aquel año, en Bilbao. Luego, dos años después, sí que hicimos una gira con ellos (ya sin K.Dayes) y una tercera gira 3 años después, llevándoles a Barcelona, Valencia, Málaga y Lekeitio. En el 96 volvimos a traerlos e hicimos Barcelona, Huesca, Bilbao, y Pamplona.

Twinkle Brothers & Massive Crew frente al Guggenheim (1999)

IÑAKI: Bueno, anteriormente había habido alguna  actuación esporádica en España. Por supuesto, los artistas de las multinacionales como Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff… vinieron a principios de los 80. Esos conciertos fueron organizados por promotores de Rock que organizaban la parte española de giras europeas ya hechas. Lo que no había era alguien que trajera exclusivamente a artistas de Reggae (tanto de Jamaica como de Inglaterra) y sobre todo que fueran los artistas importantes… quizás menos conocidos pero mas auténticos en nuestra opinión.

Nosotros fuimos la primera promotora exclusivamente de Reggae (contactábamos con los artistas directamente). No éramos promotores de Pop profesionales. Éramos fans del Reggae sin apenas experiencia en organizar eventos. Fuimos aprendiendo sobre la marcha, cometiendo errores.

JAIME: Es  importante reseñar cómo era la situación entonces: no había internet, ni móviles, ni información, ni discos, ni radio, ni nada de nada… y cuando ofrecíamos artistas de Reggae a promotores (de Rock) ni sabían quiénes eran. No había una escena desarrollada todavía. Los 80 fueron años difíciles. Ni siquiera conociamos gente de otras ciudades que escuchara Reggae… traer artistas a actuar nos hizo conocer a otra gente que compartia nuestro interés. Gente como Xabier Ansorena en Pamplona, Fernando Blanco y otra gente de Vitoria, Ragna, Diego de Rockers Sound y la gente del programa Sound System Fm en Barcelona, Luis Coya en Oviedo, la gente de Valencia (Top Vibes que ahora son Stereotone y la gente de Jah Macetas), gente de Málaga como Gaspar, de La Hora Rasta y Angelo de Rootsamala. Todos ellos también fueron parte de la escena inicial. Años más tarde, ya a finales de los 90 mucha más gente también.

Habéis traído multitud de artistas durante estos 20 años, pero alguno os habrá hecho especial ilusión.

Flyer del V Bilbo Reggae Splash (1996)

JAIME: El icono principal es Augustus Pablo por todo lo que conlleva. En primer lugar por la rareza de que Augustus Pablo salga de Jamaica.

JAVI: Sí, desde luego, Augustus Pablo representa uno de nuestros mayores logros. Fue un genio y para nosotros, desde luego, es una referencia. Él era un tío recluido en un mundo muy especial que casi nunca actuaba en directo. La negociación fue muy compleja… pero al final vino.

INAKI: Conseguir la visa fue muy difícil.

JAIME: Aunque casi no entra a Bilbao porque vino con escaso equipaje, ¡y una bolsa de la compra con un machete! (Risas). Claro, la Guardia Civil no le dejaba salir del aeropuerto. Al final conseguimos convencerles y pudimos tener a Augustus Pablo en fiestas de Bilbao. Un lujo, teniendo en cuenta los pocos, poquísimos conciertos que dio fuera de Jamaica.

INAKI: Estuvo en mi casa en Bilbao (ya le había conocido en Londres). No quería estar en hoteles ni comía nada no preparado por él mismo o alguien de su confianza. Era muy estricto en sus creencias (se trajo sus propios productos medicinales naturales). Y estaba bastante frágil de salud y muy enfermizo. ¡Tenia artritis y temblores! Acabé cocinando para él mientras hablábamos de música y me dejaba la casa llena de humo… (más risas) Con él descubrí lo que era un Chalice (¡Ganja Pipe!).

JAVI: Independientemente de la anécdota de Augustus Pablo, fue un honor haber hecho otros artistas como Yabby You por los mismos motivos que Pablo aunque fue un poco más fácil porque acababa de grabar un disco con Ariwa. También quiero destacar a muchos artistas más, como Prince Lincoln & the Royal Rasses, pese a ser un artista que nunca ha estado en un primerísimo nivel para la mayoría del público. O por ejemplo, Twinkle Brothers, que tienen un directo potentísimo, a lo que se añade que siempre que hemos trabajado con ellos ha sido un placer porque son muy profesionales y, cómo decirlo,… unos tíos geniales. Nuestra relación con ellos es muy buena.

JAIME: Y luego hemos hecho cosas muy interesantes: Linton Kwesi Johnson, Mighty Diamonds, Michael Prophet, Skatalites, Culture, Max Romeo… A muchos de ellos hemos sido nosotros los primeros en traerlos al país.

INAKI: Sí, y Alton Ellis, un honor traerlo por primera vez en el 95… con quien hice amistad e incluso acabé tocando y produciéndole. Burning Spear, U Roy, Freddie McGregor, Black Uhuru (y Michael Rose en solitario), Heptones, Rico, Mad Professor, Toots And The Maytals, Earl Sixteen, Horace Andy, Ijahman, Alpha Blondy, Abyssinians, Sandra Cross, U Brown,  Macka B, Dennis Alcapone, Ethiopians… algunos de ellos ya han fallecido desgraciadamente. Los años pasan.

Prince Lincoln Thimpson actuando en el III Bilbo Reggae Splash (1994)

¿Y a quién os da especial pena no haber traído nunca en estos años?

JAVI: A mucha gente. Dennis Brown nos hubiera gustado un montón pero, desgraciadamente, tenía muchos problemas y nunca nos cuadró. A Gregory Isaacs lo hemos tenido en cartera, incluso hemos podido hacerlo, pero no hemos querido, sobre todo porque nos daba un poco de miedo por sus problemas personales y lo que eso conllevaba a veces ¡A pesar de que es uno de nuestros artistas favoritos!

IÑAKI: No sé… pero yo personalmente… nunca he querido traer a Gregory. Le vi actuar seis veces en Londres, incluso toqué con él, y sus actuaciones a veces eran buenas pero otras muy malas, dependía del día. Pero a Dennis Brown desde luego que sí.  LLegué a hablar con él de eso pero nunca se pudo concretar nada.

JAIME: Para mí hay tres, dos que aún se puede y uno que ya no, que es Dennis Brown. Los otros dos son Congos que se han vuelto a juntar y es uno de los mejores conciertos que hemos visto últimamente y Don Carlos.

JAVI: Bueno, y hay más. Otro que nunca hemos traído y ya ha estado varias veces por aquí es Ken Boothe. Tenemos la esperanza de tenerlo algún día.

JAIME: Los caprichos principales eran Augustus Pablo, Mighty Diamonds, Abyssinians y Culture. Y al final hemos superado con creces nuestras expectativas.

IÑAKI: Por último, para mi personalmente los Skatalites con Jackie Mittoo y Tommy McCook hubiera sido mi mayor ilusión. 2 de mis grandes ídolos. Para cuando hicimos Skatalites ya no estaban en la banda. Jackie había fallecido y Tommy McCook aunque estaba vivo, ya no podía viajar… una pena.

(continuará…)

Entrevista realizada por Mos ACR a Iñaki Yarritu, Jaime Sáez de la Fuente y Javi Rueda de Massive Sounds el 13 de Mayo de 2011.

El origen de la escena reggae en Serbia está vinculado al año 2000, cuando en Belgrado nació el movimiento Reggae Power, la primera asociación sin ánimo de lucro de amantes de la música reggae. En aquella época estaba formada por unos 300 miembros y tenía una decena de coordinadores. Aunque antes ya existían algunos grupos locales y “el ejército del reggae” contaba con más miembros que no sólo los del grupo Wailers, en ese momento muchos serbios se encontraron por primera vez con la música de los negros del Caribe. Entonces empezaron a entender que el reggae no es sólo el ritmo “sha-la-la – one love”, sino una cosa seria, unos principios, una manera de vivir, un concepto conocido en todo el mundo con el nombre de rastafarismo. Al igual que el reggae, la tradición balcánica incorpora ritmos locales, sincopados, que se combinan con los sentimientos de opresión del pueblo. Esto es lo que, desde siempre, ha unido los jamaicanos y los balcánicos, y quisiera añadir que no es casualidad que justamente en la ex Yugoslavia, en Belgrado, en 1961 se celebrara la primera conferencia oficial del Movimiento de los Países No Alineados. Por un lado, nuestro pasado servil y las guerras y la opresión constantes, y por otro, la fuerza de la revuelta y el espíritu de resistencia, han encontrado semejanzas con la música de insurrección de los miles de islas del Caribe habitadas por esclavos de África y Asia.

Actualmente en Serbia, y en los Balcanes en general, existen un gran número de grupos, DJs y fans. Sin embargo, el reggae es poco reconocido a pesar de su expansión, incluida la que ha hecho en los medios de comunicación. Entre 2002 y 2005 habían 6 o 7 emisoras de radio locales, pero actualmente, debido a la nueva ley sobre radiodifusión, la variedad de géneros musicales (y no sólo en cuanto a la música reggae) se ha reducido al máximo. El reggae, el verdadero reggae, sin firmas discográficas comerciales que se quieran comprometer, resulta inadecuado por el tipo de música que ponen a las emisoras de radio. La televisión sólo cubre los conciertos de las grandes estrellas del reggae extranjeras. Sólo tenemos la oportunidad de ver artistas famosos como Horace Andy, Max Romeo, Burning Spear, Capleton, Dub Syndicate, Zion Train, Gentleman, …

A Kruševac, una pequeña ciudad al suroeste de Serbia, un grupo se reunió originalmente bajo el nombre de Dub Orchestra y continuó así hasta Marzo de 2008, año en que cambió su nombre por el de ZAA. Desde ese momento, la cantante Darka Rajić -que muchos comparan con Erika Badu o Lauryn Hill- se convirtió en un miembro permanente del grupo. Este está formado también por Bale Borac -saxofón, clarinete y dvojnice, Djole – guitarra, Toma – bajo y Zlaja – batería. Todo queda bajo el control de Zoka, que se encarga del dub con la mesa de mezclas y añade los sonidos sintéticos. ZAA es un grupo que, con poco más de dos años tocando, ya ha hecho más de 60 actuaciones por toda Serbia y el extranjero. Cada miembro proviene de diferentes géneros musicales, por lo tanto no sorprende la variedad de estilos que se pueden encontrar en sus canciones – desde el reggae-dub-ska hasta el sonido limpio de la guitarra, pasando por el jazz.

ZAA significa «Vamos» en lengua árabe y en alguna lengua africana, como supo más tarde el grupo. En serbio, za significa «para» o «a favor».

En el estudio Sweepunk de Kruševac, donde ZAA grabó su primer álbum, ensaya el batería Zlatko Petkovic – Zlaja (Fat Zed). El público de Kruševac lo conoce también como miembro del grupo de hardcore-punk-metal Scarpa. Zlaja considera que el reggae, hablando como músico y productor, crece de una forma constante desde su aparición, al igual que aumenta el número de fans de todo el mundo que escuchan este género. “El reggae-dub es una influencia tan importante para los creadores de hoy en día como lo es el punk, si no lo es más. Actualmente, la influencia del reggae-dub se puede notar en géneros que, en principio, no están muy relacionados. Y aquí en los Balcanes es donde más a menudo se encuentran cruces del reggae-dub con otros estilos musicales. Nosotros y los famosos Eyesburn somos un ejemplo excelente de esto “- dice Zlaja.

P. Después de tocar primero música instrumental, una de las mejores cantantes de música negra de nuestra zona entró en el grupo; ¿cómo ves el cambio que Darka aportó al grupo?

R. Seguramente esto es lo más maravilloso que nos podía pasar! Cuando escuché a Darka por primera vez durante las pruebas, tuve la impresión de que había pasado algo fantástica y que estaba seguro de que íbamos por el buen camino.

P. La falta de dinero para un estudio moderno y el hecho de que la industria musical en Serbia se reduce a cero, por suerte no fue un problema para vosotros. Habeis demostrado que todo es posible con mucho esfuerzo y trabajo, con creatividad y con grandes dosis de paciencia. Publicasteis un álbum por internet y lo dabais al público de manera gratuita. El álbum, de diez canciones, fue muy bien valorado en los círculos de amantes del reggae y otros géneros afines. De todos modos, raramente podemos escuchar ZAA por la radio y aún no teneis un videoclip que se pase por la televisión. ¿Deseais hacer algún paso en dirección a la promoción a través de los medios de comunicación habituales o creeis que internet es un medio más poderoso?

R. Los medios de comunicación habituales son totalmente inasequibles para la gente como nosotros. Internet es un arma más poderosa para promover grupos si se utiliza con prudencia, creo que el hecho de que el álbum se pueda bajar gratuitamente es una gran cosa y estamos muy orgullosos de ello. En cuanto a la promoción del álbum, internet es lo que nos es más accesible y, por lo que se puede juzgar, es un medio considerablemente potente. De hecho, según las estadísticas de nuestra web (www.zaa.rs), hemos visto que nuestro álbum incluso se lo bajan en Japón. Además de internet, pero, tenemos la intención de extendernos por el resto de medios visuales. Pronto tendremos listos dos videoclips producidos profesionalmente de las canciones No War y Fire, ambas del primer álbum.

P. El verano de 2009 fue un punto de inflexión para la carrera de ZAA, cuando apenas tenía dos años. En Banja Luka (Bosnia-Herzegovina) nació el Demofest e inmediatamente se convirtió en el festival más importantes de grupos regionales con discografía poco conocida. Primero llegasteis a las semifinales y luego conseguisteis el tercer premio vompartido con Tanker, un grupo de hardcore de Banja Luka. ¿Nos puedes describir esta experiencia?

R. Cualquier atributo o epíteto que pudiera dar al Demofest sólo podría ser superlativo, es un festival profesional al mismo tiempo que humano, sencillamente es increíble que por fin alguien de esta zona hiciera algo así. Apuntad el Demofest como obligatorio en el calendario, es aconsejable por un montón de razones …

P. Antes del lanzamiento del primer álbum, tocasteis en más de 60 conciertos. ¿Podrías destacar alguno como el más exitoso?

R. Nuestro mejor recuerdo sigue siendo el concierto del Demofest de 2009, así como los de los dos festivales de Reggae Serbia, en Pančevo, pero también el del Exit en Novi Sad, el de Studio 21 (de nuevo a Pančevo), el que hicimos en el local Castro de Skoplje, el de Salzburgo (Austria) en la discoteca Jazz fue demasiado (gracias a la descarga gratuita allí también conocían nuestras canciones), la explosión de energía por año nuevo en el festival Trenchtown de Subotica, el festival Adrenalin en Serbia, el festival E-tvrdjava en Niš … En todas partes fue fantástico, y los que más se merecen todo esto son nuestros fans, que nos corresponden devolviéndonos la energía que les vertemos desde el escenario y que se lo pasan bien en nuestros conciertos,. .. así que creo que cada concierto nuestro es una fiesta genial.

P. Las letras de las canciones de ZAA son muy concisas, sin metáforas metafísicas y enrevesadas. Todo es muy simple y claro …

R. No hay necesidad de filosofar, todo debe ser dicho sencillo, verdadero y directo al cerebro, y por supuesto, decir las cosas por su nombre, aunque no creo que nuestras letras sean minimalistas. Es importante que la gente se pueda reconocer, porque nuestro mensaje es el amor incondicional y la verdad. El objetivo del grupo Zaa es convivir con grupos y artistas similares (independientemente del género que prefieran y de los medios de comunicación a través de los cuales se expresen) y enviar un mensaje al público hablando de un camino mejor, diciendo que para llegar al paraíso en este planeta nuestro tan fantástico, basta con amar incondicionalmente y decir la verdad a cualquier precio.

P. ¿Cuáles son vuestros planes para después de su álbum de debut?

R. Queremos realizarnos como autores y artistas a través de la música, queremos ser lo más profesionales posible ya que, francamente, el objetivo de toda persona es ganar algo para poder vivir, y tocar en un gran escenario ante mucha gente para nosotros es la mejor manera de realizar los sueños de infancia que afortunadamente todavía tenemos. Las letras son en inglés porque hoy en día es la lengua universal y nos abre un mayor número de puertas, por lo tanto nuestro deseo es ver mundo. Los otros planes serían las nuevas canciones (que ya interpretamos en directo), es decir, volver al estudio y así ir haciendo, mientras nos quede creatividad dentro… y hacer muchos más conciertos, claro.

Quisiera animar a la gente para que viniera a nuestros conciertos, les prometemos un buen rato! Irie and cool!

Texto: Dragana Bajic – Miss I Dread
Texto original traducido del serbio por Laura Bohigas, Filología Eslava, Universitat de Barcelona.

+info: www.zaa.rs

Descargar primer álbum de ZAA

Dubby Ambassah y Horace Martin en A-Lone

Hablamos con Dubby Ambassah, todo un referente en el mundo del Reggae a orillas del Cantábrico. Como músico de Ambassadors, Vibes All Stars, Loud&Lone, BDF, Lone Ark,… pero hoy hablamos con él por otra faceta. Hoy vamos a preguntarle sobre su trabajo como productor y sobre sus sellos Pirates Choice y Crucial Ruler.

¿Cómo surge la idea de montar un sello?

Después de estar mucho tiempo trabajando en diferentes proyectos y producciones de otra gente como Rober (A- lone) o Iñaki Yarritu (BDF) entre otros, y como siempre he estado haciendo ritmos, me pareció interesante empezar a sacar mis producciones en mi propio sello sin dejar de colaborar con la misma gente de siempre: el propio Roberto Sánchez, todos los músicos de Lone Ark (Roberto Bartolomé, Gorka Fernández, Aratz Díez, Jimmy C,…), Ibon Larruzea en la masterización… y así nacen Pirates Choice primero y después Crucial Ruler, con esa idea.

¿Quiénes estáis implicados?

En Pirates producimos y componemos Rober y yo básicamente. Los ritmos de Crucial Ruler practicamente lo mismo, aunque aquí toma relevancia Fran (Bomb Bass Hi Fi) que es el productor ejecutivo, es el que se encarga de contactar con los artistas, … él es parte también del sello. Además de la colaboración de los músicos habituales de Lone Ark y algún que otro músico adicional.

¿Cuándo empiezan a funcionar los sellos?

La primera referencia de Pirates, la de Sugar Minott, es de 2007. Es lo primero que salió. Así que fue a finales de 2006 ó 2007 cuando empezó a andar esta historia. Aunque antes ya habiamos sacado un álbum con el sello FAK.

¿Y cómo valoras la repercusión de los trabajos que autoproduces?

La cosa ha ido bien, se han vendido muy bien. De hecho la mayor parte de los trabajos en 10” están ya descatalogados.

¿Y ha ido bien en España o fuera?

Mejor fuera. El de Dixie está ahora nº3 en Ernie B, el de Sugar Minnot estuvo muchísimo tiempo nº1 y ahora ha vuelto a entrar en top-50, el de Horace Martin con Crucial Ruler está el nº4 en ventas en el último año… Todos los trabajos funcionan bien en Inglaterra, también en Italia, en Francia, en Japón… pero esto sucede también con los trabajos de A-Lone, Roots & Fyah o Dreadrive la repercusión fuera es muy buena, estamos muy contentos. Roberto tiene bastante reconocimiento internacional, detrás de nuestros trabajos está él, y eso ayuda a que tengan esa aceptación. Al final es el sonido de su estudio el que nos da esa calidad.

En España en cambio la repercusión es bajísima, algo por el norte, algo por Málaga, Madrid… te podría decir nombres y apellidos de los que tienen los discos (risas).

¿Cuál es la diferencia entre Pirates y Crucial Ruler?

El sonido de Pirates es roots y rub-a-dub, un sonido más clásico y Crucial Ruler es producción digital, pasando también por diferentes estilos, estamos trabajando riddims que podrían ser en una onda más británica, y además producciones más jamaicanas al estilo de los 80′s.

Puppah Fran, Dixie Peach, Dubby Ambassah y Roberto Sánchez

¿Y qué es North Coast?

Somos 5 sellos (ALone, Dreadrive, Pirates Choice, Crucial Ruler y Roots & Fyah) que trabajamos en ALone, en el estudio, nos hemos juntado para tener más fuerza a la hora de distribuir. Muchas tiendas grandes, si tienes un catálogo pequeño ni te cogen material. Somos un pack, para nosotros sale mejor y así todos nuestros trabajos llegan más lejos. Mira, por ejemplo ahora mismo está de nº1 de Ernie B, Roots & Fyah con su ultimo 10”, otro de los sellos de North Coast.

¿Y ahora en qué andas metido?

Con Lone Ark estoy pendiente de grabar las percusiones del próximo álbum de la banda y algo que esta preparando Rober con algún artista internacional, que de momento… igual es mejor que se sepa más adelante y ya os informará él.

A nivel de sellos, tanto en Pirates como en Crucial, tengo mucho material grabado. Estoy grabando ahora las versiones deejay para un álbum con Linval Thompson, en formato showcase… Para 10” tengo temas grabados ya con Earl 16, con Kiddus I, con Rod Taylor, Echo Ranks,… la lista es bastante extensa, la mayoría están a falta de mezclar para ir sacándolos en próximas ediciones.

En Pirates Choice quiero hacer también un CD recopilatorio que recoja todos los 10” que han salido, más algunas versiones dub que no entraron en su día en los vinilos y algun tema inédito. Estamos ahora con el diseño y a falta de masterizar en Euridia. Así que también a nivel de producción hay unas cuantas cosas en el aire. Siempre con ganas de grabar y seguir en esta línea. Tengo más dudas con el tema de seguir tocando en directo, esto si es algo que cada día me cuesta más. Ya se verá.

¿Dónde se pueden conseguir las producciones de North Coast?

En Ernie B, Rasta Vibes, Dubwise, Dub Vendor o en tiendas físicas como Massive o Power Records aquí en Bilbao. North Coast no es una tienda sino una distribuidora y la idea es que haya tiendas físicas o virtuales delante que se encarguen de llevar nuestro producto al aficionado.

¿Hace 10 años te planteabas que podías autoproducir?

No. Bueno, lo que no me planteaba era producir a Horace Martin, Sugar Minott, Linval Thompson,… No me planteaba que estuviéramos produciendo 10” que se vendiesen UK, por ejemplo. No me planteaba que fuéramos a tocar en directo con Alton Ellis, bueno yo en concreto con Alton Ellis no toqué, pero con Earl 16, con Linval… no sé, que fuéramos a grabar con esos artistas. Ninguno podíamos ni soñar con llegar a hacer lo que estamos haciendo ahora mismo, la verdad.

Bueno Dubby, pues nada más. Muchas gracias por sacar un rato para estar con nosotros y nos quedamos esperando nuevas producciones de Pirates Choice y Crucial Ruler.

Gracias a vosotros por estar pendientes de nuestro trabajo y nada, hasta la próxima . Un saludo.

Entrevista realizada por Mos ACR a Dubby Ambassah el 25 de Febrero de 2011.

Originalmente publicado en inglés en United Reggae

- ¿Qué formación, tanto musical como de ingeniero de sonido tienes?

Hice un curso de dos años de técnico de sonido en Madrid en el 2001, pero entonces ya había publicado diez álbums. Lo hice porque lo necesitaba para abrir mi propio estudio. Toda mi familia son músicos. Mi abuela fue profesora de piano en Cuba, mis abuelos se fueron allí por la guerra civil, entre 1939 y 1941, después volvieron a Santander, donde mi familia lleva viviendo cerca de cien años. Mi abuela era realmente buena tocando el piano.

Mi padre y mi hermano enseñaban a tocar la guitarra española. Yo tuve un piano en casa desde el primer día de mi vida. Empecé a aprender música a la edad de ocho años, pero a los trece empecé a escuchar reggae y sólo quería jugar al futbol y no tocar el piano ni a escuchar a Beethoven!

- Solías tocar junto a Inyaki, de BDF. Háblame un poco de las cosas que ambos hicisteis juntos.

Puedo hablar mucho de él, porque es un gran músico, gran productor y promotor de la música reggae desde los años ochenta. Yo iba a Bilbao a principios de los noventa a conciertos de reggae, y Inyaki fue quien trajo a Augustus Pablo a la ciudad! El tenía un programa de radio en Bilbao cuando nadie aquí sabía nada sobre reggae. Cuando iba a Londres a comprar discos el era mi guía, me presentó a Dougie Wardrop, de Conscious Sounds, y a muchos artistas y músicos. Aprendí mucho de toda esta gente, y Inyaki fue la clave.

- Tanto Inyaki como tu preferís el reggae “Old Style”. ¿Sería justo afirmar esto?

Si, los dos tenemos los mismos gustos respecto a productores y músicos. Los dos amamos la segunda mitad de los años setenta. Solíamos sentarnos en mi coche en Londres, y hablábamos durante horas sobre Augustus Pablo, Channel One, Phase 1, Joe Gibbs. El es como yo, los dos apreciamos a los músicos, cantantes y personas que crean la música.

- ¿Te gusta algo del reggae actual? No parece algo que esté presente en tus producciones.

Algo del reggae que se hace en Inglaterra es muy bueno. Realmente me gustan mucho las cosas que vienen de Conscious Sounds y de Russ D. Me encantan sus producciones y su forma de mezclar y producir. Son realmente buenas y de acorde a los tiempos. Suenan diferente a los instrumentos reales, pero todavía llevan mucho de Roots. Suenan natural. Ellos son iconos hablando de producción.

- Entonces, “¿no te consideras anti – digital”?

No no..  en ocasiones trabajo para diversos productores , partícipes de lo que ellos denominan “UK Digital Roots”. Me divierto mezclando para ellos. Cuando conocí a Dougie y le vi mezclar en el 2004 comprendí ese tipo de producción, antes de eso no había querido escuchar nada que sonara a “trampa” digital durante quince años. Yo prefiero los sonidos de la vieja escuela, y lo que viene de Jamaica en la actualidad no me gusta en absoluto.

- ¿En qué punto, según tu opinión, Jamaica dejó de producir la música que a ti te gusta?

Creo la causa fue algo social. La música allí es parte de su día a día. Creo que la cocaína en los años 80 cambió su comportamiento tanto políticamente hablando como socialmente. Y cambió la música, también. Los jamaicanos están continuamente construyendo cosas nuevas una y otra vez, y su música es siempre sorprendente, pero para mi gusto, hablando de letras y de “flow”, todo lo que hicieron desde finales de los 70 hasta comienzos de los 80 es inmenso. A partir de entonces cambiaron los sonidos, el mensaje, los instrumentos. Lo cambiaron todo.

- Cambiaste de opinión respecto a los sonidos digitales. ¿No crees que podrías cambiar de opinión respecto a la música jamaicana actual?

No lo creo. Existen algunos artistas “conscious” haciendo reggae a los que considero buenos cantantes, pero los músicos ya no quieren tocar como los Revolutionaries, o como los Upsetters, como Mikey Boo o Lloyd Parks. Quieren tocar como los grupos de pop americanos, y ese es el sonido que están consiguiendo. Suena como el pop, y eso es algo que se podría hacer en Miami.

- Pero la era del Rocksteady estuvo muy influenciada por la música popular americana. ¿No crees que esa influencia vuelva a ocurrir?

La diferencia está en que aquella música popular americana era muy buena…  Si miras atrás en la historia de la música americana de los años sesenta y setenta encuentras a la Motown, a Marvin Gaye, Curtis Mayfield. Aunque hacían pop, ese pop era puro, profundo. Muchos artistas jamaicanos querían ser como Curtis, pero si miras a la América del 2011, la música es simplemente un producto comercial. Si se fijan en el rap o en el hip hop esa es la causa por la que hacen ese tipo de dancehall, con ese tipo de letras, y si se fijan en el pop hacen ese tipo de “poppy reggae”.

- Dado el nivel de tu música y de tus producciones, ¿no crees que el reggae actual necesita de alguien como tu que le ayude a crecer? ¿Considerarías la opción de grabar un disco con sonidos “actuales”?

Me encantaría siempre y cuando los productores jamaicanos volviesen la mirada hacia, por ejemplo, Gussie Clarke. Durante los años ochenta produjo algunos de los ritmos más sorprendentes para su sello, utilizando para las voces a Mighty Diamonds o a Dennis Brown.  Pero ellos están allí, y yo no voy a moverme de aquí, así que son ellos los que tienen que dar ese paso, ellos tienen la clave.

Creo que el problema de Jamaica son los músicos. Honestamente pienso que los músicos europeos están tocando en estos momentos mejor música roots que los jamaicanos. Creo que nosotros apoyamos a la música reggae más que ellos, quizá deberían de venir a Europa a por músicos. BDF es una gran banda, quizá deberían de llevarles a Harry J para trabajar junto a Mighty Diamonds o The Viceroys.

- Esto si es cierto que ocurre. The Handcart Band tiene miembros franceses en sus filas y han grabado el DST Riddim para Dj Sunshine en el 2007…

Claro. Mira yo en estos momentos estoy mezclando una sesión de Guillaume Bougard con Gregory Isaacs y Sly & Robbie and the Revoltionaries en Jamaica. Así es como debería ser, de otro modo perderemos esa tradición – la cuál no es mía – pero la tomo prestada como si así fuera. Amo esta música, me encantaría hacer lo posible por mantenerla viva.

- ¿Cuál es tu productor favorito de todos los tiempos?

Buff, no sabría que contestarte. Si tuviera que quedarme con uno, elegiría a Augustus Pablo.  Fue miembro de Randy’s en los principios, creando cosas increíbles para la familia Chin. Cuando se fue a Black Ark hizo grandes colaboraciones con Hugh Mundell, y finalmente se fue a Channel One para trabajar junto a grandísimos artistas. Creo que como productor, músico y miembro activo de la escena durante los años setenta fue único.

Pero también me encanta Roy Francis, me encanta su estilo elegante cuando trabajó para Phase 1.  Lee Perry, o the Hookims de Channel One en el 78-79, son algo impresionante.

- ¿Cuál es tu ingeniero favorito?

Eso es algo más fácil de contestar. Scientist! Scientist y Sylvan Morris. Morris hizo la pre-mezcla de 16 a 4 pistas antes de darle las grabaciones a King Tubby, así que parte de las mezclas que escuchamos de Tubby ya estaban creadas por Sylvan. El fue el hombre clave de Harry J’s durante muchos años, y uno de los mejores.

Pero los trucos de Scientist durante 1981 en los estrenos de Linval Thompson  y Jah Thomas para Greensleeves son perfectos, nada más que decir.

- ¿A quién tienes en tu lista para tu próximo álbum?

He hablado con Milton Henry, vamos a empezar a grabar el mes que viene. Será mi próximo “showcase”, y seguirá el mismo estilo que utilicé con Earl Zero, pero no va a estar centrado en el sonido de Freedom Sound Farm.  Me gustaría regresar al sonido de cuatro pistas de Wackies. Vamos a ver que pasa.

- Si pudieras trabajar con alguien que ya no está con nosotros, ¿ a quién elegirías?

Elegiría a Gregory. Porque es una de las figuras más importantes de los últimos años de la década de los setenta. Se ha ido hace poco, así que ya no será posible. Muchos grandes artistas, como Sugar Minott, que también se fue… Me hubiese encantado trabajar con ellos.

Texto original de Angus Taylor para United Reggae.
Traducido por Pedro González Bueno (ACR)

Originalmente publicado en inglés en United Reggae

“Honestamente creo que en Europa se está haciendo, actualmente, mejor Roots Reggae que en Jamaica”

El productor español Roberto Sánchez ha dejado una marca indeleble en la escena Roots Reggae del año pasado con su Showcase Earl Zero And God Said To Man. Demostró que había aplicado las mismas rigurosas e históricas normas de los sonidos del Ska y del Rocksteady al largamente esperado tercer álbum de Alpheus, From Creation.

Roberto proviene de una familia de músicos de raíces cubanas – que bien podría explicar el porqué de la música caribeña en su sangre- el álbum Kaya de Bob Marley fue lo que le introdujo, junto con varios amigos haría repetidos peregrinajes a Londres para comprar álbumes de Studio One, o de Black Ark, así como equipos para estudio.

Cuando los productores europeos amantes de los antiguos sonidos intentan volver a la llamada época dorada, los resultados pueden ser decepcionantes, pero las recreaciones de Sánchez son tan técnicas y tan logradas que uno no puede sino admirar sus trabajos. Igualmente, al contrario que otros artistas plenamente consagrados que puedan parecer reservados y difíciles de entrevistar, este hombre humilde y de voz suave estuvo encantado de compartir esta historia con Angus Taylor, para hablarnos desde esos bosques donde se encuentra su estudio de Santander…

- Publicaste uno de los álbumes más aclamados del 2010 junto a Earl Zero. Ahora acabas de publicar un álbum con Alpheus. ¿Cómo surgieron estos proyectos

El proyecto con Earl Zero comenzó cuando conocí en España a un deejay californiano llamado Ranking Forrest. Nos hicimos buenos amigos y me dijo que ¡vivía puerta con puerta con Earl Zero! Me presentó y creamos nuestra primera producción en el que yo había cantado con Ranking Forrest. La canción se tituló Root of David. Empecé a quedar con Earl Zero más asiduamente y empezamos a pensar en trabajar en un álbum, así que yo empecé a mandarle riddims especialmente producidos para él. Todas las voces fueron grabadas en California y los coros aquí en España. Ahora estoy pensando en traerle para hacer un tour por Francia y España.

- ¿Y con Alpheus?

Conocí a Alpheus en Bilbao, cuando yo estaba tocando con una banda de Valencia. Dos personas me presentaron, el líder de la banda, Nano Bravo y Sergio, de Heartical. El fue quién le trajo a España. Después de tocar, Alpheus tenía que coger un avión, así que pasamos un rato en casa escuchando a Phil Pratt para Pressure Sounds y le dije “Yo podría producir un riddim como este para que tú cantes sobre él”. Me fui a duchar y cuando volví Alpheus había escrito una canción llamada Ultimate. Regresó a Londres y yo me pasé trabajando una semana con los músicos sobre el riddim Dirty Dozen.

Regresó al mes siguiente y todavía recuerdo su cara!! Creo que fue en ese momento cuando empecé a pensar en grabar un álbum. Siempre he estado enamorado de Studio One porque de este sello aprendí el papel que desempeñan los teclados. El vivía en Londres así que vernos fue algo realmente sencillo para los dos. Todo el álbum fue producido en mi estudio de Santander.

- ¿Crees que Alpheus ha hecho bien dejando un poco de lado el Reggae para concentrarse más en el Rocksteady o el Ska? ¿Te gustaría hacer un álbum de Reggae con él?

Esa es una pregunta difícil de responder. El debe atenerse a este sonido ya que es realmente un hombre nacido para el Rocksteady.

Es un cantante muy melódico, lleno de sentimiento, al estilo de Ken Boothe. Está trayendo de nuevo ese sentimiento. Pienso que debe mantener este estilo, y trabajar en esta dirección. Por otro lado, como bien dices, habiendo realizado un álbum de Rocksteady, debería también verse envuelto en el estilo Roots Reggae, al igual que hizo Ken Boothe.

Muchos artistas llevaron ese camino a finales de los 70, y creo que su voz encaja a la perfección. Así que estoy de acuerdo en lo que está haciendo, pero creo que en un futuro deberíamos hacer algo más Roots.

- Entonces, ¿la música Roots es lo que más te llena?

Sin duda. Desde el 1973 a 1981, esa es mi música favorita.

- ¿De qué forma influye este ambiente rural en tu música?

Soy una persona a la que le gusta la naturaleza y el silencio, aunque soy también una persona activa.

Intenté encontrar un lugar muy silencioso y tranquilo para el estudio en un pueblo que fuera cercano a la ciudad. Esta ciudad tiene solo 200.000 habitantes. Estamos cerca del mar y hay vacas y caballos por todo alrededor. Creo que todo esto ayuda a mi producciones.

- ¿ Cómo fue trabajar con Earl Zero en comparación con Alpheus?

En muchos casos fue casi lo mismo porque los dos son grandes artistas que sienten lo que hacen, lo sienten de verdad. Pero diría que mi relación con Alpheus fue más intensa. Escuché cada letra suya en el estudio. Mientras grabábamos el álbum, al mismo tiempo lo vivimos. Viviendo sus experiencias a través de las canciones. Esto hizo de nuestra relación, y del álbum, algo muy profundo.

Zero es un buen amigo, pero nunca nos encontramos personalmente para hacer el álbum, así que musicalmente fue algo distinto y asombroso al mismo tiempo.

- Ambos álbumes suenan a muchas horas de trabajo dedicado. ¿Cuánto tiempo te lleva producir un álbum?

Lleva mucho tiempo, porque no se trata sólo de crear los ritmos. A veces, cuando el cantante te devuelve la canción, te suena diferente.

En esos casos lo que hago es cambiar cosas, como las líneas de bajo o añadiendo vientos. El álbum de Alpheus fue grabado bastante rápido pero llevó bastante tiempo el mezclarlo y dejarlo terminado. Empezamos en 2007 y terminamos en 2010.

Pasó más o menos lo mismo con el álbum de Earl Zero, los ritmos fueron producidos rápidamente, pero cuando recibí de nuevo la canción trabajé mucho en los coros y arreglos antes de mandársela a él de nuevo. A veces este proceso puede durar un año, pero esto se debe a que, gracias a Dios, tengo más trabajos en el estudio, así que no siempre tengo tiempo para mis propias producciones.

Texto original de Angus Taylor para United Reggae.
Traducido por Pedro González Bueno (ACR)

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Con motivo de su actuación en el pasado BUS Festival de Barcelona como cabeza de cartel, mantuvimos una entrevista con la banda italiana BR Stylers, que  nos habló de su trayectoria, su último disco, y de la escena dub en general. Su actuación fue un gran éxito, ante una sala Razzmatazz repleta y entregada.

Es la primera vez que tocáis en España, presentaros vosotros mismos…
Como grupo nacimos en el año 2000 y empezamos con el European Reggae Contest del Rototom Sunsplash, que fue donde tocamos por primera vez. Allí nos vio un productor esloveno, con el que acabamos grabando nuestro primer CD, Dub Resonance. Además, también gracias al Contest se incluyó uno de nuestros temas en un recopilatorio y ganamos visibilidad.
BR Stylers nace de otro grupo, Blue Radics. Blue como un color que significa profundidad, introspección, pero que también nos recuerda al frío del nordeste italiano, y radics en el sentido de roots, las raíces tanto musicales como personales de cada uno. Nuestros padres musicales son artistas como Lee Perry, King Tubby, Bob Marley, Aswad, Black Uhuru, Vibronics, Mad Professor y todos los que han elegido el dub como forma de expresarse.

¿Cuales son las novedades de vuestro último disco, Indubstria?
En este último trabajo hemos vuelto a los orígenes del dub, ya que el disco alterna temas con la voz principal de Michela Grena con las versions, los cortes instrumentales.

¿Estáis abiertos a tocar en ambientes más allá del reggae, como por ejemplo el Sonar?
El dub es una mezcla, sobre todo entre electrónica y reggae, así que no nos cerramos a tocar en ambientes más electrónicos, siempre que el evento merezca la pena.

¿Cuales son los momentos que más han marcado vuestra carrera?
En primer lugar el Reggae Contest de 2001, donde debutamos. Pero tenemos otros momentos inolvidables como cuando encontramos en su camerino a Lee Perry, una de nuestras referencias, cuando tocamos con Alborosie o nuestros conciertos en Croacia, Eslovenia y Polonia, países donde el público siempre es muy participativo.

Parece que el dub en Jamaica haya desaparecido. ¿Como veis su situación actual?
En este momento en Jamaica el objetivo es hacer discos y ganar dinero, algo que no pasa mucho con el dub, no es el camino más simple. También en Europa la situación es complicada, en Italia solo los verdaderos apasionados de este tipo de música siguen haciéndolo, pero aún así hay muchos grupos de un nivel alto, tenemos los ejemplos de Resistence In Dub, producidos por Paolo Baldini (nuestro mismo productor) y Wicked Dub Division, además de muchos sound systems especializados.

¿Qué os gustaría hacer en el futuro?
Nuestro sueño es crecer en el Reino Unido, porque es la cuna del dub, pero también nos gustaría darnos a conocer en España y otros países.

Texto: Iago Viñas (Rototom Crew)

Rototom Sunsplash es un evento de más de una semana que rompe de forma radical con el concepto de festival que tenemos en este país y, en este sentido, la valoración de que vaya a asentarse en España es francamente positiva por las dinámicas y sinergias que puedan generarse en torno a él.

No se concibe un evento de estas características como un mero abandono hedonista en el que perder la razón y hartarse a beber y comer durante días sin atender más allá, sino más bien como un espacio público donde una comunidad concienciada y predispuesta puede trasladar a la práctica, al menos durante su transcurso, la utopía altermundista de creer que “otro mundo es posible”. Un entorno libre donde no hay lugar para el racismo, la guerra o la discriminación y donde es posible -y necesario- convivir, compartir, debatir y disfrutar con las máximas del respeto y del aprendizaje en común siempre muy presentes.

En Rototom Sunsplash, otro mundo no sólo es posible, sino que es una realidad palpable.

Según tengo entendido, el motivo del traslado a España es el hostigamiento que sufríais por parte de las autoridades italianas y que en la práctica se manifestaba en forma de denuncias, registros policiales en busca supuestamente de psicotrópicos y vejaciones de muy diverso tipo. ¿Quién creéis que se encuentra tras este cambio repentino de actitud por parte de las fuerzas de seguridad? ¿Tanto influyó la caída del equipo de gobierno de Romano Prodi y el auge en paralelo de Silvio Berlusconi o se trataba más bien de un asunto a escala regional o local?

Pienso que este es un momento histórico para Italia: está pasando por un momento muy adverso porque la derecha es siempre más agresiva y está eliminando internamente a todos los moderados. En este momento, el partido de derechas está muy aliado con la Liga Norte, una fuerza política muy xenófoba, que asusta a la gente mostrando a los extranjeros como quienes roban el trabajo, autores de violencia. En esa concepción del mundo, el propio primer ministro Berlusconi dijo “no quiero un mundo multiétnico, quiero que Italia con sus tradiciones, con su iglesia… Los extranjeros tienen que hacer un curso antes de pedir la nacionalidad italiana”. En esa perspectiva, el festival demuestra, con su presencia, que el mundo multiétnico es posible y mejor. La gente no se asusta de la diversidad cuando acontece el festival y puede comprobar la diferencia entre la marihuana y otras drogas. Nosotros no sólo hablamos de estos temas, sino que en el festival un joven o no tan joven puede observar la realidad de las cosas. La política quería atajar todas estas experiencias, que pueden demostrar al pueblo que lo que ellos hablan, no es verdad. Este tipo de política está acaparando todos los medios: tres televisiones de Berlusconi, más tres públicas hablando en un mismo sentido. El festival se ha establecido institucionalmente en el Friuli durante sus 16 años y era una demostración de que lo que hablan, no es cierto. Después aprovecharon que estaba el Giotto en l´Aquila y que había mucha policía, muchas fuerzas del orden trabajando en esas fechas y cerraron el pacto de Schengen, por lo que se aprovecharon de estas situaciones para favorecer la represión de nuestro festival, así como también otros más pequeños. Por ejemplo, cuando nosotros conocimos este problema, media Italia se movilizó: muchos pensadores e intelectuales expresaron su disconformidad y se pusieron de nuestro lado. Imagina un festival pequeño, como Bornasco Festival, todas esas pequeñas realidades están ahora cerradas y nadie ha podido manifestarse en contra o movilizarse.

Un aspecto controvertido en la óptica del festival y por el que trató de imputarse a su director es el del posicionamiento antiprohibicionista –o incluso incentivador, como se decía en los autos judiciales- hacia las drogas blandas, concretamente hacia el Cannabis sativa. Dado que asiste un público joven, incluso infantil –el área Magico Gioco está dedicada en pleno a ellos-, ¿no creéis que banalizar el uso de este tipo de sustancias también pudiera entrañar algún tipo de consecuencias negativas? ¿Por qué abogáis por despenalizar la marihuana y no lo hacéis extensivo al resto de las sustancias consideradas ilícitas?

No hacemos ninguna banalización del consumo de marihuana. El nuestro es un festival antiprohibicionista en el sentido de que cada año ha intentado demostrar como la política de guerra contra las drogas produce efectos nefastos. En Italia, en el último año, con la legislación infame y con la involución del sistema carcelario, han fallecido personas como Stefano Cucchi, Aldo Bianzino o Federico Drovandi. Nunca hemos sugerido o aconsejado a nadie que utilice la marihuana. Hemos hablado de ciertos aspectos terapéuticos de la marihuana, pero nos hemos aliado con una asociación italiana muy importante como Fórum Droghe, que tiene profesores, políticos, estudiosos…todos ellos gente muy seria, por decirlo así. Con ellos hemos intentado hacer comprender como las leyes vigentes en Italia, que son tremendas, producen el efecto contrario: Italia invadida por la cocaína, las drogas duras y la represión, sobre todo en los últimos dos años, se ha reforzado contra los pequeños consumidores. Últimamente en Italia ha aparecido un estudio sobre las acciones antidroga y en el último año se ha producido una disminución enorme de las grandes operaciones contra el crimen organizado, hay mucha menos represión contra el crimen organizado, y en paralelo se ha producido un gran incremento en el arresto de pequeños consumidores. En Italia si llevas cinco gramos, te arrestan automáticamente. Nosotros tenemos una responsabilidad grande. En cada edición, ternemos un encuentro para explicar el daño y la diferencia entre una droga y otra. No se puede promover el uso de una droga en contraposición a otra. Por ejemplo, el año pasado estuvo la Universidad de Padova, que hizo un juego interactivo en el que tu colocabas tu edad, el sexo, el volumen corporal y después podías experimentar a tomar alcohol: una cerveza, dos cervezas…y podías comprobar rápidamente los efectos inmediatos y a largo plazo. Entonces el joven se divertía al tomar cocaína, heroína, alcohol y cuando llegaba a la marihuana, tomaba, tomaba y tomaba y el daño era siempre pequeño. De hecho, con el alcohol –el Friuli es una región que produce vino y donde los niños están acostumbrados a beber alcohol-, ese joven cuando miraba el efecto de tres o cuatro whiskies con cola, no daba crédito a la diferencia entre eso –que en el Friuli puede ser algo normal, de su cultura-, el daño del alcohol y lo que producía la marihuana, la cocaína, el LSD… Por eso debe producirse una explicación antes del mensaje. El mensaje es que cada persona tiene la libertad de decidir en su vida. Después está el aspecto educativo de informar a un joven que no se bromea con estas sustancias.

Los últimos meses han supuesto la adhesión expresa de numerosas figuras de la cultura y artistas que han querido simbolizar su más enérgico apoyo al Asociación Cultural que gestiona el festival, refrendado por varias manifestaciones a pie de calle. ¿Este respaldo popular os ha hecho replantearos la necesidad del cambio de residencia del festival o teníais claro desde aquel manifiesto que emitisteis al finalizar la edición 2009 que el traslado era inexorable por circunstancias que se habían producido previamente o en el propio transcurso del evento?

Más que nosotros, sobre todo el público ha asumido la represión policial. La denuncia que me llegó -así está escrito- es porque yo asumí la defensa de esos consumidores de drogas. Esa es la motivación, porque la consecuencia para nosotros como organizadores vino después. Nosotros asumimos la defensa de todos los extranjeros por ejemplo. Si tú eras negro, te habían detenido 3, 4, 5 veces cada día hasta que te ibas. La marihuana fue un pretexto, el verdadero problema es que no quieren un pueblo multiétnico y extranjeros y en nuestro festival más de la mitad son extranjeros. Ese fue el verdadero problema. Si nosotros como organizadores hubiéramos permanecido en silencio y no protestábamos, ahora podríamos estar allí con subvenciones públicas y con los políticos de nuestra parte. Ese empeño de la organización contra el racismo fue el problema para nosotros. Después del festival solicitamos un encuentro con el jefe de policía, el jefe de la prefectura -que es una institución del gobierno que manda sobre las fuerzas del orden-, pero antes de encontrarnos con estos políticos, llegó la acusación del juez hacia la organización y para mí personalmente porque defender a los consumidores de marihuana significa, para ellos, fomentar su uso. Entendimos que estaba en un punto que no había marcha atrás. Después de eso, sólo podía haberse hecho un festival combativo, poniéndose en contra, pero ese no es el sentido o la filosofía del festival, que no quiere la guerra, quiere una lucha muy intelectual y no física o política. Queríamos salvaguardar este tipo de filosofía y el público que quiere eso, entonces la única solución era salir de allí y buscar un estado más tolerante y donde se pudiera continuar ese camino.

España es, como supongo os habréis percatado, un estado donde la cultura reggae es aún un sector francamente minoritario dentro de lo minoritario, si lo comparamos al volumen de público, atención mediática y ventas que representan, por ejemplo, el hip hop, el pop o el rock. ¿Qué respuesta esperáis obtener de las propuestas culturales que no se restringen a las actuaciones –me refiero a la exitosa Reggae University, los debates sobre temas de carácter social, la proyección de documentales, el espacio rasta, el área sin ánimo de lucro, las exposiciones de arte y fotografía…-? ¿Creéis que el desarrollo del festival puede suponer una piedra de toque para el arraigo de esta cultura en el estado español?

Nosotros creemos que sí. Con la Reggae University, por ejemplo, buena parte del público no era italiano, era extranjero. Reggae University es la quintaesencia de la internacionalidad. En los debates, gran parte del público era de otras naciones. Dependerá del tipo de propuesta que planteemos nosotros, si conseguimos comprender cuales son los temas interesantes para el público español. Nuestro intento de integración es a fondo y estos elementos son fundamentales para repetir el buen éxito que tuvimos en Italia. Por las impresiones que estamos recogiendo, parece que se trata de una sociedad muy viva, con un movimiento juvenil muy fuerte. Yo creo que en Italia en este momento no se puede decir lo mismo: hay un abatimiento cultural tremendo. Por ello, esperamos que España desde este punto de vista se implique para hablar de temas más allá de la música propiamente dicha. A mí me preguntaron, ya que en Benicássim está el FIB, que atrae a 40.000-50.000 personas, ¿tú quieres también que el festival alcance los 40.000-50.000 asistentes? Si 40.000-50.000 personas son de nuestro pueblo, con la filosofía del festival, sería excelente. El riesgo es que haya 10.000, 20.000, 30.000 personas que pagan pero que no tienen esta filosofía. Es un problema, nosotros no queremos eso. Sólo en ese caso, los debates y encuentros pueden no tener éxito, si se tratara de público que está más interesado en beber una cerveza que en escuchar un debate. Entonces, la política y las promociones que estamos llevando a cabo en España son apropiadas para invitar sólo a las personas que nosotros queremos, no a todo el mundo para hacer dinero. Entonces, si hay 10.000 personas buenas, para nosotros será un éxito, mejor que 30.000 o 40.000 personas que están de fiesta. Ese puede ser el riesgo. Fue lo que pasó en Italia: en Italia se venden 2.000 cd´s de reggae en un año y vienen 150.000 personas al festival de reggae. Ya se entiende que no es toda gente que escucha reggae, que vienen al festival por esta filosofía, por este sentido. Y después, hay que comentar que nosotros estamos acostumbrados a tener mucha paciencia, ya sabemos que no vamos a lograr un gran éxito este año, sino en los años posteriores, cuando quien venga este año, vuelva a casa y hable bien del festival. El objetivo no es lograr este año un éxito enorme, sino hacer las cosas bien y de verdad, no para captar público y para ganar dinero. Creemos que poco a poco irá creciendo el público del festival, como ha ocurrido desde hace quince años.

Entiendo que la búsqueda de un lugar que reúna los condicionantes paisajísticos del marco incomparable de Osoppo, habrá sido complicada y, dado que finalmente habéis optado por Benicássim, habrá un sector del público que pueda sentirse defraudado con la elección del emplazamiento. ¿Qué os ha hecho inclinaros por la localidad castellonense en detrimento de otros posibles enclaves? ¿Sondeasteis alguna sede que reuniera similares características a Osoppo?

Buscamos muchas sedes, pero Benicássim disponía del camping más agradable que encontramos en España. Eso es lo que nos ha hecho decantarnos por este sitio. Visitamos Rock in Rio y donde se celebran los grandes festivales y no disponían de atenciones en los campings para que la gente lo pueda pasar bien, con las duchas y demás infraestructura. El único sitio preparado era Benicássim y elegimos este sitio, aunque sin considerarlo necesariamente el definitivo, más bien un primer puerto de aterrizaje para el festival, para que la gente que está acostumbrada a un parque sombreado y agradable como Osoppo al pie de la montaña, no pudiera encontrarse este año un sitio ruin, sin servicios, con baños químicos… Tenemos que pensar que llegan muchas familias con niños, entonces era una responsabilidad que teníamos. También era un sueño de los últimos años traer el festival cerca del mar. El propio nombre del festival, Sunsplash, implica hacer música hasta que el sol asome encima del mar. Entonces si este año vemos el sol levantarse por encima del mar, puede ser la idea del Sunsplash perfecto, como en Jamaica. Y, además, el pueblo está acostumbrado a grandes eventos, lo que también es importante, porque visitamos pueblos pequeños que cuando descubrían que el festival convoca a 150.000 personas, se sentían inquietos y les atemorizaba. Visitamos un pueblo de 80 habitantes y, bromeando, les dijimos que todo el pueblo podría trabajar en el festival. Colocamos el pueblo dentro del festival directamente, porque 80 personas cuando llegan 20.000, desaparecen. El público del Sunsplash requiere de todos los servicios que puede precisar en una semana de vacaciones: sacar dinero de un cajero automático… A veces hemos buscado lugares que estaban alejados de todo y en los que quien no llega con coche, después ¿qué hace? Y si tienen problemas, un hospital está a 30 kilómetros. Eso es importante: que el pueblo está acostumbrado y el año pasado el ayuntamiento de Benicássim regaló la llave de la ciudad al inventor del FIB. En Italia nunca pasó una cosa así, porque los festivales encarnan al demonio, no son para incentivarlos. Por eso me pareció Benicássim el pueblo ideal, porque no teníamos mucho que explicar, ya que saben lo que ocurre cuando llegan muchas personas extranjeras, con policía, para el tráfico… Así que como primer año, elegimos Benicássim por todo eso.

Quien haya asistido a cualquiera de las ediciones celebradas del festival, habrá podido experimentar la sensación de que, al menos durante su celebración y en el entorno del festival, otra sociedad y manera de entender el mundo es posible. ¿Qué relación ha establecido la organización del evento con otros movimientos sociales para producir sinergias de colaboración mutua? ¿Consideráis que el movimiento altermundista se encuentra preparado para plantear propuestas concretas y alternativas reales al neoliberalismo dominante?

Yo pienso que sí, que se puede generalizar. No tenemos la varita mágica, pero seguro que es el único camino que el mundo puede intentar ahora. Ya se demostró que la globalización no funciona, el capitalismo tampoco. Hay una falta de esperanza en la gente joven, que no mira al futuro, que no tiene futuro en ese tipo de organización social. Entonces, la nuestra puede ser una respuesta, un intento. No es seguro, pero puede intentarse. Seguramente pueden ser las bases, como cuando se prepara un postre: tenemos el azúcar, la miel… Aquí tenemos la paz, la tolerancia…esos son los ingredientes para preparar este postre. Para construirlo no existe una regla.

Aunque aún haya gente que se sorprenda: Rototom es un festival que se mantiene en un 90% de lo que recauda en la taquilla, por lo que no precisa de subvenciones de grandes compañías que mediaticen el evento y lo transformen en un canal para la publicitación y comercialización de sus productos. ¿Es esta una decisión unánime que adoptasteis desde el principio? ¿Pese al contexto generalizado de crisis sistémica, puede seguir manteniéndose en activo un proyecto de la magnitud de Rototom de modo autogestionado y autónomo?

Nosotros podemos demostrar que se puede hacer. Ya desde el primer año, la filosofía del festival era muy crítica con las multinacionales, sobre todos con aquellas que trabajan con armas y que explotan al tercer mundo. Entonces, nosotros de primeras no aceptamos el patrocinio de Coca-Cola. Fue un escándalo para la propia Coca-Cola. No daba crédito a que se pudiera rechazar su dinero. La fórmula es buena porque la gente aprecia esto y si tú no obtienes 1.000 de Coca-Cola, obtienes 2.000 del público. Por eso ahora está completamente financiado por el público. El público tiene un sentimiento de apoyar el festival: no pago para escuchar música, pago para que esta realidad exista y se desarrolle. Las multinacionales pueden estar ahora y desaparecer mañana. Nuestro público es muy fiel y aumenta cada año. Entonces pienso que es una fórmula que puede funcionar y puede servir de ejemplo para todos los que quieran aprender el camino. Veo muy positivo que la gente que trabaja en el festival, lo hace por pasión, lo cual te da mucha satisfacción. La gente no trabaja con nosotros por dinero. Del mismo modo que el festival parece una comunidad, nosotros que trabajamos parecemos una familia. Trabajamos por el mismo objetivo, nos gusta estar juntos, compartir y la gente no trabaja en Rototom por dinero, lo que le da otro sentido. Y Rototom es una asociación cultural, cada persona que trabaja con nosotros, no tiene esperanza en ganar dinero, ya que si se genera dinero, la asociación lo devuelve en forma de acciones benéficas, construye escuelas en Jamaica, en Burkina Faso, ayudamos a una escuela en Brasil, compramos una furgoneta en Guinea… Después de trabajar en el festival, queda la parte más divertida: decidir todos juntos a quien devolver este dinero. Entonces, quien se aproxima a la organización, seguro que no lo hace con ánimo de hacerse rico. La gente que no tiene esta filosofía, se aleja sola.

Supongo que el planteamiento de la edición 2010 será análogo al de ediciones anteriores y que mantendréis las relaciones de intercambio que hacían posible que cada escenario y área del festival funcionase bajo la gestión y programación de otra organización, siendo únicamente supervisado por parte de Rototom a cambio de la cesión de dicho espacio a la citada organización. ¿Habéis contactado con locales, organización y asociaciones españolas para llevar a cabo dicha tarea? ¿Cuál ha sido la actitud y receptividad de la escena reggae española –promotores, artistas, comercios, sellos, medios informativos- ante la inminencia del evento?

Por el momento es sólo el inicio, ya que sólo llevamos dos meses o dos meses y medio, pero ya hemos entrado en contacto con un número considerable de asociaciones y movimientos y en muchos casos ha sido la asociación quien nos ha contactado a nosotros. Estamos encontrando una gran atención a nuestras propuestas, que es uno de los hechos que está dando fuerza para trabajar en este periodo, porque es bastante agotador. Pero el apoyo que hemos recibido en la conferencia de prensa, lo estamos sintiendo y parece que España en todos los aspectos es ideal para mantener nuestro discurso.

Aunque la celebración del evento es básicamente la culminación de una labor que conlleva varios meses de preparación minuciosa, me gustaría conocer, a grandes rasgos, cuál es el proceso que transcurre desde la despedida del festival hasta la celebración de la siguiente edición. ¿Cuánta gente se encuentra involucrada tras el festival y cómo os coordináis a nivel interno? ¿Cómo puede alguien integrarse, ya sea como voluntario o como trabajador a sueldo, en el equipo humano del festival?

Comenzamos hace muchísimo y también se está reuniendo a la crew de italianos que están viviendo en España, españoles… En la oficina, por ejemplo, estamos ahora casi 30-35. Cuando tú terminas de contar a la gente que está trabajando, ya ha llegado uno nuevo. Y claramente, con esta mezcla de idiomas –nosotros estamos aprendiendo a hablar español y hay colaboradores que sólo hablan español-, la comunicación es complicada. Estamos intentando poner en marcha un foro interno, distribuyendo correos, pero tenemos que encontrar todavía la fórmula perfecta para coordinarse. La coordinación es bastante simple porque cada persona que se ocupa de un sector, tiene máxima autonomía. No es muy burocrática la organización. Las reglas son siempre las mismas: tolerancia, se puede errar –porque todos erramos-. Cuando estás trabajando, sabes que si yerras, no tiene una consecuencia negativa. No hay nadie que te quiera echar del puesto, porque no es una competición. Es un sitio de trabajo diferente, como el mundo que estamos promoviendo. Hay un respeto hay las tareas específicas que está haciendo el otro, porque todos están dando el máximo de lo que pueden aportar. Implica confianza y respeto. Y después todos se juntan y si él está pensando en un debate y puedo ayudarle, lo ayudo. No está compartimentado: cada persona trabaja en su sector, pero siempre ayudando a los otros en aquello en lo que pueda colaborar.

Desde el festival se hace especial hincapié en la cobertura que se realiza a nivel de medios –incluso a posteriori con la realización de documentales de cada edición- y desde hace algunos años y gracias al acuerdo contraído con Arcoiris TV y Radio Popolare, ha sido posible seguir en directo -vía streaming- el festival incluso a pesar de no hallarse físicamente en el mismo. ¿Mantendréis acuerdos de este tipo en España con medios locales para seguir haciendo posible esta interactividad?

Con Arcoiris también y estamos buscando equipo que quiera trabajar en este proyecto. Por ejemplo, este año vamos a hacer una retransmisión en directo en televisión y radio en tres idiomas: en español, en italiano y en inglés, porque son sensibilidades diferentes. Después del concierto de Alborosie, por ejemplo, puede ser que el periodista italiano encargue la entrevista con Alborosie y el periodista español está más interesado en Morodo y hable con Morodo. Es un concepto más europeo. En el momento en que salimos de Italia, no necesitamos sólo un formato italiano, la idea es abrirlo a más idiomas y a más formas de entender lo que está ocurriendo dentro del festival. De momento está en fase de estudio. Estamos buscando ese equipo español y extranjero que quiera desempeñar este tipo de proyecto.

Me consta que el equipo creativo se encuentra siempre escudriñando alguna novedad de cara a la próxima edición del evento, no únicamente a nivel de artistas que contempla el cartel del escenario principal, sino por ejemplo en la gestión de los residuos, la seguridad del camping, la obtención de la energía en el recinto, los distintos formatos del Reggae Contest o alguna campaña de índole socio-político que tenéis intención de relanzar. Aunque imagino que querréis mantener ciertos aspectos en secreto, ¿podéis revelarnos en exclusiva alguna novedad que vaya a producirse durante el transcurso de la próxima edición?

No tenemos secretos. Aquí, el resultado que queremos obtener es que desaparezcan todos los plásticos: el vaso, el plato, el tenedor serán todos de bioplástico, un material que después de su uso va a alimentar a la tierra. Este es un esfuerzo muy grande para un festival, porque estos materiales cuestan más o menos el doble que el plástico y son más difíciles de conseguir, pero estamos ya trabajando y seguramente vamos a obtener ese resultado. Estamos mejorando también el tema de la energía: menos generadores, menos consumo, menos gasto de carburante, paneles solares…estamos un poco desarrollando esto. Claro que el festival tiene un impacto ambiental muy fuerte y poderoso, no se puede esconder eso, por eso pedimos a la gente la máxima atención para el medio, para no producir contaminación. Y nosotros debemos realizar nuestra parte primero: demostrar que la atención por parte del festival es fuerte y sólo así se puede pedir la misma atención a la gente. Tenemos un sector de medio ambiente que trabaja en estos temas.

Rototom se encuentra entre los festivales a escala mundial que más se preocupan por la problemática ambiental y creo recordar que habéis obtenido algún reconocimiento en este sentido. ¿Qué medidas de prevención y corrección del daño se plantean con la finalidad de minimizar el inevitable impacto que acarrea un evento de las magnitudes de éste que nos ocupa en aras de la sostenibilidad?

Cuando estudiamos el impacto ambiental del festival hace dos años, el resultado fue que la mayoría del impacto negativo era producido por el hecho de que la gente llegaba con coche. Cuando vienen 150.000 personas en 80.000 coches, genera un impacto superior a lo que el festival en sí produce. En Rototom estamos desarrollando también este tema del transporte: si conseguimos que la gente no venga en coche, sino en autobús, en tren…habremos hecho un buen trabajo.

Supongo que el mantenimiento de Rototom Sunsplash en suelo español dependerá, en buena medida, de la respuesta que se obtenga a nivel de público -asistencia-, pero también del trato que se procure a los organizadores por parte de autoridades, fuerzas de seguridad y de la respuesta de los habitantes de la localidad de Benicássim y aledaños, que acogerá el festival. ¿Cuánta gente esperáis que acuda a esta edición? ¿Qué proporción de la misma creéis que provendrá de países distintos a España? ¿Es esta multiculturalidad una de las señas de identidad que caracterizan al festival?

Pienso que el primer año el número de extranjeros superará el número de españoles. Hemos invertido mucho en otros países, como Alemania, Francia, Austria y, sobre todo, Italia. Hasta ahora en la preventa, el primer país en ventas fue Italia, el segundo España. Juntos, Italia y España, representaban un 60%. Es ya un buen inicio, porque se está perfilando el público multiétnico. Si a estas alturas tuviéramos un 80% de italianos o un 80% de españoles, no estaríamos muy contentos. Es un buen indicio del movimiento de extranjeros y también los autobuses que se están organizando en Bélgica, en Francia, en Alemania, en Italia, en Portugal. Es la primera ocasión en que se organizan tantos autobuses.

¿Tenéis constancia del interés, las esperanzas que se están depositando desde la escena reggae nacional en lo que va a suponer el Rototom para España? ¿Se está notando el cariño? Es decir, cuando tienes esperanza en algo, te ilusionas y también intentas implicarte. ¿Se están acercando promotores, bandas, sound systems…para ayudar, no para pedir?

Mitad y mitad. El primer impacto fue un poco de sorpresa y muchos promotores locales tenían miedo de que con una organización grande, íbamos a echar por tierra el trabajo de todos: ahora trabaja sólo el Rototom y para nosotros no queda espacio. Durante dos o tres meses fuimos encontrándonos con todos los promotores y proponiéndoles trabajar con nosotros. En el primer momento, fue un poco extraño para ellos oír eso, porque están acostumbrados a que la organización de los grandes festivales sean tan cerrada. Ahora que lo han entendido bien, no sólo queremos, sino que necesitamos del trabajo de todos. Se están alcanzando varias propuestas con promotores que quieren hacer cosas. Hemos visto también con el Reggae Contest que este año tenemos ya una comunidad de promotores que se está formando. Entonces, lo que queremos es llevar a cabo iniciativas conjuntas con el movimiento reggae español. Nosotros somos ya una comunidad, como se hablaba antes, una red de varios apasionados que se unen para hacer el festival. De igual modo, queremos que los promotores españoles se puedan integrar en la estructura del festival y hacer cosas juntos. El festival no es un evento italiano que quiere desarrollarse en España, sino que quiere alimentar y hacer crecer un festival español. Yo diría que no es muy difícil, porque todas las personas que estamos encontrando que trabajan en el reggae, no trabajan por dinero, con lo cual todos son apasionados de la música y creen en los mismos ideales y valores que tenemos. Así es más fácil encontrar un acuerdo y espacio para todos. La gente que se aproxima al Rototom, no pide dinero, quiere colaborar, quiere hacer cosas. También el hecho de que existan muchos promotores, muchos activistas del reggae en España, transmite la idea de que España puede, en el movimiento europeo, ser una de las escenas que se está formando y sorprenderá mucho con lo que puede mostrar. Un hecho que no habíamos considerado y que fue una agradable sorpresa, es que esta es la puerta de Europa hacia Sudamérica. Es un hecho que no se considera en Alemania o en Italia, se piensa sólo en Europa. La primera vez yo no contemplaba esa posibilidad: unir Europa con Jamaica y Sudamérica. Este país, España, tienen un valor mayor, una posibilidad que no tienen otros países: la idea de un movimiento reggae mundial conectado.

Texto: Larry ACR

En este país tenemos por hábito pernicioso denostar el producto con denominación de origen nacional por el simple hecho de serlo, sin cuestionarnos la autenticidad u originalidad de la propuesta. Con Jah Macetas la historia vuelve a ser recurrente y rara vez alguien les ha reconocido su papel como “semilla” plantada en Valencia para solaz de los devotos del reggae, ese estilo que suscita estas líneas y que ha conseguido que el que las suscribe se sintiera en su momento tentado a descubrir. Al César lo que es del César y a los pioneros del reggae patrio, el reconocimiento y nuestra reverencia. Que menos.

Comencemos por el principio: en 1982 España se encuentra inmersa de lleno en un largo proceso de transición democrática, social y cultural aún por cristalizar, ¿qué motivaciones le hacen a uno embarcarse en un proyecto de reggae tan aparentemente vanguardista y osado como los entonces conocidos como Julio Fari y sus Macetas?

Bob Marley había muerto en 1981 y el pop español no ofrecía conceptos reggae, quizás por desconocimiento del género entre los que se dedicaban a la música, ya que el reggae ha entrado tarde en el estado español. Apropiarse del reggae en castellano, como ya se hiciera con el rock y otras expresiones musicales, era un buen objetivo musical.

Las dos formaciones pioneras en la península, Potato y Jah Macetas, os caracterizabais principalmente como conjuntos versionadores del influjo cultural antillano, en vuestro caso concreto adoptando riddims de Studio 1 para atraerlos a vuestro terreno aportando la nota distintiva mediante la lírica. ¿En qué momento os percatasteis de que dejabais de etiquetaros como tales para aportar vuestra genuina visión del estilo?

Nosotros comenzamos tanto con temas propios, como con adaptaciones de temas conocidos con letras en castellano. También incluíamos versiones de Bob Marley principalmente, junto a alguna de Burning Spear. Nuestra aportación al estilo es afrontar la musicalidad y el mensaje en castellano y quizás el tempo propio de ser de donde somos. Poco a poco fuimos incorporando riddims jamaicanos de Studio 1.

En un recorrido por vuestra trayectoria musical, puede deducirse que la celebración de Las Fallas, como acontecimiento que conmociona Valencia anualmente, ha venido marcando vuestra existencia, desde vuestra formación ex profeso para actuar en 1982, hasta ese bizarro álbum que responde al título “Fallas 98 Dub Explosión”, donde recreasteis temas archiconocidos del imaginario popular en clave de reggae. ¿No creéis que dichos festejos estereotipan la imagen del valenciano de puertas afuera?

Pura coincidencia en cercanía de fechas. La primera actuación fue en el Politécnico, no ambiente fallero precisamente. Aunque hemos tocado algún año para algún casal fallero, no ha sido época de mucho trabajo. Las Fallas están sobredimensionadas actualmente y su gestión escapa de nuestra realidad. Fallas, toros, fútbol, Fórmula 1, Copa América, rasta, etc. demasiados estereotipos para todos los gustos sin ser de ninguna parte.

Una debilidad personal si me lo permitís, “Dime” es una preciosa melodía que llora la pérdida de un ser amado y que consigue poner la piel de gallina desde que afloran los primeros acordes hasta que se va disipando la canción. ¿Dónde y por qué se marchó aquella chica jurando al viento no volver?

Esta pregunta es para Pere Andrés más que para mí, ya que la adaptación de la letra es suya (Nde: La canción original corresponde al tema “Lady”, registrado por el vocalista jamaicano Otis Gayle para Studio 1 en la década de los setenta).

Una de las grandes incógnitas aún por despejar del entorno de Jah Macetas fue aquel álbum de 1994 nombrado “Alma Rebelde” de Ras La Tribu que, por desavenencias con cierta compañía discográfica, ha quedado inédito hasta la fecha. ¿Qué músicos se encontraban inmersos en aquel proyecto, qué relación guardaba con Jah Macetas y qué ocurrió para que aquel trabajo no viera la luz?

También debiera responder Pere. Por mi parte, desconozco detalles. Ras la Tribu fue el proyecto de Pere Andrés tras decidir abandonar el proyecto de Jah Macetas. Algunos músicos eran, por supuesto, “ex Macetas”.

A raíz de alguna conversación mantenida previamente contigo pude constatar que una de las experiencias que han supuesto un punto de inflexión en vuestro bagaje como músicos fue la grabación en compañía de Los Naturals en la sede neoyorquina del Studio 1 de Clement “Coxsone” Dodd. ¿Quién os planteó la posibilidad y cómo os sufragasteis el viaje? ¿Podrías comentarnos la anécdota aquella del pago por la grabación de sus solos al skatalite Rolando Alphonso?

No fue para tanto, ya que el trabajo lo habíamos hecho ya en Valencia con Rafa Villalba, Alberto Tarín y Jesús Gabaldón. Gracias a Miguel Jiménez, mánager de Seguridad Social, las gestiones con Warner y Dro nos llevaron a Nueva York y a Coxsone. El viaje lo pagó la compañía. Aunque conozco la supuesta anécdota, no puedo contarla porque no la viví yo.

La portada del larga duración “Clásicos del Reggae Vol.1” recoge una instantánea del dictador Francisco Franco con su homónimo el emperador etíope Haile Selassie I, mientras el libreto interior se encuentra salpicado por recortes de prensa de la visita que dicho mandatario realizó a la ciudad del Turia en 1971. ¿Por qué os dio por investigar la llegada de Selassie? ¿Qué curiosidades hallasteis en dicha pesquisa?

Haile Selassie vino como intermediario del Banco Mundial. Estuvo visitando el Santo Cáliz en la catedral y presidió el Tribunal de las Aguas de Valencia.

Mi primera aproximación al género dub fue a través de una copia que encontré en una conocida cadena de establecimientos de música desaparecida de vuestro álbum de 1997 “Dub Incorrupto”. A veces me da la sensación de que, con todos mis respetos, os habéis lanzado en proyectos suicidas adelantándoos a vuestro tiempo. ¿No habéis tenido en algún momento de vuestra trayectoria esa sensación de encontraros predicando en tierra de nadie?

A fecha de hoy el mensaje es el mismo y la música también.

Tras la evolución, tanto a nivel musical como personal, percibida en buena parte de los miembros que entonces figurabais en Jah Macetas y en la actualidad os encontráis involucrados en proyectos como Alberto Tarín Jazzin´ Reggae o Lepanto Rockers, ¿qué necesidad había de “resucitar el cadáver”? ¿Nostalgia por tiempos pasados o afán por explicar los orígenes a quienes hoy se sienten tentados por el reggae? ¿Por qué no habéis contado con la participación de los vocalistas Pere Andrés o Carlos Mandievus?

A petición de Bernardo, el nuevo cantante, decido “resucitar el cadáver” como tú lo denominas, muerto aún ganaba alguna batalla y al contar con sangre joven y nueva dispuesta a cantar y a responder en escena, la tarea es más fácil. Hemos contactado con Pere Andrés, quién ha confirmado su presencia y más que posible colaboración en el concierto (ya celebrado hace meses) y con Carlos Aleixandre, quién no ha contestado todavía.

Un hecho que suele percibirse del reggae es que jamás consigue desligarse del manido tópico de la playita, los spliffs y Bob Marley. En tanto que responsables de traducir al castellano buena parte de su lírica, ¿cuándo nos sacudiremos de encima el tópico y superaremos el “stage Marley”, para descubrir que hubo vida más allá de…?

Cada uno decide lo que disfruta de cada cosa que vive.

Texto: Larry ACR
Texto aparecido originalmente en A Little Beat

“Si no has oído hablar sobre Stereotone, te digo que es el sonido campeón, es quien controla cada sesión, te digo: no vas a parar.” Así rezan los versos de uno de los dubplates del sound system decano del panorama valenciano por obra de su cantante Queen Smiley. Lo cierto es que su décimo aniversario nos parecía una excusa idónea para realizar en su compañía un repaso a su longeva trayectoria, trufada de sesiones –como las que semanalmente desarrollan en Turmix Club-, ediciones de mixtapes y 7” -demasiadas para listarlas en tan breve espacio- y promoción denodada de la música jamaicana de raíz, sea a través de escritos, programas de radio o promoviendo actuaciones de figuras jamaicanas de primera fila. Nuestro respeto y reconocimiento por el “Matador Sound” y brindemos por otra decenita de actividad en pro de la “jamaicanización” de Valencia.

Según exponéis en la biografía que figura en vuestro myspace, Stereotone es concebido en un principio como colectivo de agitación que realiza artículos en medios escritos y emite varios programas de radio, bastante antes de lanzaros con el sound system. ¿Por qué os aventurasteis en un proyecto tan aparentemente arriesgado como la revista Rapapolvos, cómo os organizabais para editarla y qué respuesta obtuvisteis con ella de un público entonces bastante neófito?

Bueno, Rapapolvos hip hop-reggae magazine nació básicamente por la falta de información de este tipo de música en castellano y fue única y exclusivamente por la inquietud de Fandós “Elefan” Martínez, miembro fundador de Stereotone. En su momento no fue arriesgado, este tipo de proyecto lo haces porque disfrutas. La tirada de la revista se agotaba siempre. Nosotros, Carlos “Neetee” y Luís “Greetee”, nos empezamos a encargar de la sección reggae a partir, creo, del número 10: entrevistas, actualidad, reviews, oldies, etc. Fandós se encargaba de todo lo demás: dancehall, hip hop -junto con otros fenómenos como el gran Sergio Copa ó Carlos “Zock”-, la maquetación, la publicidad, coordinación, etc. Fuimos la primera revista en España que hizo de puente entre el reggae y el hip hop. La respuesta de la gente fue muy buena en ese momento de falta de información. Ahora todo está en la red y todo se puede hacer desde y a través de ella.

Aunque supongo que mucha gente conoce el dato biográfico, aún los habrá que no estén al tanto de que Stereotone más que un colectivo de amigos con afinidades en común, es una familia en toda regla, con sus relaciones de parentesco fraternales o conyugales, con lo que se puede decir que el reggae lo habéis “mamado” en casa. ¿Quién conoció la música jamaicana en primer lugar y cómo os fuiste inoculando el “virus” los unos a los otros?

En casa, al principio de la década de los ochenta, mi hermano mayor tenía discos de Marley y ese fue nuestro primer contacto con el reggae. Bassie, que es el quinto de cinco hermanos y cinco años más joven que Carlos y yo, siguió mamando esta música. Fandós venía de la escena hip hop de finales de los ochenta. Cuando empezó con la publicación de Rapapolvos, contactamos con él, ambos teníamos programas de radio en diferentes emisoras, nos conocimos y enseguida empezamos a trabajar juntos. Aprendimos mucho todos juntos.

Hace un tiempo os involucrasteis en un proyecto que produjo cierto resquemor en una parte apreciable y sustancial de la escena valenciana. Me refiero al evento “25 años de reggae en Valencia”, que nadie entendió muy bien de donde tomaba la fecha de partida. ¿A cuándo se remontan vuestros primeros recuerdos de música jamaicana en Valencia? ¿En qué medida os relacionabais con lo que se estaba llevando a cabo en otros enclaves peninsulares?

No tuvimos nada que ver en el “25 años de reggae en Valencia”. La producción no era nuestra, fuimos a trabajar cobrando nuestro caché. Además, pensamos que fue un gran concierto. En cuanto a los primeros pasos de la escena reggae en Valencia, Jah Macetas fueron los pioneros mediados de los ochenta. Recuerdo cada concierto con especial cariño. El primer jamaicano que vino a Valencia fue Pablo Moses. Luego siguió una fértil época de conciertos durante los noventa. Nacieron los Naturals, el programa de radio La Hora Rasta en Radio Color, Radio Klara, la tienda de reggae Negril, fanzines como Onda Jamaicana, L’Horta Rasta, etc. Había cierta efervescencia en la escena reggae de Valencia. Nosotros a nivel estatal teníamos conocimiento y contacto por supuesto con Barcelona (Ragna -ReggaeShack-, fanzines como FBI, radios como Sound System Fm, etc.) y, claro, la escena de Bilbao (la crew de Massive -Iñaki, Jaime, Xabi, Yosu-). Cada viaje a Bilbao era como visitar el oráculo o algo así. También Málaga, donde todavía emite el programa más antiguo de reggae en el estado español, dirigido por nuestro amigo Gaspar García en Radio Mijas. Mientras, en esos años la escena madrileña despertaba con Desakato Dadá y Malarians.

Si algo ha distinguido, a mi parecer, a Stereotone del resto de sound systems que circulan en el estado, es que siempre os habéis preocupado de sentar bien los cimientos y conocer en profundidad la raíz de la música jamaicana foundation, antes de lanzaros a inspeccionar los riddims recién salidos del horno. ¿No consideráis que aún falta mucho arraigo de la cultura jamaicana para que pueda edificarse con solidez una escena en el estado español como ocurre en Italia, Francia o Reino Unido?

El problema básicamente es el idioma. España tiene el hándicap de ser el país de Europa donde menos se utiliza el inglés, por lo tanto, el arraigo de una cultura como la jamaicana, con lo que eso conlleva, es muy difícil. La escena francesa, como la italiana, no son comparables a la nuestra y jamás nuestra escena tendrá la solidez de la del Reino Unido, porque, como todo el mundo sabe, Jamaica era una colonia de Reino Unido. Hay otros países europeos en que en menos años sus escenas se han consolidado. Hay que ser real, tenemos el nivel acorde a un país como el nuestro. Si queremos consolidar la escena, primero tendrá que haber una escena local de artistas, productores, sounds, festivales, salas y reggae en castellano fuerte, que realmente no la hay. Hay talento y gente haciendo cosas muy importantes e interesantes, pero no llega a tener el peso que tiene el hip hop por ejemplo.

De ser uno de los sound systems más activos hace unos años en la ciudad, tomando parte en clashes y fiestas de todo tipo, de un tiempo a esta parte hemos percibido un descenso en la intensidad en la actividad pública de Stereotone. ¿Ya no os sentís parte de esa escena que antes os consideraba pioneros como sound system? ¿A qué debemos este periodo de menor visibilidad?

Seguimos sintiéndonos parte de esta escena. Somos parte de ella, por supuesto. Tenemos una residencia cada miércoles en el Turmix Club del barrio del Carmen en Valencia desde hace dos años que es un éxito de publico. Además, colaboramos en programas de radio, está en proyecto el Stereotone Radio Show y ahora estamos produciendo ritmos. Bassie, que es un hombre 24/7/365, tiene su proyecto Salsamuffin All Stars -con el Sargento García- girando por medio mundo y aportando su parte de reggae a este proyecto sin fronteras, Fandos es papá, Carlos también va a serlo. En fin, parados no estamos, seguimos invirtiendo en futuro. En cuanto a las apariciones públicas que tú dices (sesiones, clashes, etc.), el equilibrio entre inversiones y remuneraciones en este negocio no se sostiene. Nadie gana dinero con esto y si cuando te llaman, pides el caché que tú piensas que mereces y no te lo pagan, pues mejor te quedas por tu ciudad y tan amigos. Ahora hay mucha gente que quiere pinchar y muy buena, pero para ir al clash o a una sesión, tiene que compensarte y mantener el nivel frenético que lleva la producción de reggae, es muy difícil. Creo que la gente sabe lo que podemos ofrecer a estas alturas, eso de viajar por los gastos es para gente más joven que quiere darse a conocer. De todas formas, la actividad de sound sytems a nivel estatal fuera de su zona de influencia es menor. Además, está el recurrente tema de la crisis, ya no hay festivales apenas, han cerrado salas que antes apostaban por el reggae, etc.

Para ser fieles a la realidad, aunque estos días conmemoréis vuestro décimo aniversario en escena, el colectivo lleva algunos añitos más difundiendo los sonidos jamaicanos, promoviendo sesiones y actuaciones, editando mixtapes y vinilos y alborotando, en el mejor sentido del término, el panorama valenciano de reggae. Por hacer balance de este periodo, ¿de qué proyecto/s os sentís particularmente orgullosos y cuál/es evitaríais repetir si se plantease la oportunidad de nuevo?

Hay que sentirse orgulloso de cada cosa que haces o cada proyecto que empiezas, si no, no tiene sentido. Hemos hecho de todo, prensa, radio, producción musical, sound system, producción de conciertos. De lo que más orgullosos estamos es que Stereotone es una familia, nos entendemos perfectamente. Mucha gente que empezó cuando nosotros, se quedaron por el camino por desavenencias o porque se cansaron. No es nuestro caso.

Una de vuestras últimas apuestas estratégicas, que se suma al habitual plantel de vocalistas que han acompañado al sound en directo (Supa Bassie, Queen Smiley, Dodo Ashanti, Ital Erik, Carlos Mandievus, Daddy Maza,…), es Kinky Bwoy, cuya propuesta es una combinación de flamenco y reggae, una mezcla poco explorada hasta la fecha en la piel de toro. ¿Cómo entablasteis relación con él y qué visteis en él que os hizo vislumbrar su proyección artística?

El Kinky es un habitual de las sesiones de Stereotone y forma parte de la Sensi Star Crew. El flamenco lo lleva en la sangre, pero el reggae y la ganja cambiaron su vida. Con el potencial que tiene, tan sólo necesita una producción a la altura de su nivel lírico y artístico. Tiene muchas ganas de aprender y no hay que ser muy listo para darse cuenta de las posibilidades que este muchacho tiene. Creo que ha firmado algo importante, estad atentos.

Me gustaría conocer cómo os posicionáis vosotros respecto a un tema que está levantando cierta polvareda más allá del ámbito de la música jamaicana y me refiero concretamente a la homofobia. ¿Creéis que se está cometiendo el error de incriminar la escena en su conjunto o deben perseguirse y condenarse las actitudes intolerantes presentes en el reggae, léase sexismo, homofobia o racismo?

Hablamos del arraigo de una cultura como la jamaicana en España, pero criticamos ciertas actitudes que están presentes en el reggae, que es como decir en la sociedad jamaicana. El síndrome colonizador de Cristóbal Colón nos perseguirá siempre. Hay que dejar de pensar que todo el mundo está por civilizar menos nosotros, primero mirémonos el ombligo: en España también hay sexismo, racismo y homofobia y no poca. Con la misma actitud, debemos posicionarnos contra la caverna casposa que padecemos y la tenemos asumida como algo intrínseco de una parte de nuestra sociedad. Nosotros aceptamos esta cultura tal y como es, utilizamos todo lo bueno que tiene para cambiar la nuestra.

Texto: Larry ACR
Texto aparecido originalmente en A Little Beat

Estuvimos con David Rodigan en el Jamrock mientras la selección musical del gran Ranking Rick se colaba por la habitación donde realizabamos esta entrevista… Empezamos cantando a coro con Rodigan el tema “Don’t Stay Away” de Phyllis Dillon.

Es conocida tu admiración por Phyllis Dillon y sobre todo que nadie más tiene un dubplate de ella… ¿Como fue tu relación con ella? ¿Como la conociste?

Ella es una de mis cantantes jamaicanas favoritas de todos los tiempos.

Phyllis Dillon para mí fue la reina del Rocksteady. Con el tiempo la conocí en Londres y la primera vez que quedé con ella, le entregué una foto que yo tenía de ella en Treasure Isle…
 Esta foto la encontré en Treasure Isle en Enero 1979. Yo estaba arriba en el estudio, Errol Brown era el ingeniero, Mikey Dread estaba grabando una versión DJ del “Steep out of Babylon”, Marcia Griffits estaba allí… y en el suelo detrás de una mesa en una parte del estudio, había como un papel doblado, parecía una foto… era Phyllis Dillon en pantalones muy cortos en el estudio. Le dije a Errol Brown “esto está en el suelo y lleva aquí muchos años ¿me lo puedo llevar?” Y me dijo que si.

Hice una copia y cuando se la entregué a Phyllis Dillon le faltó poco para llorar. 
Phyllis sabía que yo era un gran fan de ella. Yo iba diciendo por donde iba que buscaba alguien que la sacara de su retiro, porque ella estaba retirada! Trabajaba en un banco en Nueva York…
 Y finalmente volvió a Inglaterra y me dijo “la razón por la que estoy aquí es por ti Rodigan, porque todo el mundo me dice que vas diciendo que tendría que venir a hacer un concierto a Inglaterra” Hizo el concierto en Inglaterra y lo reventó!

Unos años después le pregunté, si podía hacer algún special para mi y me dijo “tu sabes que yo no hago specials” y le dije “lo sé pero te lo tengo que decir” y me dijo “sabes que no hago specials para nadie, pero haré un special por ti…” hizo el special “One Life to life” (One Sound to Kill).

Suena de los platos de Ranking Rick, el tema de Stranger Cole and Patsy Todd  “When I Call Your Name” y David no puede evitar cantar y nos comenta…

Yo crecí cuando estos temas se grababan y los compraba…Trabajaba en un supermercado, tenía que hacer la limpieza, los trabajos sucios y con lo que ganaba me iba todos los sábados por la mañana a la tienda de discos de mi barrio, a escuchar y comprar lo que podía. Luego me iba a casa, me sentaba en mi habitación y escuchaba estas canciones una y otra vez y otra vez y otra vez… entonces hacía de Sherlock Holmes investigando, Buster… Benny o Bunny Lee, lo ponía junto como un jeroglífico, porque no había internet, no había nada! Nada! Sólo el vinilo, ibas viendo los vinilos nuevos que iban saliendo, pensabas este suena diferente a este, este suena igual que este aaah, pues estará grabado en el mismo estudio… Brentford Road aaah! Y estos que suenan diferente a estos otros? Ah! esto es Treasure Isle y empezabas a buscar.

Y si, yo fui muy afortunado de vivir esa época, era cuando “My Boy Lollipop” fue número uno del top ten en el 1964… fue una de las primeras canciones que yo escuché, después “Phoenix City”, “Oh Caroline”,…

Y debo decir que ahora estamos aquí en Barcelona y Ranking Rick está pinchando esta clase de discos en la sala de fuera y antes estaba allí fuera escuchando. He subido a presentarme y darle las gracias por la música que estaba pinchando… y me dice ”sólo pincho Treasure Isle y estoy preparando un libro sobre Arthur Reid” (cara de sorpresa y admiración) y me enseñó los vinilos “son todos originales!” y esto me gusta.
 Yo conocí a la mujer de Duke Reid, mi mujer vivió un tiempo en la casa de la mujer de Duke Reid, antes de casarnos, que ya llevamos 30 años juntos… Ella era la duquesa ,The Dutches, una mujer adorable!

Nos has contado como ibas descubriendo artistas, estudios,… pero ¿Como fueron tus primeros contacto con la música jamaicana?

Yo era un chico joven en un pueblo cerca de Oxford, donde había una pequeña comunidad jamaicana y al principio de los sesenta la música jamaicana empezó a ser popular entre los jóvenes ingleses. Blue Beat, Ska era la música de los Mods y yo era un joven Mod. También estaban The Who con “My Generation”, Prince Buster era el rey, los Wailers con su nueva banda, Skatalites la banda más grande y bailábamos esta música… No había internet, ni teléfonos móviles, la vida era simple! Había fútbol, música y chicas.

Me volví adicto, era como una adicción sin cura… no sabría describirte los sentimientos… Es como si tienes una fiebre y no hay antídoto, la fiebre del Reggae, es una fiebre! y tienes que vivir con ella, no te la puedes quitar, yo no puedo…

Cuando cambió del Ska al Rocksteady y después al Reggae me fascinaban todos estos cambios…

Tu que has vivido tantos cambios de estilo en el Reggae ¿Como ves la música que viene de Jamaica actualmente?

Tengo que añadir que; creo que la música desde hace un año esta yendo a lo peor. Estoy muy desilusionado por la falta de calidad de la música jamaicana en este momento, este tipo de Hip Hop barato, intento patéticos de hacer electro, R&B sin sentido…

Si alguien nos leé en Jamaica, levantaos!! Como decía Dennis Alcapone “Wake up Jamaica!!” Por favor, queremos Reggae otra vez ¿Os acordáis del Reggae? Viene de Jamaica, esto es lo que queremos que venga de Jamaica, Reggae!

Estas canciones que está pinchando Ranking Rick, estos artistas, no hacían estos temas por dinero. Los Abyssinians no hicieron “Satta Massagana” o “Declaration of Rights” para ganar dinero. Bernad Collins y los hermanos Manning, cantaron esas canciones porque absolutamente tenían que cantarlas. Esta es la diferencia, las sentían, las tenían en el alma, tenían que sacarlas, es lo que yo creo y lo puedes escuchar en su música.

Nadie esperaba una gran bolsa de dinero, es arte y el arte no va sobre dinero y nunca irá porque puedes ganar dinero con el arte, pero si te metes en el arte solo para hacer dinero, en mi opinión creo que no es una buena razón.
 El camino que llevan ahora solo es dinero, dinero, dolares y este es el agujero en el Donut. El agujero en el alma de la música, es un gran agujero en el alma de la música.

Mientras suena “Rogher than rough” de Stranger Cole nos comenta…

Si!! He sido muy afortunado, ir a Jamaica en esos tiempos. Ir a Orange Street, conocer a Prince Buster, Bunny Wailer, ir a Channel One, ir a King Tubbys sentarte con King Tubby y grabar dubplates… cuando estaba allí pensaba ¿esto me está pasando?

Para mí uno de los momentos más grandes fue cuando estaba subiendo las escaleras de Island Records en Londres y Bob Marley bajaba… Pensé es Bob Marley! Me presenté, era un viernes y el acababa de volver de dar un concierto en las celebraciones de la independencia en Zimbawe. Sólo había hecho una parada en Londres antes de volver a Jamaica y nadie lo sabía. 
Y le dije “¿quieres venir a mi programa de radio? por favor” Miró a su amigo y asintió…

Yo no lo me creía! Entonces me dice” ¿David quieres venir un momento a escuchar algo?” ¿Yo a escuchar una algo tuyo? “ y entonces me llevó a una habitación como está. Estábamos Bob, Family Man y yo. Bob puso un cinta de una pre grabación y yo me quedé con la boca abierta escuchando y Bob me dijo “¿Rodigan, que piensas de la mezcla? ¿Está bien, que te parece?”

Estaba como que no me lo creía, estoy en una habitación en Island Records con Bob Marley preguntándome que pienso de la mezcla… y le dije “suena bien, es una buena mezcla estéreo”. Me dijo “¿como crees que sonaría esto por la radio? Y le dije “suena bien” y dijo ”ok lo tendrás mañana para que lo pongas en exclusiva mundial en tu programa de Radio.”

Al día siguiente al final de la entrevista en mi programa yo estaba muy nervioso, era el artista del momento y la canción era “Could you be Loved” y fue un momento increíble!

Y la primera vez que vi a los Wailers fue en uno de los primeros conciertos cuando vinieron a hacer el Burning Tour, en el primer tour por Inglaterra. Tocaban en un Pub en Londres y saliendo del increíble concierto, iba por la calle y de pronto vi una nube de humo y Bob estaba al final del porro… Le di la mano y se metió en un coche, dijo ”Me tengo que ir”. El coche paró abajo de la calle Palace, se bajo la ventanilla y me dijo adiós con la mano. Me saludo… no se, yo me quedé atónito, Bob Marley me está saludando. La cosa ya no podía ir a mejor! eso fue en 1973

He tenido mucha suerte, estuve con Prince Buster y le dije “se que no grabas dubplates pero te lo voy a pedir” y me dijo “no, nunca grabo dubplates” pero grabamos “Gost Dance” un dubplate que no pincho mucho y puede que pinche esta noche (que lo pinchó) y lo puse con Stone Love, Bodyguard y Killamanjaro. Y el otro dubplate que grabé fue el “Hard man fe dead”, un tema de Ska.

Aprovechamos para preguntarle por el estado de salud de Prince Buster, ya que se sabe que ha tenido problemas de salud últimamente y nos cuenta que empieza a sentirse mejor…

Que clashes de los que has participado tienes mejor recuerdo?

Los clashes más excitantes para mi fueron tres. Con Barry G en la radio en Jamaica en 1985, con Killamanjaro en Nueva York en 1997, en Long Island y en 1993 contra King Waggy Tee (Selektor Chino) en Miami. Habían 3000 personas en ese Clash.

También un clash con Stone Love hace 3 años, fue un gran clash! Bodyguard 1991 en May Pen, fue el primer gran Sound System clash jamaicano en el que yo participaba y todo el mundo me decía “¡tu estas loco, vas a la linea de fuego. Vas a casa de Bodyguard, en May Pen. Son el número uno, todo el mundo está con ellos allí, son imparables!” Me dieron una buena bienvenida, fue un gran baile, hubo mucha gente!

Otro Clash muy famoso fue en 1986 en Jamaica, en Santa Elisabeth, en la montaña, contra Barry Gordon. Pinchábamos en un establo de vacas en el medio del campo, todo el mundo estaba bailando en los campos y cuando ya salía el sol había mucha gente borracha tirada por los campos.

Yo y Barry G pinchando discos en el establo de vacas y la gente bailando fuera, increíble!

Como te sientes siendo un blanco compitiendo frente a un jamaicano con el público casi en su totalidad negro y/o jamaicano?

Claro, eso es bastante complicado… recuerdo el primer show en Kingston con Barry G en el New Kingston, Driving Cinema. Cuando subí al escenario, la gente se me quedó mirando y diciendo “es blanco! es blanco!” Jeje… pero la verdad los jamaicanos me han dado mucho amor. Cuando ven que de verdad amas su música, te reciben con los brazos abiertos, se sienten orgullosos.

Que dubplates destacarías de los que has grabado?

“Dubplates playing inna di Ghetto” de Johnny Osbourne es muy especial para mí, por como suena también…

“Don’t Fuss nor Fight tanananana nana” Barrington Levy es muy especial también para mí. Este fue grabado en 1979, era un temazo en Jamaica… y me recuerda la sesión de grabación con Barrington… Es un cantante increíble, muy buenos tonos de voz, tonos muy cuidados… calidad.

Y el famoso dubplate de Tenor Saw, como surgió?

Este fue grabado en 1986. Volvía de Jamaica, estaba en la radio un sábado por la noche y había un hombre sentado. Eran las ocho y me dice el hombre de seguridad que ese hombre quiere hablar conmigo. Lo saludo y me dijo “Hola soy Duckie, he venido de Nueva York sólo para contratarte para un clash con Barry Gordon. Dime tu precio” yo pensé que estaba loco!

Esto era diciembre del 85 y tuve que ir a Jamaica para prepararme para el clash. Allí estábamos los dos, Barry Gordon y yo grabando para el Clash en Nueva York. Al volver a Londres, Tenor Saw llegaba también y le hablé del clash, le dije que necesitaba un especial y sabía que el casi no grababa especials… y me dijo “vale, no hay problema, pero no quiero faltar al respeto a Barry G, ni insultarle, ni nada de ese estilo” y así lo hizo. Sobre el “tick-a-tick-a-tock riddim”, lo grabó en una sola toma! me quedé alucinado. Este fue un gran clash, increíble!

Super Cat dijo que había estado entre la audiencia del clash. Tiger y Chaka Demus actuaban también como nuevos artistas… gran noche.

Barry G y yo estábamos muy nerviosos al principio, eramos jóvenes, ya sabes…

¿que diferencias hay en tus sesiones de antes en vinilo y actualmente en CD? Si las hay…

Es lo mismo en verdad, como mi hijo me dice ”papa, es una experiencia auditiva, lo que importa es que suene bien” pero para mí hay algo en el acetato, el dubplate, el vinilo…

Mira, Ranking Rick está pinchando Treasure Isle originales… Es esto, recuerdas la grabación, cuando ibas a la grabación… Cada uno tiene un lugar especial en mi corazón. Pero la verdad es que es mucho más práctico, cuando tienes que viajar y hacer sets como el de hoy, llevar CDs. Aún no he probado el Serato pero no lo descarto… Puedo llevar mucha más música que en vinilo y pesa menos.

Pero tengo en casa una habitación doble llena de vinilos por todos lados, el vinilo lo es todo para mi…

Destacanos cuales serían tus temas o albunes preferidos?

Hay muchas por supuesto, pero “Rocksteady” de Alton Ellis es muy especial para mÍ por obvias razones… Yo continuo diciendo y diré que Alton Ellis es probablemente uno de los cantantes más grandes de la historia. Tuve el privilegio de conocerle y llegamos a ser muy buenos amigos, hablábamos muy a menudo. Lo respetaba mucho, era una persona con mucha alma, muy amable y eso se reflejaba en su música.

Grabaciones de Alton Ellis, de Bob Andy, de los Abbysinians. Su Lp “Declaration of rights” es uno de mis discos favoritos. “Black Heart Man” de Bunny Wailer con temas como “Fig Tree” es un álbum muy bonito también. Bunny Wailer lo considero un gran amigo, es un hombre con un gran amor y pasión por la música.

Prince Buster obviamente es un icono para mí. Lo respetaba mucho antes de conocerlo y lo respeto más desde que lo conozco. Porque era todo eso y mucho más. No se vendió en ningún momento, nunca trato de reinventarse, siempre fue lo que fue y lo que hizo es lo que hizo y fue único. Buster fue capaz de dar algo especial a la música, como cantante y como catalizador, permitiendo que las cosas pasaran en todos los discos que grabó.

Volviendo a la pregunta, Bob Andy “My time” y “Feeling Soul”. Obviamente Bob Marley, Bunny y Peter… “Dancind Mood” de Delroy Wilson es otro de mis discos favoritos de siempre. Era verano del 67… Este disco tiene todo lo que es bonito de la música, coros, buenos riddims, bonitos arreglos…

Bitty McLean es también responsable, creo yo, de estar reinventando esta música. En el sentido que está llegando a la raiz del tema y esto es originalmente lo que era. Melodías que te atrapaban… Y Bitty McLean es un reflejo de como fue y como todavía podría ser.

Porque necesitamos más Bitty McLeans…

Obviamente sin estos ritmos no sería lo mismo. Bitty identifica lo mejor de estos grandes ritmos de siempre y él hizo una grabaciones tan bonitas… que pienso como puede este hombre cantar tan bien! Oh dios, este hombre canta! Canta! Hice una gira con el para poder verlo actuar cada noche.

Sigues teniendo tu programa en Kiss Fm?

Si, sigo allí el domingo por la noche desde las 23h hasta la media noche. Llevo 20 años ya en esta radio. Pero no es posible escucharla fuera de Inglaterra, por los derechos publicitarios y copyright de las canciones, ni siquiera por Internet…

Y para la gente que vaya de viaje a Londres y quiera ver una sesión tuya, donde podemos encontrarte regularmente?

Rooticali en Londres, el primer domingo de cada mes, Hootananny Brixton el último jueves de cada mes. Estas son mis dos residencias en Londres. Había tenido residencias semanales en Londres pero es imposible viajando tanto.

Que tipo de sesiones nos podemos encontrar si algún día nos acercamos a Londres a verte?

No pongo muchos dubplates en ese tipo de sesiones, sólo alguno… Trato de dar a conocer nueva música al público porque creo que es muy importante. Hay nuevas canciones, nuevas producciones que valen mucho la pena y la mayoría viene de Europa.

Y acabamos la entrevista cuando suena desde la sala 2 del Jamrock, “Girl I’ve got a date” de Mr Alton Ellis…

Texto: Alex (Badalonians) y Rafa (High Vibes Int)

Como todos sabéis, el pasado 3 de Febrero tuvimos en Barcelona a uno de los sounds más importantes en la historia del reggae en el continente europeo. Pudimos compartir unos momentos con Channel One antes de su actuación en la Sala Apolo y estas son las palabras que podemos extraer de ese encuentro.

Desde principios de los años 90 han aparecido muchos músicos con la intención de reinventar el Roots y el Dub, ¿como ha ido creciendo esta escena desde entonces? ¿Que tipo de evolución veis?

Ras Kayleb: Bueno, como es evidente, el Roots ha llegado a todos los extremos del planeta, ahora mismo puedes encontrar elementos originales del Roots o el Dub en cualquier tipo de música, cierto? Hay eso que llaman Dubstep que es un género que proviene del Dub, no se, hay diferentes géneros que vienen del Roots o del Dub, así que podríamos concluir que en cualquier lugar del mundo hay Roots y Dub.

Actualmente gente del Reino Unido que antes ponían Roots en su soundsystem, ahora están poniendo Dubstep y ese tipo de música, ¿que opináis respecto a ello?

Ras Kayleb: Personalmente no estoy metido en el mundo del Dubstep, no es algo que acabe de gustarme. Simplemente sé que es otro género procedente del dub, para la gente joven, por decirlo de alguna manera. Entonces lo que tu me preguntas es que opino de sounds de Roots que han cambiado su formato y han pasado a pinchar dubstep…bueno, eso cada uno lo va a saber a su manera… solo voy a decir una cosa, que si algún sound seguía un concepto y se da cuenta de que debe cambiarlo, entonces cambia su música y eso es para que la gente oiga esa música distinta, entonces será esta gente la que va a juzgarlo.

A lo que me refiero es que siguen hablando de Rastafari, aunque realmente quizás solo se preocupen de la música y de que la gente vaya a una fiesta y ya no tanto del mensaje…

Ras Kayleb: Si, por eso mismo para mi el Dubstep es como un jarrón de agua fría sobre la música de Jah. Si conoces la música de Jah, sabes que el Dubstep no es tu música, es simplemente otra cosa. Para mi el Dubstep es otra forma de conspiración de Babylon para hundir la verdadera música Rasta, la música del Todopoderoso.

Pero muchas veces podemos encontrar cantantes promoviendo el mensaje Rasta en ritmos de Dubstep o Drum’n’bass…

Ras Kayleb: Muchas veces eso es para poder comer. El dubstep seria distinto, si tú tienes un artista consciente, cantando letras verdaderas sobre un ritmo de dubstep, eso es un concepto distinto. Pero si solo esperas tener música toda la noche, sin partes vocales, sin inspiración, sin nada constructivo, sin elevación…que es eso entonces?

Y que opináis de la música Roots que venia de Jamaica en los 70 y 80 que ahora esta saliendo de Europa, como si hubiese un cambio de la procedencia de la vibración…

Mikey Dread: Siempre conseguirás vibración en Jamaica, Jamaica es Jamaica, eso no va a parar. La música reggae es algo mundial… fue originada en Jamaica por artistas jamaicanos grabando en estudios jamaicanos con productores jamaicanos. En los 90 fueron los productores del Reino Unido y es algo que simplemente tiene que aparecer por todo el mundo, sabes? No se acaba en Jamaica ni se acaba en Inglaterra. Así cuando oyes a alguien de otro país produciendo música reggae con su propio estilo puedes decir que alguna es buena y alguna es mala, simplemente como era antes. Si hubieses vivido los 70, no se que edad tienes, pero si hubieses vivido los 70 sabrías de lo que hablo. Tenias buena música y mala música, buena música que se solía pinchar, que yo solía pinchar por aquel entonces. Podías ir a una tienda de discos y comprarte una caja entera de discos…y seguramente acabarías dando por buenos 3 temas de 20, pero la mayoría de temas en aquella época eran muy buenos!

Quizás porque ahora nos encontramos en distintos tipos de música como es el Dubstep. Personalmente debo decir que el Dubstep no es lo mío, sabes? Y no voy a pinchar Dubstep, nunca, nunca voy a pincharlo. A veces gente viene y me preguntan que si voy a pinchar dubstep esa noche y simplemente les digo que crucen la carretera, que al otro lado van a encontrar dubstep pero en mi sesión no van a oírlo. No me malinterpretes, nosotros hicimos un “Dub to Dubstep”, pero el principal sujeto era el Dub, porque cuando te encuentras con esta gente del Dubstep, solo conocen una cosa y cuando les muestras de donde viene la música que escuchan, lo encuentran algo distinto y ahí es donde aprenden, porque realmente esta gente solo saben lo que se les dice de hoy, deberían aprender sobre la historia, de donde vienen. En cuanto conocen de donde vienen algunos cambian su mentalidad y dicen “bueno el Dubstep quizás no sea tan bueno como pensábamos” porque cuando van al origen, van al Roots.

¿Cual ha sido la inspiración de Channel One, que artistas os han llevado a vivir este tipo de música?

Mikey Dread: Bueno Channel One lleva mucho tiempo, exactamente 30 años, y al largo de todo este tiempo muchos artistas nos han acompañado musicalmente.

Podríamos hablar del grande Dennis Brown, uno de los artistas favoritos de Channel One, podríamos mencionar a Joseph Hill y Culture, a Burning Spear, a Lee “Scratch” Perry, a King Tubby’s, a Jammy’s, a los Aggrovators… no se, podríamos decir muchos artistas, diría que todos los artistas “foundation” de la música Reggae.

¿Sabes? Este tema podría llevarnos toda la noche, hablando de la música Reggae y de quien inspiró a Channel One Soundsystem y que ha convertido a Channel One en lo que es hoy en día, así que lo dejaremos en esos artistas y esos productores de aquel entonces que aun continúan inspirándonos a día de hoy.

¿De dónde podríamos decir que viene la música Roots?

Ras Kayleb: Originariamente viene de África, ahí fue donde empezó todo esto, pero hablando del origen moderno podemos decir que es Jamaica el lugar de donde proviene. Viene de jamaica en los 50, se movió al Reino Unido durante los 60 y 70, en los 80 llegó a Europa y de Europa simplemente se llevó a todo el mundo. La gente viajaba y escuchaban Roots en Londres y quizás acababan algún día en Brasil y compartían esa música Roots con un brasileño, y ese brasileño lo compartiría con un hawaiano y así sucesivamente…

Actualmente la escena New Roots europea es bastante importante, ¿que opináis de artistas como Gentleman o Alborosie?

Mikey Dread: Estos artistas son como aire nuevo dentro de la música, sabes lo que te digo? Ahora deben mantenerse ahí, que nadie les quite su sitio porque los veteranos estarán ahí para siempre, así que deben aprovechar el tiempo que tienen y nunca olvidar de donde vienen ni de donde cogieron su inspiración ya que mayormente los nuevos artistas han crecido con un soundsystem y si no fuera por los soundsystems, seguramente no escucharíamos nunca a estos artistas.

¿De que manera creéis que la música influencia a la sociedad hoy en día?  ¿Que significado queréis darle a la música?

Mikey Dread: nosotros con la música lo que queremos es el educar a los jóvenes. Enseñarles como deben comportarse. Enseñar a los jóvenes, porque la música no debe hacer enfrentarse a la gente unos contra otros. El soundsystem es algo que hace reunir a los jóvenes en unidad, y eso es de lo que se trata, sabes? Unificar a la gente. Y eso es lo que llevamos haciendo en los últimos 30 años prácticamente, porque el soundsystem sirve para juntar blancos, negros, asiáticos…todo el mundo puede ir a un soundsystem.

No se trata de una fiesta donde la gente se vaya a pelear, porque eso no es el Reggae, eso no es música Rasta. La música Rasta es algo centrado en la mente, en el espíritu. Así que cuando nosotros pinchamos en nuestro soundsystem es como un “campo espiritual”, y es eso lo que hace que la gente se junten y bailen, así que debes preparar tu mente cuando vayas a ver a Channel One, porque nosotros solo nos movemos en una dirección, que es la meditación y Rastafari.

Texto: Lek

Los próximos días 26 y 27 de Febrero, tendremos  el placer de contar en tierras catalanas, con uno de los sounds extranjeros que más veces nos han visitado, pero esta vez vuelven con un estatus diferente, ahora son los actuales campeones de la Xmass Soundclash de Milano.

Aprovechando que nos visitan, hemos decidido hablar con ellos para que nos expliquen un poco la situación actual de Muccigna,  de los dancehalls italianos y sobre todo lo que esperan de sus próximas visitas al Jamrock Club de Barcelona y a las Golfas de Vilanova i la Geltrú.

Bueno, antes de comenzar a hablar de la actualidad de Muccigna, cuéntanos, ¿Cómo empezasteis como colectivo?

Los Muccigna nos conocimos frecuentando una “ocupa” en San Benedetto, era el año 1999, 11 años tío!!! A todos nos gustaba el reggae y sobre todo las fiestas, así que Antonio, Mario y yo empezamos a organizar dancehalls en esta ocupa que se llamaba “Totem e Tabù”, por aquellos tiempos nos conocían como “Reaggae Boyz” (nos pusimos este nombre en honor a la selección de futbol jamaicana que se clasificó para el mundial de 1998). También organizamos algunaos dancehalls ilegales en la playa y uno de los primeros sounds que vinieron, y de quien aprendimos, fueron los I Shence de Perugia, lo pasábamos muy bien en aquellos tiempos. También  por aquel entonces íbamos mucho a Roma para ver conciertos y dancehalls, sobre todo de One Love Hi Powa en el mítico Brancaleone.

Luego, hacia el año 2003 decidimos cambiar el nombre del sound por el actual, Muccigna, esta decisión la tomamos ya que veíamos importante tener un nombre que representara a nuestra ciudad, una ciudad de playa y puerto en la costa adriática, de pescadores y de ahí nuestro nombre, ya que Muccigna significa algo así como la caja de pescado que el pescador se lleva a su casa, esto claro en el propio argot de los pescadores (risas).

En aquel periodo empezamos a comprar muchos vinilos y a grabar dubplates, fue una época muy bonita para el reggae aquí en Italia, corría el año 2003…

11 años como crew… ¿recordáis la primera fiesta?

Perfectamente, todos la recordamos, el 31 de octubre de 1999

¿Y como habéis visto la evolución de la cultura sound en Italia durante este tiempo?, siempre se ha comentado que Italia tiene un gran nivel en sound y en dancehalls…

Bueno, hay que reconocer que hubo un “boom” entre los años 2003 y 2006, salieron un montón de crews por toda Italia y lo mejor de todo es que muchas de estas crews tenían un gran nivel. Nosotros estamos lejos de las grandes ciudades, pero aun así la cultura sound llego y se estableció de forma fuerte, de golpe por aquellos años había alrededor de unas 15 o 16 crews!!! Aunque hay que reconocer que solo 3 o 4 siguen adelante desde hace tiempo.

Yo creo que aquí se ha establecido un estilo propio, digamos un “estilo italiano”, pero no es un estilo de dancehall establecido, ya que no es lo mismo Roma que Salento, creo que esto es algo muy positivo ya que deja una escena variada e interesante. Pero vamos, como he comentado antes esto era antes, ahora o desde hace 2 años puedes notar que ha bajado el ritmo de las sounds i de las fiestas.

¿Cómo está el ambiente actual de los dancehalls en Italia? ¿Sigue siendo un referente?

Hay que reconocer que ahora mucho menos, sobre todo en nuestra zona, hay pocos sitios en los que puedas pinchar, sólo los centros sociales te dejan libertad de acción, antes teníamos un sitio donde éramos los residentes, ahora no. Aquí en San Benedetto, cómo te comentaba antes, estamos lejos de las ciudades grandes y los chavales jóvenes se van fuera a estudiar y en invierno es complicado organizar nada. Nosotros también tenemos otras prioridades ahora: familia, trabajo y todas esas cosas, así que prácticamente nos centramos en veranos para organizar cosas importantes.

¿Pero crees que es en vuestra zona sólo, o es algo que podríamos generalizar a toda Italia?

Es en toda Italia, si un poco en todas partes, creo que el dancehall ha pasado un poco de moda y  la represión no permite mucha libertad de acción…

Hasta en Roma ahora tienen problemas, pero claro ahí hay mucha gente y se percibe menos.

Incluso en Salento también! algo inimaginable hace unos años, piensa que incluso el festival más importante de música y cultura jamaicana que hemos tenido aquí en Italia, el Rototom, tiene pensado cambiar de aires…

Hace bien poco, nosotros nos reunimos con algunos de los miembros del Rototom Sunsplash y nos comentaros que se sentían perseguidos por el gobierno italiano, ya que relacionaban reggae con el consumo de drogas…

No creo que sea sólo el consumo de drogas, hay muchas más fiestas que están más relacionadas con el consumo de drogas, así que tampoco creo que sea eso.

¿Entonces?

Bueno, seguro que desde hace unos años sí que hay una mayor presencia policial en la zona, cosa que antes no se veía casi, pero antes de nada hay que conocer la situación política de la zona donde se celebraba el Rototom, piensa que es en el norte y ahí manda un partido político que se hace llamar Lega Nord, un partido político fascista y racista, así que imagínate como se lleva con el reggae que es la música de los negros!!!  Pero esto es un tema muy complicado para explicarlo por aquí… un tema diferente es la homofobia.

¿También se suspendieron conciertos en Italia por la presión de organizaciones de gays y lesbianas?

Si, fueron anulados algunos conciertos por asuntos homofóbicos, pero creo que todo son mal entendidos, vamos, que se actúa sin saber bien las cosas, suspendiendo conciertos o fiestas no se soluciona el problema… Piensa que en Italia,  hay una cultura machista y homofóbica, no exagero pero casi se podría comparar con la de Jamaica, así que es ridículo hacer la guerra contra un cantante que no sabe un “carajo” de Italia, antes hay que hacer la guerra contra la parte más oscura de nuestra cultura, no se pueden suspender conciertos porque un jamaicano dice “chichiman” en sus conciertos, ¡si más de la mitad de gente que hay en la sala no entiende lo que dice! Es ridículo.

Tu piensa una cosa, si abres la mano de un chico de la periferia de Nápoles, y le das un micrófono ¿qué te va a cantar? Pues lo mismo que te canta ese pibe jamaicano; droga, putas, violencia… La música jamaicana siempre ha tenido un mensaje, pero no siempre se tiene que tomar en serio lo que dicen los actuales artistas jamaicanos.

Si no te gusta ni sus letras ni sus ritmos, es tan fácil como pasar de escuchar eso, así de sencillo, yo nunca he oído por las noticias que un grupo de seguidores de Sizzla han apalizado a un grupo de gays, en cambio, sí que vemos a diario que grupos de neo nazis lo hacen. Entonces, no puedes suspender un concierto de Sizzla y subvencionar un centro social para neo nacis, ¿comprendes? Aquí en Italia aun hay muchos políticos que en sus discursos mencionan a los gays como enfermos, así que por eso digo que todo esto es un mal entendido.

Pero ahora, ¿cómo veis la movida de los nuevos dj´s y cantantes que salen de la isla? ¿Cuáles son los favoritos de Muccigna?

Antes que nada hay que hablar sobre la evolución continúa de la música jamaicana, hay que pensar en la situación que vive esa gente en los ghetos. Cada vez la música es más rápida y potente, ellos cantan lo que ven y es normal que hablen de dinero y poder, es lo que quieren,  porque no lo tienen. Quien sabe, pero si Bob Marley hubiera salido ahora, puede que fuera más gangster que Kartel o Mavado (risas)

Y respondiendo a tu pregunta, la verdad es que Vybz Kartel está sonando muy fuerte. A nosotros nos gusta mucho gente como Busy Signal o Konshens… aunque a mí personalmente me sigue gustando mucho más gente como Bounty Killer, Beenie Man o Buju Banton

¿Y vuestra participación en el Xmass Soundclash de Milán? Os alzasteis con la copa, vuestra primera copa, ¿cómo fue esa experiencia?

Muy buena experiencia, fue increíble. Para ser el primer Clash en el que participabamos, nos sentimos muy cómodos. Hace mucho que queríamos enfrentarnos a otros sounds, creo que tenemos actitud para esto, porque participar en un Clash en Milán el día de navidad y sin hinchada es muy complicado y aún así levantamos la copa, fue increíble!!!

Entonces nos podemos esperar dos noches muy movidas en vuestras sesiones…

La verdad es que teníamos muchas ganas de volver y encontrarnos con  la peña de Barna y Vilanova. Siempre nos lo hemos pasado muy bien, aún nos acordamos de la primera vez que pinchamos en Cataluña, en la Mota Festival, creo que habían 1500 personas y fue una grata noche y esperamos que hayan las mismas vybz en esta ocasión y que la gente tenga ganas de bailar. Vamos preparados, con nuevos dubplates y temas nuevos, estamos a tope, así que la massive vaya preparando los silbatos y los mecheros!!!

Texto: Da Ministter

El pasado sábado 16 de Enero nos visitó por primera vez en España, en el X aniversario de Nyahbingi Crew. Hija del gran Alton Ellis y su mujer Sigma Ellis, Lovella quiere abrirse camino en el mundo musical y nos ofreció un corto pero intenso directo, versionando temas de su padre.
Aprovechando su paso por Barcelona, nos dedicó unos minutos después de su actuación y pudimos hacerle esta entrevista:

¿Que tal tu primer concierto en Barcelona? ¿Como te has sentido con el público?

¡Muy bien! ¡Me ha encantado! hemos pasado un buen rato,la gente venía con ganas de pasarlo bien y así ha sido.
¡Cuando estaba cantando un tema de mi padre detrás del escenario,escuchaba al público cantar!subí las escaleras y empezaron a saltar, cantar y a gritar, ¡fué increíble!!
Fueron solo 20 minutos pero no pararon de cantar!

Cuéntanos ¿cuando empezaste a cantar? ¿Como empezaste en la música?

Hace unos 6 años empecé a cantar profesionalmente…

¿Pero cuando empezaste a tener interés por cantar?

Fué hacia los quince años… en esa época aún no pensaba seriamente en ser cantante.
Un día mi madre me escuchó cantar detrás de una puerta y dijo que no podía creer lo que oía!
Al principio me daba vergüenza que me vieran, pero mi padres querían oír más y me animé…fuí a un par de “concursos de talento” y gané algún premio!
Ahora trato de competir a un nivel diferente, ahora quiero ser una artista. Me lo tomo mucho más en serio,estoy haciendo bastantes actuaciones, abriendo o cerrando conciertos como invitada especial y me gusta.

Explicanos… ¿cuales son tus influencias?

Desde el R&B… hasta el rock.
En las últimas grabaciones de hace un par semanas he usado guitarras de rock, sonidos hawaianos… Mi música tiene muchas influencias y no quiero sonar a un estilo en específico…

Que artistas han influido más en tu música?

Evidentemente mi padre ha sido y es una gran inspiración.
También cantantes de R&B como Withney Houston,Brandy…muchos me inspiran.
Cuando la gente escucha mis temas,a veces me dicen; suenas a este o aquel, pero yo no intento sonar como ellos intencionadamente, así es como suena mi música…
Es bonito que te comparen con otros artistas y más cuando son grandes artistas.

¿Escribes tus propios temas?

Si, escribo algunos de mis temas.

¿Sobre que temas te gusta escribir y cantar?

Me gusta escribir y cantar temas sobre el amor, la paz, la unidad…
Animo a la gente a que hablen más entre ellos, a que aprovechen el momento porque la vida es corta.
Cuando ves las catástrofes como las que están pasando últimamente, te das cuenta que nunca sabes lo que puede pasar, hay que ser consciente de ello e intentar ser y hacer lo mejor que uno pueda.

¿Que opinas de nuevos talentos femeninos como Queen Ifrica o Etana?

¡Me gustan mucho! Con su música y con sus letras llegan a lo más profundo…Hablan sobre cosas que pasan realmente en el mundo como las injusticias… Son canciones que te hacen reflexionar y mirar en tu interior.
Me identifico con muchas cosas de las que dicen y que me han pasado o me pueden pasar… como cuando has perdido a un ser querido… y cantan sobre ello, sabes?
Hoy en día muchas cosas que escuchan los niños en ciertas canciones, no me gustan y trato de estar fuera de esto…prefiero volver a las raíces, cuando el reggae empezó…como era antes la música y no tantas letras sobre pistolas o sobre cuanto dinero tengo… estas letras creo que son negativas para los más jóvenes.
Se les debería enseñar más sobre la paz, el amor…, nuestros orígenes y de como es la vida en la que vivimos…
Pienso que hay que ser constructivo y educarte a ti mismo sobre la vida.. a muchos chicos les faltan parte de estos valores en su educación.

Que nos puedes contar de tu manager Jaycee Thompson?

Es fantástico, el es mi manager , productor, agente, me escribe canciones, también me ayuda con mi myspace y mi facebook… lo quiero!!

Que sentiste la primera vez que compartiste escenario con tu padre?

Fué en el 2007 en el Jazz Cafe en London.
Había cantado con él antes pero solo en familia…
Ese día estaban todos, esperando vernos a los 3 juntos y era increíble,cuando subí al escenario,todos me animaron, gritaban… fué muy emocionante.

Cuéntanos ¿cuales son tus proyectos de futuro?

Muchos proyectos,ahora en febrero sacaré un nuevo single. Estoy preparando un álbum del que ya tengo algunos temas grabados y faltan aún más por grabar.
También algunos conciertos en pocas semanas y cuando salga el disco queremos hacer un tour por Europa…
Estar atentos a mi myspace y facebook que iremos informando de todo.

www.myspace.com/lovellaellis
www.facebook.com

Esperamos verte por aquí pronto

¡Si! seguro que me veréis por aquí más pronto de lo que pensáis!

Texto: Alex (Badalonians) y Rafa (High Vibes Int)
Fotos: Xavi Guillamon (Sound System Fm)

El pasado 16 de Enero tuvimos el placer de disfrutar de uno de los shows más potentes en cuanto a reggae “underground” se refiere… y es que este artista cada vez más conocido en todo Europa está dando mucho de que hablar. Deadly Hunta, directamente desde Reading en el sud del Reino Unido, con muchos escenarios pisados ya, llegó por segunda vez a Lleida con toda su energia y buena vibración… fue ahí, en Lleida, donde pudimos compartir un rato con él y nos contó un poco sobre lo que ha sido y será su trayectoria musical y personal…

Vamos a empezar como la mayoría de entrevistas en el mundo de la música empiezan… cual fue tu primera relación con este mundo?

Bueno, realmente las cosas empezaron en casa, mi padre fue mi principal influencia en esto de la música reggae. Mi familia viene de Jamaica y a él le encanta el reggae, solía ir a los Sounds cuando era joven, su Sound favorito era Coxsone, así que imagínate si viene de cerca mi influencia…

Entonces a tu padre le gustaría el ska y el rocksteady, no?

Si, le encantaba. Te podría contar la historia completa de la música reggae, desde que empezaron intentando emular los sonidos americanos y incluso recuerdo que me contó como vio la primera vez que un deejay cogió un micrófono!

La influencia de tu padre me imagino que te sirvió para aprender las cosas desde el principio, no?

Clarísimamente, desde el principio de todo! De ahí es de donde saqué lo que sé… sabes, la colección de vinilo de mi padre seria una colección muy muy cara, no te miento eh!!!

Muchas veces cuando era pequeño y estaba en mi habitación por la noche, podía oír un montón de líneas de bajo que venían del comedor, donde mi padre y sus amigos estaban pinchando algunos temas… se oía “puuum pum pum pum”… prácticamente podríamos decir que he crecido con esta música, sabes, el “bassline” se metió dentro mío desde muy pequeño!

Pero sabes, en la zona donde vivo hay mucha gente proveniente de las islas del Caribe… en esa época todos los niños de ahí tenían padres que venían de las Indias Occidentales, que igual que el mío, solían escuchar reggae, además había varios Sound Systems y se hacían muchas fiestas… podríamos decir que había una atmósfera reggae, no?

Dices que en tu zona había muchos niños que crecieron en una atmósfera reggae igual que tú… entonces debe de haber más artistas en Reading, no? Que artistas podemos encontrar ahí?

Desde luego! Podemos encontrar bastantes artistas aquí… desde veteranos como Aqua Levy o Martin Campbell, hasta gente que están pegando fuerte ahora mismo como Solo Banton, Prince Livijah que es de las afueras donde también vive Lioness Fonts, después también está Chieftain Joseph, ya sabes… la mayoría de artistas en el “Reality Camp” vienen de Reading, pero también gente de Londres como Errol Bellot, Afrikan Simba, Dixie Peach… aparte de ellos, el resto de artistas son de Reading.

El Reality Camp? Cuentanos un poco que es y como funciona…

Trabajamos como una familia, tenemos una banda que nos acompaña, se llama The Uppercut Band, contamos con un productor para la mayoría de los temas, que se llama Kris Kemist, pero bueno también colaboramos con otros productores… entonces los ritmos llegan y se distribuyen entre los artistas y cada uno trata de escribirse algo. A veces un ritmo consigue solo una pieza, otras veces consigue cinco, ya sabes… y después todos los artistas trabajamos en álbumes al mismo tiempo, como el Reality Shock Vol.1

Entonces Kris es el productor principal, como le conociste? Como llegaste a él?

Bueno conocí a Kris Kemist gracias a Mikey Murka, él era el único que lo conocía antes que yo le conociera… llevaba mucho tiempo diciéndome que fuera a ver a un tío que se llamaba Kris, decía que era de Reading también… pero vamos no había oído hablar de él en mi vida y Mikey seguía insistiendo en que fuera a verle… estuvo diciéndomelo por lo menos durante un año!

Porque no fuiste antes? Un año es mucho Deadly!

Pues no se, simplemente fui cuando se presentó una buena oportunidad, sabes? Entonces cuando la oportunidad llegó le conocí y la primera impresión fue muy buena, la verdad.

El tío estaba viviendo en casa de su madre por aquel entonces y ahí tenía su estudio… solíamos ir con Errol Bellot a cantar algunos temas mientras Kris tocaba la guitarra… en casa de su madre tío, donde puede haber más amor que en casa de una madre? Era todo muy natural, no se, las cosas salían por si solas, te podías relajar mucho y además su madre nos trataba muy bien, desgraciadamente falleció…

Cuéntanos que hiciste antes de entrar en el Reality Camp, se que has estado varias veces en Jamaica y que ahí tuviste la oportunidad de conocer a gente importante en este mundo de la música reggae…. cuéntanos!

Si tío, una gran oportunidad… conocí a Bobby Digital en Jamaica, el dueño y productor del mítico sello Digital B, mi tío era su abogado y cuando llegué por primera vez a la isla en 1993 con 20 años tuve la suerte de conocerle, aunque por aquel entonces no estaba realmente preparado musicalmente hablando.

Me invitó a entrar en el estudio y empecé a cantar un tema, Bobby me hizo parar y me dijo “usas demasiadas palabras malsonantes en tus letras y necesitas una voz más potente, más fuerte!”… eso fue una gran cosa para mi, escuchar esas palabras saliendo de la boca de ese gran productor, realmente me ayudó a no decaer, a querer llegar más lejos, buscar siempre más y más y más, sabes?

Eso fue mi primera vez en Jamaica… la segunda vez fui gracias a una discográfica londinense que se llamaba “Just Listen” que me pagaron el viaje y querían que grabara cinco temas con ritmos de Bobby Digital, entonces cuando volví a Londres con los temas, la compañía estaba en banca-rota… aún tengo los temas y nunca tuve la oportunidad de sacarlos a la luz, no tenía ningún tipo de experiencia en el mundo de la música por aquel entonces.

Ésta segunda vez que fui al estudio de Bobby, ya sabes como van las cosas en Jamaica, los artistas poco conocidos van de estudio en estudio intentando grabar algún tema, y yo estaba fuera del estudio de Digital B esperando a que llegara mi turno… debían ser, nose las 9 de la noche o así y Bobby salió y me dijo que entrara y me metiera en la cabina, entonces me pidió que cantara algún tema… empecé a cantar el tema “Weeds Like This” y en la segunda estrofa el hombre me dijo “canta otro tema”, así que canté otro tema y entretanto llamó a sus colegas para que vinieran a escucharme… finalmente pude grabar los temas!

Mientras estaba ahí en el estudio pude escuchar muchísimos temas de gente como Sizzla, Tanya Stephens, Richie Spice… temas que nunca he vuelto a oír, era increíble… cuando salí del estudio había un chaval que se llama Lex y me dijo “tío, tienes mucha suerte eh!” yo evidentemente no entendía a que se refería y le pregunté que porqué me decía eso, a lo que me contestó “en lo que llevamos de año eres el primero en grabarse unos temas en el estudio de Bobby!” y estábamos en Junio!!! Eso me puso muy muy contento tío.

Se que tienes un tema llamado “Staying Alive” y que Bounty Killer hizo un tema “counteraction”, como fue la cosa?

Si tío, es cierto… no se como pudo llegar a oír el tema, supongo que debió ir al estudio de Bobby y lo escuchó ahí, no se… el tema dice “no voy a sacar mi 45, mi 16 o la S.selar, por eso sigo vivo” el tema habla de que yo no saco ninguna pistola de esas, por eso me mantengo con vida… y Bounty en su letra decía que la vida en el ghetto es muy difícil y que si no sacas la pistola (nombraba las mismas que yo!) para defenderte de tus enemigos o de la policía, no te vas a mantener con vida mucho tiempo… hizo una letra contrarrestando mi tema, pero con inteligencia, ya sabes.

Tienes en mente el sacar esos temas a la calle en vinilo?

Bueno, realmente no tengo tantos contactos como para sacarlos, me he concentrado más en seguir escribiendo letras y en la música, y estoy contento por ello… tienes que encargarte tu mismo de lo que tienes que hacer, porque cuando dejas las cosas en manos de otra gente, a veces ellos tienen sus intereses antes que nada, sabes lo que te digo? Y eso puede hacer que no llegues a donde realmente puedes o quieres llegar… hay gente que quiere verte arriba al mismo tiempo que ellos estén arriba, si no sacan provecho de ello no te van a ayudar, no van a hacer las cosas porque sientan amor por ti o por la música… porque si realmente sientes amor por alguien y por su trabajo, eso se sabe, y sabes que en el mundo de la música si yo consigo llegar a algo, haré lo posible para que tu también llegues, porque estamos juntos en esto. Este es el amor que compartimos en Reality Camp, las cosas cada vez están más complicadas y este tipo de amor es muy difícil de encontrar en el Reino Unido…

Este “amor” quizás sea como el amor que tenían los miembros de los sounds entre sí, cuando vivían juntos, compartían la comida…eran como distintas partes de un único cuerpo…que opinas?

Claro claro… la gente hablaba de Coxsone o de Saxon, grandes nombres, sabes? La cosa iba de eso, esta claro que también iba de Pappa Levi, de Daddy Freddy, de Tippa Irie… pero al final, cuando oyes a esta gente hablar de la música en esos tiempos, aún hablan del Sound como la cosa más importante, como la cosa principal, sabes?

Coxsone era el gran sound, Daddy Freddy era su deejay, pero antes de él estuvieron muchos otros, sabes lo que te digo? Los artistas siempre vienen y van, pero el Sound sigue siendo el mismo.

Hoy en día la gente va de una forma más individualista, no se, debe ser porque cada hombre es más un “artista” que un miembro del sound, entonces pueden ir y cantar en distintos Sounds en un mismo fin de semana…

Recuerdo la primera vez que cogí el micro en un Sound System…aparte de coger el micro me hacían cargar con las cajas, con los altavoces, el preamp… era como aprender en el mundo del Sound, pero desde el fondo de todo, tenías que mostrar respeto y aprobar el “curso” sabes? Desde conectar los altavoces a coger el micro… tenías que aprender todo! Pero al mismo tiempo había alguien encargado de cada cosa en concreto.

Claro, así funcionaba el Sound System en el Reino Unido… incluso hoy en día sigue siendo así en la mayoría de casos, en cuanto a Sounds de roots se refiere… pero cómo empezaste en el mundo del sound?

Bueno yo empezé en un Sound que se llamaba African Roots, antes conocido como Lion Youth. Era un gran sound, solían ir a pinchar a Londres con gente como Coxsone, Unity Sound, V-Rocket, Volcano,… cuando entré al Sound yo solo tenía 15 años tío, fue porque un amigo mio que ya estaba ahí me dijo “va, vente con nosotros y cantate algo”… y así empezó todo!

Por aquel entonces me hacia llamar Junior Sam y el sound era de Roots claro…

Entonces empezaste en un Sound de Roots, imagino que cantando sobre ritmos de Roots, como te moviste al Dancehall pues?

No no, no fue que me moviera… realmente estaba haciendo ambas cosas a la vez, sabes? Pero cuando estaba en el Sound, cuando tenía el micrófono en mi mano, conocía la gran responsabilidad que eso significa, la responsabilidad de dirigirse al público, porque hay un montón de gente escuchando lo que dices, escuchando el mensaje que estés “predicando” sabes? Es una gran responsabilidad que algunos cantantes no ven…

Pero bueno, la primera vez que fui a Jamaica fue justo cuando Bounty Killer estaba pegando fuerte, las cosas estaban cambiando realmente en la música Dancehall, ese hombre puso inteligencia en las letras de dancehall, puso inteligencia en el Dancehall en general! Y eso realmente fue lo que hizo que le tomara como referente, sabes?

Ya hemos hablado de tu pasado… vamos a hablar ahora de tu presente y de tu futuro, que proyectos tienes?

Bueno lo próximo es que salga a la calle el 12 pulgadas del tema Talk Out Loud, va a salir en Francia, pero se distribuirá por todo el mundo, será un 12 pulgadas con el tema Talk Out Loud en la cara A y en la cara B no estoy aún seguro, puede ser el Better Way o sino el tema que dice…Let justice be done…equality for each and every nation…sabes cual te digo?

Entonces esto esta previsto que salga a finales del mes que viene.

Después tengo el álbum llamado Speak My Mind, que tiene temas como el Talk Out Loud, Better Way, Yes I Hill, Cry, Mamma Mia… no se, tiene como 18 temas juntos, los temas más conocidos juntos.

Pero 18 temas es una miseria comparado con lo que has grabado!!!

Si tío, no se si sabes que tengo otro disco solo con ritmos de hip-hop que se llama My Life Vol.1, es más algo parecido a una maqueta… de todas formas estoy trabajando en otro disco con Reality Shock, producido por Kris, un álbum diferente del Speak My Mind, sabes? El de Speak My Mind esta producido por la gente de Catch22 mayormente, hay algunos temas producidos por otra gente, pero la mayoria de temas son de Catch22… no se, tengo algunos buenos proyectos en mente…

Texto: Lek

Cuando uno se refiere a Rubén López, no sabe si resaltar su faceta como vocalista de bandas de música jamaicana oldies (Malarians, Los Calaveras, The Peeping Toms), su gracejo como deejay de sound system (Liquidator Sound, BlackUp Sound) o su visceralidad al frente de conjuntos de streetpunk o hardcore (Mal Chance, Secret Army). Y es que si algo podemos destacar del solista madrileño es su autenticidad -como queda patente en la entrevista- y su versatilidad, que le permite amoldarse a prácticamente cualquier estilo. El proyecto que lidera en la actualidad, integrado por buena parte de los componentes de The Kinky CooCoo´s y Flight 404, se preocupa por que el rock steady y el reggae que emite el altavoz se encuentren bien facturados, con un respeto exquisito por los maestros del género y sin más aditivos que las melodías corales respaldando la solvencia vocal de Rubén. ¡¡Nice and easy!!

Corrígeme si me equivoco, pero tu primer iniciativa estrictamente vinculado a la música jamaicana se remonta a tu aparición al frente de Malarians mediada la década de los noventa. ¿Recuerdas cómo se produjo aquella llamada y cuándo pasaste a ser miembro de pleno derecho en la banda? ¿Qué hizo que expirara dicha banda?

Si, efectivamente, sería allá por el año 93. La cuestión es que ellos conocían a un amigo mío que les había montado algún concierto y éste les pasó mi teléfono. Yo en aquel momento no tenía prácticamente experiencia en la música, tocaba en el típico grupillo de amigos y la verdad es que me sorprendió que me llamasen. Begoña ya había entrado en la banda unos meses antes y querían hacer algo con dos veces tipo Maroon Town. Estuve hablando con ellos de camino a su local de ensayo, comentando rollos de música y tal. Yo tenía su primer disco y estaba por aquel entonces empezando a escuchar bastante reggae/ska. Después hice la típica prueba cantando temas suyos con el consiguiente “ya te llamaremos” al final. Supongo que me llevé el puesto no tanto por mis habilidades vocales (las cuales no poseía), sino porque me molaba la música jamaicana. Después, muchos ensayos, mucho aprendizaje, muchos momentos geniales, muchos momentos no tan geniales, muchas giras, un par de discos con un puñado de buenos temas, hasta que llegamos un poco a lo que fue el final del grupo. Supongo que el final del grupo se produjo porque estábamos en una especie de vía muerta en la cual por un lado necesitábamos estar 100% por el grupo, pero lo que el grupo producía no nos llegaba como para vivir de ello plenamente, con sus consiguientes conflictos. Con la perspectiva que da el tiempo, creo que era una locura. Nos íbamos de gira por toda Europa varios meses al año y estuvimos en sitios y nos pasaron cosas increíbles. Era genial para un chaval como yo.

Tras la etapa Malarians, llega el turno de The Peeping Toms, un proyecto de big band de jazz a la jamaicana, sofisticado, preciso y elegante, llamado a alcanzar grandes cotas con el apoyo de una discográfica que por fin cuenta con medios y sin embargo, parece que el conjunto no termina de satisfacer las expectativas creadas a nivel de ventas y repercusión. ¿Tanto os afectó la desaparición del sello Revelde o tampoco era tan pretenciosa esta iniciativa como presupongo?

Con Peeping Toms lo que ocurrió es que hicimos un primer disco genial, con una compañía medianamente seria donde parecía que había medios para promo y este tipo de cosas. Revelde era una subsidiaria de Fonomusic y básicamente lo que ocurrió es que Fonomusic se fue al garete arrastrando con ella a Revelde. Jaime y yo fuimos un día a las oficinas para coger no sé qué y aquello tenía un aspecto terrible, todo vacío como si fuese Sarajevo en plena guerra. Fue un poco cuando las ventas de todo dios empezaron a bajar salvajemente y el juego éste de la música empezó a cambiar radicalmente en España. Después hicimos otro disco y algunas giras y conciertos más. El problema es que yo vivía fuera de España y era muy difícil compaginarnos, aunque vine para algún concierto, poco a poco fuimos perdiendo fuelle. Es una pena porque disfrutaba mucho tocando con ellos y me lo pasaba bastante bien.

Y una vez consumido el ciclo de The Peeping Toms, te trasladas a Barcelona de cara a establecerte allí definitivamente. ¿A qué se debió esta mudanza? ¿Ha satisfecho la ciudad condal las esperanzas que depositaste en ella, tanto en la esfera personal, como musical?

Oh! bueno, eso no es así. Mientras Peeping se iban consumiendo, me fui a vivir a Suecia y estuve allí unos años para finalmente acabar aquí en Barcelona por razones que ahora no vienen al caso. La cuestión es que creo que podría vivir en cualquier lugar del mundo. De momento estoy a gusto aquí, no deposito esperanzas en ciudades, deposito esperanzas en mismo o en gente que me rodea. Como comprenderás, tengo mi vida, que es lo que ocupa la mayor parte de mi tiempo, la música es mi afición y me encanta, pero lo genial de la música es que no tiene barreras, da igual donde estés, en cualquier sitio hay música y en cualquier sitio puedes hacer música. No tengo ningún tipo de expectativas con los proyectos en los que estoy involucrado, así que todo lo que venga me parece genial.

Según nos comentó Sir JJ The Oldian en estas mismas páginas, The Diatones tienen su origen en una velada de borrachera y jolgorio colectivo que derivó en la creación de la banda. ¿Qué concepto o sonido teníais en mente en el momento en que la ideasteis? ¿Qué aporta de distintivo respecto a las ya existentes?

He de decir que Diatones empezaron como una banda que hacía bases para dubplates entre otras cosas. Yo había colaborado con Kinky CooCoo´s o Flight 404, que son básicamente la misma gente que Diatones. Empezamos con la idea de hacer alguna cosa juntos y tal. Al principio algunos temas, pero al final metimos la directa, así que nos hemos juntado con un repertorio de unos 16 temas y tenemos muchas ganas de hacer cosas. Lo que queremos hacer es reggae/rocksteady, aunque estamos abiertos a otras cosas. Intentamos aportar una predominancia vocal con bastantes coros, pero vamos, que no somos nada nuevo, ni vamos a inventar nada. Eso sí, lo que hacemos, lo hacemos bien.

Los dos temas seleccionados para la publicación de vuestro primer single en vinilo llaman particularmente la atención por dos hechos concretos: la apuesta estratégica por la autoedición y por tratarse de sendas versiones, reconducidas en clave de reggae, de los punkrockers Ramones -caso de I Wanna Be Sedated- y los hardcoretas Agnostic Front -Crucified (Iron Cross)-. ¿Podrías explicarnos el porqué de ambas elecciones (autoedición y canciones)?

Escogimos estas dos canciones porque nos parecía divertido coger un par de temas que sean de un rollo totalmente diferente y adaptarlas a nuestro terreno. Respecto a la otra cuestión, nosotros no lo tomamos como una producción ni nada, sino más bien como una carta de presentación para la gente que está muy dentro del rollo. Esto es más minoritario que los campeonatos de peonza y, bueno, es un poco para esos diehard fans del reggae clásico que les mola el vinilo. Ahora estamos preparando nuestro larga duración, sacar un single no es rentable pero si divertido, así que por eso creamos lo de Double7. Como con todo, con esto tampoco tenemos ninguna pretensión más que la de divertirnos y hacer lo que queramos sin agobios.

Han sido contadas las ocasiones en que hemos tenido ocasión de contemplar en escena a The Diatones. ¿Se prevé que la autoedición del single os abra nuevas puertas? ¿Es viable y previsible la realización de una gira de ámbito estatal?

No creo que el single nos abra ninguna puerta más que la de darnos a conocer a la gente dentro del reducto del rollo jamaicano clásico. Hasta que no saquemos el larga duración, supongo que no nos pondremos a hacer alguna gira por Europa y cosas así. De momento, hemos tocado unas 5 veces por Catalunya, pero la verdad es que no queremos tocar por tocar, nos tiene que interesar de alguna forma. Desde luego no vamos a ir a tocar sólo por los gastos, a no ser que nos merezca la pena o nos apetezca por otra cuestión. Somos selectivos y no tenemos que demostrarle nada a nadie.

No sé si a ti te ocurre lo mismo, pero a mí personalmente me hastía escuchar periódicamente lo agotado y crítico de la situación que atraviesa el panorama oldies en este país, cuando ha sido en los últimos tiempos en los que hemos visto artistas que jamás elucubrábamos en ver (Pat Kelly, The Pioneers, Susan Cadogan…), han aflorado bandas que reproducen fielmente los estilos originales (Soweto, The Kinky CooCoo´s, The Upsttemians, Red Soul Community…), seguidores acérrimos que adquieren vinilo con frecuencia, portales y webs “ad hoc” en internet… ¿De dónde entonces tanto lamento?

Creo que lo vemos de forma diferente. Ninguna banda de reggae/ska vive medianamente de ello y casi ninguna sale de por aquí. Hay mucho potencial, pero el potencial sin infraestructura no es nada. Muchos promotores pierden dinero constantemente organizando festivales y conciertos. Esto va a oleadas, no hay algo firme. Para mi gusto es que no hay una conciliación entre los estilos más modernos y los más clásicos, son como dos mundos, ahora la pasta y el público están en el dancehall/roots… El problema es que, salvo una minoría, un sector no tiene constancia del otro. Lo que quiero decir es que la gente debería de ser más abierta de orejas y dejarse de militancias absurdas. Los dancehalleros ir a más eventos “oldies” y viceversa. Supongo que depende de cada ciudad, pero estamos a años luz de Centro Europa.

Es sabido que a tu militancia en Black Up Sound y The Diatones, se suma tu contribución a Secret Army, el terceto streetpunk barcelonés, de idéntico modo a cuando simultaneaste Malarians o The Peeping Toms con la banda de hardcore Mal Chance. ¿Se trata de una forma de oxigenar la mente o tu verdadera vocación fue la de gestar una banda dirigida a canalizar la rabia de la clase obrera hacia el statu quo segregacionista y la degradación de sus condiciones de vida?

Oh vaya! qué pregunta tan curiosa. Todo lo que hago, lo hago sin ninguna vocación, de una forma personal y nunca me he sentido dentro de ninguna clase ni colectivo social. Me considero un ciudadano del mundo, aunque no me gusta Manu Chao. Y bueno, todo lo que hago, lo hago siempre con ilusión y ganas, pero siempre intento expresar mi punto de vista. No me gustan nada los clichés, ni los tópicos. Todo ese rollo de ser la voz de una generación o de lo que sea, no va mucho conmigo.

Si hay que encontrar un denominador común a los proyectos en los que has intervenido hasta la fecha es que siempre te has mostrado tal y como eres, sin necesidad de hacer concesiones de cara al mercado o adoptar el rol de un personaje –como ocurre con buena parte de los cantantes jamaicanos, por cierto-. En el supuesto de que llegase una discográfica potente cargada con un buen maletín de billetes verdes que ofrecerte o vieras una posibilidad real de vivir de la música en otro estilo, ¿aceptarías alguna de sus sugerencias o seguirás perteneciendo al reducto de militantes incorruptibles de los sonidos añejos jamaicanos?

Créeme, hago un montón de cosas. No me considero un militante de nada. Yo que sé, sinceramente no creo que sea relevante lo que yo hiciese o dejase de hacer. Nuestra música es para todo aquel que la quiera escuchar y disfrutar de ella. La música es algo que sucede en la vida, el dinero es algo que sucede también en la vida y te puede hacer incluso sonreír por un momento, pero te puedo asegurar que cuando estás en la pista de baile y la línea de bajo se te mete en el pecho, en ese preciso momento, todo pierde su relevancia.

Texto: Larry ACR
Vía: A Little Beat

Xavi “Papa Dick” Guillamón y David “Dr.Decker” Vilches son, en términos radiofónicos, los decanos del reggae radiado en nuestro país. 18 años en antena no son asunto baladí para los que buscan en la música jamaicana no sólo un abandono hedonista, sino una preciosa excusa para ahondar en el aprendizaje de una cultura alóctona. Cada miércoles la emisión desde la barcelonesa Radio Ciutat Vella engancha a multitud de oyentes ávidos de los últimos descubrimientos y de las gemas añejas facturadas en las antillas. Conozcamos pues como comenzó todo.

Situándonos en el contexto que precedió a vuestra primera emisión en antena el 7 de Junio de 1989, ¿de qué elementos constaba la por entonces iniciática escena jamaicano-barcelonesa? ¿Cómo era la relación entre las distintas bandas, colectivos y personajes que pululaban por la preolímpica ciudad condal? ¿Había algún tipo de coordinación entre vosotros?

David: El contexto era prácticamente inexistente, sin discos en las tiendas, sin grupos sobre los escenarios… Skatalá practicaban una suerte de ska de onda two tone, sucio y mezclado con punk y oi! desde hacía poco y tanto el fanzine FBI, como Dr. Calypso empezaron el mismo año 89 en que nosotros nos decidimos a emitir desde una radio pirata y muy local llamada Radio Sant Antoni. Después empezamos a simultanear las emisiones también en Radio Pica. Una pequeña empresa llamada Semaphore empezó a importar discos: era nuestra principal fuente de entrada de Studio One y demás, aunque ya desde antes nos habíamos espabilado en arrasar con lo poco que se encontraba por aquí y a comprar en viajes, propios o de amigos, en Londres, Nueva York, Viena, París… Bob Marley o los Specials ya eran populares, pero Augustus Pablo, King Tubby o The Gladiators eran excitantes rarezas que nos impulsaban a buscar más y más. De la escena de los primeros años recordamos a Roots Generator, Mango Bongo, Banana Boats, Ragna & The Paissas…y a cuatro chalados como Ragnampaissa o Txarly Brown que, como nosotros, ya se habían infectado irremediablemente de sonido jamaicano y empezábamos a mover las cosas en lo que era un árido desierto.

Xavi: Ragnampizza pinchaba reggae y nos suministraba música jamaicana desde su tienda de discos Demo Record Shack – tras la aventura de Semaphore, en la que también participó -, a parte de impulsar los pocos conciertos de reggae en Barcelona. En radio Contrabanda estaba funcionando Rockers FM, un programa de reggae conducido por Diego “Ranking D”. La banda Roots Generator se aunaba a la familia reggae también por esas fechas. Otra bandas del momento eran Números Rojos. Todos los jueves pinchábamos reggae en el Puerto Hurraco Sisters Bar. Creemos que fue un tímido inicio de la escena local jamaicana por diferentes flancos. La relación era cordial y estaba claro que todos dedicábamos nuestros esfuerzos por puro amor al sonido jamaicano. No existía ningún tipo de coordinación. Nos entusiasmaba el reggae y hablábamos de ello cuando nos encontrábamos.

En una emisora libre, no resulta fácil evaluar el feedback de quien recibe vuestra señal. ¿Tenéis constancia de la cantidad de gente qué os ha seguido a lo largo del peregrinar radiofónico? ¿Soléis integrar las llamadas y los consejos o sugerencias de los oyentes en el transcurso del programa?

Xavi: Pues no tenemos manera de controlar a los oyentes. Hasta hace unos años llevábamos un control de oyentes que llamaban para los sorteos de entradas para conciertos. Hasta ese momento eran más de 400.

Parece evidente que una de las señas de identidad de vuestro programa es que no se ciñe a los aspectos estrictamente musicales y aporta una visión más holística del contexto socio-político-cultural de Jamaica. ¿De dónde nace esa necesidad de proyectar a vuestra audiencia las circunstancias quizá más alejadas aparentemente del sonido jamaicano?

Xavi: Para entender bien el sonido jamaicano es imprescindible conocer el bagaje cultural, histórico, religioso y socio-político de la isla, así como las derivaciones en contacto directo con la música jamaicana, como sería Etiopía. Nuestra intención ha sido abrir al máximo el abanico informativo, por muy tangencial que sea, para intentar dar algo más de luz al inmenso mundo del sonido jamaicano.

Otro de los elementos que ha caracterizado vuestro radiar por las ondas hertzianas ha sido la inclusión de la totalidad de la amalgama de sonidos producidos en la isla del tesoro. Últimamente habéis abierto la mano a tendencias relativamente hermanadas como el jungle, el dubstep o el drum´n´bass. ¿Por qué creíais necesario que vuestros seguidores supieran de la existencia y desarrollo de dichos géneros?

Xavi: Como te hemos dicho antes, intentamos abrir al máximo las miras y es importante que se sepa la cantidad de influencias que ha generado el reggae en el mundo y en todas sus etapas. No es que últimamente nos hayamos acercado a estos sonidos derivados de Jamaica, es una cosa que llevamos haciendo más de 18 años.

David: Además, en Sound System FM seguimos el rastro de lo jamaicano en cualquier punto del globo y en cualquier forma, de forma que podemos radiar a, por ejemplo Cidade Negra, Amy Winehouse, Los Bravos, Ballistic Brothers, Marvin Gaye e incluso, en los momentos más chispeantes y divertidos, ha sonado Juan Pardo o Rafaella Carra. El buen humor no está reñido con la seriedad de hacer las cosas de forma rigurosa.

Con la cantidad ingente de personajes ilustres jamaicanos que “han pasado por vuestras manos”, seguro que se han originado infinidad de anecdotillas curiosas. ¿Podríais elaborarnos un top 5 incluyendo las más destacables y/o singulares?

David: Recuerdo una entrevista telefónica de unos 40 minutos con Style Scott, él en Kingston y yo en Barcelona, él fumándose un spliff que le hacía eructar a menudo y yo en la redacción de Rockdelux. También recuerdo especialmente la entrevista a Aisha, un miembro de las Twelve Tribes Of Israel, que hicimos en el asentamiento rasta de Shashemene, en Etiopía. El rey del calypso, Mighty Sparrow, nos brindó también una de las entrevistas mas cálidas, simpáticas y completas que recuerdo; así como recuerdo con especial cariño a Toots Hibbert, todo un rasta de la vieja escuela que nos recordaba que no era necesario llevar dreadlocks, pero sí ser una persona limpia por dentro y por fuera; a Roland Alphonso (todo corazón, un maestro) o a Coxsone Dodd, que encontramos casualmente en su estudio de Kingston. También a mi adorado Yabby You y a muchos otros, por lo general cálidos y dispuestos a compartir.

Xavi: Nuestra primera entrevista con Rico Rodríguez de 1999, tuvimos que hacerla en el interior de una furgoneta con una temperatura exterior bajo cero. En el último concierto de la gira europea de 1999 que hicieron Mystic Revelation Of Rastafari en Toulon (Francia), pasé todo un día hablando con ellos en sus habitaciones y sólo grabamos 5 minutos de entrevista. Las horas de interesantes deliberaciones e historias varias quedan en el recuerdo. Una de las entrevistas más entrañables y emotivas que recuerdo es la que hice a Tommy McCook en Saint Nazaire (Norte de Francia) en la primera gira europea de los Skatalites de Agosto de 1992. Por supuesto, todas las entrevistas realizadas han sido grandes experiencias, pero hay personajes como Clement “Coxsone” Dodd (4/1997), Monty Alexander (2/1995), Ernest Ranglin (2004), Yabby You (7/1998), Prince Buster (4/2004), Alton Ellis (8/1995 y 4/2003), Leonard Dillon y Mighty Diamonds (9/1997) o Leroy Sibbles (5/2007), que quizá sean un poquito mas especiales. Y, como no, destacar las que hemos podido realizar en directo desde los estudios de Radio Ciutat Vella con Skatalites (Knibbs, Brevett, Sterling y Cedric Brooks), Shinehead o Kiddus I. Una de las más incómodas fue en la comunidad rasta de Shashemene (Etiopía), donde sólo un “hermano” rasta accedió finalmente a grabar nuestras preguntas, este con muy buen feeling; la tensión era muy palpable. También hemos vivido situaciones extrañas como entrevistar a Junior Murvin (2/2007) mientras no quitaba ojo a un partido de fútbol en televisión, la primera entrevista con Lloyd Knibbs y Lloyd Brevett (8/1992) mientras “gorreaban” spliffs a todo skinhead que se acercaba a verlos o nuestra negativa a la entrevista demandada por la manager de Desmond Dekker debido a su estado etílico, completamente negativo para cualquier tipo de conversación. Lo cierto es que, para la cantidad de entrevistas que hemos hecho, las anécdotas son bien pocas.

Los jamaicanos tienden a reflejarse a sí mismos como esclavos africanos exiliados (maroons) y contemplan Etiopía como su origen remoto. Ya que estáis actualmente implicados en un proyecto de cooperación en dicha tierra, ¿podríais explicarnos en qué consiste Mabrak, cómo surgió y qué tareas desempeñáis en él?

David: Mabrak es un proyecto que retomamos intermitentemente, cuando tenemos tiempo y capacidad para ello, que tiene como objetivos básicos dar una ayuda objetiva y real – no sólo simbólica – a la población de Etiopía, al tiempo que damos a conocer la cultura que une a los jamaicanos, los africanos en la diáspora y a todos nosotros con ese país y África en general; un sustrato cultural que nos habla de la historia oculta – que se ha querido ocultar expresamente por prejuicios raciales e históricos -, la raíz de la humanidad y su misión trascendente. Todo ello se ha concretado en Jamaica en la aparición del rastafarianismo como culto de adoración a Haile Selassie I de Etiopía, coronado como emperador en 1930, pero ese sustrato es mucho mas rico y amplio, de igual manera que el cristianismo es mucho más que la historia del pesebre en Belén de Judea. Desde 2002 estamos enviando ayuda a Etiopía y ahora nuestro compromiso se haya estrechamente ligado al de AFNE (Asociación de Familias de Niños y Niñas de Etiopía), que ha surgido progresivamente de aquellos que hemos adoptado niños en Etiopía y queremos reforzar nuestro compromiso con ese país y su gente; el proyecto se concreta en la construcción de un gran orfanato en Kombolcha, que acogerá a todo tipo de niños en situación de desamparo, vayan a ser adoptados o no, donde recibirán educación, alimentación, formación laboral y atención sanitaria. Al tiempo estamos colaborando en la escolarización de algunos niños en una escuela para niños sordos. Todo el dinero que hemos recogido lo hemos hecho con la colaboración y el soporte indispensable de colectivos del ámbito reggae como Hot Shots, One Blood, Reggaeland, Nyabinghi, Leones Humildes, Jah Macetas, Stereotone y muchos dj´s, cantantes, particulares… En fin, no quisiera dejarme a nadie, todos forman parte del proyecto.

Tuvisteis la oportunidad de ver editado el recopilatorio “Roots In Session” (K Industria, 2005), que realizaba un repaso a lo más granado de la música autóctona jamaicana de todas las épocas, con temas exclusivos, versiones inéditas y jingles (alocuciones) de bandas y solistas afines al programa. ¿Supuso el doble compacto la rúbrica a una etapa o se trataba de retratar la escena en una instantánea?

Xavi: La verdad es que llevábamos años queriendo editar un disco en condiciones, pero la idea no surgió de nosotros, sino que nos la propusieron desde Red Judith, Just y Xavi. Querían editar un cd de reggae aprovechando la disponibilidad de los sellos que distribuían: Moll Selecta y Wackies básicamente. La cosa acabó en un doble cd, con un segundo disco donde colaboraron desinteresadamente una serie de músicos y bandas que han estado muy ligados a la historia de Sound System FM. Por supuesto, se incluyó la sintonía de entrada del programa para abrir la selección. Por desgracia y falta de espacio otros amigos no pudieron incluirse en este recopilatorio.

Vuestras colaboraciones regulares para la revista Rockdelux, aparte de hacer las delicias de aficionados y eruditos, acercan hacia los sonidos antillanos a un público quizá más ajeno a estos. ¿Consideráis que la música jamaicana ha alcanzado ya su cénit en nuestro país o aún es posible que los mass media y una concurrencia mayor fijen su mirada en ella? ¿Qué será necesario para que este hecho ocurra?

Xavi: Esperemos que no haya alcanzado su cénit, sería terrible. Ha costado mucho que la escena reggae en España vaya creciendo, pero queremos creer que, como mínimo, llegue algún día a equipararse con la del resto de Europa. A los mass media no les interesa el reggae, sólo lo que genere suculentos beneficios. Es aún peor el caso de las grandes emisoras gubernamentales que, con el mismo afán, no reparan en otro tipo de sonido que enriquezca más la cultura musical de este país.

David: Ya sabes, hoy en día lo que suena en las emisoras está comprado, todo tiene un fondo de falsedad bastante asqueroso.

Vosotros y prestigiadas plumillas del calibre de Carlos Monty o Iñaki B.D.F. os involucrasteis en aquel proyecto de libro a propuesta de Charly Brown y Ragnampiza, que dio en llamarse “La Isla del Tesoro”. ¿En qué quedo todo aquello? ¿Existe alguna posibilidad, por remota que sea, de que dicha obra termine por editarse?

Xavi: Todo aquello quedó en un libro de 76 capítulos que lleva muchos años escrito. La última revisión es del 2002 aprox. La propuesta se hizo a petición de Rockdelux y el esquema se realizó entre Ragna y nosotros (David y Xavi). Se decidió que se repartiría el trabajo entre diferentes “entendidos” en música jamaicana de la península. El proyecto quedó finalizado hace ya más de diez años. Actualmente esta maquetado por Charly y en espera que alguna editorial quiera publicarlo. Cualquier ayuda será bien recibida. Más ganas de editarlo que nosotros, no las tiene nadie.

David: El proyecto dio al traste por una coordinación nefasta, pero estamos reactivándolo. Está en las manos de Jah.

No sé si creéis en la reencarnación, pero en cualquier caso os ruego un esfuerzo. Si tuvierais ocasión de reencarnaros en un personaje y en un contexto histórico de la música popular jamaicana, ¿en quién lo haríais y por qué?

Xavi: Yo lo haría en Clement “Coxsone” Dodd, porque ha sido pilar fundamental en el desarrollo de la música jamaicana. Creó las bases del reggae en competencia con otros grandes productores, pero el tiempo nos demuestra que ha sido la fuente de inspiración mas utilizada en todas las décadas del reggae. Si me he de ceñir a una parte de la historia reviviría los sesenta. Fue la década donde tomó forma el sonido propio de Jamaica, donde se pusieron las bases del reggae. Y si te refieres a un contexto más amplio, ve añadiendo años.

David: No lo sé. Es una pregunta muy difícil, creo en la reencarnación pero escoger un personaje, uf! Entre mis preferidos están Joe Higgs, los Skatalites, Alton Ellis, King Tubby, Yabby You, Augustus Pablo, los Abyssinians, Dennis Brown… Y no quisiéramos acabar esta entrevista sin mencionar a los amigos que hoy desde hace años forman parte de Sound System FM, tanto como nosotros dos: Barracuda, Rankin´Rick, Marcus Jr., Ras Lutah, Leones Humildes, Txarly Brown, Joan, Dj Carl y todos los amigos que colaboran con el programa más o menos ocasionalmente. Sin olvidar, evidentemente, a todos los que lo han hecho a lo largo de los años. Como he dicho antes, no queremos dejarnos a nadie, Sound System FM es un proyecto abierto y vivo, dinámico, que esperamos siga renovándose en las ondas muchos años más.

Texto: Larry ACR

Vía: A Little Beat

Rubén David “Morodo” Ruiz es sin ninguna duda el artista de Reggae español más popular tanto en España como en Latino América. Cientos de personas asisten a sus conciertos, en algunos casos incluso miles. A pesar de no disponer de ningún video clip la gente busca en la red cualquier imagen de sus shows o simplemente videos caseros que llegan al millón de visitas con facilidad.

Hablar de Morodo es hablar de un fenómeno dentro de un estilo minoritario como es el Reggae en español.

Por supuesto este éxito también ha comportado críticas por parte de aquellos que lo acusan de no poseer un bagaje suficientemente amplio dentro del Reggae a lo que Morodo responde “Tampoco soy el típico cantante de Reggae, o sea, si me dedico al Reggae y hago Reggae pero al uso no soy un cantante de Reggae clásico. Vengo del Hip Hop y mis influencias se me notan por todos lados. Me gusta el Reggae, vivo Reggae y siento Reggae pero mi cultura no es el Early Reggae, mi cultura es digital.”

Hablamos sobre sus inicios dentro de la música y me cuenta que sus primera experiencia fue acompañando a su hermano mayor a la batería, con tan sólo 11 años, dentro de un grupo de Rock . Después empezó a interesarse primero por el Rap nacional “Con 12 o 13 años empezaron a llegar las maquetas de Zona Norte Posse, Geronación, Jauría, La Puta Opepé, …” y más tarde por los sonidos que llegaban desde fuera de nuestras fronteras  “A partir del 95 empecé a conocer Rap masivo: Mad Flava, KRS One, Daddy Freddy, Super Cat, … y todo lo que venía de Londres realmente, movidas de Junglemuffin que le llamábamos nosotros. Luego de repente con KRS One apareció Mad Lion, con Mad Lion vino Buju y ya empezar a tirar.” A estas influencias hay que sumarle las latino americanas “Me acuerdo que había un chavalito que era de Puerto Rico y trajo maquetas de allí. Que si remixes de Dj Playero, que si Pablito,… cositas así ¿no? Y empezamos a oír a Mexicano, a Eddy Dee, … y con Puerto Rico, tirando de la manta, buscando líricas en español, antes del Internet, dimos con el reggae Panameño. Como ves, mi primer contacto con el Reggae fue lo que se hacía en Puerto Rico y Panamá y el Raggamuffin de Londres.”

Le pregunto si recuerda la primera canción que escribió, sonríe y me contesta “La primera canción iba de estar en la calle. Me acuerdo que éramos un grupo que nos juntábamos en un rinconcete del barrio, no se, teníamos 13 años. Molaba, era así medio Raggamuffin medio Rap. Iba de fumar porros básicamente, de estar en la calle con mis colegas en la esquinita fumándome los petas de puta madre.”

Actualmente internet nos permite poder hacernos una idea de la repercusión que un artista tiene mediante el número de visitas que sus videos generan o la cantidad de entradas que puedes encontrar sobre él en los buscadores. En su caso hay casi el mismo número de entradas con su nombre que las que genera un artista como Capleton “Procuro no verlo. Es como un gran gracias, me da buen rollo pero tampoco quiero enterarme.”

“He tenido alguna época que me ha dado por mirar en Internet y he visto cosas y de repente o me he enfadado y me he puesto a escribir canciones que luego he tirado o otras veces como que si es muy bueno muy bueno como que te acomodas, yo no quiero entrar en eso, ¿sabes?.”

“Si  algo así me influyeses entonces en vez de estar haciendo música estaría paseando para que me viesen y eso por encima de mi cadáver.”

Otro de los temas claves para entender la música de Morodo es el vínculo que existe con la religión cosa que me aclara rápidamente “Rastafari no es una religión es una doctrina,  si hablásemos de religión ya estaríamos jodidos. Hablamos de espiritualidad y fortaleza y de saber interpretar la historia y cuando sabes interpretar la historia descubres que te han intentado engañar y empiezas a ver el resto del plan”.

Tal vez en Latino América, donde la religión tiene un papel más importante en el día a día, se vea de forma distinta pero en España que una persona joven sea creyente actualmente resulta extraño, y que además sea rasta resulta sorprendente para la mayoría “También ten en cuenta que en España al haber pasado la dictadura, con la influencia católica que hay y con ese díos castigador, la gente le tiene fobia. En España cuando hablas de algo espiritual se confunde con la religión que aquí es el catolicismo, el Papa… y todas estas movidas. La gente aquí no lo entiende, en Sudamérica la espiritualidad está más extendida que es de lo que hablamos, de un crecimiento interior.”

“Es una evolución, un aprendizaje,… es como leer la letra pequeña de las cosas. Esto es de otra forma, esto ha pasado, … aquí nadie me está exigiendo nada, me tengo que exigir yo.”

Sobre como una persona en España puede ser rasta, su respuesta es clara “por lo mismo que puede ser violinista, porque lo siente.”

Hablamos sobre la actualidad de la isla y los problemas que algunos artistas están teniendo con la justicia como Vybz Kartel por tenencia de armas, Lexxus acusado de violación, recientemente Ninjaman acusado de asesinato y el que tal vez ha levantado más comentarios, Buju Banton detenido por supuestamente intentar comprar cocaína en Estados Unidos “No creo que este sea el eje de la movida. Luego si hablamos que esto está pasando dentro del Reggae, bueno no, son ciertas personas.” Y aclara

“Por ejemplo de Sizzla se ha dicho de todo, yo he conocido a Sizzla y el tío es un tipo de super buen rollo y super real. Y cuando el tío necesita sus 5 minutos de tranquilidad el pibe se aparta del grupo y hace su movida y vuelve, es un tío normal.”

A cerca de su relación con Sizzla me cuenta “Fattis (dueño del sello Xterminator) siempre me ha dicho de ir a grabar a Jamaica y yo siempre le digo que yo estoy trabajando en España. La otra vez que Sizzla venía a Madrid para realizar un concierto y que le negaron la entrada al país yo me tiré parte de la noche con Fattis en el aeropuerto. Entonces la cosa se quedó un poco allí, queríamos conocernos pero no fue posible.”

“Esta vez, Fattis me llamó por si quería participar en el Show de Barcelona y nada, por la noche Sizzla me invitó a compartir un momento en el escenario.”

Antes de empezar con la entrevista he podido escuchar algunos de los temas del que será su tercer disco,  se le nota satisfecho con el resultado. “Es muy Morodo en general. Porque vuelvo al 4X4 que lo había dejado un poco apartado, hay ritmos que se acercan un poco al R&B, hay otros ritmos más Rap clásico. De este que me gusta a mí, rompecuellos de esos, hay un par de Nyahbingis y un par de Digitals. Luego hay alguna adaptación de ritmos jamaicanos. En general todo es muy New Roots.”

El primer single del disco, Rap´n´Party,  es un tema festivo “Habla de cómo tendría que ser una fiesta de verdad, con gente pasándolo bien y sin malos rollos.”

A medida que vamos escuchando los temas del disco me comenta como a sido el proceso de grabación “El plateamiento a nivel de producción es totalmente distinto a lo que había hecho hasta ahora. Todos los ritmos están hechos  con instrumentos, es otro tipo de sonido. Lo que antes hacíamos en 20 pistas ahora a lo mejor son 90 porque tenemos platillos, triángulos, el bajo, los vientos, las coristas. Pero también hemos querido mantener el color de “Cosas que contarte”, mantener un poco la línea.”

“Estoy cantando de una forma más global, canto un poco más a todo. Las letras son más maduras. Los temas son mucho más sociales y generales. Antes a lo mejor hacía una canción y abarcaba 3 o 4 conceptos en una sola canción, ahora abarco bastante más pero voy a un caso concreto y lo desarrollo.”

En el apartado de las producciones se ha rodeado de la gente con la que ha estado trabajando durante estos últimos años “Hay un par de producciones de Ras Kuko, de Minott’n'DoctR con Ranking Soldiers como banda de estudio y de Iman que es un colega de Torrejón.”

Es un disco con bastantes colaboraciones, en total 4 más una intro realizada por el cantante de Potato “Hay sorpresas de última hora y cambios. Por ejemplo iba a trabajar con Anthony B pero se me van las fechas y lo voy a dejar para más adelante. Hay una colaboración con Tony Rebel, Almirante, Kafú Banton y Dompa y la intro de Paco Pecao (Potato). También lo quise hacer porque estaba por la zona y hay buen rollo y para mí Potato, no es que sea lo más raper del mundo, ¿verdad? pero es de toda la vida, son nuestros Culture. (risas) También es un link generacional que me gusta mantener.”

Tras la entrevista volvemos a repasar algunos de los temas que ya habíamos escuchado y algunos que aún no están terminados,  me explica la historia que esconde cada una de las canciones del disco y hablamos sobre como le ha influido los casi 2 años que pasó en Venezuela tanto en la forma de expresarse como en algunas de las letras de las canciones.

Para terminar me pone la instrumental que cerrará el disco y me comenta su idea de hacer una mezcla cantada de todas las líricas del disco sobre este ritmo así como incluir un Remix del Single de presentación y un par de versiones Dub de otros temas del disco.

El nuevo disco de Morodo será editado por Taifa y está previsto que esté a la venta a partir de Marzo de 2010.

Texto y fotos: Leggo

Yo me imagino que cuando las figuras del reggae se topan con un periodista armado de grabadora y una retahíla de preguntas, deben sentirse elogiados al sentir su labor respaldada por la dedicación de los fanáticos del estilo. Pero si extraña será su sensación al respecto, no podéis figuraros que demonios se le pasa por la cabeza a un tipo que casi los idolatra y que cuando pensaba que iba a hacer una entrevista, se encuentra con una conversación de lo más amena, que divaga sobre cuestiones mundanas, con la salvedad de que los otros involucrados son historia viva de la música jamaicana. No me enrollo más…

Solíais trabajar para el legendario Studio One, para Harry J e incluso para el Black Ark de Lee Perry. ¿Había grandes diferencias en el tratamiento recibido por parte de los productores y en el sonido que producían unos y otros?

L.S. (Leroy Sibbles) – No grabamos para esta gente en la actualidad, sí en el pasado. Pero estas grabaciones se mantienen vigorosas y siguen siendo apreciadas. Es vida y lo vivimos. La vida tienes sus altibajos y hemos pasado por ellos.

B.L. (Barrington Llewelyn) – The Heptones es la fundación. The Heptones han estado construyendo la música reggae y la cultura en Jamaica. The Heptones ha sido una parte de la construcción de la cultura, de la que proviene el dancehall hoy día. Nos seguimos moviendo y creciendo. Estamos aquí por nuestro trabajo. Y cuando los jóvenes artistas vienen aquí y dicen que el dancehall es lo más duro, la fundación son las raíces.

L.S. – Somos los pioneros de la fundación. Somos los creadores de la música reggae. (Irrumpe a canturrear) No me puedes quitar eso a mí.

Formar una banda para un joven jamaicano en los sesenta: ¿era el único modo de ganarse la vida de un modo honesto, aún a pesar de las ínfimas cantidades que pagaban los productores?

L.S. – Mira, en Jamaica tenemos abogados, doctores y de cada campo. Así que los jóvenes no tienen la necesidad de dedicarse a la música. La gente que se relaciona con la música es especial. Están aquí para desempeñar este trabajo. Como los jóvenes que estudian para ser doctores o abogados: están hechos para ello. Estamos aquí con un propósito. Todos y cada uno de nosotros.

B.L. – ¡Hazlo y disfrútalo! Sabrás para lo que estás aquí cuando lo ames.

L.S. – Nadie te fuerza a hacer lo que haces. ¿Alguien te fuerza a hacer lo que haces?

No, por supuesto.

B.L. – Si te hiciera daño, ¿lo habrías elegido?

Si me hiciera daño, trataría de evitarlo.

L.S. – ¿Ves a los ladrones y los pistoleros? Es una elección también. ¿Ves a la policía? Es una elección. Es un modo de vida. Todo el mundo tiene su elección. Y te pagan por tu trabajo. Todo comienza por una mota de arena o una gota de agua y se transforma en un río. Si sigues haciendo esto, construirás algo positivo. Económicamente también.

Al echar un vistazo a las fotografías de la banda tomadas tiempo atrás, observamos una apariencia similar al grupo de Curtis Mayfield: The Impressions o The Miracles de Smokey Robinson. ¿Era el rocksteady en realidad un modo de reinterpretar el soul americano desde un prisma jamaicano?

L.S. – Así es como comenzamos: escuchando a esta gente que acabas de mencionar. Curtis Mayfield era una de mis ídolos. Crecí con él y así fue como pensé involucrarme en grupos: amo escuchar armonías, amo crear armonías. He creado un montón de armonías en Studio One. Esas bonitas canciones: Satta Massagana. Yo creé aquello. Las armonías son la fuerza. Un sonido es solo. La armonía es una combinación de sonidos. La combinación total crea la música completa. La armonía con una bonita melodía es una de las cosas más dulces, como escuchar a los ángeles.

B.L. – Yo escuché a Smokey Robinson, a gente como Fats Domino. Nosotros creamos algo nuestro, como The Heptones. Fuimos el esqueleto de la música jamaicana, una parte de ello, lo llames rocksteady, lo llames ska, lo llames reggae, lo llames dancehall…

¿Qué hubo tras la breve mudanza en 1973 a Canadá? ¿Se debió a asuntos de grabaciones o fue un modo de escapar de la crisis política que azotaba la isla?

B.L. – No tiene que ver con la crisis política. Lo puedes nombrar de diversas maneras: nuestro deber es acabar con la controversia política. Sin preferencias políticas, sin colaboracionismo, sin discriminación.

L.S. – En otras palabras, somos animadores. Cuando escuchas la música de The Heptones, lo que escuchas es amor. Y es por lo que estamos en esto: estrictamente por amor. Entretenemos incluso a los políticos. Cantamos para el PNP y cantamos para el JLP, porque esa “p” se refiere a la gente (“people” en inglés). Cantamos para la gente a lo largo del mundo.

Resulta obvio que los europeos aprecian vuestro estilo, de otro modo no hubierais actuado esta noche aquí. Pero, ¿siguen los jamaicanos prestando atención a los grupos gloriosos del período rocksteady como el vuestro o sólo tienen oídos para el dancehall y el new roots?

L.S. – El ochenta por ciento de los jóvenes están involucrados en el dancehall y todavía vienen a escuchar nuestro material. Así que tenemos un cuarenta por ciento y hay veces que aumenta hasta el sesenta porque la gente del dancehall viene a escucharnos algunas veces también. Seguimos grabando lo original y lo mejor.

B.L. – El dancehall no puede sobrevivir en solitario.

L.S. – Debes comenzar para tener una continuación.

B.L. – Las raíces son las raíces. Las ramas y las hojas no pueden vivir por su cuenta.

(Risotada general)

En un documental catalán de reciente producción (“Rico Rodriguez – The Legacy”), hemos escuchado a Rico decir que tienes que ser jamaicano para interpretar el reggae correctamente. ¿Estais de acuerdo con esta afirmación?

L.S. – Yo diría que tienes que ser talentoso para la música. Si eres realmente talentoso y suficientemente paciente para escuchar… No es algo que haga la gente y tú te unes para estar involucrado. No funciona. Primero debes tener talento: eso ayuda un montón. Debes tener oídos. Gente que es ciega parcial o totalmente, si están dotados para la música, interpreta la música más estupenda que hayas oído jamás. Tienen un oído más fuerte. Si cierras los ojos, comienzas a depender de tus oídos. Nunca debes susurrar a una persona ciega. Quizá te escuche. Esos oídos se vuelven sus ojos. Hay una banda en Jamaica llamados Fab Five. Todos están visualmente impedidos, pero tocan una música genial.

B.L. – Giramos con ellos por Japón.

L.S. – Tocan cualquier cosa, cualquier música: disco, rocksteady, jazz, reggae, calypso, soca. Cualquier estilo, lo clavan. El batería, Groove Cooper, puede imitar casi a cualquiera que cante una canción en la actualidad. Si alguna vez tienes oportunidad de escuchar un directo o álbum suyo, óyelo.

Texto: Larry ACR

Fotos: www.dizzybeatnetwork.com

Vía: A Little Beat

Linval no es artista de la primera plana mediática. Su apellido no se inscribe en el registro de celebridades entre los Cliff, Marley o Tosh. Y sin embargo y pese a ello, su trascendencia no admite discusión, tanto su faceta de vocalista roots a finales de los setenta y comienzos de los ochenta, como la reconversión en productor del incipiente dancehall ochentero. Su reciente gira en nuestro país fue, para muchos de sus seguidores (entre los que me incluyo), la materialización de un sueño que creíamos irrealizable. Pese a las dificultades que intentaron trabarnos el paso, logramos acercarnos a él, despejar algunas incógnitas sobre su trayectoria e indagar el porqué de su invisibilidad discográfica durante los dos últimos decenios.

Como adolescente, comenzaste a trabajar con la flor y nata de la producción jamaicana, de uno de cuyos productores, Phil Pratt, se dice que te enseñó a desenvolverte en un estudio. ¿Es esto cierto? ¿Cuál fue la mejor lección que aprendiste de Phil Pratt?
No, fueron Bunny Lee y Lee “Scratch” Perry. De ellos aprendí la mejor lección.

Suele decirse que portar dreadlocks no te hacen rasta, ya que es más un asunto de corazón, una manera de sentir, pensar y comportar de un modo puro, que un código estético o un corte de pelo. Entonces, ¿por qué titulaste su single más reconocido “Don´t Cut Off Your Dreadlocks“?
Solía cantarlo en los setenta, un tiempo en el que losdreadlocks estaban por todas partes y eran puros y limpios, no como ahora: todo ha cambiado, el mundo ha cambiado. Tienes que ser dread y mantener tu corazón limpio.

Como rasta que eres, me gustaría preguntarte por algo que siempre ha despertado mi curiosidad. Si Haile Selassie fue coronado tiempo atrás y concedió a los rastas etíopes el territorio de Shashamane para establecerse como comunidad autogestionada apenas a unas millas de la capital, Adís Abeba, ¿por qué seguís esperando a la repatriación, si podéis acudir a Etiopía cuando gustéis?
Es el mismo caso: el mundo ha cambiado. Seguimos luchando contra babilonia, porque babilonia se mantiene.

Estoy de acuerdo con tu canto que reza “la paz es la pregunta y el amor, la respuesta”, pero ¿será posible alcanzar un mundo regido por la paz, el amor y la solidaridad entre seres humanos, en el que cada uno de nosotros trate de aprender y comprender a sus semejantes? ¿No opinas que nuestra mentalidad aún debe reconfigurarse para pensar, no exclusivamente en términos monetarios, sino en términos de disfrutar la vida sin dañar a nuestros hermanos o al medio?
De nuevo recuperamos a babilonia. Babilonia intenta luchar para dominar y ese es el principal problema. Babilonia no quiere ver a los pobres vivir en armonía, quiere que combatamos entre nosotros para controlarnos. Esto es lo que se mantiene: babilonia.

A comienzos de los ochenta detuviste la edición de tus propios álbumes, que había sido abundante durante el ocaso de los setenta y te adentraste de lleno en la producción de unos cuantos artistas de dancehall, léase Wayne Wade, Johnny Osbourne, Trinity o Barrington Levy. ¿Por qué adoptaste esta decisión? ¿Se debió a que tú te percibes a ti mismo más como un artista de roots que de dancehall ?

Siempre fue música roots y traté de apoyar a los jóvenes artistas a abrirse camino en el negocio, porque de otro modo nadie los hubiese ayudado. Así que vi la oportunidad de ayudar a la juventud en aquella época y traté de grabarlos y promocionarlos en Londres y funcionó.

Estamos habituados a ver luminarias del calibre de U Roy, Jimmy Cliff o The Skatalites girando frecuentemente por los cinco continentes, mientras otros jamaicanos apenas son vistos en los escenarios, como es tu caso. ¿Cuál es la razón de que formes parte del último grupo y no seas un integrante del primero?

Todo ocurre cuando llega su justo momento y este es el tiempo para todo.

Varios seguidores de la música jamaicana opinan que Lee “Scratch” Perry es un genio que se ha tornado en loco tras aquel incendio que asoló Black Ark Studio, pero en mi opinión él interpreta esa identidad para buscar notoriedad y reclamar la atención de la gente. ¿Piensas que Perry ha perdido el juicio o es aún consciente de lo que hace?

Creo que es consciente, no te preocupes por él. ¿Lo has visto mendigando? Los locos mendigan. Él no hace eso, por lo que no está loco.

Hemos tenido ocasión de leer recientemente como Lord Tanamo, voz solista en algunas composiciones de The Skatalites, ha perdido recientemente el habla como consecuencia de una embolia y que ha sido abandonado en un hospital canadiense sin más atención que la de su propia familia. Es una verdadera lástima que tantos artistas hayan sido relegados al olvido por parte de sus seguidores, como es el caso de Junior Byles. ¿Por qué permiten sus seguidores que ocurra esto hoy en día sin cuidar debidamente de los artistas?

La gente no se une, ese es el problema. En Jamaica están en este momento tratando de emprender una especie de compañía para ayudar a los artistas. Se está constituyendo como un grupo de artistas, como un club para ayudar a los artistas que están enfermos y asuntos así.

Has retornado recientemente a la escena editando un álbum que responde al título de “Ghetto Living” (Thompson Sound Jamaica, ´09). ¿Sigues habitando el gueto en la actualidad? ¿En qué sentido ha cambiado éste con respecto a como era en las décadas de los sesenta y setenta?

No creo que haya cambiado realmente: creo que ha ido a peor. La gente se mata hoy en el gueto. A comienzos de los setenta no estaba tan mal. Vivir en el gueto es algo real, demasiado real. Debes ser duro para vivir en el gueto.

En esta pregunta, me gustaría pedirte que dejaras volar libre tu imaginación. Si todos y cada uno de los músicos jamaicanos estuvieran vivos y tuvieras ocasión de elegir entre todos ellos, ¿qué músicos seleccionarías para girar tu más reciente álbum a lo largo del mundo?

Iría con los Roots Radics.

Texto: Larry ACR

Vía: A Little Beat

Algunos le consideran el precursor del hip hop. Aunque quizá se trate de palabras petulantes, lo cierto es que Daddy U Roy es un personaje trascendente en la historia musical de esa islita caribeña que nos arrebató el corazón. Hugh Roy fue un pionero. Una figura eminente. El primer deejay, en la concepción jamaicana del término, en editar plásticos en siete pulgadas. El hombre bajo el sempiterno sombrero de copete y terciopelo nos hablo largo y tendido sobre productores, rude boys o su confesada admiración por Count Matchuki.

Se te conoce frecuentemente como The Originator, pero sabemos de la existencia de deejays antes de tu aparición, gente como Count Matchuki. ¿Qué puedes contarnos sobre los incipientes sound systems y los comienzos del fenómeno deejay?

Cuando estaba en el colegio, Count Matchuki era uno de mis deejays preferidos. Solía cantar para Sir Coxsone Sound System y luego se marchó con Prince Buster. Donde vivía, había unos cuantos dancehalls alrededor, así que estando en casa, oía cada palabra: King Stitt, King Sporty, Curtains, Lord Comic…y siento un gran respeto hacia toda esta gente. Estaban en esto antes que yo. Pero si consideramos el hecho de registrar la música en cintas, fui el primero en hacerlo y nadie lo había hecho antes. Incluso, Count Matchuki, que es mi ídolo, me decía a mi mismo: ¿Cómo puede ser que este hombre no tenga un disco editado? Él también comenzó a grabar, pero nunca tuvo un éxito. Siempre me preocupó que este hombre tan inteligente no tuviera un éxito. Así es la vida. Me considero afortunado en cierta medida: quizá estoy aquí para hacer algunas cosas que se supone que nadie va a hacer.

Has reconocido en varias ocasiones que notabas el apoyo de la gente en la calle a finales de los sesenta y principios de los setenta. ¿Podrías relatarnos una anécdota que refleje tu popularidad de aquellos días?

Cuando hice mis dos primeras canciones con Duke Reid para Treasure Isle, solía tener una moto pequeña y cuando estaba conduciendo, aparecía un joven al otro lado de la carretera y me estrechaba la mano, así que me veía obligado a parar. Y me decía “¡Oh, eres tan grande, tan arriesgado!”. Soy una persona introvertida, tímida en cierto sentido. Y me encontré con gente que me decía cosas bonitas, me animaba. Cuando la gente te reconoce y te aprecia, tienes que respetar lo que esta gente opina. Cuando comencé no tenía ni la menor idea de que estaría hoy aquí hablando con jóvenes como tú sobre esto. Luego hice que “Wake The Town” y “This Station Rules The Nation With Version” sonaran en la radio. Hasta entonces, el deejay decía “Este es Ken Boothe o este es Junior Murvin”. Así que para un deejay tener temas en los puestos uno, dos y tres del top ten, era un milagro en la época. No podía creerlo, pero disfrutaba de lo que me estaba ocurriendo. Fue una bendición del más altísimo.

El período 2 tone que aconteció en Inglaterra hace tres décadas logró que todo el mundo hablara de los rude boys como jamaicanos inteligentes, respetables y que vestían in polutos. ¿Quiénes eran los rude boys en realidad y cómo se comportaban estos en los dancehalls?

Claudie Massop, Bucky Marshall…no había excesiva violencia entre esta gente, a pesar de que pertenecían a pandillas distintas. En ocasiones, el dancehall comenzaba pronto y finalizaba pronto, bien por la policía, bien por los rude boys. Empezaba a las ocho en punto y a las nueve y media podía haber concluido. Del mismo modo que podía continuar hasta las cuatro de la madrugada. Dependía de las vibraciones, de quien se encontraba con quien. Cuando eras un deejay en aquel tiempo, estabas protegido por todo tipo de gente mala. A ti, como deejay, como artista, nunca te dañaban. A no ser que ocurriera un accidente, incendio o algo similar. Desde el principio ha habido violencia, pero ahora hay más pistolas en las calles y hay más jóvenes que son muy agresivos.

Suele decirse que los productores pagaban poco o, incluso, nada a los artistas que trabajaban con ellos. ¿Cómo era tu relación con gente como Duke Reid, Coxsone Dodd, Keith Hudson o Bunny Lee?

No es broma, era cierto. Duke Reid fue el hombre para el que hice la mayoría de cosas y no puedo despreciarlo. Aunque haya fallecido. Tenía el pensamiento: vale, mi tema será pinchado el fin de semana a cambio de un dinero para mantener mi casa, comprar mi alimento, el de mis hijos. Cuando me percaté de que mi disco vendía, fui a Duke Reid y le dije: “Duke, al final del día voy a necesitar una casa de mis royalties”. Y la conseguí. No era una casa carísima, pero era cómoda. Muy cómoda. Así que le debo mi casa a Duke Reid en cierta medida. Al resto de productores no les tengo demasiado respeto y esto se debe a que no les gustaba pagar dinero. No aparecían con royalties. Cuando hacías la primera canción con ellos, traían un puñado pequeño de dinero. Propina. Pero en su momento, no significaba un problema para mí, puesto que hacía algo que amaba y no por el dinero, aunque el dinero concede bastante sentido a esto. A productores como “Scratch” Perry o Bunny Lee no les doy pábulo. No me gusta la gente que trata de explotar a otra gente. De pisotearlos. Si no fuera el tipo de persona que soy, habría mucha gente tratando de pisotearme, pero no soy una persona fácil de pisotear. No he ido a un instituto o universidad, mi educación fue elemental, pero te puedo enseñar algo: si la gente te trata de buen modo, trátales de ese modo. Y si viene con modos violentos, trátales así. Nadie puede pensar que me pasara por encima. Hoy en día, todo el mundo en Jamaica sabe quien soy yo y recibo su respeto, por lo que les devuelvo mi respeto.

¿Es el rock steady una “old fashioned way” (una moda pasada) como Ken Boothe solía cantar o es moderno y adecuado para el período actual?

No lo escucho mucho en la actualidad. Alguna gente lo sigue interpretando. Este tema se hizo con Keith Hudson. Él ha fallecido. Creo que fue el primer tema que hice y jamás recibí un penique por ello, a pesar de que no vendió mucho en Jamaica. En aquel tiempo los deejays no estaban reconocidos. Luego hice “Rightful Ruler” para “Scratch” Perry, con Bunny Lee junto a Peter Tosh y no vendió demasiado Cuando empecé a vender, a todo el mundo le gustaban “Where You To The Ball”, “Rule The Nation”. “Old Fashioned Way” no hizo gran cosa en mi carrera, pero fue un comienzo para mí. Debes comenzar de algún modo y estoy contento de que ese fuera mi comienzo.

La irrupción de Yellowman, Josey Wales o Prince Jazzbo a principios de los ochenta condujo a un olvido de gente como King Stitt o Dennis Alcapone. ¿Qué cambió en el ánimo y la cultura jamaicana de los deejays del período fundacional a la aparición del ragga?

Llegó gente con nuevas ideas, que se aprecian lo mismo. La música se transforma de una cara en otra. Pienso que la música no tiene color, clase o raza. Yo creo en la parte cultural de la música. Esto es lo que hacían Josey Wales, Charly Chaplin…respeto el tipo de cultura que trataban de transmitir a la gente. Los amo.

¿Conoces a deejays actuales como Dr. Ring Ding, Tippa Irie o King Django? ¿Cómo te sientes respecto a ellos: como maestro, como fan, como compañero?

Los siento como co-trabajadores, desempeñan la misma labor que yo. Así que no debiera haber rivalidad alguna entre nosotros. Les doy la bienvenida. Hacen su propia historia a su manera y obtienen su dinero Apoyo a estos chicos. No tengo problemas con nadie.

Existe una contradicción clara entre la minoría poblacional que sigue el culto rasta en Jamaica y la cantidad de artistas que dicen sentirse rastas. ¿Cómo puedes explicarlo? ¿Son rastas de verdad o se están beneficiando de este hecho para despachar más entradas de su actuación?

Créeme: hay un montón de gente que se dice rasta y lo hacen por el estilo. Algunos dicen: vale, son las prendas que vestimos ahora. Visten en rojo, verde y oro y cosas por el estilo. Es algo del corazón (y se golpea el pecho para enfatizarlo). Yo creo en ello. Rastafari es una religión. Mi religión. Cuando era joven y empezaba a decir rastafari, ni a mi abuela, ni a mis padres…a nadie le agradaba Pero les dije: nos os digo a vosotros donde debéis buscar y no os discuto vuestra religión, así que…Me decían: no entres en mi jardín vistiendo así. Y yo les respondía: tu jardín no me educa. Y me marchaba. Y cuando tuve mis temas en las listas de éxitos, todos me querían ver. Pero estoy contento de lo que hice. Doy gracias cada día. Ninguna broma. Ninguna falsedad. Es real, desde el corazón. Pero yo no sé nada sobre si el próximo tipo es rasta porque viste rojo, verde y oro. Que vistas así, no te hace rasta. Cualquiera puede hacer eso. Dices que eres rasta, tú serás el juez de eso. El gran jefe lo sabrá realmente. No tienes que portar dreadlocks para ser un rasta. Puedes engañarme a mí, pero no podrás engañar al jefe. No soy el juez. El jefe es el juez. Creo firmemente que un hombre creó a todos los hombres y si cortas tu piel, verás sangre roja, aunque no seas del mismo color de piel.

Se dice que Kingston es la capital mundial del asesinato y el crimen. ¿Cómo es la situación en la isla en la actualidad en comparación con el período en que lanzaste éxitos como “Wake The Town”, “Rule The Nation” o “Where You To The Ball”?

Había violencia, pero no como en este tiempo. Había batalla política y entre bandas. Yo fui joven y fui un pequeño gangster: tenías una panda de tipos con los que solía ir. Pero actualmente es más violento que aquello. Con pistolas en las calles. Pero no lo hago mi problema. Procura no encontrarte en un mal lugar en un mal momento. Esa es mi política. La violencia nos rodea: se disparan pistolas en cualquier lado. En algún lugar no escuchas hablar sobre violencia, porque la ocultan. Los medios tratan de esconderla. Pero hay muchos sitios más violentos que de donde provengo. Donde vivo no tengo problemas y así te lo cuento. Estuve en Israel hace unas semanas. Gaza. Fui a Jerusalem. Hay mucha violencia allí. Cuando no creas problemas, no te preocupas. No me preocupo, porque tengo al gran jefe protegiéndome.

¿Piensas que a través de tu música se puede lograr mitigar esta situación?

No pienso que sea sencillo. Hay violencia en cada rincón del mundo. Ahora es un momento crucial, tiempo de naciones combatiendo a naciones, chavales contra chavales e hijos contra sus padres. No es fácil de detener, sólo podemos intentar decir cosas para tratar de detenerlo: calmaos, no hagáis esto, no hagáis aquello, pero no puedes forzar a la gente. De hecho, hay gente consumiendo crack y les puedes decir: ¡Eh, tío, no fumes crack! Y te dirá que sí, pero cuando te marchas… Así, que debo decir: más paz y amor para todos, porque la guerra es muy desagradable.

¿Qué necesita Jamaica para erradicar la violencia latente?

Hay mucha pobreza. Cuando era más joven solía decir: un hombre hambriento es un hombre enfadado. Así que si alguien se haya verdaderamente hambriento y pobre…no es sencillo erradicar la violencia. Porque cada vez que te encuentras hambriento, robas y cuando robas, la violencia se manifiesta. Se trata de violencia política, estas cosas se encuentran en las cabezas de los políticos. Me predisponen a mí contra ti y a ti en contra mía.

Entonces, los políticos promueven la violencia…

En cierto sentido sí. Hay dos partidos políticos rivales (en Jamaica) y a alguien le agrada ese hombre, pero no le gusta ese otro hombre y genera conflicto. Batalla callejera entre jóvenes: tú combates para controlar este terreno y yo combato para controlar este otro. Si no es una cosa, es la otra. Así que no son necesariamente los políticos, porque también hay violencia entre pandillas rivales. Ahora, hay una generación de víboras. Te puedes esperar cualquier cosa. Yo vivo en el gueto, jamás me he mudado a la montaña. Vivo por mi cuenta en el gueto y me siento muy cómodo donde vivo, porque nadie me molesta. Si algo no se estropea, no lo repares. Así que no me mudo, porque cuando me largo a un sitio lujoso, tengo problemas.

Texto: Larry ACR

Fotos: Urban Image

Vía: A Little Beat

Si te ves en el aprieto de que algún conocido te invite a sugerirle el nombre de una banda de ska estatal, no titubees un instante y apúntales hacia Soweto. La formación barcelonesa es probablemente la mejor en su género: su exquisito respeto y fiel interpretación de los estilos tradicionales jamaicanos, les ha granjeado un lugar de excepción en el panorama estatal. Su último álbum, “You Give Me Fever” (Brixton, ´08), les ha llevado 10 años, pero la espera no ha sido en vano.

Soweto fue, en el período crítico del apartheid sudafricano, una barriada edificada “ad hoc” para reacomodar a los africanos de tez negra que habitaban dispersos entre la multitud. ¿Consideráis que el auge del racismo pasó a mejor vida en el estado español o aún quedan remanentes discriminatorios? En tal caso, ¿cuál/es sería/n la solución/es idóneas para extirpar esta enfermedad relacional?

Pues sí, Soweto es, para todos, referencia de hechos raciales que nos preocupan como grupo que forma parte de esta sociedad. Ahora hay mucha más consciencia racial que por aquel entonces y esos conflictos en la actualidad quiero creer que quedan muy lejos, pero por desgracia aun hay muchos pasos que recorrer para mantener ese equilibrio entre razas. La solución, pues ya nos gustaría saber, quizá nuestra música!!! ¿No? Es difícil meterse en la piel de cada uno o muy fácil si llegas a entender que sólo somos personas de igual a igual.

10 años os ha tomado elaborar el primer trabajo en formato larga duración. ¿Pereza, escasez de oportunidades u obsesión enfermiza por la perfección?

Casi, casi 10 años jeje. No lo sabemos. Siempre, según toda la gente que nos sigue, ha sido nuestra cuenta pendiente. La verdad, pereza no hemos tenido nunca, supongo que sino no estaríamos aquí. Lo que si tenemos es ganas de hacer las cosas bien y no de cualquier forma: a Soweto, ya en sus principios, le costó mucho salir a escena debido a las ganas que teníamos de no hacer lo que veíamos más común entre las bandas, cuatro canciones y venga a tocar!! Nosotros necesitábamos estar realmente seguros de que todo iba a ser, según nuestro punto de vista, lo más correcto y creo que por eso “You Give Me Fever” nos ha llevado el tiempo que decías.

Me imagino que en vuestro bagaje como banda, la escena jamaicófila barcelonesa habrá sufrido modificaciones sustanciales, para bien o para mal. ¿Cómo recordáis vuestro período inicial (las bandas con las que mantenías relación, las actuaciones, los fanzines que entonces se publicaban…)? ¿En qué ha mejorado y en qué ha empeorado el panorama barcelonés (catalán si lo queréis)?

Ha mejorado mucho. La gente tiene una cultura de la música jamaicana muy extensa, para nosotros era impensable con 16 años comprar singles sin moverse uno de su casa. Cualquier información que nos llegaba, era como oro para nosotros y ahora uno se puede poner al día en cuestión de horas y a veces eso implica, en muchos casos, cierta pedantería que no acabo de entender, pero mola!!

Llama poderosamente la atención lo rigurosa que es vuestra recreación de los ritmos jamaicanos tradicionales y más específicamente el ska. ¿Nunca os habéis planteado incorporar a vuestro repertorio otros estilos de música afroamericana o ampliar la franja de la música jamaicana que tratáis? ¿No os limita esta restricción estilística el campo de acción?

No negaremos que el ska es la tendencia musical jamaicana que más nos gusta, pero nos gusta mucho la música negra en general. Es por eso que intentamos incorporar en nuestro repertorio sonidos que van desde el ska, rock steady, r&b, soul, reggae y… ¿quién sabe? Lo que si es verdad es que nunca abandonamos la raíz de los sonidos jamaicanos como fondo de plato.

En vuestro más reciente trabajo contáis con la participación de un elemento fundacional como Harry “BB” Seaton, del terceto The Gaylads. ¿Cuál es vuestra grabación predilecta del triunvirato jamaicano? ¿Cómo se gestó la colaboración?

¡¡Muy grande!! Para nosotros fue toda una experiencia trabajar con él. The Gaylads siempre ha sido una referencia para nosotros gracias a discos como “Soul Beat” de Studio 1 y a la que tuvimos la oportunidad de contactar con él, se nos puso todo de cara.

Hace dos años más o menos, nos fuimos un grupito de gente hacia Londres para presenciar un concierto llamado “Ska to Reggae” si recuerdo bien, el cartel era: The Gaylads, Eric Morris, Dennis Alcapone, Larry Marshall, etc…y cosas de la vida nos llevaron a entrar en el recinto del concierto antes de la apertura de puertas e incluso de las pruebas de sonido y, claro, ahí estaban todos. Por aquel entonces empezó nuestro contacto con BB Seaton.

¿Intervendrá el vocalista jamaicano en alguna de vuestras actuaciones en escena?

¡¡Pues nos gustaría mucho!! Y algo me dice que puede pasar algo pronto. Con BB Seaton seguimos en contacto y todo puede pasar.

Del mismo modo, habéis tenido ocasión de coincidir con otras luminarias como Dave Barker o Rico Rodríguez. ¿A qué solista le compondríais un álbum entero instrumental para que él o ella lo voceasen a su antojo y por qué?

Joeeeeeer!! ¡¡Vaya pregunta!! Pues con muchos la verdad, pero si nos tenemos que quedar con uno, no sé, estaríamos entre Prince Buster, Stranger Cole o Eric ‘Monty’ Morris. ¡Y si puede ser los tres!

Vuestra actual compañía, Brixton Records, os promociona como “posiblemente el mejor trabajo de música jamaicana primigenia editado este año en el estado”. Como supongo que estaréis al tanto de lo que las bandas coetáneas editan, ¿cuál ha sido la formación que más os ha sorprendido en estudio en los últimos tiempos? ¿Y en escena?

Una de las bandas de hoy en día que nos ha sorprendido y nos ha gustado y mucho, han sido los californianos Hepcat. En sus grabaciones trabajan muy bien y lo jodido es que trabajan igual de bien su directo. Es una banda actual de referencia para nosotros.

Hace unos meses tuvimos ocasión de contemplar una actuación vuestra interpretando en directo la versión “Mr.Talkative” para la televisión catalana BTV, un hecho bastante inusual para un conjunto de vuestro estilo. ¿Cómo ha sido, a lo largo de estos dos lustros, el trato de los medios, tanto los independientes como los más oficiales, hacia la banda?

¿Trato? La palabra trato es cuando hay algo. ¡Los medios no nos han tratado nunca! Y si nos han tratado ha sido sin saberlo nosotros. En la única ocasión fue en Barcelona TV mediante un conocido. En esta vida, si no tienes padrinos…es lo que hay. ¡¡Pero pronto nos verán en antena!!!

Percibido desde el exterior parece que, aunque se ha avanzado notablemente, el ska, el rock steady y el reggae siguen siendo estilos muy minoritarios en cuanto a repercusión mediática, programación en las salas y festivales y arraigo de la cultura jamaicana en líneas generales. ¿A qué lo achacarías? ¿Es deseable que estos estilos logren una presencia estable en los mass media u optaríais por seguir disfrutándolos eternamente desde un “reducto para privilegiados”?

El momento musical de la península, al menos desde nuestro prisma, no es muy bueno, debido quizás a los medios de comunicación y a las pocas subvenciones que se reciben desde las autoridades. Se han olvidado de la base de todo esto y pasan por alto la esencia de la música en directo. Lo único que es viable para todos hoy en día es hacer dinero, si no hay dinero, ni te miran. Si de golpe haces dinero con lo que sea, eso cambia las cosas. Y, claro, así no se va a ningún sitio, sobretodo los melómanos como nosotros, que en el fondo nos gusta ser y estar donde estamos. ¡¡Mola ser freaky!!

Vamos a colocaros en la siempre complicada tesitura de un promotor de eventos y no necesariamente de música jamaicana. ¿Qué artistas completarían un cartel diseñado por vosotros y dónde celebrarías tal evento?

Pues Prince Buster, Stevie Wonder, Madness y Soweto sería un buen festival, que se podría hacer actualmente. ¿El recinto? ¡¡Me la suda mientras el evento tire para adelante!! No nos pondremos caprichosos ahora con ese peazo cartelazo. ¿Alguien lo compra?

Texto: Larry ACR

Vía: A Little Beat