En la cuarta entrega de Acoustic Vibes disfrutamos de la presencia de la banda madrileña Emeterians, a los que pudimos ver en concierto acústico junto a Clinton Fearon en Balboa, León, durante la pasada Semana Santa. En esta ocasión tenemos con nosotros una versión reducida de la banda para su formato de concierto acústico, con los tres cantantes principales, Ignacio Carbó, más conocido como Piña, y los hermanos Felipe y María Martín Soares, su guitarrista principal Javibi Martín Boix, y Javi Ochoa (Hot Drop, Blueskank, Tasty Grooves) acompañando con una segunda guitarra.

Nacidos en 2004 Emeterians ya es un clásico dentro del panorama madrileño, sus actuaciones habituales siempre llenan Siroco con su formación completa o en su modo “Versionites”, en una conversación y mezcla continua con bandas como Mad Sensi, Gregtown o Hot Drop. Han tocado en todo tipo de salas, llenando Caracol o Heineken sin problema alguno.

Hace apenas unos meses estrenaron su nuevo disco, “Power of Unity”, el tercero de su carrera, en el que se enmarca la canción que hoy podemos escuchar “Poor some water”. La formación completa cuenta con unos músicos de alto nivel liderados por un trío vocal que bebe de los grandes juegos de voces del roots de los setenta. Como cuarta voz solista en algunas canciones entra su teclista, Carlos Ripoll (Gregtown, Wildstone Band) barítono con influencias que van desde Dennis Brown a Tarrus Riley o Luciano. La guitarra solista, cargada de Blues en sus acordes, corre a cargo de Javibi Martín Boix, (Mongoose Band), mientras que la línea de bajo va marcada por Pablo Cano (Blueskank, Tasty Grooves). Marca la claqueta la batería de Carlos Bueno, Txals (Gregtown) y completan con sus vientos Lázaro Barrizonte y Jose Luis Lázaro junto a el trombonista por excelencia de la escena madrileña, y programador de las noches reggae de Siroco, Marcos Crespo.

Contenidos del programa:

• Rendimos homenaje al legendario contrabajista jamaicano Lloyd Brevett tras su muerte el pasado 3/5/2012.
• Barracuda nos presenta las tres bandas finalistas del contest iberico de Rototom que se celebrará esta sábado en Barcelona.
• Hablamos con Jep Jorba, miembro de Root Diamonds, para presentar su último trabajo “Tot Al Seu Temps”.
• Rankin’ Rick repasa los mejores temas del 2009 en What’s Going On.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel

MAXIMUM RESPECT TO THE SKATALITES ORIGINAL BASS PLAYER!!!. RIP.

La historia de los sound systems pioneros está ya suficientemente bien documentada en otros artículos aunque no parezca que sean capaces de ponerse de acuerdo sobre si el primer sound system fue Goodies, Count Nick The Champ o Tom The Great Sebastian. Lo que está claro es que estos ‘’sounds’’ empezaron como una alternativa mas barata y simple a las actuaciones de bandas en directo, para en poco tiempo generar toda una escena propia que alteraría la jerarquía musical y financiera de la Isla. Los “soundmen” (dueños de los “sounds”) al estar más cerca del fan de a pie (vivían en las mismas calles), eran la personificación misma de esa mezcla tan dispar (una combinación de fan de la música, trapicheador y empresario) que sería el modelo más comun para el negocio de la música jamaicana en los años venideros.

Festival callejero con los principales Sounds y bandas de Ska. 1965

Como la escena de “sounds” empezó de la nada (no había antecedentes a este innovador concepto), no tenía unas concepciones preestablecidas o reglas a seguir, y así, en la atmósfera altamente competitiva de los bailes [Nota: en inglés al igual que en castellano se le llama "dance" tanto al acto de bailar como al lugar en sí donde esto ocurre, o sea en el "baile". Originariamente en salones de baile, llamados "dancehalls" o también "dance lawns" ya que en Jamaica en su mayoría se hacían al aire libre en los zonas ajardinadas,... ) que tenían lugar en aquellos primeros días se las arreglaron para crear sus propias normas. Basta con decir que no sólo estos hombres (y otros como ellos) inventaron el concepto de la "discoteca móvil", sino que se adelantaron en varias décadas  a las escenas de británicas de "northern soul", "rare groove" and "deep funk" y el obsesivo afán de buscar "nuevas" canciones, lo más raras y exclusivas posible.

Count Matchuki, el pionero pinchadiscos del Sound Tom the Great Sebastian afirmaba que fue el quien inició esta obsesión por buscar temas desconocidos al tomar una noche la inusual decisión de poner las caras B de la colección de discos de Tom. Al parecer, la audiencia, al oír estas canciones por primera vez, respondieron con entusiasmo, creyendo que su Sound favorito había desenterrado un tesoro de canciones desconocidas.

Hay que decir que, con la perspectiva que nos da la distancia temporal, esta  historia de la innovación casi accidental de Matchuki bien podría ser una leyenda urbana, un cuento aceptado con el tiempo como verdad de tanto ser citado, pero lo que es desde luego cierto es que los soundmen jamaicanos establecieron ya las prácticas tan comunes de tapar las galletas ("labels") de los grabaciones donde (aparece impreso el nombre del artista y el titulo de la canción) para así confundir a los rivales, cambiar los títulos y viajar miles de kilómetros a los EEUU para obtener discos (a veces pagando grandes sumas de dinero) que, por una razón u otra, no habían sido más que éxitos locales algunos años antes (o incluso fracasos de ventas) en sus ciudades de origen.

Count Machuki

La mayoría de la música que se pinchaba en los Sounds pioneros de aquellos años 50 era R&B (el Rhyhm & Blues original) de procedencia norteamericana. Los jamaicanos lo llamaban simplemente “Blues” y a los bailes por tanto los llamaban “blues dances”. Por entonces, como también ocurre ahora, si el disco tenía el tipo de ritmo adecuado (bailable) se pinchaba sin más, aunque decenas de estos temas del llamado “blues” de aquella época que son considerados como clásicos en los círculos jamaicanos, eran en realidad completamente desconocidos para todos, excepto para los coleccionistas más exhaustivos de Rhythm & Blues.

Después de haber iniciado, y alentado, un objeto de culto para sus exigentes fans (  conocedores y partidarios  ferozmente leales) los “sound men” se encuentran con un obstáculo. Y es que simplemente, para finales de los años 50 los norteamericanos habían dejado más o menos de hacer R&B “tradicional”, y se concentraban en una nueva variante más rápida, más comercial (y nos atreveríamos a decir que más “blanca”). Este emergente estilo, el “Rock & Roll”, no era del todo del gusto de los jamaicanos. Los tempos eran demasiado acelerados y les faltaba ese toque “cool” (ese temple pausado y sin prisa) necesario para los “hipsters” (los personajes que siempre están a la última) de Kingston, y muchos de estos discos eran rechazados en favor del más viejo estilo R&B. Curioso este fenémeno porque es la variante inversa a las escenas que surgirían décadas más tarde en Gran Bretana en las que los fans blancos buscaban discos descatalogados de música negra y donde se preferían casi invariablemente los más acelerados.

A pesar de que era posible conseguir en Jamaica una selección decente de R & B, Jazz, o música Pop, esta no era suficiente como para satisfacer a los obsesivos fans de los “blues dances” autóctonos. La gente que operaba los Sounds no solo mantenían celosamente en secreto sus discos más exclusivos con prácticas como tapar los titulos (practicas que perduraron durante décadas) sino que ahora tenían que pagar incluso precios más altos por las canciones más demandadas. Tiendas especialistas como la de Jack Taylor (que llevaba una tienda en Orange street), Savoy Riley (cuyo local estaba en Water Lane)  y el “marinero” Admiral Cosmic (“Almirante Cósmico”) subían sus precios y obtenían cada vez precios más estrafalarios por 78s raros, mientras que otros soundmen (como dos jóvenes promesas: Duke Reid y Sir Coxsone) cada vez estaban encontrando menos temazos (“big tunes”) que valiesen la pena en sus viajes a Estados Unidos. También hubo un pequeño pero significativo número de ediciones de discos piratas en circulación, 78s sin galleta ( los llamados “white labels”) que habían sido prensados en Jamaica copiando los raros originales de EE.UU.

Ken Khouri / Duke Reid y su sound system

La historia de cómo Duke Reid obtuvo su propia copia de Willis Jackson “Later For Gator” es legendaria. Este tema era exclusivo de su rival Coxsone y desde hace mucho tiempo era su “himno”. Cuando Reid consiguió su copia se lo puso una noche por sorpresa después de burlarse de él varios días.

A medida que los buscadores de discos exclusivos trillaban los catálogos americanos y las listas de referencias descatalogadas, más y más de los antiguos “exclusivos” eran descubiertos y perdían su status de rarezas y su carácter de exclusividad personal. Se soponía que ningún soundman podría mantener su posición pinchando temas que cualquier rival podía poner también, así que no pasó mucho tiempo antes de que los operadores de los sounds con más visión se dieran cuenta de que tendrían que hacer su propio Rhythm&Blues ellos mismos y allí mismo, exclusivo y con denominación de origen jamaicana.

Muchos de los jóvenes cantantes noveles que estaban tratando de saltar a la fama participando en concursos de nuevos talentos, eran también aficionados y seguidores empedernidos de los Sound Systems. Para ellos era un sueño poder escuchar un día sus propias voces a todo volumen saliendo de de los altavoces (parlantes) de su Sound favorito junto con Wynonie Harris, Smiley Lewis y el resto de sus héroes musicales del R&B norteamericano. Pero en Jamaica también había desde hace años una escena de músicos tocando en big bands, combos de Jazz y bandas de hotel formadas por músicos tam deseosos de mostar su talento como los cantantes primerizos locales. Desde el punto de vista de los soundmen, lo mejor de todo era el hecho de que esta nueva actividad de grabar a artistas locales les garantizaba la absoluta exclusividad de una canción. Después de todo, si lo has hecho tu, ningún rival puede pinchar a no ser de que les des una copia en acetato (o de que te lo roben).

En 1959, cuando los productores jamaicanos comenzaron a grabar talentos locales, grandes tiendas como la de Stanley Motta y  Chin’s Radio, o negocios más pequeños como Hi-Q, Saboy, Downbeat, Edward’s, Clock Tower y la Caribbean Distributing Company, todas ellas anunciaban la venta de “big tunes” (temazos, bombazos, pedradas, pepinos… ) y  también tenían en stock “los Blues mas recientes” (“latest Blues”) tanto en 78 como el reciente formato de 45rpm. Incluyendo clásicos tan populares como “Over & Over ” de Bobby Day , “Sea Cruise” de Frankie Ford y “Kansas City” de Wilbert Harrison. En estos anuncios promocionales no se mencionaban grabaciones realizadas en Jamaica aparte de algunas grabaciones de Calypso de Count Owen, Lord Tanamo y varias steel bands, “One Night In Mexico” de Laurel Aitken & His Afro-Cuban Band, y una notable excepcion, “Boogie Rock” de Laurel Aitken, un exito del estilo “Blues” jamaicano lanzado por el sello Caribbean Records.

Aunque Stanley Motta ya había grabado unas pocas canciones de R&B en su estudio, para 1960 había dejado el negocio, al contrario que Ken Khouri, quien había vendido su viejo disc-cutter y se había comprado un magnetófono profesional de 1 pista con el que se grabarían muchos temas de R&B ( y clásicos de Ska) en su nuevo estudio: Federal. En aquella época su única competencia era la emisora de radio RJR (Radio Jamaica Redifusion) que tenía otra máquina de 1 pista instalada en su estudio y se podía alquilar para realizar grabaciones. Los técnicos de sonido de la emisora eran el australiano Graham Goodall y un joven aprendiz jamaicano llamado Lynford Anderson (conocido posteriormente como Andy Capp).

Graham Goodall, ingeniero para Coxsone en Federal 1962

Según avanzaba la década de los 60 aumento el número de estudios en Jamaica: Tras la estela pionera de Federal y RJR siguieron el de JBC (Jamaican Broadcasting Corporation, era la otra estación de radio), Studio One en 1963 (cuyo nombre real era Jamaica Recording and Publishing Studio, otro studio de 1 pista ubicado en un edificio que anteriormente había sido un club nocturno llamado The End), más tarde WIRL (West Indies Recording Limited) y Treasure Isle en 1966.

A finales de la década se abrieron 2 estudios mas: Randy’s y Joe Gibbs. Todos compitiendo entre ellos por las ventas de discos (cada uno con sus propias producciones y sellos) y también, aunque en menor medida, alquilándolos a los productores independientes que carecían de sus propias instalaciones para poder grabar

La mayoría de los primeros estudios habían actualizado su equipo de 1 pista (en mono) a máquinas de 2 pistas para mediados de la década e incluso a 4 pistas antes de acabar los 60 (WIRL fue el primer estudio de 4 pistas en 1966) Por supuesto, estas grabadoras ya habían sido superadas en los Estados Unidos por magnetófonos (grabadores) de 8 pistas, lo que refuerza la tónica general del retraso de la tecnología del estudio en Jamaica, siempre a la zaga de los Estados Unidos por lo menos en cinco años (o incluso 10).

Mesa de Federal studio en 1969 / Mesa de WIRL studio en 1968

Desde su creación,  la grabaciones en Jamaica tenían lugar en un espíritu imbuido de practicidad. Eran imperativos una combinación de rentabilidad económica y el mejor uso posible del tiempo y talento disponible. En otras palabras, la banda tocaba, los cantantes cantaban y el ingeniero de sonido registraba el mejor balance (la mejor mezcla) que podía obtener en el menor tiempo posible. Las complejas técnicas que se empleaban en los bien equipados estudios ingleses y norteamericanos no parecían ser considerados como relevantes para el crudo sonido del Ska (influenciado por el R&B y jazz de EEUU). Cuando comprabas un disco escuchabas lo que realmente había sido tocado en el estudio, con errores y todo. Incluso las técnicas básicas de edición de cinta (como el cortar la primera parte de una “toma” y pegarlo a la segunda parte de otra para lograr así un producto final más “perfecto”) eran prácticamente desconocidos en Jamaica. Syd Bucknor (técnico de Studio One en aquella época) afirma que una vez corrigió un error en mitad del tema “Rude Boy” (de The Wailers) cortándolo y editándolo y que, gracias a su labor, no fue lanzado como una cara B. Pero incluso él admite que esto era casi una ocasión excepcional.

Syd Bucknor en los 80. Foto propiedad de Urban Image

Del mismo modo, trucos de estudio utilizados comunmente en la música Pop como el “phasing” (efecto de modulación característico del Rock Psychodélico en el que la señal se dobla y se le aplica un retraso a la copia mientras suenan simultaneas) y el ‘’flanging’’ (un efecto similar pero mezclando la señal original con una copia retardada en el tiempo, con la particularidad que el retardo es muy breve pero varía de forma periódica) no fueron nunca usados. No obstante, hay quienes sostienen que ese sonido (con phasing) que se oye en algunos instrumentales de Ska causado por el efecto off-azymuth (erronea calibración de los cabezales) es intencionado.

También los populares efectos de reverberación (reverb) y el retardo (delay) se utilizaron sólo con moderación (por lo general en la voz o los vientos).

Se escuchan los primeros efectos “made in Jamaica” en grabaciones como ‘’Headache’’ de los Ethiopians, se utiliza un innovador efecto de eco en la batería durante el solo instrumental (que probablemente fue añadido ” en vivo “durante la grabación).

El tema “Cool Night’’ del quinteto The Jamaicans  y ‘’Right On Time’’ de The Sensations (donde se añade retardo con eco a los instrumentos de la sección ritmica: piano, guitarra y organo) y el tema “Rock & Shake” de Prince Buster, donde se aplica eco a toda la base rítmica e incluso a las voz hablada (con silbidos).

Ecualizadores Pultec EQP1. Foto de Jim Reeves

Estos ejemplos son rarezas en realidad, y no se podría decir que dieron origen a una tendencia a seguir. Mientras que los grandes productores del Pop tenían a su disposición racks (columnas) con los efectos de válvulas clásicos y diversas unidades para procesar audio que les ayudaban en su búsqueda por el no va más en complejisimos paisajes sonoros, en Jamaica, los ingenieros de estaban todavía controlando los “faders” (niveles de los canales) de las voces manualmente sin tener ni siquiera compresores, y en general haciendo eficientemente su trabajo. Por otro lado, no es sorprendente que muchos de los estudios hubieran invertido dinero en adquirir un ecualizador Pultec para reforzar el bajo y la bateria (elementos cruciales en el sofisticado gusto jamaicano). Durante las siguientes dos décadas, o incluso por más tiempo, el Ska, el Rocksteady y el Reggae fueron grabados de una forma más “real”, más “en vivo” que cualquier otro estilo de música popular contemporánea.

Continuará.

Aba Shanti, el pequeño gran hombre que comanda la torre de control y los varios miles de vatios que de ella emanan, es consciente del inmenso poder que tiene entre manos cuando manipula el pre-amplificador o selecciona de su impresionante colección de 12” los plásticos con mensaje consciente para infundir vibraciones positivas, entregar su discurso espiritual y establecer una singular comunión con un público que lo agradece de manera reiterada en las preceptivas pausa entre canción y canción.

Palabra, sonido y poder. Pura vibración del alma y del cuerpo.

A mediados de los ochenta comienzas a actuar para Jah Tubby´s Sound en calidad de deejay bajo el nombre de Jasmine Joe. ¿Quién te introdujo en la escena del sound system, cómo llegaste a cantar para Jah Tubby´s y cuáles fueron las lecciones principales que aprendiste de la experiencia con ese sound system en concreto?

El modo en que aprendimos eso está estrechamente ligado a nuestro hogar, puesto que mi padre tenía un sound system. Cuando vinimos a Inglaterra, construyó un pequeño sound system, porque en aquellos primeros años cuando la gente venía del Caribe, se reunían y celebraban fiestas en sus casas; así que mi padre asumió como propio que él se encargaría de suministrar la música. Así que mi introducción al sound system viene desde mi niñez. Crecer en el escenario con mis hermanos, construyendo pequeños altavoces, reuniendo material… En realidad aprendimos el concepto de nuestro padre. Fue un caso de gente con afinidades que se reunía, aportaban un pequeño capital inicial, en torno a 15 centavos y al final de la semana acudían a comprarse discos y amplificadores. En ese marco, sólo creces y creces y creces. A través de esta experiencia, porque tenía experiencia encargándome del sound, fue como conecté con Tubby´s y me convertí primero en vocalista para él. Aprendí muchísimo en torno a Tubby´s porque, como sabes, Tubby´s es bueno fabricando amplificadores, tenía un sound system muy potente en aquellos tiempos y se encargaba de fabricar parte de los sound systems. Musicalmente era bueno también, así que era capaz de mantener el nivel de muchos de los clásicos que los grandes sounds hacían sonar y quizá impartirles algunas lecciones sobre sonido o calidad. A finales de los ochenta la escena musical había cambiado de algún modo con la aparición de material enfocado en su mayor parte al dancehall, así que Tubby´s se retiró del primer plano y ahí fue cuando comenzamos a cortar dubplates y masterizar. Antes de comenzar a llevar el sound como Aba Shanti, solíamos alquilar un sound a gente del calibre de Stone Love, Killimanjaro o Black Scorpio, así que no llevábamos el sound propiamente dicho, por lo que me obligué a ello. Bueno, siempre tuve nociones sobre cómo tocar música, sobre cómo manejarme en el micrófono, podía seleccionar música… Siempre tuve esa intuición de querer salir y poner roots, mi primer amor, más que seleccionar otros géneros, así que le planteé a Keith que me gustaría llevar el sound fuera y me dijo “Sí, si tienes claro el concepto, ve a por ello”. Y en 1990 actuamos en el Carnaval de Leicester y alquilamos un generador. Aparecimos y actuamos durante 13 horas seguidas en el parque, así que se puede decir que ese fue el nacimiento y formulación de Aba Shanti y desde entonces no hemos parado.

Tras algunos años de aprendizaje, te decides a emprender un camino propio con tu sound system. ¿Por qué asumes este riesgo? ¿Estaba de algún modo relacionado con tu afiliación al culto rastafari? ¿Cómo era la escena reggae británica en aquel tiempo en que decidiste comenzar como Aba Shanti I?

Rastafari ha sido siempre mi amor y pasión, porque desde que era joven iba a ver a Shaka y similares. Y la palabra de Rasta siempre estuvo en mi casa a través de la música que mi padre compraba, porque mi padre compraba un montón del material habitual para una fiesta en Reino Unido, pero también material cultural: The Meditations, Burning Spear y los temas de Dennis Brown y Bob Marley con aquellos mensajes serios, así que siempre estuvo presente en nuestro aprendizaje y mucha de la música negra de la época era cultural, espiritual, sobre las luchas negras de la época, así que siempre tuvimos ese fundamento, antes incluso de comenzar con Aba Shanti. Mucha de la música que escuchábamos mientras crecíamos como niños estaba cargada de significado y aquella música se mantuvo con el paso del tiempo, puesto que mucha de ella ha sido reeditada y muy vendida a posteriori.

Buena parte de tus seguidores son jóvenes blancos mientras rasta habla sobre la emancipación de los esclavos negros y el retorno a la tierra prometida, África. ¿Existe algún tipo de contradicción con el mensaje que estás difundiendo? ¿Puede la espiritualidad del mismo alcanzar a otras religiones e, incluso, a los ateos?

Piensa acerca de lo que he dicho: no puedes tener, como dice Lostfield, paz, amor, unidad y armonía hacia todos y no-discriminación y luego, discriminar a la gente por su raza, credo o color, porque todo lo que consigues es reimponer otra suerte de persecución hacia gente que ya ha sido perseguida. La gente que dice cosas así, mantiene esa mentalidad del divide y vencerás. Soy una persona que piensa en el futuro y ahora no me encuentro aquí sólo para educar a un sector de gente. En este momento si dos sectores de gente deben convivir y trabajar juntos, no puedes trabajar sólo con uno, el otro no lo entenderá, porque ahí es donde se origina esa clase de conflictos. Quieres saber sobre reggae, nosotros lo hicimos crecer y lo elevamos, así que quien mejor para enseñarte sobre reggae que la gente que lo creó. Otra cosa: ha sido probado que el origen de la civilización se encuentra en África, entonces todos somos africanos. Así que somos toda la misma gente y puede que haya tribus diferentes, pero somos toda la misma gente. Ese es el motivo por el que estamos aquí, para promoverlo y reforzarlo. Ha sido demasiada negatividad, así que debemos pensar en positivo ahora. Y en cuanto a los problemas cotidianos, debemos tratar con ellos y resolverlos porque la gente puede tener concepciones erróneas sobre rasta y quizá de hermano a hermano o gente distinta está razonando, pensando en lo que rasta es. Nosotros traemos este tipo de conflictos.

¿Podrías recordarnos, etapa por etapa, el proceso de construcción de tu propio sound system? ¿En qué sentido lo habéis remodelado desde los comienzos?

Bueno, lo hemos cambiado por completo desde los comienzos. Desde los comienzos hemos actuado de manera muy libre. Debo admitir que teníamos menos equipo, pero mayor fuerza por aquel entonces. En aquella época teníamos dos amplificadores: en uno sonaban los graves, el otro lo incorporábamos de manera libre, así que teníamos muchos sonidos graves y luego teníamos los medios y los agudos y podíamos lograr grandes cosas con aquello. Y aquello fue nuestro equipo principal con el que salimos durante años. Aquel era el gran sound que Tubby´s había hecho y lo mantuve durante años. Aquel era el esbozo de lo que puedes ver ahora, la presión del sonido, ese tipo de cosas. En aquellos tiempos, éramos la gran cabeza visible de los sounds.

Aba Shanti está considerado como un miembro de la escena británica de sound system junto a Jah Shaka, Jah Tubby´s, Iration Steppas o Channel One. En términos de sonido y mensaje, ¿qué hace distinto acudir a una de tus sesiones de lo que sería aparecer en alguna de los previamente mencionados? ¿Qué hace a Aba Shanti genuino y distintivo del resto?

Todos somos genuinos y distintivos. Esa es la belleza del mensaje. Existen muchos mensajes que son divulgados con diferentes interpretaciones, así que diría que ninguno de nosotros es mejor que el resto. Nos lleva a todos nosotros trabajo y entrega difundir la palabra con el mayor impacto. Aba Shanti sólo puede estar en un sitio en un tiempo concreto. Shaka sólo puede estar en un sitio en un tiempo concreto. Channel One sólo puede estar en un sitio en un tiempo concreto. Pero si todos nosotros actuamos al mismo tiempo, difundiendo el mismo mensaje, el trabajo está siendo llevado a cabo. Así que te diría que todos tenemos nuestros atributos, nuestra manera única de difundir la palabra.

Supongo que estarás habituado a asistir a sesiones de otros sound systems como parte del público de cara a sondear el nivel de otros sound systems y para aprender de ellos y sus recursos. ¿Cuál es la mejor sesión a la que has asistido y por qué te transmitió tanto a ti?

Bueno, la mayoría del tiempo estamos ocupados, así que no tengo demasiadas oportunidades de comprobar lo que los otros chicos están haciendo. Tan sólo espero que sea lo que sea lo que hagan, sea positivo y refuerce la meta hacia la que todos trabajamos. Hay gente nueva que se introduce en la escena y tienen que acercarse a los veteranos para aprender y nosotros, los veteranos, también podemos aprender de los jóvenes, puesto que ellos tienen un toque diferente. Ellos pueden parecer un pelín más rápidos que el tempo al que nosotros estamos habituados, pero es el mensaje de lo que se trata, mientras el mensaje sea difundido… Hay un montón de gente que sólo está haciendo cortes dub instrumentales. Una buena proporción de los jóvenes que conocemos se están centrando en las habilidades musicales, así como en el mensaje, por lo que tratan de implementar, de unir los dos elementos, porque hay demasiado dub-dub-dub-dub-dub. Necesitas tener una buena pieza de música con una buena parte vocal que la acompañe.

Me pregunto cómo es la relación entre los sound systems previamente mencionados del panorama reggae británico y tú. Quiero decir, ¿todo el mundo ayuda al otro ofreciendo, por ejemplo, consejos útiles sobre aspectos técnicos del sound system o existe algún tipo de sana competición de cara a ofrecer a la audiencia algo diferente cada noche?

¿Ves la palabra conocimiento? La palabra conocimiento está ahí para ti. Si quieres encontrar algo, debes ir a por ello, de igual modo que si quieres entrevistarme, vienes a entrevistarme. Si necesitas saber algo, la habilidad de cada uno es ir, sondear y encontrar. Como he dicho, cada uno tenemos nuestra manera de interpretar un buen sonido, cada uno tenemos nuestra manera de interpretar buena música, pero también tenemos nuestra manera de interpretar una buena vibración. Para algunos, una buena vibración es que todo el mundo bote, pero otros no quieren hacer eso, no quieren ir a un baile, quieren meditar. Así que su nivel de disfrute no es inferior al tuyo. Sólo quieres expresarte de un modo distinto. Aba Shanti se desarrolla como Aba Shanti. Éste es el modo como yo lo veo y cómo quiero expresarlo. El modo en que otros tienen sus respectivos sounds, es el modo en que ellos lo ven y quieren expresarlo. Cada hombre hace lo suyo de un modo distinto y todos nos complementamos porque todos hacemos el trabajo de Jah.

Si la sesión que estás ofreciendo no está yendo tan bien como la planteaste, ¿existe algún truco o canciones en particular que seguramente selecciones de cara a estimular a la gente? ¿Cómo adaptas la sesión dependiendo en la reacción del público o del lugar en el que actúes -si se trata de un club modesto, un festival o un centro cultural-?

La manera de sondear algunas veces es la siguiente: tú has venido a ver a Aba Shanti, ¿a qué viniste? Viniste a disfrutar, así que mi trabajo es asegurarme de que disfrutas, que lo pasas bien, pero, fundamentalmente, que aprendes algo. Al principio, cuando entras, tienes un comienzo, tienes un intermedio y al final aprendes algo que puedes aplicar. De acuerdo, pusiste esto y esto y esto… incluso si comparo estos temas con los de años atrás, puedo saber lo que está haciendo: está contando una historia. Ahora nos encontramos con el roots en el punto medio. Desde ahí puedo cambiar la historia de mi pasado a mi presente, donde he implementado cambios en la manera en que se está desenvolviendo la música y compañeros iluminados me han ayudado en mi camino, me han proporcionado la música. Podemos comenzar por los noventa -cuando empezamos- y puedo trasladarte a épocas pasadas tal que cuando salgas, estés satisfecho. Se trata de educación y de hacer que la gente sienta el poder de la música y la gente aprenda inglés escuchando música.

Desde hace cinco años una recién nacida escena de sound system está emergiendo en países con ninguna tradición previa en la materia, como Francia, Alemania, Italia o, incluso, España. ¿Cuáles pueden ser las razones tras estas apariciones y de qué manera puede un sound system veterano como el tuyo ayudar para fortalecer estas escenas emergentes? ¿Les darías algún consejo útil en este sentido?

Bueno, la reemergencia que comentas, se debe al poder del mensaje y al poder del sound system. Cuando crecíamos, tener un sound system era lo mismo que, traducido a equipamiento actual, tener una Xbox, una Playstation, un iPod, un iMac o algo parecido. Para nosotros tener un sound system, era nuestro amor, nuestra pasión, nuestra alegría, pero también nuestra miseria, porque no siempre es felicidad: en ocasiones es doloroso, causa riñas familiares, disputas. No es deseable para todo el mundo. Algunos lo lograrán y otros no. Pero el hombre que cree realmente en lo que hace y expande el mensaje dentro de lo que vosotros estáis adoptando -porque estáis adoptando un elemento roots, no estáis adoptando un elemento dancehall, estáis adoptando un elemento de sonido roots rastafari, así que el mensaje y el poder deben estar incluidos en ello-. La gente ahora construye los sound systems para propagar la música a lo largo del mundo, porque en aquellos años los sound systems estaban ahí porque las emisoras de radio no emitían la música que ellos querían escuchar. Así que los países que hoy adoptan la cultura del sound system, están poniendo la música que quiere escuchar a la gente que quiere escucharla. ¡Y encuentras que antes no existía público y ahora tienes un movimiento!

¿Por qué el mensaje consciente irradiado desde la escena roots y dub no alcanza audiencias mayores mientras las letras consumistas, sexistas y, en ocasiones, homofóbicas de los deejays del dancheall consigue ser radiadas en casi cualquier parte a lo largo del mundo? ¿Será posible que el reggae recupere el mensaje revolucionario que tuvo en los setenta o le llevará algún tiempo hacerlo?

Bueno, está ahí de cualquier modo. No se ha ido. No te confundas con los setenta y todo eso. Está ahí. Depende de que quiera ser escuchado o no. Ese es el problema. Las luchas universales han sido luchas universales desde siempre, no importa el tipo de persona que seas, siempre se han basado en raza, credo, religión, sexo… Los grandes negocios controlan la gran música y controlan los medios, así que si no quieren que un cierto género musical se escuche, no lo airean. Así que no oirás nuestro material en radios comerciales, lo escuchas en radios menos comerciales o en emisoras piratas. Así que no se trata de que uno erradique al otro, se trata de que mientras la gente no escuche la música… Hicimos una sesión en Ding Wash conmemorando el 20º aniversario en Septiembre del año pasado y la gente apareció, una amasijo de gente que iba a Ding Wash y un hombre comentó “nunca he ido a un baile, pero quiero seguir a esta banda por siempre” y ese es el poder que la música puede tener: si la gente llega a escuchar la música, llegarán a sentir el mensaje. A eso es a lo que nos dedicamos: publicamos la información, pero no estamos diciendo que la tomes. Si alguien la toma, es maravilloso. Y ese es el motivo por el que tenemos que estar ahí haciendo esto, porque sabemos que tenemos un baúl de oro y no nos vencerán, no nos rendiremos. Tenemos fe en esto, lo amamos. Lo que encontramos en nuestro camino es lo siguiente: nosotros, la gente negra, lo amamos; ahora nosotros, la gente del mundo, lo amamos y lo abrazamos. Eso es lo que nos ha hecho venir a Madrid esta noche.

Si consideramos Babilonia o el sistema capitalista como nuestro enemigo común, ¿en qué sentido puede el reggae, a través de su mensaje consciente, cambiar la mentalidad de la gente para hacerles lo suficientemente revolucionarios de cara a colaborar para derribar el sistema y construir una nueva realidad más respetuosa con el medio y las personas? ¿Cómo debería ser esta realidad?

Me encanta esta pregunta. El tema es que la música por sí misma no cambia el mundo. Es la gente que escucha música la que cambia el mundo. En la Edad Media en Inglaterra había gente que solía ir de pueblo en pueblo tocando instrumentos y narrando historias sobre lo ocurrido, las últimas novedades en la ciudad, tenían trovadores y juglares que cantaban canciones sobre lo que le ocurrió al rey Juan, al sheriff de Nottingham de Robin Hood y aquello cambiaba la mentalidad de la gente. En Jamaica cuando irrumpieron los sound systems, estos eran básicamente las noticias de cabecera, porque los deejays de los sound systems contaban a la gente lo que ocurría en áreas concretas, ya que no aparecía en los periódicos. Y no se trata tanto de derribar el sistema, como de hacer a la gente consciente de lo que el sistema está provocando para que puedan cambiarlo. No puedes derribar algo mientras no intentes edificar algo en su lugar. Así que no se trata de destrucción, sino de cambio.

Mientras en mi opinión el reggae ha ayudado a difundir el mensaje rasta a lo largo del mundo, aún hay miembros de dicho culto que opinan que la única música rasta en sentido estricto son las sesiones de percusión nyahbingi. ¿Cuál es tu opinión sobre esto? ¿Crees útil el reggae para difundir la palabra rasta? ¿De qué manera ha cambiado el mensaje rasta desde que te iniciaste en ello?

El viejo lema del rastafari es paz, amor y comprensión, así que si te propones ser un rasta, debes ser paz, amor y comprensión hacia todos, así que no puedes volverte atrás y decir “mientras no seas negro o hayas tocado nyahbingi, no eres rasta”. Música rasta es cualquiera que un rasta interprete, sea clásica, rock, jazz… No significa que tengas que definir la música rasta como nyahbingi. La música rasta es cualquier música que transmite el mensaje de paz y amor. Es como un árbol. Un árbol tiene muchas raíces y ramas. Nyabingi es la orden, la base, porque es como un árbol, un árbol crece y diferentes partes brotan de él.

Existen en la actualidad dos formatos diferentes en que Aba Shanti puede ser disfrutado. Uno es, obviamente, el sound system; el otro, la banda de directo The Shanti-Ites. ¿Qué puede la banda ofrecer al público que no puede ofrecer el sound system y viceversa?

La música en vivo. Tan simple como eso: la música en vivo. El material que escuchas cuando produzco a Shanti-Ites y me escuchas a mí retocando el sonido, no puede ser interpretado en directo. Los medios están construidos por músicos, no por alguien que lo fija usando una secuencia, loops y similares. Está compuesto y arreglado. Mi hermano Blood Shanti ha estado tocando la batería durante treinta años, ha actuado con los grandes de Jamaica. Es muy disciplinado en la música que elabora. Gran parte de ello se refleja en la música cuando escuchas una producción de Shanti-Ites.

Para los neófitos, ¿cómo explicarías el significado del estilo King David? ¿En qué sentido puede tu sound system o las ediciones del sello Falasha ser descritos como tal?

King David era un pastor, la luz del sol y un guerrero. Y dependiendo en lo que la situación requería, así se comportaba. Así que lo que hacía era súplicas al señor, escribía canciones, las canciones de King David, pero cuando tenía que ser un guerrero, lo era. David no era sólo un escritor de poemas y canciones, también era un gran guerrero porque estaba preparado para morir por lo que creía, para defender en lo que creía. Así que si escuchas la música, especialmente la del sello Falasha, tenemos música que es principalmente de meditación. Puedes sentarte y escucharla. La gente dice que tiene un aire jazz y la puedes escuchar tres, cuatro veces y te provoca sensaciones diferentes cada vez. Por ejemplo, anoche actuamos poniendo una canción editada hace dieciséis años -“Positive Vibes”-. Cuando la editamos, la gente no parecía interesada en ella. Ahora, cuando la ponemos, la gente pregunta cuándo va a ser editada. Les decimos “tiene quince años”. Tiene un uptempo, one one one drop, tse tse tse tse y si te fijas en cualquier clase de guerrero, sean los indígenas de América o los guerreros masai de África, cuando emprenden la marcha hacia una guerra o batalla, el tempo con el que comienzan es calmado y va elevándose, tse tse tse tse. Ese es el estilo guerrero: ese golpe tan marcado que imprimen.

También queremos preguntarte por la palabra “Relatives”, escrita en uno de tus altavoces. ¿Cuál es la historia tras ella?

Son los tipos a los que les compré los altavoces, que son parientes -relatives, en inglés-. Todo es relativo. No dejan de preguntarme por ello y yo sólo les digo “es sólo un nombre”. No guarda relación con nada. Si tú quieres relacionarlo con algo, depende de ti. Te sorprendería a lo que lo relaciona la gente. Hay mucha rumorología por ahí…

Buena parte de los seguidores del reggae vinculan tu sound system con la celebración anual del Carnaval de Notting Hill. ¿Recuerdas la primera ocasión en que lo visitaste? ¿Qué lo hace distinto de asistir a cualquier otra sesión que ofrezcas?

Sintetiza la experiencia de Notting Hill, porque durante años el Carnaval de Notting Hill ha pasado por disturbios. El Carnaval es parte de nuestro crecimiento, ser capaz de acercarse a las calles de Notting Hill, sacar tu sound afuera y darle a la gente algo, porque han estado viniendo durante el año a apoyarte, tenemos a gente volando desde todas las partes del mundo… Comenzamos a actuar en el Carnaval en 1993 e incluso la primera ocasión en que actuamos, la carretera se llenó, porque están Channel One, Jah Observer, Aba Shanti… Cuarenta y un sound systems y sólo tres de roots. Es la manera en que queremos contribuir al Carnaval como rastas. Tienes a Saxon, tienes todo tipo de sounds diferentes actuando en el Carnaval, pero nosotros representamos en lo que estamos involucrados y tenemos el seguimiento de la gente que viene a la actuación a mostrar su apoyo. Aman lo que hacemos. También es una demostración de que a pesar de la raza, credo o color, no discriminamos, porque cuando vas a Notting Hill, ves a todo el mundo. Es una combinación. Miras al público de Notting Hill y tienes la carretera atestada de gente, no puedes moverte, pero la gente se queda ahí y baila desde el momento en que comenzamos hasta que terminamos y hay jóvenes, viejos, blancos, verdes… No importa. Gente que entra en el final malo de Notting Hill y les lleva todo el día alcanzar donde estamos y nos encuentran recogiendo, ¡se ponen a llorar! Este año, el domingo no pudimos actuar, probablemente debido a la potencia del sonido. Alguna gente decía “me ha arruinado el día”. Se sentían arruinados. ¡Estaban cabreados! Y era por las circunstancias… Eso lo resumen bien. Si alguien quiere presionarme para que le explique qué es Aba Shanti, le sentaría frente al ordenador y le diría “ve a YouTube o mira este DVD”. Míralo durante una hora. No quiero que lo mires y te fijes sólo en el público. Quiero que escuches la combinación de música y mensaje juntos y compruebes la vibración de la gente y obtendrás la imagen completa de lo que se trata. Ponemos música, pero es el público quien crea la vibración. Es un camino de dos sentidos. ¡Había tanta energía ahí! Hay un video en YouTube donde camina desde arriba con su cámara y mientras se adentra en el set, ¡puedes sentir al energía a través del cámara! Conforme se acerca, se escucha más y más alto y puedes sentir la energía a través de la gente. En el momento en que se encuentra en el medio… Eso es lo que me realiza: cuando veo a todo el mundo sintiendo la vibración, la gente se anima con el mensaje positivo.

Imágenes: Fernando Hevia (www.fernandohevia.com)

Originalmente publicado en ALB número 100

Contenidos del programa:

• Empezamos haciendonos eco del estreno de la esperada pelicula/documental sobre Bob Marley.
• Ultima escucha de la novedad del mes. Desde Pressure Sounds: “Listen To The Music” con producciones de Ken Lack.
• Presentamos el nuevo trabajo de Mandievus “Covers for Lovers”.
• El mento/folk de Keith Stewart en una edición mas de Mento Corner.
• Para nuestra agenda recuperamos “The Dubest”, la recopilación que Boc Guru sacó en 2003 de la factoria de Mad Professor.
• La recta final del programa vendra a cargo de Tune In! con las novedades publicadas desde Jamaica.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica: Manel, Alex y Marc

IF YOU LOVE THE JAMAICAN SOUND, JOIN SOUNDSYSTEM FM!!!

Terminé asqueado con la sucia campaña de la FELGTB para boicotear la gira de Sizzla por Europa y la incomprensión general sobre la supuesta homofobia de los jamaicanos. Para colmo, había acabado una vez más con mis existencias de Appleton, así que decidí volver a los orígenes. Como los pioneros a finales de los 50, me refugié en Nueva Orleans buscando la inspiración de mis paraísos perdidos, gracias a la fantástica serie de la HBO “Treme” (con los guionistas y muchos de los actores de “The Wire”). No hay nada como un espejo, aunque sea tan criollo, para ver la realidad caribeña, y de pronto, lo entendí. No somos nosotros los que podemos imponerles cómo deben cambiar, sólo podemos aspirar a entender y ayudarles a entender sin imponer nuestras convicciones.

Así que después de una indigestión de gumbo caliente, cangrejos picantes y cerveza Dixie hasta vomitar en Bourbon St., como en el juego de la oca, paso de una ciudad de los mil pecados a otra, de una forma de maravillosa bohemia luchando por sobrevivir tras la especulación que dejó el Katrina, a otra que no ha conocido más forma de vida que la lucha diaria por la supervivencia: West Kingston.

Y una vez allí, me pregunto: ¿si tanto me gusta la cultura del reggae, tantos valores universales y de redención me transmite más allá de la tergiversación interesada de Babilonia, qué puedo hacer para devolver algo del amor y la felicidad que me han dado a lo largo de los años? ¿Por qué siempre que vamos a Jamaica, es para sacar algo de ellos y nunca para dejar algo allí que ayude a la lucha por sobrevivir, que tanto nos conmueve desde que Marley cantara “A hungry mob is an angry mob” y Clinton Fearon (Gladiators) entonara aquello de “The rich man buy the poor man’s life”.

Así que le pregunto a April Mills, una activista inglesa afincada en España desde hace muchos años, y representante para Europa de la organización humanitaria local Trenchtown Reading Centre, vinculada con la Asociación canadiense de Bibliotecas British Columbia (BCLA), cómo llegó a dar el paso de involucrarse activamente en algo tan gastado como la solidaridad militante, cuando nadie aquí, por muchas rastas que lleve, parece atreverse a darlo y me revela:

“Mi madre amaba a Jamaica y su gente y se ponía siempre a la defensa de los inmigrantes cuando oía comentarios ignorantes y racistas. Soy de Bristol, la ola de inmigración caribeña empezó allí y el racismo fue terrible.

Bristol, además, es una ciudad que estuvo muy involucrada en el comercio de esclavos. Los armadores de barcos mercantes y propietarios de terrenos en el Caribe tuvieron su base principal en Bristol. De su puerto salían los barcos hacia África y allí entraban las mercancías del Caribe producidas por los esclavos.

Mi madre me enseñaba las casas señoriales del centro de la ciudad y decía “todo esto fue construido con el sufrimiento y la sangre de los esclavos”. Leímos muchos libros sobre la esclavitud así que desde joven sentí una compasión o empatía especial hacia el sufrimiento de Jamaica. Sé que son historias de hace varios siglos, pero yo viví la llegada de los descendentes de estos esclavos a mi ciudad y siento una vergüenza muy grande por la manera que fueron recibidos por mi pueblo.

Todas estas cosas me influyeron, pero más que nada siento que ha sido el reggae y su mensaje lo que más me ha motivado a actuar. Hay letras de canciones que te llegan el alma: “el hombre pobre que no tiene para comer no puede comprender porque el rico no le ve”.

El contacto con el TRC surgió por casualidad. Estaba escuchando un reggae podcast, “House of Reggae” y al final de su playlist había un enlace a la web de TRC. No había ninguna información o comentario, sólo el enlace. Decidí mirarlo porque el día anterior había conversado con un amigo sobre los problemas de los guetos y la necesidad de la alfabetización y educación para conseguir su progreso. Life is one big road with lots of signs. Creo que es importante seguir las señales que se presentan en la vida.  Y si la vida te tira una pelota la tienes que coger.”

Curiosa filosofía de vida, pero realmente valiente para el hedonismo generalizado en el que vivimos instalados en Babilonia. Uno siempre tiende a pensar que las ONGs están tan desprestigiadas a este lado como al otro del charco, así que total, para que mojarse si luego tu esfuerzo no va a llegar a quien se lo diriges. Además y teniendo en cuenta el slogan “Rasta not Politic”, parece difícil creer que en la propia Isla, pueda existir una actividad solidaria independiente de los políticos y sus Dons, pero April, sobre el terreno, y no desde tu pantalla o tu sound-system europeo, tiene otra opinión:

“Desde el punto de visto del gueto, toda ayuda es recibida con los brazos abiertos. Hay casos de dinero mal gastado o desaprovechado, pero veo que la actitud del pueblo es: “algo es mejor que nada”. Por ejemplo, recientemente una organización ha financiado la reparación de varios muros y vallas de las calles en Trench Town, mientras las viviendas están en tan mal estado que se derrumban encima de sus habitantes. De todas formas, la comunidad está muy agradecida por los trabajos hechos y son pocos los que cuestionan o critican.

La acción humanitaria es algo que toca la vida de todo jamaicano. Todos los que tienen ingresos tienen a gente, familiares, vecinos mayores, amigos, a quienes dan ayuda. Si no fuese así medio país se moriría de hambre. En mi opinión es un país acostumbrado a dar y recibir y la acción humanitaria no está tan desprestigiada como aquí. Es apreciada.

Me gustaría añadir aquí que el Trench Town Reading Centre es una iniciativa secular (muchas organizaciones en JA están relacionadas con la Iglesia) y nunca ha tenido afiliación o conexión con ningún partido político. Su independencia de estos tipos de relaciones ha sido desde su fundación uno de los principios fundamentales del proyecto“.

La sencillez de April Mills, como la de los vecinos agradecidos de Trenchtown, acaba de dejarme sin coartadas egoístas. De todas formas, como ella dice, Babilonia también existe en Jamaica, y si no, podéis preguntárselo a Lawman Lynch, conocido defensor local de los derechos de la infancia y la juventud en la Isla. A través de la fundación que lleva su nombre, se puso al frente de las críticas públicas a la forma en que el ejército del PM Bruce Golding arrasó Tivoli Gardens y aledaños en Mayo de 2010 para cumplir con la extradición ordenada por la DEA del don dadda, Christopher “Dudus” Coke, con el resultado de 73 muertos oficiales, montones de heridos y cientos de casas arrasadas o allanadas.

Sólo un día después de pedir la dimisión del PM en el programa Direct de la televisión jamaicana CVM, su coche fue incendiado a la puerta de su casa, lo que le hizo temer tanto por su seguridad que se vio obligado a pedir asilo político temporal en USA. El escándalo alcanzó tal magnitud que el concierto Music For Life previamente programado solo unas semanas después para lanzar su fundación, estuvo a punto de no celebrarse, y artistas asegurados como Etana, Beenie & Bounty o Ding Dong, prefirieron retirarse para no significarse en contra del JLP, aunque felizmente otros como sobre todo Yellowman, apostaron tan fuerte por esta autoafirmación humanitaria local que incluso pusieron dinero de su bolsillo para pagar el vídeo promocional. Así que, la actividad humanitaria en JA no está exenta de las presiones de la política de garrisons y exigencia de fidelidad tradicional de partidos políticos tan caníbales como los de la Isla.

Tratando de superar las diferencias entre ricos y pobres, PNP o JLP, uptown contra downtown, otras reconocidas figuras de la cultura jamaicana trabajan sobre el terreno para llevar un poco de aliento a miles y miles de críos y jóvenes abandonados a su suerte en las calles del infierno del downtown de Kingston. Además de decenas de ONGs extranjeras o promovidas por jamaicanos instalados en la diáspora por todo el mundo, en las que la ayuda a la infancia es una prioridad obsesiva pero muy justificada (Help Jamaica-Education for a change! y su proyecto en Cassava inspirado por el TRC, ICF, los británicos SJF), probablemente la figura local involucrada en proyectos de desarrollo infantil como éstos, más apreciada en la Isla, sea la de Shaggy con su fundación MADF (Make a Difference Foundation) que cada año en Navidades, con sus conciertos benéficos Shaggy & Friends, repletos de figuras consagradas, consigue recaudar del siempre distante y ultra-capitalista uptown, decenas de miles de dólares invertidos en levantar escuelas y hospitales en los guetos. Cualquiera podría pensar, conociendo como las Fundaciones en América sirven para lavar dinero, evadir impuestos y obtener beneficios promocionales, que en el gueto esas iniciativas de músicos famosos son vistas como una impostura. Pero de nuevo April Mills desmonta nuestro escepticismo cínico e interesado.

“Sin duda Shaggy es la figura más respetada en este ámbito. Sus esfuerzos son consistentes, de gran escala y reciben mucha publicidad. Por lo que he visto, el pueblo está encantado con las colaboraciones de artistas y hay poco o nada de cinismo con respecto a los intereses promocionales que existan.

En Trench Town, cada febrero, hay una semana de festejos para el cumpleaños de Bob Marley, culminando con un tremendo concierto con muchos artistas grandes incluyendo algunos de los hijos Marley (frente al TT Culture Yard de la 1st St). En 2011 el evento fue patrocinado por una empresa de teléfonos móviles. Encima de la cara de Bob Marley, en azul neón, pusieron un enorme cartel de “Digicel” (normalmente allí dice One Love) y durante toda la noche MC’s salían a la escenario para hacer publicidad de la empresa, regalando minutos gratis a los primeros que mandaron sms… fue un disparate! Digicel tomó el protagonismo sobre Bob Marley, el día de su cumpleaños, en Trench Town. Yo estaba horrorizada, pero no hubo ninguna queja de la comunidad ni enojo con la familia Marley por haber firmado este acuerdo con Digicel. La familia Marley es adorada en Trench Town y la gente esta muy agradecida, pese a lo poco que aporta al barrio.

También hay otros artistas que han colaborado mucho, aunque yo solo sé de Trench Town: Sugar Minott & Alton Ellis fueron activos en su apoyo. Ahora Chinna, Carl Brown (de Boys Town) y Blakka Ellis (actor y sobrino de Alton) son los que más colaboran. De los Marley es Stephen quien más conexión tiene con Trench Town.”

Con todo, y más en estos tiempos de crisis, hacer que la gente comprometida con la causa de la cultura jamaicana pase del rol de mero consumidor pasivo de música y merchandising a otro de militancia activa, sigue siendo sumamente difícil, como sabe bien April por su experiencia de difusión año tras año en el Rototom:

“Principalmente trabajo con Roslyn Ellison, la directora, en la búsqueda de fondos para mantener el Centro en marcha. No recibe ninguna financiación del estado y muy poca ayuda  proviene del sector privado jamaicano. Tenemos que encontrar alrededor de 20,000€ anuales para la financiación básica del Centro. Parece poco dinero pero no es nada fácil encontrarlo.

Veo que es muy difícil motivar a una persona para que tome un papel activo en este respeto. Es la primera vez que he trabajado en la recaudación de fondos para una ONG y por desgracia me ha sorprendido ver que la mayoría no está muy abierta a dar o colaborar.

Muchas personas se ponen en contacto para felicitarnos sobre el proyecto pero no ofrecen ninguna colaboración o donativo. Yo no llego a entender esta reacción. Todos podemos encontrar 5€ para ayudar a un proyecto que nos interesa lo suficiente como para escribir a la organización, ¿no?

Cuando empecé con TRC busqué por internet información y consejo sobre la recaudación de fondos y me acuerdo muy bien de una frase que decía “no esperes que la gente vaya a compartir tu pasión por el proyecto”.  Es así. Pienso que la mejor manera de motivar es por tu propio ejemplo. Ahora que tenemos más personas colaborando aquí en España, dando ejemplo, esperamos que esto vaya a traer cada vez más gente y así nuestra fuerza conjunta crecerá.

En eventos como Rototom trato de demostrar las dificultades de la vida en el gueto para un joven, la marginalización, la pobreza, el crimen y la violencia, la falta de educación y oportunidad. Luego trato de enseñar lo imprescindible que es el TRC para los chicos de Trench Town, como está cambiando vidas, realmente mejorando las posibilidades de muchos jóvenes y a la vez dándoles un lugar donde se sienten valorados y felices. Yo puedo informar a la gente y demostrar mi propio entusiasmo, luego la motivación para actuar tiene que salir de cada uno.

Sé que hay mucha desconfianza en las organizaciones y como gastan el dinero, así que también trato de dejar saber que no solo un porcentaje de un donativo llega, TODO llega. No como organizaciones más grandes, no perdemos absolutamente nada en costes administrativos o de gestión. Estos servicios están realizados por voluntarios. Tampoco tenemos una oficina para mantener y no gastamos nada en publicidad. 100% del dinero recaudado va al Centro, hasta el punto que siempre nos ponemos en contacto con los donantes para confirmarles la recepción de su dinero y agradecérselo”.

Así funcionan las cadenas de apoyo mutuo. Parece claro que hace mucho llegó el momento de menos hablar,  y más actuar, y que hay mucha más gente involucrada en la cultura jamaicana, que en España ya ha empezado a hacer algo por Jamaica en un modelo claro de acción humanitaria frente al que no se puede mirar para otro lado:

“Promociono el Centro por internet y en eventos, buscando a posibles sponsors y más gente con ganas de colaborar. Produzco los artículos de merchandising y ayudo a Roslyn en todo que pueda, tratando de hacer su carga un poco más ligera. En Rototom tenemos un stand donde mostramos información sobre Trench Town y el Centro y recaudamos dinero vendiendo nuestras camisetas, chapitas y mixtape.

Este año en Ibiza tenemos a Pedro Morcillo de Vybz Station colaborando en sus eventos en las Dalias. Promocionan el Centro y venden nuestro merchandising. El 19 de junio hacen un gran evento benéfico. En Mallorca están haciendo lo mismo Xarlee Green y Cris Calderon de Greenpoint Sound. Chalice Store en Madrid está vendiendo nuestras camisetas y mixtape en su tienda y por internet. Don Fe de Jah Catalyst (Murcia) ha sido siempre un gran apoyo y nos produjo la mixtape con la colaboración de General Levy, Joseph Cotton, Yakunde, Prince Jamo, Ras Cricket, El Bib & Profecy, Pato Ranking, Cheguesara y Zafayah & Root Souljah (Bulgaria). En Salamanca tenemos un evento en abril con la colaboración de estudiantes y DJ’s de allí.

Así que en España estamos empezando a unir una fuerza e invitamos a todos que se junten con nosotros. Somos amantes de la música consciente y tenemos que actuar como personas conscientes y devolver algo de amor a Jamaica. Lo merece. ¿No?”

Así es la cosa, muchos otros ya han empezado, y la necesidad de ayuda no espera. Así que sea en la organización de April o en la que te decidas, la pregunta es: ¿Qué estás dispuesto a hacer tú por Jamaica?.

Carlos Monty. Abril 2012

Contactos (solo organizaciones laicas):

Trench Town Reading Centre (desde España).

Donaciones:
www.trenchtownreadingcentre.com vía Paypal o Tarjeta de Crédito
reading_centre@hotmail.com vía Paypal.
www.jnht.com desde JA
www.savejamaicafund.org.uk desde UK
www.jamaicans.com desde JA

• Recuperamos de nuevo el trabajo de Daniel Flores “Todo Hombre Es Una Isla” editado por Liquidator Music.
• También desde Liquidator el larga duración de Rubén López & Tha Diatones.
• Seguimos con novedades nacionales con el primer Ep de Ben Gunn Mento Band “Jumbee”.
• Presentamos el trabajo de Konshens titulado “Mental Maintenance”.
• Nueva descarga de roots first quality con Dubforce.
• La novedad del mes desde Pressure Sounds, “Listen To The Music”.
• Y en nuestra agenda escucharemos a dos de los protagonistas del cartel de este año del Garance Reggae Festival: Lloyd Parks y Leroy Smart.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex y Papa Dick

COME DANCE JAMAICAN MUSIC WITH SOUNDSYSTEM FM!!!

En torno a 1990 escuché por primera vez acerca de pre-amps. Yo era el selector de un Sound llamado Azania Possee. Alguien me había hablado de una máquina que podía quitar o dejar solamente el bajo en una canción. No sabía como era o que apariencia tenía ya que no había internet por aquel entonces. Y entonces fui a ver a Jah Shaka actuar con su equipo en París, desde entonces supe que quería uno.

Pasaron algunos años hasta que vi un anuncio en la revista Black Echoes en Londres sobre JTS pre-amps (Jah Tubbys) con un número de teléfono y una dirección. Adquirí mi primer pre-amp, un Jah Tubbys de 3 vias justo antes de empezar a construir mi equipo. Me di cuenta enseguida de que eso ya era un paso significativo en la idea de construir un sound system entero. Lo siquiente que compré fue una unidad de delay (Boss RDD20) y una sirena (se la compré a Russ D que hacía algunas por aquel entonces).

Cuando empecé Zion Gate Hi-Fi, Miniman era el operator del sound, él estaba ya produciendo música y haciendo riddims usando un MPC 2000 y una mesa de mezclas. Él es quien exploró más profundamente las posibilidades del pre-amp, usándolo para hacer dub con algunos de sus ritmos o con cualquier ritmo, cuando teníamos sesiones. Él es también el que primero se dió cuenta de que había un hueco en en las frecuencias de los medios bajos en el JTS de 3 vías, principalmente porque descubrió que al poner algunas de sus canciones, había algunas frecuencias que no se reproducían. Nos preguntamos si ésto había sido a propósito, puede que para prevenir problemas de feedback o alguna otra razón. Posteriormente, conocí a Kenny Knots y le trajimos a Francia a actuar e hicimos varias fiestas juntos. Cuando le comentamos este problema de las frecuencias que faltaban, nos dijo que tenía un amigo trabajando en un nuevo pre-amp, que por entonces era solo un prototipo. Asi es como conocí a Mark (Mostec) y me convertí en su primer cliente.

Miniman había dejado el sound para concentrarse en su música, el fué un pionero en la escena reggae francesa, así que al final Mark terminó sustituyendole como operator en Zion Gate Hi-Fi. Estábamos bastante satisfechos por tener todo el espectro de frecuencias y por tener una alternativa un poco diferente al uso del preamp. Entonces Mark empezó a trabajar en un pre-amp de 4 vias, que también compré y que todavía utilizo hoy. Tuvimos que cambiar toda la configuración para 4 vias. En cualquier caso, eso es sobre lo que va construir todo un sound system, ¡siempre tratar de mejorarlo! Es un proceso a largo plazo antes de sentirte completamente satisfecho, aunque realmente es un proceso que no termina nunca.

I’ve first heard about pre-amps  around 1990. I was then the selector of a sound called Azania Possee; somebody told me of a machine who could cut all the bass on a tune or leave the bass only. I didn’t know what it looked like; there was no internet at the time… And then I went to see Jah Shaka playing with his set in Paris; from that time I knew I wanted to get one.

It still took me few years before I saw an add in Black Echoes in London for JTS pre-amps with a phone number and address. My first pre-amp was a Jah Tubbys three way just before I started to build my set. I instantly realized that it was already a significative step in the purpose of getting a full sound system. The next things I bought was a delay unit (Boss RDD20) and a siren (I bought it from Russ D who was building some at the time). We were ready to get more familiar with the use of a pre-amp.

When I started Zion Gate Hi-Fi, Miniman was the operator of the sound; he was already  producing music and making riddims using a MPC 2000 and a mixing deck. He’s the one who did explore  the more deeply the possibilities of the pre-amp, using it to dub some of his riddims  or any riddim when we had some dances. He’s also the one who first noticed that there was a gap in the low mids on the JTS three way,mostly  because while playing his own music he found out that some frequencies were missing. We wondered if it was done in purpose ,maybe to avoid feedback or for some other reason. Then I met Kenny Knots and we did bring him to play with us in France; we did several dances together and we discussed with him this thing about the gap in the frequencies. He told us he had a friend working on a new pre-amp; at the time it was just a prototype. That’s how I met Mark (Mostec) and I became his first customer.

Miniman had left the sound to concentrate on his own music; he was a dub pioneer on the french reggae scene; eventually Mark end up replacing him as the operator of Zion Gate. At that time we were quite satisfied to have the full sound spectrum and a slighty different approach to the use of pre-amp. Then Mark started to work on a four way pre and I also bought the prototype that I still use until today. We had to modify the whole system in four way. Anyway that’s what building a sound system is all about; always trying to upgrade it! It’s a long term process before getting globally satisfied; almost a never ending process actually.

Texto original: Ras Abubakar (Zion Gate Hi-Fi)
Traducción: Javier Rivas

Contenidos del programa:

• Pressure Sounds nos aporta la novedad del mes con “Listen To The Music” del productor Ken Lack.
• Presentamos junto a su protagonista “True Love”, el nuevo disco de Lasai.
• En nuestra agenda escuchamos a Nucleus Roots tras la cancelación de su gira, y dos de los grandes artistas que estaran en Rototom este verano: Johnny Osbourne y Beres Hammond.
• Rankin’ Rick repasará los éxitos del 2008 en What’s Going On.
• Un nuevo capítulo de Mento Corner nos acerca a la figura de Byron Lee.
• Acabamos con una nueva edición de Liquidator Music. El nuevo trabajo de Daniel Flores & The Rumba Box “Todo Hombre Es Una Isla”.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel y Alex

NO MATTER WHAT THE PEOPLE SAY, THIS SHOW LEADS THE WAY!!!!

• Estrenamos novedad del mes, “Listen To The Music”, recopilatorio de producciones de Ken Lack entre 1966 y 1969. Edita Pressure Sounds.
• Nos adelantamos a la mini gira estatal del ex-Gladiators Clinton Fearon escuchando su nuevo trabajo acústico, “Heart And Soul”, y charlando con el organizador de los conciertos. Además, los teloneros del concierto de Barcelona, Sr. Wilson & Irie Souljah, nos deparan una sesión acústica live & direct desde el estudio de Radio Ciutat Vella!
• Primer larga duración de un artista que ha subido como la espuma: I-Octane presenta su “Crying To The Nation”.
• Bristol Archive Records recopila al trabajo de 30 años de trayectoria del gran Joshua Moses en “From Joshua To Jashwa-30 Years In The Wilderness”.
• Sizzla Kalonji, Capleton, Chris Martin y George Nooks desde el reciente Cool Out riddim.
• Escuchamos un tema para ir conociendo a Raging Fyah, joven formación jamaicana que nos visitará en la próxima edición del Rototom Sunsplash.
• Nuestra agenda y la información más completa.

Dirección: Sensi Twins
Presentación: Sensi Man aka Dr. Decker
At the controls: Manel
Asistencia técnica: Alex & Iker
SOUND SYSTEM FM RIDES THE MUSICAL CHARIOT!!!

Continuamos con el sexto número del blog Vibrations. En este número vamos a ver otro preamp diferente después de haber conocido el Tubbys en el número anterior. Otro de los preamps que más se puede ver por los sound systems actualmente es el de Mark Mostec, o Mostec, simplemente. No nos pondremos a estudiar gráficas, sino a ver un poco como és. No somos expertos en audio ni rebosamos experiencia. Nosotros, Rootikaly Movement, es el que tenemos y usamos desde hace unos 4 años, así que seremos nosotros quienes lo destripemos, intentaremos ser objetivos.

Mark lleva unos cuantos años en el mundo del reggae y de los sound systems, y fabricando los Mostec, es un tiempo suficiente para que sus preamps los encuentres a cualquier lado del planeta que vayas. Se lo puedes ver usar a los legendarios Channel One o en la misma Barcelona a Leones Humildes.

Es un diseño que se reconoce fácilmente. Como casi todos o todos los preamps no viene con grandes diseños o serigrafiados.  Existen diferentes formatos, lo que en principio nos sugiere ser una ventaja. Existe en formato rack de 19” y con controles con potenciómetros, o en formato mixer, para ponerlo horizontal, con crossfaders. Por supuesto existen modelos de 3 y 4 vías, y también minipreamps para tu salón, o… lo que quieras encargarle! Quizá lo mejor de decidirse por un preamp Mostec es porder diseñarlo tu mismo con Mark y decidir qué quieres hacer. Jahmbassador en Bélgica es un ejemplo de estos Mostec diseñados por el soundman, no os perdáis si podéis un baile de este sound system, es impresionante el sonido. Ultimamente se ha podido ver a Young Warrior, el hijo de Jah Shaka, funcionando con un Mostec de 5 vías, y I-Skankers, unos de los sellos/sounds franceses con más proyección, también han escogido hacer el preamp a su gusto con Mark. Es decir, cada preamp de Mostec es casi único y se encuentran en constante evolución.

Otra de las grandes ventajas de este preamp, es un mayor tamaño, 8 unidades de rack, donde en la parte frontal son todo controles y la posterior todo conexiones. En los preamp Mostec, al haber más espacio, digamos que están todos los controles  bien repartidos y distribuidos lo que hace unos primeros usos mas fáciles, es muy intuitivo. Otro de las ventajas que incluye (o incluía, porque ya hay otros preamps que lo incluyen), es algo tan básico como una preescucha de los 5 canales de entrada. Que nosotros rara vez utilizamos. Otras de las principales ventajas son por ejemplo barras de leds para la ecualización en lugar de un solo led, control de ganancia de las entradas de audio independientes al master, canales de inserto (lo que permite colocar un compresor, por ejemplo), ganancia y control de la frecuencia del paramétrico con ganancia en cada vía, control del retorno de los auxiliares en las vías…

Como os hemos dicho, existen diferentes formatos, y explicar todos sería algo complicado, asi que os ponemos lo que tiene el nuestro, que es el “estándar” en formato rack y crossover de 4 vías. Explicarlos sin sonido y sin el aparato delante de me antoja algo difícil.

En los controles delanteros encontramos:

Ecualizador Gráfico de 10 Bandas.

5 Controles de Ganancia de entrada de Audio ( 2 Phono, 3 Line )  4 en RCA y uno en Jack.

3 Canales de Microfono con Ganancia, Ecualizador de 3 Bandas y 2 envíos a Aux.

Control de Ganancia en las 4 Vias de una mezcla de los 3 micrófonos, e independiente al Master.

Control de Ganancia “Master” para las 5 lineas de entrada, con ecualización de 3 bandas  y dos envíos a Aux.

Control del retorno de los dos Aux en las 4 Vías.

Crossover de 4 vias. El control en cada via se compone de un kill, ganancia, frecuencia de paramétrico y existe otra ganancia para ese paramétrico.

Conector Jack  Hembra para preescucha independiente para cada uno de los  canales de entrada, con kill y una misma ganancia para todos.

La parte posterior se compone de:

Entrada de Audio, 4 en RCA (2 line y 2 phono)  y 1 Jack (1 line).

3 Jack para micrófonos.

8 Jack para las salidas de las 4 vías (doble mono).

2 Jack de Inserto, uno para el audio y otro para los micrófonos.

2 Jack del  aux send y 2 Jack del aux return.

2 Jack con la salida de toda la mezcla del preamp (line y doble mono).

Como vemos, un mayor espacio se ha aprovechado para tener más controles, lo que hace que conseguir un buen sonido con este preamp, parezca más fácil para los que al principio no teníamos ni idea. Si lo comparamos con el Tubbys, mi opinión personal es que és mas fácil de usar. Que sea mejor o no, ahí no me atrevo a entrar.

Otra de las ventajas de los preamp Mostec que he podido averiguar gracias al boca a boca y al preguntar a mucha gente, es que parece ser que la respuesta en frecuencia para las vías de medios, parece algo mejor. Lo que digamos que se puede traducir en un sonido más claro, nítido y brillante. Aquí cada uno tendremos nuestra opinión.

Por buscarle algunos defectos, digamos que el preamp de Mark, está pensado por alguien del sound system, para funcionar. Y funciona. Visitando diferentes foros, hablando con la gente que los usa, y habiendo abierto varios, puedo decir que no sea el mejor acabado. Tuve la suerte de hacer mi preamp con Mark en su casa, en Londres. Y los más expertos dicen que podrían usarse componentes de mucha más calidad para que la calidad del sonido no se distorsione o se pierda. Pero por otro lado mi experiencia me dice que el sonido bien ecualizado es simplemente casi perfecto.

Otro aspecto difícil cuando tienes un preamp es el mantenimiento. Siempre se rompen o estropean cosas, y no todos controlamos de electrónica. Sé que Mark ha hecho viajes por el mundo única y exclusivamente para reparar el preamp, o se le han enviado allí para ello. Si el vuestro falla quizá podamos echaros un cable, pero lo mejor siempre es intentar hablar directamente con él. Es fácil encontrar a Mark, preguntando siempre se suele llegar a Roma.

Nuestro punto de vista es, que puede que existan otros preamp mejores pero con un Mostec se consigue un sonido increíble, como hemos dicho antes, perfecto o casi perfecto. Aunque siempre dependerá de un montón de cosas más. Desde la mano del operator a la robustez del Scoop.

Sincerémonos: a tres días vista de su performance poética en El Círculo de Bellas Artes de Madrid, apenas nada conocía acerca de su obra literaria -cuatro libros de poemas hasta la fecha-. Pero las oportunidades que te brindan, no debes dejarlas pasar y lo que nos encontramos aquella entrañable velada en la sala bautizada como “la pecera” fue a un poeta del dub que atacó sin miramientos a la cultura plástica que hace prevalecer la estética sobre la ética, que se enorgulleció rememorando sus orígenes africanos y que consiguió emocionar y azuzar a un público en principio apático y heterogéneo, para corear al unísono estribillos sobre la creatividad, la melanina o la diversidad. ¡¡Bravo por él!!

Los primeros pasos en tu carrera se producen verbalizando para los sound systems locales en tu localidad natal, Liverpool. ¿Puedes recordarnos cómo era la escena reggae allí y para que sound systems y selectors cantaste en aquel tiempo?

Entre mediados y finales de los 70 vinieron a Liverpool un montón de grupos de reggae. Había un promotor jamaicano llamado Rico-T y él trajo a gente como Dillinger, Tappa Zukie, Prince Far I y bandas como Aswad, bandas de alta calidad. Nos influyó esta música. En Liverpool había dos sound systems y yo solía hacer de dj para Jack Kumina Hi Fi. Acostumbrábamos a hacer un soundclash y venía gente de London, Birmingham, Manchester. Era muy inspirador y era música consciente, no había lírica sangrienta. La gente estaba muy influenciada por Bob Marley, que aportaba la conciencia con su música, así que fue un tiempo grandioso para el reggae.

Para un hombre negro nacido en Liverpool y crecido en el corazón de la mezcla de culturas, del melting pot, ¿qué crees que ayuda a perpetuar prejuicios como el racismo o el sexismo de una generación a la siguiente y así sucesivamente?

La gente transmite el mismo comportamiento a la siguiente generación, así que debemos detener estos comportamientos y tener respeto mutuo, a la gente. La gente siente inseguridades, temores y los transmite a la siguiente generación y esa es la causa de que actúen de modo racista, sexista u homófobo.

Has admitido que podría definírsete bien como un “urban griot”. El término “griot” se explica como “un cuentacuentos del Oeste africano que perpetúa la tradición oral y la historia de un pueblo o una familia”. Pese a haber nacido como occidental, alejado de África, ¿sigues sintiéndote como un africano en la diáspora?

Sí, porque mi piel negra, mi familia, todas mis raíces están en Ghana. Mi tatarabuelo era de Ghana, mi madre y mi padre eran jamaicanos y yo nací en Liverpool. Así que tengo raíces africanas mezcladas con la herencia caribeña, por lo que me siento parte de esta tradición. Mi madre solía contarme historias que me gustaban, sobre Anansi y Unde Rolling Cart -el fantasma- y aquello me inspiró para realizar mi poesía. Solía escuchar y tengo ventaja porque recibo influencia de mi lado caribeño y de mi lado inglés. Conozco ambos para ventaja mía.

Supongo que antes de iniciarte como poeta y habiendo nacido de ascendentes jamaicanos, habrás leído los trabajos de Miss Lou, Jean “Binta” Breeze, Linton Kwesi Johnson o Benjamin Zephaniah como paso previo a ver tus obras editadas. ¿Qué elementos hacen tu poesía similar a la suya y que rasgos distintivos posees tú respecto a ellos?

Lo que tenemos en común es que procedemos de la tradición oral, de la tradición del reggae. Tenemos influencia jamaicana y los conozco muy bien. Conozco a Benjamin, Linton… hemos crecido en un ambiente similar. Lo que me hace a mí distinto, quizá sea el hecho de haber nacido en Liverpool, mientras ellos nacieron en Jamaica. Hay una ligera diferencia en el tono de mi lengua comparado con Linton, pero ellos son mis hermanos y hermanas.

A lo largo de los años te has implicado en varios proyectos educativos con jóvenes, realizando frecuentes visitas a escuelas, colegios, institutos y universidades. ¿Encuentras más sencillo para ellos comprender el mensaje que proclamas a través de la poesía en comparación con lo que los adultos extraen de ella?

Bueno, tengo poemas diferentes para los jóvenes, puesto que cuando hago una performance para adultos es más política y social, pero cuando trabajo en las escuelas es más cultural. Tratamos temas como el medio ambiente, el calentamiento global, la contaminación del agua. Hablo a los estudiantes sobre la tradición cultural de la rap -poesía aplicada rítmicamente-. Es lo que digo en uno de mis poemas: “Lejos de las calles, donde los jóvenes morirán, extiendo mi mensaje lejos y amplio, en la tradición de la rap, la poesía aplicada rítmicamente. La calle alaba el dub urbano, que entra en los teatros y es adecuado para el club. Comunicativa, celebradora y educativa pero acelerándose. Exprésate en la vibración para mantenerte vivo. Comunícate y educa toda la noche. Exprésate en la vibración para mantenerte vivo. Comunícate, educa y sé prudente”. Eso es lo que trato de comunicar: trato de inspirar a los estudiantes para explicarles que ellos pueden escribir poesía. Lo pueden hacer al estilo rítmico y pueden tratar diversos asuntos. Ese es el motivo por el que me gusta trabajar en la educación: les proporciona una mejor comprensión de las distintas culturas.

¿No opinas que la poesía se torna aburrida del modo en que se explica habitualmente en las escuelas? ¿Son tus talleres creativos, involucrando a la audiencia como parte del aprendizaje, tu forma de reaccionar contra el tedio en la enseñanza de la literatura?

Sí, ya que, como la poesía fue escrita largo tiempo atrás, tiene un ritmo distinto, una perspectiva diferente y los estudiantes de hoy en día tienen otra visión, así que les resulta más familiar y rítmico; el poema les gusta en un estilo distinto. Para apreciarlo y crear sus propios poemas, deben escuchar más poesía contemporánea, porque pienso que la poesía contemporánea se encuentra más próxima al ritmo de vida actual y tiene una perspectiva distinta, de modo que la pueden asimilar más fácilmente. Tenemos que hacerles las cosas más familiares para que puedan acogerlas.

Alguna gente tiende a pensar que hay un artista en todos y cada uno de nosotros y que con tan sólo un pequeño esfuerzo, aflora la creatividad. ¿Estas de acuerdo con esta afirmación? ¿En qué sentido podemos ayudar a nuestras potencialidades a alcanzar la superficie?

Sí, estoy completamente de acuerdo en que todo el mundo tiene un libro, puesto que todo el mundo tiene una historia que contar. Y pienso que alguna gente no sabe como expresar esa historia, así que tiene que encontrar el camino correcto para hacerlo. Alguna gente usará la novela, otros la música y alguno quizás use la poesía. Así que tienes que encontrar aquello con lo que te sientes cómodo.

Repasando tu trayectoria musical, podemos comprobar que realizaste un par de campañas como poeta residente con The Royal Liverpool Philharmonic Orchestra. ¿Cómo te hiciste con este trabajo y en qué sentido ayudó a mejorar tu estilo?

Quería intentar algo distinto, algo nuevo. Conozco la Reggae Philarmonic Orchestra, pero puesto que soy de Liverpool, pensé que estaría bien trabajar con música clásica desde una perspectiva más amplia y hacerlo desde mi comunidad local. Conocía a alguna gente de la orquesta, así que les propuse hacer reggae clásico. Al principio no estaban muy convencidos, pero luego pensaron que sería una buena idea. Así que escribí alguna poesía y ellos prepararon la música y fue fantástico. El hecho de que resultara tan exitoso fue por lo que hicimos dos espectáculos en dos temporadas, puesto que en la primera temporada a todo el mundo le encantó, así que tuvimos que hacerlo de nuevo. La primera temporada estaba centrada en la canción y la segunda temporada en la voz humana, así que era distinto: dos estilos diferentes de espectáculo. Fue fantástico.

Como rasta que eres, has debido leer la biografía de Marcus “Mosiah” Garvey, incluso si no eres garveyite. ¿Por qué crees que no ha obtenido el reconocimiento público del que gozaron Malcom X, Nelson Mandela o Martin Luther King si luchó fuertemente para que fueran reconocidos los derechos de la población africana?

Marcus Garvey apareció antes que buena parte de ellos y pienso que en aquel tiempo en que apareció, el mundo no estaba preparado para su mensaje. Tampoco creo que el mundo estuviera preparado para Malcom X, puesto que lo asesinaron. Tanto Malcom X, como Martin Luther King era garveyites. Marcus Garvey era un hombre poderoso, ya que en América tenía once millones de seguidores para él sólo. Su mensaje era: la gente de origen africano debe retornar a África porque en el mundo occidental, la gente africana no es tratada de modo igualitario. Pienso que no demasiada gente sabe sobre Marcus Garvey por sus orígenes jamaicanos y por el tiempo en que nació, pero la gente se acuerda de Malcom X, Martin Luther King o Nelson Mandela porque la televisión emitió su imagen, mientras que no creo que haya muchas películas sobre Marcus Garvey de cuando estaba en la cumbre, tan sólo escritos. A la gente hoy en día le gusta ver las cosas, internet, el cine… les gusta ver imágenes.

Pese a que tu nombre no es tan popular más allá del ámbito poético, has aparecido en repetidas ocasiones en la BBC e incluso has dirigido un documental sobre la religión rasta. Dado que existen varias ramificaciones en el seno del movimiento rasta, ¿a cuál de ellas te sientes más próximo? ¿Por qué decidiste volverte rasta y de dónde obtuviste la inspiración para el documental?

Demasiada preguntas, jeje. Mi nombre Levi significa unidad y Tafari significa creador. Cuando crecía mis padres me educaron con la imagen de un Cristo blanco y me dije a mí mismo: en el tiempo en que nació y por donde nació, Cristo no podía ser blanco, tenía que ser negro. Etiopía es el país cristiano más antiguo por que Rey Masel fue a visitar a Cristo… así que cuando comencé a pensar sobre estos asuntos, me di cuenta de que había algo incorrecto: Etiopía es especial. Posteriormente, cuando leí la biblia, vi que el primer territorio en ser mencionado es Etiopía y luego asistí a un concierto de Bob Marley, en el que hablaba de Haile Selassie y leí en mi biblia que quien viniera sería el Rey de Reyes. Comencé a investigar sobre Haile Selassie y me di cuenta que H.I.M. era descendiente directo de Salomón, el Rey David y el León de Judá y aquello me hizo sentir bien. Marcus Garvey dijo “mirad a África para la coronación de un rey”. Todo esto puesto junto me hacía sentir como si perteneciera a la fundación espiritual y no tuve que cambiar en exceso, puesto que mi familia y yo creemos en Dios. Sólo tuve que dejar crecer mi pelo para convertirme en rasta. Y luego comencé a desarrollar mis inquietudes culturales, empecé a escribir poesía, me hice más popular y la BBC reconoció mi trabajo. Me preguntaron si quería hacer un documental sobre el peregrinaje a Etiopía. Así que pensé: esta es una gran oportunidad para ir a Etiopía, ya que no había estado nunca en aquel continente. Entonces, con la ayuda y el apoyo de la BBC fui a Etiopía e hice el documental. Conocí a los bobo ashanti, nyahbingi, la Ethiopian World Fedaration, las doce tribus de Israel, pero no soy parte de ninguna organización. Sólo pienso que soy consciente de mí, me gusta vivir lo mejor que sé como rasta.

Encuentro el proceso de publicación de tus libros bastante similar al que llevan a cabo los cantantes jamaicanos cuando recopilan sus mejores singles para un editar un álbum. ¿Cuáles son las razones que motivan la edición de un libro? ¿En qué estás trabajando en este momento?

Escribo un libro como si contase una historia. Hay varios poemas en diferentes secciones con distintas vibraciones. En mi último libro, que se llama “From the Page to the Stage”, cada capítulo/sección trata de un escenario distinto: el escenario poético, el escenario emocional, el escenario natural y el escenario político. En la actualidad trabajo en un libro sobre héroes negros y heroínas, gente como Bob Marley, Mohamed Alí, Nelson Mandela, Bunny de The Maroons… hombres y mujeres.

Para la última cuestión te voy a solicitar que escojas de entre tu obra, editada o inédita, para recitar un poema dedicado a Barack Obama, el recientemente elegido presidente afroamericano.

“Melanine” sería el poema. “Melanina, te amo. Significas tanto para mí. Oh! melanina tu belleza es más rica de lo que un ojo puede apreciar. Mi melanina me abraza de la cabeza a los pies. Oh! melanina yo nunca renegaría y quiero que lo sepas. Me engañaste, me guiaste a lo largo del día, me elevaste a las alturas. Me gusta verte jugar. A menudo me enfrento a un abuso pesado cuando sales conmigo. Alguna gente no tiene mi melanina y muestran sus celos, pero no importa lo que hagan o digan, no impedirán que te ame. Mi melanina, preciosa melanina, la pigmentación de mi piel”.

Publicada originalmente en la revista ALB nº89

Contenidos del programa:

• Tune In! repasa las úlyimas novedades desde Jamaica.
• Finaliza nuestra novedad del mes. “Deep Roots Observer Style” de 17 North Parade.
• También desde 17 North Parade nos llega la reedición del primer álbum grabado en directo en Jamaica en 1974: “Live At The Turntable”.
• Escuchamos el single con los descartes del último trabajo de Oldians y del próximo de Kinky Coo Coo’s.
• Un tema mas del productor Kemar “Flava” McGregor en la voz de Cos Haley.
• Y en nuestra agenda tenemos a Bad Manners, Sizzla y los inicios de Madonna a ritmo de ska revival.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel y Alex

SOUNDSYSTEM FM WORKING FOR JAMAICAN MUSIC SINCE 1989.

Gracias al legendario Pecker incluso se grabaron en 1980 y nada menos que en Channel One y Tuff Gong, dos álbumes de colabos entre jamaicanos y japoneses, con la participación de figuras como Augustus Pablo, Sly & Robbie o The Wailers (“Pecker Power” e “Instant Rasta”) que convirtieron en clásico instantáneo el reggae jamaicano en la cultura japonesa. Pero hasta aquí la wickipedia para poneros al día. Estamos en 2012 y resulta que los japoneses se mueven hoy como ackee & saltfish en la tradición musical jamaicana por medio mundo.

La mayoría en Europa (UK aparte) no pasa de Mighty Crown, el tumultuoso y espectacular soundsystem, del que dos de sus fundadores aparecían en el documental de Nice Time “Hit me with Music” contando las desventuras de sus primeras visitas a Jamaica, como dos guiris más, años ha por el 93. Desde entonces, paso a paso, han puesto a su Yokohama local en la escena mundial del reggae, han ganado la copa UK y la mundial de clashes en 2004, hacen de anfitriones en Japón, desde Shabba y Cocoa Tea a Bounty Killer o Mavado, a embajadores fuera de él (por ejemplo en el reciente “Reggae 4 Japan” en NYC por el desastre de Fukushima), y sus puestas en escena van mucho más allá de un soundsystem, incluyendo bailarines, coreografías, video-proyecciones y mucho más. La agenda del Rototom debería tenerlos en cuenta para el escenario principal, si sabe lo que es bueno, lo que muchos ponen en duda ahora mismo, cuando el apoyo semi gratuito de los artistas locales va a bajar, como era previsible.

Si crees que la cosa queda ahí, vas listo. Hace unos cuantos años, cuando Cuatro pertenecía a Canal+ aun podían cazarse de madrugada algunas series interesantes de animación para adultos. Una de ellas, de las que me convertí en devoto absoluto, superada mi obsesión futurista por la legendaria “Ghost in the Shell” de los 90, se llamaba “Samurai Champloo”. Aquel manga con la estética de Tarantino en “Kill Bill 1” contaba con una banda sonora alucinante, a medio camino entre el hip-hop, el break-beat atmosférico, y sí… el reggae. De forma evocadora, una vocalista llamada Minmi te trasladaba desde los bosques de flor de loto con historias de samuráis outsiders y pendencieros a los delicados sabores del downtempo jamaicano que en UK se llamó Lovers Rock en los 80.

Minmi

Huelga decir que me quedé enganchado con aquella criatura educada en el soul y el jazz desde los 5 años, capaz de hacerme flotar en japonés, con pelotazos como “Ai no mi” o “Fly High”, su debut “The Perfect Vision” en 2002 del que se vendieron medio millón de copias nada menos y que, desde Osaka, se permitía codearse con Junior Kelly (“I’m your baby tonight”), Anthony B. (“Rastaman drive me crazy”) ó Morgan Heritage (“I love you baby”), y encima salir airosa. Hoy, Minmi, es una estrella internacional de crossover que igual hace Soca (en 2007 estuvo de guest star en el Carnaval de Trinidad, nada menos que con el influencial Machel Montano de anfitrión en el escenario), que hace hip-hop o aparece como portada de calendarios, tal es su presencia comercial en el imperio nipón, pero cada vez que se aproxima al registro reggae resulta tan solvente que no tiene nada que envidiar a cualquiera de las cantantes jamaicanas afincadas o nacidas en UK o la misma Jamaica. ¿Para cuando un dúo con Etana?.

Uno pensaría que se trataba de un caso aislado. Nada más lejos. Ahí está Likkle Mai, que se ha movido siempre en el registro jamaicano, desde que pasó a ocupar el micro al frente de la veterana banda japo de dub Dry&Heavy, en activo desde 1994. Si se te ocurre minusvalorarlos porque no les entiendes, olvídalo. Han sido anfitriones de Lee Perry, Mad Professor u Horace Andy, editado 4 discos en Japón y 3 más en Europa y USA, participan regularmente en el Womad, y desde que en 2005 inició su carrera en solitario, además de producir hit tras hit como “Roots Candy” y “Whatever will be”, se ha convertido en una verdadera personalidad internacional, auspiciando desde su programa de radio las visitas de personajes como Jah Shaka o Adrian Sherwood. Cuando tú tengas el mismo currículum me lo dices.

Likkle Mai

Pero lo que me convenció para escribir estas líneas, entre taza de sake y taza de sake (a falta de mi Appleton, bueno es el destilado caliente en invierno), es sin duda la irrupción para mis oídos, este año, de la musa del nuevo Lovers Rock, que me confirmó definitivamente de donde sacan la inspiración las geishas del reggae. Responde al nombre de Machaco (abstenerse los graciosillos con los chascarrillos), y su destacado papel en el hipnótico riddim “Ooh Baby”, del sello gaijin Manila Jeepney Rds., pasando por encima de Shola Ama o el mismísimo Maxi Priest, con el superhit “Rock to the Beat” que la emparenta directamente con las divas de otra época, de aquel paraíso ya perdido, y encima en japonés, me ha dejado noqueado desde las pasadas navidades.

“Rock to the Beat” no tiene nada que envidiar a las grandes de los 80, y cuando la escuchas cantar tan distante y contenida, de pronto, tienes la necesidad de mezclarla con el “Paradise” de Jean Adebambo, el “Six Sixth Street” de Louisa Mark, el “Rock the rythm” de Janet Key o sobre todo el “Black Pride” de Kofi y sus legendarias Brown Sugar (con la luego Soul II Soul, Caron Wheeler, entre otras). Ya, la mayoría no sabéis ni de qué hablo. Nunca habéis oído hablar de Sandra Cross o Carrol Thompson, a lo más de Deborahe Glasgow por aquellas wicked combinations con Shabba Ranks y Cocoa Tea. Ya ni mencionar a la pionera del género Ginger Williams y aquel “Tenderly” del 74. Pero os aseguro que hubo una época, en la que saber cantar, modular y ensoñar, ponerle sex-appeal, elegancia más que swagga, tributar a las enseñanzas de los clásicos en el soul y el jazz, ser fiel a la propia historia, pagaba réditos en las listas de éxitos. Duró poco, y su propia indolencia, donde el estilo estaba por encima del mensaje, acabó con su savoir faire, pero durante su fulgor, todos los grandes, de Dennis Brown a Sugar Minott se pusieron a sus pies.

Y ahora, se me aparece este fantasma nipón del pasado, desenfadada de aspecto, pero que lleva como cantante/DJ enrolada con el soundsystem japo Dynasty desde el 92 y que ha dejado al reggae internacional sin respiración, desde Bristol y Kingston hasta su Aichi natal. Y tema tras tema, su álbum de debut “Yumenonakani” es la recuperación de un paraíso que no encontrarás ni en Londres, Nueva York o Jamaica. Fresco, natural y delicioso, como la dieta ital bien especiada, después de una temporada de excesos.

He puesto solo 3 ejemplos de grandes divas japonesas, Minmi, Likkle Mai y Machaco. Por supuesto, también hay una escena dancehall, otra de reggae roots, y las correspondientes de hip-hop y derivados, y de pop y mainstream, pero en el sol naciente ahora mismo, las chicas cantan Lovers Rock. Vas y lo buscas!.

Carlos Monty. Marzo 2012

Contenidos del programa:

• Dubforce dedica el programa a Iroko Records (www.iroko-records.com).
• Hoy toca Mento Corner con Lord Antics.
• Deep Roots Observer Style sigue siendo nuestra novedad del mes.
• Desde Bristol Reggae Archives escuchanos la reedición del trabajo Takin The Strain de los británicos Talisman.
• Traemos tres temas del riddim Life After Lifetime.
• También tenemos a Lenya Wilks, el nuevo single de Junior X y nuestra agenda.

Dirección:  Sensi twins

Presentación:  Dr. Decker

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

FROM THE ROOTS OF SOUNDSYSTEM FM!!!

Contenidos del programa:

• Rankin’ Rick repasa los big tunes del 2007 en What’s Going On. También nos trae actualidad desde Jamaica …… a ritmo de dub!, con Don Corleon.
• Segundo Cd de la novedad del mes con I Roy.  Deep Roots Observer Style.
• Escuchamos el nuevo trabajo de Midnite “In Awe”.
• Aggrolites en directo desde su último trabajo “Unleashed Live Vol.1″.
• “Showcase Vol.2″ es el nuevo larga duración de Abassi All Stars.
• La agenda, un tema del trabajo “The Best Of Quantic” y nuestro homenaje al compositor norteamericano Robert B. Sherman.

Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel y Alex

FROM JAMAICA TO YOUR HEART. ENJOY SOUNDSYSTEM FM!!!

Que Susan encabezara, junto a Pat Kelly, la edición anual del festival Rude Cat era una apuesta a todas luces arriesgada, más aún tratándose de una solista de lovers rock cuya dedicación en la actualidad no se restringe a lo musical -es bibliotecaria en la University of West Indies-. Quisimos demostrarnos que su éxito no fue flor de un día (o de un álbum) y aprovechamos para ilustrarnos sobre sus comienzos, su ascenso a las posiciones de privilegio del Top of The Pops y la agradable sorpresa que supone su retorno con el recién prensado álbum “2 Sides Of Susan” (Ariwa, 2009).

Cuéntanos algo más en profundidad aquella anecdótica historia sobre como el novio de una amiga tuya, Dj Jerry Lewis, escucha tu voz y te solicita que grabes un tema para él en los estudios de la Jamaican Broadcasting Corporation, representando este el primer paso en tu carrera como vocalista.

Veo que has estado leyendo mi biografía. El novio de una amiga mía del colegio me pidió que cantara. En principio debía cantar acompañada, pero ella era tímida y lo hice en solitario. Fue en Black Ark Studio para Lee Perry. Aquella canción fue “Love My Life” y cuando terminé, Lee Perry me dijo “¡¡Me gustas, cantante!!”. Luego versioné “Hurt So Good”, que Millie Jackson hizo para la película “Cleopatra Jones” y fue bastante popular en Jamaica. Lee Perry hizo aquel ritmo reggae y estaba buscando a alguien para cantarla. The Mighty Diamonds hicieron de banda de acompañamiento. A mí siempre me ha gustado cantar, pero nunca he aspirado a una carrera como cantante, ocurrió por casualidad. Así que soy una afortunada.

Se dice que tu carrera musical ha sido tan esporádica, tanto en lo tocante a grabaciones, como en lo referente a actuaciones, debido al hecho de que has declinado convertirte en cantante profesional. ¿Por qué has optado por mantenerte al margen del negocio musical?

Mi madre canta, es una soprano dramática, canta clásico y a mí me encanta cantar, amo la música. Desde que tenía 11 años escucho a The Platters, Ben E King, The Supremes y esta clase de grupos. Solía cantar con la escoba (¡!), pero nunca he aspirado a una carrera, nunca he soñado con tener esa oportunidad…y cuando ocurrió, Perry no dejó de mandarme un puñado de canciones que aprender, me las llevaba a casa y regresaba cada Domingo para cantarlas. Ni se me pasó por la cabeza que estuviera haciendo un álbum, pero podía ocurrir cualquier cosa. Un par de meses después de editarlo no tenía repercusión en Jamaica y comenzó a auparse a las listas de éxitos de la BBC en Abril de 1975. Recibí aquella llamada de teléfono informándome que estaba en los listados de la BBC y pidiéndome que viniera a Londres. Tenía 22 años, prácticamente 23. No tenía acuerdo alguno con Perry, así que Magnet Records se hizo con los derechos del disco de forma ilegal. En aquel tiempo Perry era artista del sello Trojan y en Jamaica no sabes quien compone las canciones, así que en el disco pusieron “adaptada”. Todo el mundo afanaba. No obtuve ningún dinero. Fue Nº1 en Sudáfrica durante semanas. Hasta nuestros días, que sigue pegando. No sé lo que tiene.

Puesto que Lee “Scratch” Perry fue el elegido para grabar tu álbum “Hurt So Good”, ¿podrías explicarnos más en detalle cómo era la rutina diaria en Black Ark Studio y qué representó para ti trabajar codo con codo con uno de los personajes más reconocidos del legado musical jamaicano?

Sentía un gran respeto por él. No lo conocía como ese tipo extraño que dicen que era. Solía llamarlo “Mr.Perry” y él no dejaba a los otros (Familyman -bajista para Bob Marley-, Bunny Clark -cantante de Thirld World-, Jimmy Riley, Glen Adams…) que me hablaran. Les decía “dejad a mi cantante en paz”. Se encerraba en el estudio, así que lo veía tras el cristal, él en la sala de control y yo tras el micro. Él decía “apagad todas las luces, tienes una voz sexy” y le veía tras una nube de humo. Y cantaba, cantaba y cantaba. Terminaba una canción y me solicitaba “hazlo de nuevo”. Y luego decía “ve, aprende esto y regresa el Domingo”. Y así se grabó aquel álbum, que me retrata con un gran peinado afro, titulado “Susan Cadogan”. Me mostraba un gran respeto y yo se lo mostraba a él. Tras aquello, no volví a ver a Perry de nuevo hasta…porque Magnet no me pagaba. Yo les decía “¿Dónde están mis royalties?” y ellos me respondían “pídeselo al productor”. Perry me había dicho que no me llevaría un centavo de aquel disco si firmaba con Magnet y ya estaba contratada por Magnet. No fue hasta 1992 cuando Trojan catalogó el álbum en Universal e hicieron un buen trabajo.

Hemos podido comprobar que durante los últimos decenios se ha despertado un mayor interés hacia los artistas de ska, rock steady y reggae en Europa en comparación a Jamaica. Incluso, como has mencionado previamente, tu single “Hurt So Good” alcanzó la cuarta posición del Top of the Pops británico en 1975. ¿Cuál crees que es el motivo que explica este creciente interés nuestro hacia los sonidos oldies jamaicanos?

En Jamaica también aman los oldies. Bueno, ocurre especialmente conmigo. Yo no soy tan conocida en mi propio país. “Hurt So Good” no fue un gran éxito (en Jamaica). Tuve un par de éxitos, “Piece Of My Heart” y la versión reggae de “Tracks Of My Tears” (Smokey Robinson & The Miracles). Fui artista femenina del año en 1981, pero ni siquiera me conocen. Pienso que el tipo de música, su calidad, la lírica y el cante es de lo que adolecen las canciones de hoy en día. No han escrito canciones como aquellas, incluso en América. Las amo. El beat, las palabras…es música clara y buena. Yo puedo cantar temas sobre sexo que no son indecentes como la música que suena ahora.

¿Cómo te sientes cuando escuchas esas líricas homófobas, sexistas y extremadamente violentas provenientes de luminarias del dancehall como Shabba Ranks, Buju Banton, Sizzla o Capleton? ¿No consideras que están diseminando un mensaje equivocado cuando podrían beneficiar a la sociedad difundiendo una cultura de paz, solidaridad y respeto entre individuos?

A nadie le gusta. Bueno, los jóvenes parecen encajarlo mejor. Los deejays emiten ese mensaje perdido, vulgar e insultante en su lírica e influye tanto en los jóvenes, que es una pena. Es su habilidad, pero creo que no es bonito que un artista critique a otro. No me gusta, considero que impacta negativamente en la juventud. No sólo los deejays de reggae, sino también los raperos, insultando a las mujeres y hablando abiertamente de sexo. Es molesto y para mí no es música. No creo que perdure, como las canciones que hicimos Pat Kelly y yo hace veinte años. La música de Bob Marley siempre sonará fresca. Esta basura se desvanecerá. Nuestras canciones tienen 35 años y todavía se siguen vendiendo. Los chicos de 18 años todavía escuchan “Hurt So Good”.

Una mayoría de tu lírica está relacionada, directa o indirectamente, con el romanticismo: el fracaso de un corazón hecho trizas, el afloramiento de un idilio o la reivindicación de la solidez de una pareja que mantiene intacto su amor. ¿Podemos esperar de tu parte un tema tratando asuntos de otra índole, léase por ejemplo el endeudamiento de Jamaica con los países desarrollados, la rivalidad política entre JLP y PNP o el destrozo insostenible de la franja litoral para obtener dinero del turismo?

¿Te refieres a lírica más consciente? Bueno, eso es lo que he hecho en mi último álbum “2 Sides Of Susan”, que elaboré con Mad Proffesor. Es por ello que se llama “2 Sides Of Susan”, puesto que muestra otra faceta mía. Políticamente da igual lo que hagas, las diferencias siempre estarán ahí. Pero no necesitas tener violencia, puedes ser pacífico. Tú puedes ser del PNP y yo del JLP y podemos vivir en armonía. En ocasiones ocurren estas lamentables matanzas, como en la universidad cuando aquel tipo disparó primero contra dos personas. Debes poder con la presión de la vida. He escrito una canción sobre eso. He estado en contacto con los “sin techo”, especialmente en Nueva York y Nueva Jersey y hasta yo misma puedo sentirme así. Escribí una canción llamada “Homeless”. Una de las canciones que escribí para Mad Professor es “Slow Down”, que dice “tómate tu tiempo, cálmate y saborea el vino, cálmate, huele la lluvia y vuelve a vivir de nuevo”, porque la gente se está alejando del bello significado de la vida. Se preocupan de hacer dinero, de ser los mejores y de adquirir objetos caros. En el futuro escribiré más canciones en esta línea y podré cantarlas. Siento no cantar ninguna esta noche, cantaré mis temas sexis.

Tras el bombazo que supuso “Hurt So Good”, has realizado intentos varios para repetir el éxito, pero no has conseguido aproximarte a la repercusión que tuvo aquel, tanto a nivel de ventas, como a la respuesta del público. ¿Has pensado en reconvertirte al dancehall como hiciera Marcia Griffiths durante los ochenta o permanecerás incorruptible como dama del lovers rock?

En ocasiones un artista de lovers rock puede introducir un deejay en su música. De ahí por ejemplo la versión “Uptown Top Ranking” (de Althea & Donna). No tengo la necesidad de subirme a ningún tren. “Hurt So Good” supuso un gran éxito para mí. “Love Me Baby” no estuvo mal. “(You Know How To Make Me) Feel So Good” fue número uno ocho semanas en el listado de música negra. “Piece Of My Heart” estuvo en los listados jamaicanos. La gente cree que he desaparecido, pero siempre he estado ahí. La vida es dura: nunca he tenido un management decente y me he dedicado a mi trabajo en la biblioteca. Cada día que voy a trabajar a la biblioteca, alguien me dice: “Susan, me puedes cantar esto”, “escríbeme esta canción”, así que lo he dejado a un lado. Conforme me hago mayor, quiero llenar este sentimiento que tengo. No existe ningún obstáculo que me haga caer y estoy intentando hacer estos espectáculos en directo. Mi marido me dice “la vida no es un ensayo, sólo tienes una ocasión para cada cosa y si la desperdicias, lo lamentarás”. Así que espero para obtener mi pequeña porción de lo que pueda obtener mientras pueda moverme.

¿Actuar junto a una banda europea, como los portugueses The Ratazanas que te acompañan esta noche, es una suerte de apadrinamiento concedido por parte de los más veteranos a los jóvenes de cara a abrirse camino o la forma más barata y asequible para que un artista jamaicano pueda actuar en entornos tan alejados de las Antillas?

Vine aquí en 2003 junto a los estadounidenses The Slackers y en aquel tiempo conocí a este agente Moty. He tenido un montón de experiencias negativas de gira, así que había decidido parar, pero me puse en contacto con Moty y él me dijo “no Susan, déjame que te ayude”. El negocio musical ahora atraviesa un bache: todo está de capa caída. Es difícil encontrar una actuación que compense económicamente, así que muchas veces lo haces por amor a la causa. Incluso The Mamas & The Papas el otro día reconocían que no tenían dinero. Lo que fácil llega, fácil se va. Así que Moty dijo “lo que puedo hacer por ti, es encontrarte una banda por aquí” y ellos están emocionados y yo lo estoy también de poder concederles la oportunidad. No me importa, porque hay tantos extranjeros que aman realmente el reggae, el ska o el rock steady y lo tocan. ¿Por qué no? Como The Slackers, son una banda de ska y lo tocan extraordinariamente bien. Los jamaicanos no son lo suficientemente profesionales a veces. Ensayas una vez, tocas y no quieren pagarte. No son serios. No ofrezco tantos directos en Jamaica y a mí no me preocupa con quien cante. Si tocan bien, cantaré con ellos. Si se sienten honrados por acompañarme, bien por ellos.

Las últimas elecciones americanas hicieron justicia en el sentido en que eligieron como presidente de la nación por fin a un afroamericano. ¿De qué modo solventará el actual desorden ecológico y social? ¿Tienes esperanza en que materializará por fin esta oportunidad de ver reconocidos definitivamente los derechos del pueblo negro?

Bueno, es un cambio muy grande, histórico y quien sabe lo que ocurrirá. Lo que me alegra es que este hombre sabe que no está seguro de lo que ha ocurrido, pero no tiene miedo de intentarlo. Él tiene un plan y dice que puede no funcionar. Si no funciona, intentará algo distinto. Lo que han estado haciendo año tras año, no ha funcionado. Pienso que la gente debe concederle una oportunidad y opino que la raza es un asunto del que es consciente y es por ello que le están hostigando tanto. Yo voy a darle la oportunidad y como él dice, no puedes esperar un milagro de un día para otro, pero vamos a intentarlo desde un prisma distinto. Tiene demasiados asuntos sobre la mesa: las guerras, la economía, el gas, la salud…pero al menos lo está intentando por su propio pie. No estoy muy puesta en política, pero esto es maravilloso y él es brillante y encantador, con sus modos refinados. Pienso que la raza siempre será un asunto problemático en el mundo. La música no es racista, es tan sólo música y pese a la barrera idiomática, la gente la comprende.

Publicada originalmente en la revista ALB Nº88

Texto: Larry ACR
Fotógrafo: Xavi Guillamón

En la naturaleza la reverberación se produce cuando un sonido reflexiona en una superficie y vuelve hasta nuestros oídos, provocando una cola o una extensión temporal del sonido, debido a que su recorrido es mayor que el que debe hacer la porción de ese sonido que llega hasta nosotros de forma directa.

Si la velocidad del sonido fuera más rápida, por ejemplo como la de la luz, prácticamente no percibiríamos este efecto, pues una distancia de por ejemplo 50mts, sería recorrido en 0,000017 mSgs, y nuestro oído no percibiría ninguna prolongación sonora. Tened en cuenta que en realidad, el sonido tarda en recorrer esos 50mts, 147mSgs, y que pueden darse perfectamente en una habitación de 15 metros cuadrados con paredes reflectantes que permitan varios choques hasta amortiguar el sonido.

Para saber de que estamos hablando, tenéis en wikipedia una muestra sonora.

En las primeras grabaciones, este efecto se controlaba con la acústica de la sala. Se podía grabar en una sala donde, con paneles móviles, se pudiera regular el tiempo de reverberación, o incluso reproducían por una altavoz el sonido grabado previamente en una habitación diferente mientras se volvía a grabar con uno o varios micrófonos. Realmente, esta técnica es muy realista, pero tiene el problema de que en un estudio no podemos disponer de infinitas salas con infinitas acústicas. Así que fue necesaria la ayuda de la electrónica como complemento acústico.

Imagen publicada en www.preciolandia.com

Plates: Las primeras reverbs artificiales fueron las de placa, conocidas como plate reverbs. Usaban un tipo de vibrador que provocaba un movimiento en una placa de metal, y el sonido se registraba con uno o dos micrófonos. Quizás la más conocida fue la EMT-140.

Pero claro, estamos hablando de un monstruo de 270KGrs. Así que en la búsqueda de una reverb accesible, se desarrollaron las spring reverbs, que sustituían la enorme placa metálica de las plates, por un muelle.

Imagen publicada en wikipedia.org

Son muy conocidos los tanques que desarrolló Hammond para sus órganos, o los que se montaron en los Fender twin Reverb.

Imagen publicada en www.fender.com

Otro modelo muy utilizado es el Roland space echo RE201 y sus derivados, como el chorus echo. Aquí está la unidad de los estudios A-Lone Ark Muzik.

Esto es lo que comenta Roberto Sánchez de ella: “Un clásico. Esta unidad salió en el año 1973. Tiene delay de cinta (un loop de cinta en un sistema con un cabezal grabador y 4 reproductores) y reverb de muelles. Ambos efectos se pueden usar combinados o por separado pero no simultáneamente. El sonido cálido en la reverb y las repeticiones del delay, que se van degradando y filtrando en las frecuencias limite por la naturaleza del sistema, lo hacen perfecto para producciónes de reggae y dub analógico. Este modelo es el que se usó el estudio Black Ark de Lee Perry. Se puede escuchar la unidad exprimida al máximo en la segunda y tercera versión del disco de The Congos Heart of the Congos.”

Pero Roberto también utiliza otras revebs, por ejemplo la Bandive Ltd. Great British Spring Reverb.

“Esta sencilla unidad montada en un tubo de pvc es mi preferida sin duda. La longitud del tanque y de los muelles está bastante por encima de la media, lo que da posibilidad de tener un release bastante largo pero controlado y un sonido super profundo y cálido. Es perfecta para reggae y dub con sonido vintage y también para producciones más digitales. La primera vez que pude usar una fue en el estudio de Bush Chemist Conscious Sounds en Londres en 2003, y me quedé totalmente enamorado de su sonido. ¡En sus producciones y mezclas se puede escuchar como combina esta reverb con diferentes reverbs digitales con resultados geniales!.

“En las grabaciones de órganos uso en bastantes ocasiones las reverb de muelles de los propios instrumentos (Hammond o Kawai organ). Y por descontado el reverb del ampli Fender Twin Reverb para las guitarras, no hay nada mejor.”

Además, Roberto también tiene otro juguete, este no tan conocido, el Torque T2500R.

“Los tanques que contiene esta unidad en formato rack (no es lo más común) son más pequeños que en el Space Echo, y por tanto los muelles también. Esta es una de las razones que hacen su sonido menos cálido, un poco más agresivo que otras unidades, sin embargo esto ayuda a que el release sea más controlable. En el disco de Alpheus From Creation utilicé únicamente esta reverb retornando su salida a la mesa para poder ecualizarla y corregir un poco su sonido. Una reverb con mucho carácter, ayuda a dar un color vintage de muelle pero permitiendo controlar el release (perfecto para ska y rocksteady, que llevan tempos más altos que los temas de reggae y necesitan de un release en el reverb más controlado).”

Por mi parte, yo también nombraría esta unidad, la Pioneer sr101.

Esta unidad estuvo en los estudios A-Lone Ark Muzik. Es un modelo de Hi Fi, de válvulas y estereo. Tiene una vibrato muy fuerte y yo la suelo utilizar para instrumentos de percusión.

Una de sus particularidades de este tipo de reverb, es que al golpearla, produce un efecto trueno muy utilizado en muchos dubs.

Para aquellos que estéis empezando a producir dubs, os recomiendo que os hagáis con una de estas de segunda mano. También podéis adquirir una de nueva producción, aunque no será lo mismo, pero por ejemplo tenéis: La Vermona retroverb.

Imagen publicada en www.vermona.com

O un pedal como este:

Imagen publicada en www.hispasonic.com

Digital reverb: En la década de los ochenta, y con el asentamiento de la era digital, salieron al mercado las unidades digitales de reverb. En esta foto de 1983 de Channel One, podemos observar parte del equipamiento que utilizaban entonces.

Foto publicada en www.houseofreggae.de

Arriba a la derecha tenemos un aparato azul, con dos botones, uno rojo y otro amarillo, además de otros, claro, que me parece que se trata de una unidad de reverb digital. El modelo exacto no lo tengo claro, pero se parece mucho a una Lexicon Modelo 200.

Quizás la primera reverb digital fuera la EMT-250 de 1976, pero en los ochenta, las reverbs que reinaban eran Klark Teknik con su modelo DN780, Quantec, Lexicon, las AMS, por ejemplo la RMX16, las URSA y Yamaha un año más tarde con la rev1.

Eventide tenía ya un delay, pero no tengo claro que hubiera comercializado ya alguna reverb conocida.

Imagen publicada en www.roland.com

Roland por su parte, que ya había sacado su space echo RE-201 de muelles, y su pedal de Phaser PH-1 en los setenta muy utilizado en temas dub, pero tardó bastante en sacar unidades de reverb digitales, estaba muy ocupada vendiendo cajas de ritmo TR-808 y sintetizadores Jupiter-8.

Convolution reverb: Unos años más tarde, la tecnología dio un paso más y aparecieron las reverbs de convolución, que en resumidas cuentas es un sampling de la reverb de diferentes salas. Este tipo de reverb, aunque de sonido muy natural, no ha cuajado especialmente en la música jamaicana.

Imagen publicada en www.soundonsound.com

Creo que la primera en aparecer en el mercado fue esta belleza a finales de la década de los noventa, la Sony DREs-777.

Si queréis saber más sobre nosotros, podéis visitarnos en www.euridia.net

Contenidos del programa:

• Las disertaciones de Barracuda y Thunda en Dem Nuh Easy.
• En inventor del Bamboo Sax,  Sugar Belly, en un nuevo capítulo de Mento Corner.
• Estrenamos novedad del mes con un quadruple CD dedicado al productor jamaicano Niney The Observer. 17 North Parade saca al mercado “Deep Roots Observer Style”.
• Seguimos la estela del Club Dance Riddim, publicado por Kemar “Flava” McGregor.
• Escuchamos un poco mas de la última edición de Pressure Sounds con producciones de Lee Perry: “High Plains Drifter”.
• Un aperitivo de otra producción de Bristol Archive Records, “Jah Praises”.
• Nos hacemos eco de la muerte de Okeene Brevett,  hijo de Lloyd Brevett y de los disparos recibidos por el cantante venezolano One Chot.

Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex y Iker

COME JOIN THE SOUNDSYSTEM FM FAMILY!!!

La mayoría de las personas que escriben sobre el Reggae son coleccionistas o periodistas pero no son músicos o técnico de sonido capaces de producir discos o incluso mezclar Dub. Chris Lane es la excepción, él es todas esas cosas y tiene por tanto ambas perspectivas, contando con cuatro décadas de trayectoria profesional.

Chris es una de las primeras personas en escribir sobre Reggae con verdadero conocimiento, respeto y seriedad, un auténtico pionero en este área (desde 1973 una época en la que la prensa musical británica no tomaba en serio aun la música jamaicana)  y también una de las pocas personas que escribe con la experiencia personal de saber cómo funciona el proceso de grabación, producción y mezcla de música jamaicana. A parte de eso es una de las personas más humildes y normales que uno se pueda encontrar.

Este afable inglés, fanático del Reggae desde 1969, empezó a viajar a Jamaica en 1973 cuando solo tenia 17 años, visitando por entonces los estudio de King Tubbys y Black Ark, (el mítico estudio de Lee “Scratch” Perry aun no acabado de construir era donde este adolescente dormía  para ahorrarse así gastos del hotel y poderse comprar mas discos!). También visitó a sus amigos Bob Marley, Bunny Lee, King Tubbys, el propio Perry, etc. Todos ellos fascinados, sin duda, por el conocimiento de este jovencísimo entusiasta llegado de Londres, algo muy inusual por entonces cuando la gran mayoría no sabíamos ni quien era Bob Marley ni de la existencia del Reggae.

En este detallado y exclusivo artículo (que aunque fue escrito en inglés solo ha sido publicado en francés anteriormente) Chris revela el origen del Dub a partir de la peculiarisima evolución y de la música jamaicana. Lane aclara que muchos de los conceptos que a veces se creen recientes en realidad llevan décadas existiendo (aunque quizás con distintos nombres) y analiza los desarrollos tecnológicos que dieron lugar al Dub.

Es un gran artículo de divulgación  pero en parte para iniciados ya que presupone un conocimiento de la historia de la música jamaicana y estar algo familiarizado con con la jerga (y los tecnicismos) de los estudios de grabación. Teniendo esto muy en cuenta, y dado que no se trata de que lo entiendan solo los profesionales de la música ( ¡ y aburrir al resto de los mortales !) sino todo el mundo, le he añadido algunas explicaciones de cosecha propia al traducirlo (creo que así se entiende mejor) y también este prefacio. En cualquier caso (y esto si que es una de las cosas buenas de internet) se pueden hacer búsquedas de las palabras que no entendemos… pero cuidado con fuentes como Wikipedia… que a veces dicen muchas boludeces ( ¡ como dicen en Argentina!).

Le pedí a Chris su permiso para divulgarlo en castellano y aprovechamos la ocasión para corroborar algunas detalles, retocarlo y actualizarlo. No he incluido su versión original en inglés ya que esta contratada para aparecer en una revista especializada en unos meses.

Dub: King Tubby en su legendaria mesa

¿Que es el Dub?

Básicamente es un estilo de música del Reggae creado por los técnico de sonido jamaicanos a principios de los años 70 y que consiste en la manipulación (en la mesas de mezclas) de las grabaciones, reformándolas y reconstruyéndolas por medio de múltiples efectos: ecos, reverberaciones, retardos (delays), etc. Un proceso o técnica de estudio en la que se cambia el centro de gravedad de la música, poniendo en primer plano el bajo y la bateria, prescindiendo de manera intermitente de voces y solos instrumentales.

Hoy por hoy el Dub es considerado por muchos musicólogos como una de las más importantes aportaciones creativas a la musica popular de la segunda mitad del siglo XX. Un sonido genuino e intoxicante que ha trascendido la música jamaicana proyectando su influencia sobre multitud de géneros y manifestaciones de música popular contemporáneas.

A veces muchos periodistas y musicólogos sobre-intelectualizan la música y desestiman lo engañosamente simple y orgánico que puede ser el proceso creativo. En realidad el Dub fue creado de una forma orgánica y espontánea por un puñado de personas que no aceptaban las reglas establecidas, no se creían los dogmas musicales y no prestaron demasiada atención a lo que estaban haciendo.

Estos analistas también se obsesionan en encasillar y clasificar. Buscan términos y definiciones de algo que está en continuo desarrollo, y así ignoran la evolución temporal. Personalmente creo que la música es como un lenguaje en continua evolución y al igual que los idiomas y modismos evolucionan con su uso diario, la música evoluciona y está en una evolución permanente.

Las primeras mezclas Dub no eran realmente muy distintas de las llamadas “versions” (versiones instrumentales) que existían de facto desde mitad de los 60 y fueron introducidas como caras B en 1969. Editar estas versiones fue un hábito adoptado por los productores por 2 motivos: primero para responder a la demanda generada por los deejays (por entonces llamados “toasters”) a quienes estas versiones instrumentales les proporcionaban un espacio para improvisar sus impactantes rimas y verborrea rítmica, y por otro lado, los productores encontraron una manera conveniente de evitar el gasto y la molestia de grabar nuevas canciones para su uso como caras B.

El Dub es un ejemplo más de la legendaria habilidad de los jamaicanos para la optimización y el reciclaje de sus escasos y rudimentarios recursos. Usando su creatividad y talento ( y la música como materia prima)  convierten la mesa de mezclas y el estudio en una herramienta creativa, transformado deshechos en obras de arte.

Les daban igual las reglas y normas, tiraban a la basura los manuales y es que,  a fin de cuentas,  su prioridad era que el resultado  gustara a su audiencia,  que sonara ” bien ” y… que la gente lo bailase, eso era lo verdaderamente importante!

Crucial Bunny en la mesa de Channel One ( foto de S. Morgenstierne)

Aquí está el artículo:

                                                UNA HISTORIA DEL DUB

Prolegómenos:

Para apreciar plenamente el crecimiento y desarrollo del fenómeno del Dub puede ser conveniente saber un poco de la historia y conocer algunas de las técnicas necesarias para la grabación de la de música popular del último siglo.

Desde que Edison inventase el fonógrafo en 1877, posibilitando que por tanto que el sonido de la música pudiera ser almacenado, copiado y comercializado, el proceso se ha mantenido en general igual. Primeramente los cilindros, y después los discos de gramófono, se habían hecho grabando (registrando el sonido) de los artistas y músicos directamente en discos de acetato (acetates), también llamados disco de laca (wax discs) que eran enviados a las fábricas para ser procesados (y manufacturados), sin casi ningun tratamiento, así que la “toma” sonora que había sido elegida como el master era lo que el público escuchaba cuando fuese puesto a la venta. Cuando los técnicos de grabación estadounidenses y británicos tuvieron acceso a los magnetófonos grabadores capturados a los alemanes tras la Segunda Guerra Mundial ( foto adjuntada ), se desarrolló la moderna grabadora de cinta y así durante los años 50 se hizo cada vez más común que la música comercializada se grabara en un formato de cinta magnética en lugar de hacerlo directamente en el disco.

Con la resultante mejora en la respuesta de frecuencia y rango dinámico, se hizo más práctico anadir “over-dubs” (grabar añadidos posteriormente a lo grabado anteriormente) de partes instrumentales o vocales adicionales mediante la transferencia de lo ya grabado en el magnetofón a un segundo magnetofón, mientras que al mismo tiempo se le añadía otra parte tocada o cantada “en vivo”.

A pesar de que el uso de cinta magnetofónica despertó la imaginación de los productores pioneros más innovadores de Pop y  Rock & Roll, ya que ofrecía la posibilidad de ser editada, acelerada o ralentizada, ser reproducida en dirección contraria ( hacia atrás ), o incluso ser utilizada para crear efectos de eco, etc… el proceso de sobredoblaje (overdub) sólo permitiría que muy pocas capas de registro sonoro se pudiesen añadir sin que disminuyera muy notablemente la calidad del audio, y en cualquier caso, todas estas grabaciones eran siempre en mono, porque los cabezales tenían sólo una “pista”. Sin embargo, Les Paul, el genio de la guitarra, quien ya fuese pionero en el arte del overdubbing utilizando los discos de acetato, ya usaba entonces magnetofonos de cinta para conceptos sonoros más avanzados como el ‘phasing’, y el eco, etc. Les Paul se construyó el primer grabador de ocho pistas  y lo estaba usando para grabar una serie impresionante de éxitos. No pasó mucho tiempo antes de que la industria discográfica se diera cuenta de la importancia de estas nuevas tecnologías y así, a principios de los 50, la compañía Ampex comenzó a suministrar grabadoras de 2 pistas (estéreo) a los principales estudios de grabacion norteamericanos.

Estos nuevos aparatos de 2 pistas abrieron muchas opciones para la nueva generación de creadores de música, y la década siguiente traería aún más avances en ingeniería de sonido como magnetófonos de tres, cuatro e incluso de ocho pistas. Los productores y los ingenieros (técnicos) de sonido encontraron nuevas formas de grabar música, siempre tratando de crear un sonido que fuera más limpio, más grandioso, más brillante y con más pegada que sus competidores, y al lograrlo, consiguieron que su contribución en los discos fuese tan importante (en algunos casos incluso más!) que los propios artistas o interpretes acreditados como autores en las portadas.

Muchos productores, ingenieros y estudios desarrollaron sus propios sonidos con un sello personal reconocible, y a finales de los años 60 la mayoría de los fans del pop podía reconocer el trabajo de los productores y las disqueras (compañías discográficas) más distintivas sólo por el sonido que salía de sus radios, independendientemente de quien cantase.

Productores visionarios y técnicos de sonido como Phil Spector, Shadow Morton, Tom Dowd de Atlántic Records, y los arreglistas-productores de sellos independiente con su propio estudio como Chess, Stax, y por supuesto Motown, que fueron los lideres del mercado estadounidense de pop, rhythm & blues (r&b) y soul durante los años sesenta, mientras que en Gran Bretaña, George Martin y los Beatles, y por supuesto el legendario Joe Meek, creaban nuevas fronteras en el pop británico.

Y mientras tanto en Jamaica:

A finales de los años 50 la naciente industria discográfica de la isla se concentraba solo en estilos locales como el Mento, el Calypso y el Folk jamaicano, aparte de música Pop de EEUU (y algo de Jazz, música latina y R & B) editada en la isla bajo licencia de otras compañías foráneas.

La primera persona en construir su propio estudio de grabación (bastante rudimentario) fue Stanley Motta, quien se dedicaba a la fotografía, al alquiler de sistemas de megafonía, y a la venta de discos y aparatos eléctricos en sus tiendas en Half Way Tree y la calle Harbour Street en el centro de Kingston.

Descrito como “una sala con un micrófono y un piano”, el estudio de Motta se ubicaba en Hanover Street, y ya en 1951, con la vista puesta tanto en el potencial del turismo como en el mercado local, comenzó a producir una serie de canciones de Calypso y Mento que serían enviadas al Reino Unido para su fabricación, para después (una vez manufacturadas) ser enviadas de vuelta a Jamaica para ser comercializadas en su propio sello llamado MRS (iniciales de Motta’s Recording Studio).

Estas primeras producciones eran registradas directamente en su disc-cutter lathe ( torno corta-acetatos – ver foto adjunta ) que se había comprado en EEUU y funcionaba a a la velocidad de 78 rpm (revoluciones por minuto). En este estudio se grabaron los primeros temas de R&B jamaicano. Cuando se graba en 1959 se graba el dubplate (acetato) original del legendario tema de Derrick Harriott, “Lollipop Girl’’ asi como varios temas de Laurel Aitken.

Alrededor de 1960 Motta abandonó sus actividades en el negocio de la música, al parecer para concentrarse en sus otros negocios y su carrera política.

Otro de los pioneros fue Ken Khouri, quien tambien había adquirido un disc-cutter de 78 rpm ya desde 1949 y llevaba años ofreciendo un servicio de grabaciones particulares en fiestas, acontecimientos y ferias por toda la isla.

Después de varios intentos infructuosos de licenciar sus propias grabaciones jamaicanas de Calypso a diversas compañías estadounidenses, empezó también a prensar discos utilizando los servicios de manufacturadoras del Reino Unido. Se dice que su disco “Mary Had A Little Lamb” (de Hubert Porter) se agotó rápidamente (con una tirada de 5.000 copias), a pesar de que es generalmente reconocido que muy pocos hogares en Jamaica poseían un reproductor de discos (tocadiscos) en aquellos años.

Khouri se percató del potencial del negocio de la venta de discos, y estableció su propio estudio (Federal) y su factoría de prensaje en la King Street, donde se grabarían y manufacturarían discos de música jamaicana local (en el sello Kalypso), así como prensajes locales de sellos norteamericanos bajo contrato de licencia (Khouri tenía en exclusiva sellos como Mercury, por ejemplo). Enseguida otros empresarios le siguieron los pasos: los hermanos Tawari formaron otra empresa manufacturadora llamada Caribbean Recording Co en la legendaria Orange St. (entre sus sellos estaban Caribou, DownBeat y Tropical).

Otros de los productores locales pioneros fueron Chin’s, que grabó 78rpms en su tienda de radios en Church Street (por las noches… cuando estaba vacia), y Alec Dury de la tienda The Times Store, quien editó un álbum de calypsos para venderlos en la sección de discos de su tienda/almacén de muebles.

Scans de www.mentomusic.com

Otro acontecimiento importantisimo que ocurrió de forma paralela y que tendrá una importancia crucial, es el nacimiento a finales de los 40 de un fenómeno exclusivamente jamaicano:  los sound systems, cuyo desarrollo y crecimiento durante la decada de los 50 estaría completamente conectado a la industria discográfica jamaicana.

Continuará…….

La semana pasada tuvimos con nosotros a Fliegue, esta semana viene para tocar con la banda al completo. Ésta es su historia.

Hace siete años un grupo de músicos residentes en Barcelona y provenientes de la ciudad condal, Mallorca e Igualada, deciden unirse para hacer un reagge coral y diferente a través de la banda Mahogo. En 2007 graban una maqueta para recorrer festivales y bares, dos años después editan su primer trabajo de estudio, “Mahogo”, junto al single  extraido del mismo “Hablan”.

En 2011 se unen al movimiento de la descarga libre con su disco autoeditado “Emergency”, con letras llenas de contenido que nos alarman sobre la dura situación que estamos viviendo en nuestros días.

De este disco se extrae “Political Violence”, que en esta ocasión tocarán para nosotros desde lo alto de Barcelona, cantando contra frío y viento para denunciar la situación de nuestros gobiernos.

La voz principal y el diseño de las portadas corren a cargo de Marc Marín, Fliegue, apoyado por el contrapunto de voz de Esther Benito. Coros, teclados, samplers, ruiditos, raps eventuales y monerías varias vienen de la mano de Marc Badía, Kitus. En las secciones de cuerdas nos encontramos a Octavi Martí a la guitarra y Joan Llansana, corazón de la banda que marca los latidos con su línea de bajo. Latidos reforzados por la batería de Toni Rodriguez y las percusiones de Guillem Farrés. Como toda buena Big Band no puede prescindir de unos buenos vientos, Lluis Sala y Genís Navarro completan con sus frases de saxo  y trompeta respectivamente. Para poner la guinda final Martí Rovira a los vinilos da un fondo continuo que aporta a Mahogo  un buen punto de diferencia.

En www.mahogo.net podeis seguir  a la banda y descargar sus discos.

Contenidos del programa:

• Nos visita Marcus Jr para presentarnos las nuevas ediciones y próximos proyectos de Reggaeland.
• Tenemos Lee Perry por partida doble. Le escuchamos con Mad Professor para abrir boca de sus próximos conciertos en nuestras tierras y adelantamos la última edición (nº73) de Pressure Sounds, dedicada al genio jamaicano.
• Escuchamos por última vez la novedad del mes de febrero, The Bristol Reggae Explossion Vol.3.
• Los temas mas recientes salidos de Jamaica, nos los traen Freedom Cry con su Tune In!

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica Alex y Manel

ÚNETE A LA FIESTA  DE CELEBRACIÓN DE LOS 1000 PROGRAMAS DE SOUNDSYSTEMFM!!!!!!

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Ya vamos conociendo un poco más a fondo que partes encontramos en el sound system, y hemos visto que el preamp es una parte fundamental. En los siguientes numeros vamos a ir viendo los diferentes preamps que podemos encontrar hoy en el mercado, así como los preamps que se han ido utilizando a lo largo de toda la historia del sound system. Para tener una informacion más completa y subjetiva, serán/seremos los mismos usuarios del los preamps, los que los describiremos un poco, sin entrar en profundidad.

El preamp de Jah Tubbys es sin duda alguna uno de los más vendidos, y que más facilmente podemos encontrar en cualquier auténtico sound system de roots reggae. Jah Tubbys son un sound system inglés que lleva muchos años  contruyendo preamps, cajas para altavoces, etapas de potencia, sirenas y una larga lista de equipamiento para sound systems. Sin duda alguna son la principal referencia y puedes encontrarlos facilmente a través de su web: www.jahtubbys.co.uk

Watts Attack desde Uribe Kosta en Bizkaia nos comentan:

El  preamp Tubbys lleva muchos años vendiéndose en el negocio del sound system lo que se traduce en que sin sufrir apenas  modificaciones se ha expandido a lo largo de toda la escena británica, francesa y poco a poco en la zona peninsular siendo utilizado  por sound systems como el propio Jah Tubbys, Blackboard Jungle en Francia o Jah Ras en las Islas Canarias.

El preamp Tubbys consta de:
Ecualizador gráfico de 10 bandas
2 canales de phono/line
2 canales de mic
2 Send/Return con un control para ambos
3/4 vías con sus correspondientes ganancias y con un ecualizador semiparamétrico en medios y graves.

Dentro de estas características, sobre las ventajas que nos presenta este preamp destaca que con sólo 3 unidades de rack, que es un espacio muy reducido, tiene todos los controles que puede tener otro preamp, apenas tiene ruido de fondo y la relación calidad precio es aceptable. Por otra parte, la ventaja más llamativa y que caracteriza a este preamp es la potencia que emite en graves. Respecto a las  desventajas, aunque tenga dos envíos y dos retornos físicamente separados en las conexiones traseras, sólo dispone de un único potenciómetro para controlar a ambos. Por otra parte, la desventaja más llamativa técnicamente hablando, es la existencia de cancelaciones de fase en bajas frecuencias.

Como conclusión, el preamp Tubbys es un preamp muy digno donde su facilidad y simple manejo hacen que sea una buena elección para cualquier sound man.

Texto: Rootikaly Movement y Watts Attack

Contenidos del programa:

• Hoy nos acompaña Julian Garcia para hablar de su proyecto Roots & Vibes en su 20 aniversario. Podremos escuchar en exclusiva una pequeña muestra de algunos directos que la promotora ha traido a nuestro pais.
• Lió nos trae otra impresionante selección de Roots & Culture con su espacio Dub Force.
• Más de nuestra novedad del mes: The Bristol Reggae Explosion Vol.3.
• Esta vez celebramos el carnaval a ritmo de la soca que suena hoy en dia.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

SOUNDSYSTEM FM, ALWAYS WORKING FOR REGGAE!!!!!

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Fliegue es el nombre artístico que toma Marc Marín. Mallorquín de origen, Marc lleva viviendo los últimos años en Barcelona, donde estudió bellas artes y ahora trabaja como ilustrador. Su voz, con un matiz similar que nos puede recordar a Patrice o Ben Harper, aporta dentro del panorama ibérico un punto fresco y diferente, más cercano a las corrientes del nuevo reggae alemán.

Nuestro cantante de hoy gustará a aquellos que disfrutan con las canciones del nombrado Patrice, Sebastian Sturm o Martin Jondo. Fliegue es también el responsable de llevar la voz cantante en el grupo de reggae Mahogo, a los que tendremos en nuestra próxima entrega de Acoustic Vibes, toda una big band de reggae con vientos, teclados y coros que puede llegar a sorprendernos muy gratamente si continúan con su actual evolución.

Contenidos del programa:

• Recordamos a la fallecida Whitney Huston con una versión reggae de uno de sus temas mas famosos en la voz de Terry Linen.
• El premio Grammy en la categoria reggae, ha recaido en Stephen Marley. Escuchamos algún tema del trabajo premiado “Revelation part 1 – The Root Of Life”.
• Rankin’ Rick nos trae media hora de big tunes del 2006 en su espacio What’s Going On.
• Extenso repaso al triple Cd The Story Of Blue Beat. The Birth Of Ska que editó en 2011 Not Now Music.
• Sigue el repaso a nuestra novedad del mes, The Bristol Reggae Explosion Vol.3.
• Escuchamos dos de los últimos temas que ha editado Etana. Ambos para el productor Kemar Flava McGregor.
• Por último, repasamos alguno de los temas editados recientemente sobre el World View Riddim.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica: Manel y Alex

ALWAYS FORWARD, NEVER BACKWARD.

Una de las inevitables consecuencias de nuestro interés por la música Reggae, para quienes provenimos de países alejados de  diáspora jamaicana (con una cultura musical completamente distinta a la idiosincrasia jamaicana), es una interminable búsqueda de información fiable.

Pero nunca ha sido fácil encontrar información fiable y bien documentada sobre la música jamaicana. El problema radica  basicamente en los prejuicios de los medios de comunicación del mainstream que, mas preocupados en la vida, obra y milagros ( y escándalos ! )   de los millonarios artistas de Pop, nunca han valorado la enorme creatividad del Reggae. Nunca lo han considerado suficientemente relevante más allá de media docena de artistas citados  recurrentemente como ejemplos de los artistas más ‘crossover’ ( en el sentido literal de ‘cruzar’ desde su audiencia original a la audiencia de Pop ) y siempre se han limitado a cubrirlo desde un punto de vista informativo y divulgático  limitado al “corta y pega” , abundando en topicazos reduccionistas y datos erróneos por no haberse molestado nunca en corroborar informaciones ( muchas veces proporcionadas por la maquinaria promocional de las disqueras multinacionales ), o al menos  entrevistar a sus verdaderos protagonistas . De ahí que para recabar información o contrastar datos  siempre hemos tenido que buscarnos la vida investigando en fuentes alternativas.

Por otra parte, al otro lado de la barrera, estan los propios músicos, vocalistas  y productores  de Reggae. Los protagonistas del proceso creativo no han facilitado las cosas en absoluto con su legendaria actitud de dejadez, muchas veces combinada con el desconocimiento de la importancia crucial que juega la promoción.  En general se han caracterizado por su falta de interés  en relatar su propia historia.   Hasta mitad de los años 70 la gran mayoría de los discos aparecían sin créditos o información.  Algunas veces incluso peor aún, con los créditos erróneos, incluso el nombre del artista  y/o  el título equivocados.

Por si todo esto fuera poco, la mayor parte de los músicos jamaicanos que he conocido apenas guardan fotos, recortes de prensa o demasiados recuerdos de sus carreras. De hecho, no suelen tener ni sus propios discos…y en varios casos se los he tenido que grabar!

Curiosamente la mayoría de los jamaicanos que conozco no comparten esta “obsesión” porque para ellos es parte de su cultura (han nacido y crecido rodeados de ella) y no necesitan aprenderlo o analizarlo ni mucho menos “comprenderlo”. A muchos amigos jamaicanos no les preocupa leer sobre Reggae ni les pica la curiosidad por saber quien participaba en una grabación determinada o quién lo produjo… bueno, eso sí, me preguntan a mi cuando no se acuerdan de un artista, un título, un sello o un productor. Algo que no deja de tener su ironía. En todo caso este fenómeno tiene su lógica sociológica . Cuando algo forma parte de tu cultura no es nada exótico y lo asumes con naturalidad, sin planteártelo siquiera.

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Quizás mi interés (un poco de obsesión también, no voy a negarlo) se gestó durante los años en que vivía en Bilbao, donde los pocos que estábamos interesados en la música jamaicana  nos sentíamos frustrados, desinformados y desconectados  de la música que nos apasionaba. Algo que nuestros amigos de otras ciudades sentían también. Siempre estábamos a la espera de que alguien viajara a Londres (o quizás a Holanda o Francia ) para hacerle un encargo y mandarle de expedición a los barrios de Londres ( donde no iban los turistas ) con un listado de discos.  Desde la desconexión más absoluta se estaba gestando asi una generación de devotos del Reggae que aunque teníamos la mala fortuna de vivir distantes de su centro de gravedad, intentaba reunir las  piezas que formaban el complicadísimo rompecabezas musical jamaicano.  Era la época en la que no había compañías aereas de bajo costo ofreciendo vuelos baratos.

Personalmente llevo 34 años coleccionando artí­culos y revistas sobre Reggae. Siempre he devorado con fervor cualquier libro o artículo que me informe y me ayude a entender este fascinante universo musical. Compraba fanzines y revistas de Inglaterra, Jamaica, Canada y Estados Unidos. De vez en cuando también francesas, japonesas y hasta de Finlandia (un país con unas revistas excelentes) a pesar de no entender  esos idiomas. Conseguirlas era a veces bastante difí­cil, era como pertenecer a una secta secreta. No soy un completista para nada, nunca me ha interesado tener todos los ejemplares de cada revista, ni completar ediciones por puro coleccionismo. Simplemente si algo me parece informativo y puedo aprender algo, lo adquiero y si no, lo dejo.  Lo que me interesa es informarme.

Hoy por hoy vivimos en la mejor era para conseguir información. Se han publicado excelentes libros sobre el tema, y algunas biografías  de artistas cruciales como Dennis Brown y sobretodo de Bob Marley (del que al paso que vamos publicará otra biografía más el portero de su equipo de fútbol !). Todavía faltan biografías  del  resto de los artistas mas importantes. En cualquier caso todo esto casi siempre se encuentra solo en inglés.

Pero el cambio con diferencia mas significativo ha sido la popularización de internet. Internet ha cambiado completamente las reglas del juego, no solo es interactivo… también gratis, asestando así un golpe enorme a las editoriales que publicaban las revistas especializadas. Todas las revistas que aparecen en este artículo han desaparecido, y algunos las echamos mucho de menos.

Aun así, abunda la información errónea. En internet hay mucha más cantidad que calidad. Hay más acceso a la información que nunca… ¡pero también mucha más confusión!

Fuentes muy consultadas y consideradas generalmente como fiables como Wikipedia están plagadas de errores. Ahora cualquiera es fan y experto y por tanto se multiplica este problema aún más al ser tan fácil copiar y pegar información con errores, sin hacer la más mínima comprobación de las fuentes usadas. Una situación muy difícil de corregir pero al menos trataremos de aportar nuestro granito  de arena incluyendo aquí­ artículos que reflejan la información que considero la mejor documentada.

Al desaparecer los fanzines y revistas han aparecidos los foros especializados en internet. Yo participo desde hace 12 años en varios foros británicos de Reggae donde he aprendido un sinfín de cosas que desconocía. Allí se encuentran los expertos ( los “connoisseurs”   que dirían en Francia  ), los pesos pesados del coleccionismo, los investigadores más eruditos,  los autores de los libros que utilizamos como referencias. Pero por otro lado, su conocimiento sobre títulos, datos, sellos, números de matrices,… a mi me parece que es muchas veces demasiado académico muy de laboratorio y tiene poco que ver con la realidad del día a día de los músicos que han creado esta música. Personalmente he aprendido mucho más de los propios músicos, hablando con ellos, trabajando y viajando juntos, conversando, tocando música, haciendo unas risas o en algunos casos , acaloradas discusiones.

¡ No todo es buen rollito en este mundo !

Los verdaderos protagonistas del Reggae son los músicos, y a ellos no les preocupan los coleccionistas ni los periodistas de intelecto académico y afilada pluma,  ni los historiadores  musicólogos obsesivos. Su música refleja su vida, sus preocupaciones y sus aspiraciones. Y es al mismo tiempo su trabajo y lo que les da de comer. No analizan su música dentro de un contexto periodístico intelectualoide. ¡No necesitan leer artículos o libros, no necesitan recabar información, ni les preocupa en absoluto la arqueología musical. Pero a mi si.

! Es una afición como otro cualquiera !

Todo esto viene a cuento de una serie de artículos que voy a incluir aquí. Escritos que me han marcado y a los que considero, al menos para mí,  como los mejores documentados  sobre las músicas jamaicanas. Por supuesto, esto no es una ciencia exacta y todo tiene sus cabos sueltos que se pueden completar o incluso interpretar a posteriori. Como dije en la primera entrada, las correcciones son bienvenidas !

Contenidos del programa:

• Empezamos con Bob Marley en recuerdo del que seria su 67 aniversario de nacimiento y como recordatorio del homenaje que The Wailers le hacen esta semana en la minigira española.
• Nuestro homenaje mas sentido a King Stitt tras su muerte el pasado 31/1. Su figura y su música estaran presentes en la parte final del programa de hoy.
• Estrenamos novedad del mes: “The Bristol Reggae Explosion 3. The 80s vol.2″, que saldrá a la venta el próximo mes de marzo.
• Nuevo capítulo de Mento Corner con la sexta entrega dedicada a los hoteles de la costa norte de Jamaica.
• Se acerca a nuestros micrófonos Cai de King Horror para hablarnos del concierto organizado por Jamrock, que el próximo domingo que traerá a Barcelona a Aidonia.
• Entre las novedades que incluimos en el programa de hoy está la edición en vinilo del último trabajo de Soweto; el segundo larga duración de Dynamics, el nuevo cd de Ital Horns y uno de los temas,  a ritmo de reggae, editados postumamente de la desaparecida Amy Winehouse.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

NO MATTER WHAT THE PEOPLE SAY, THIS SHOW LEADS THE WAY (From your boss dj King Stitt. RIP).

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Comenzamos nuestra andadura con la visita del grupo madrileño Blueskank. Blueskank nació en 2007 con la intención de aunar el Reggae con el Blues en un interesante experimento sonoro.

Blueskank destaca por ser una de las bandas al frente del sello “Producciones Psicotrónicas” que apuesta por una diferente forma de entender y producir la música en la capital madrileña.

De la formación original solo permanece su líder, Miguel Valenciano alias “Mighty Mike”. El resto del ejército lo componen músicos de las mejores procedencias como son; Javier Ochoa a la guitarra (Tasty Grooves, Hot Drop), Pablo Cano (Emeterians, Tasty Grooves, Pyramid Blue), Jose Ángel Sagi en los teclados (No Reply), Rodrigo Díaz “Niño” y Juan Tomás Martínez con percusión y batería (Canteca de Macao entre otros)

El vídeo fue realizado el 29 de Enero en Cabo Home, Pontevedra, durante la minigira gallega en la que presentaron su último disco “Taking Off” de la mano de la asociación MinhoReggae, que lucha cada día porque la escena Roots en Galicia no pare de crecer.

En el vídeo podemos ver a Mighty Mike, Javi Ochoa y el Niño contando con la colaboración especial durante la gira del gran Nico (Razaguaya, Einstein)

Para el acústico la banda ha apostado por presentar un tema nuevo, “The wiser, the better”, todavía no grabado.

Como recomendación, el vídeo se reproduce automáticamente en 360p, dentro de la ventana de reproducción, donde aparece la rueda podéis subir la calidad a HD

Sol, playa, Islas Cíes, frío siberiano en toda la península… Spain is different

En primer lugar me han pedido que me presente, así que os haré un breve resumen de algunos aspectos de mi persona que nos ayuden a entender el porqué de este blog.

Mi nombre es Fernando Hevia, seguramente este nombre no le sonará prácticamente a nadie, pero muchos habréis visto alguna de las fotografías que he tomado en la mayoría de los conciertos de Reggae con mayúsculas que han tenido lugar en Madrid durante los últimos dos años. Puede que alguien haya visto también alguno de los vídeos que he realizado para el festival Rototom Sunsplash durante sus dos ediciones españolas.

Mis inicios en el Reggae durante la adolescencia coincidieron con el nacimiento de la escena Dancehall madrileña, donde rap y reggae convivían en fiestas como las míticas Ganja-Times. No tardé en iniciarme en el Roots de la mano de Bob Marley o Burning Spear y nuevas bandas por aquel entonces desconocidas como Groundation. Con el posterior descubrimiento de las bandas inglesas, Black Roots, Aswad, Steel Pulse… terminé de enamorarme de esta música. Desde entonces no pasa un día en mi vida sin que el Skank característico me acompañe en cada paso de mi camino.

Paralelo a mi amor por el Reggae fuí creciendo profesionalmente dentro del mundo del audiovisual, preguntándome como unir mis dos grandes pasiones que a priori parecían no encontrar un punto común. El deseo de unir los dos mundos se vio materializado cuando me di cuenta del gran vacío que hay en el mundo del reggae en cuanto a vídeos musicales se refiere. Todo el mundo tiene en la cabeza los grandes videoclips de Madonna, Chemical Brothers o Red Hot Chili Peppers, que han inspirado a cientos de realizadores para llenar el mundo del rock, el pop o la electrónica de excelentes películas musicales, mientras que el reggae rara vez funciona como inspiración para la obra audiovisual.

Mi propósito con este blog es dar un primer paso para generar una buena cantidad de contenido audiovisual de calidad que sirva como base para una cultura del videoclip reggae en la península. El formato acústico, pese a no ser en absoluto una novedad, nos permite afrontar la falta de dinero en la producción y nos da la oportunidad de mostrar una buena cantidad de pequeñas y grandes bandas al mismo nivel.

Quiero dar las gracias a mis compañeros por hacer un huequecito para las imágenes entre artículos de tanto nivel como los escritos por todos ellos. Juntos están haciendo que reggae-blog.net se esté convirtiendo en una enciclopedia del reggae en castellano.

Espero que os gusten las interpretaciones de aquellas bandas que ya conocéis, y disfrutéis descubriendo nuevos sonidos con grupos que no habíais escuchado hasta el momento. Por mi parte intentaré acompañar sus melodías de las mejores imágenes posibles.

Contenidos del programa:

• Repaso final a la novedad del mes de enero. Gregory Isaacs, the ruler 1972-1990, del sello 17 North Parade.
• Entrevista con Javi Garcia para presentar el nuevo trabajo de Oldians, “Wondering Souls”.
• Desde VP Records llega un cd en memoria del fallecido Wycliffe “Steely” Johnson: “Steelie & Clevie presents memories”.
• Nuevo single de Tasty Grooves con la colaboración de Ken Boothe.
• Para ilustrar la agenda, escucharemos lo primero y lo último de los británicos UB40.
• Escucharemos tres ritmos de nueva factura en Jamaica: Bonanza, Bobo Ting y Feel Good.
• Por último, la voz de tres mujeres en sus tres últimos temas editados: la etíope Hailee Araya, Brina y Tanya Stephens.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asisténcia técnica:  Alex

FEEL IN LOVE WITH JAMAICAN MUSIC. LISTEN SOUNDSYSTEM FM!!!

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Los californianos defienden en la actualidad una de las propuestas más transgresoras de cuantas están presentes en la música jamaicana revival, en el sentido de que aderezan su repertorio de temas de reggae primigenio –una parte de ellos versiones de clásicos del género como John Holt, Shark Wilson & The Basement Heaters, Symarip o Marcia Griffiths- con una considerable carga de contundencia escénica y agresividad en la forma de tocar instrumentos tales como el órgano o las guitarras. Ellos lo definen como “dirty reggae”, un término tan deudor de formaciones de innegable virtuosismo (Hepcat, The Slackers), como de la prolija escena hardcore-punk americana. El resultado es un sonido tan autóctono y genuino que no deja a nadie indiferente. ¡¡Make it reggae!!

Se dice que vuestra banda fue formada como una combinación de The Vessels y The Rhythm Doctors para un proyecto concreto como banda de apoyo al vocalista jamaicano Derrick Morgan, para quien se supone debíais editar un álbum que finalmente nunca ha sido editado. ¿Por qué no ha aparecido? ¿Podrías recordar cómo fue la experiencia de trabajo con él? ¿Qué lección/es aprendisteis de Derrick?

Es una historia bastante simpática, porque reuní una banda para hacer de soporte de Derrick Morgan en Los Ángeles cuando aparecimos y a él le encantaba la banda. Eran, en general, gente de Hepcat, mi antigua banda The Rhythm Doctors… él no podía creerse lo buena que era la banda. Aproximadamente tres meses más tarde Derrick Morgan me llamó por teléfono y me dije “¡Oh dios! ¡Es Derrick Morgan al teléfono y me está llamando a mí!”. Me comentó “me encanta la banda. Voy a ir a Inglaterra para grabar un nuevo álbum aprovechando una gira. ¿Puedes escribir y grabar un álbum para mí?”. Le dije “Por supuesto. Sí”. Así que llamé a los mejores músicos en Los Ángeles, gente de See Spot, de Hepcat, de la antigua banda The Rhythm Doctors, Roger –nuestro organista- que tocaba en The Vessels y grabamos un álbum entero para él en la línea de Derrick Morgan: ska, rocksteady, reggae. Lo terminamos y pensamos “vamos a traer a Derrick para que registre las voces”, pero no le dio tiempo. Así que vino para una actuación y le comenté “¡Ey Derrick, tengo el cd con las canciones!” y me dijo “es genial, yo también tengo un cd para ti”. Y yo pensé “¿Un cd para nosotros? Si ya hemos terminado el álbum”. Él terció “si bueno, quizá podamos usar una o un par de ellas. Quiero que regrabéis estas canciones”. Le espeté “¿Estas canciones?” y me dijo “sí, unas maquetas que hice” y eran todos clásicos suyos. Quería que regrabáramos sus viejos temas y pensé “yo no quiero grabar Housewife Choice de nuevo. Ya ha sido hecha, es un clásico y estaba bien la primera vez. ¿Por qué tenemos que rehacer Fatman y estos clásicos?”. Para ser honesto, me enfadé puesto que me había dejado bastante dinero grabándolo, nos llevó mucho tiempo hacerlo, había probablemente treinta músicos distintos, seis o siete compositores y un montón de tiempo y esfuerzo de mi bolsillo. Aunque lo hice por amor y no esperaba que nadie me lo devolviera, pero… Ese es el motivo por el que nunca fue editado.

También fuisteis la banda para el proyecto en solitario de Tim Amstrong, grabando para él el álbum “A Poet´s Life”, que también se vio reflejado en un DVD. ¿Cómo llegasteis a conocer al vocalista principal de Rancid y en qué circunstancias os propuso la grabación? ¿Girasteis finalmente como su banda de apoyo?

Otra historia curiosa. Nuestra antigua banda The Rhythm Doctors abrió para The Slackers en Los Ángeles en una ocasión cuando comenzábamos, allá por 1998, creo. Tim vino al concierto a ver a The Slackers, que acababan de firmar para Hellcat y nos vio a nosotros, de los que nunca había escuchado nada. Estaba allí y nos vio. Le comentó al chico que llevaba Hellcat para él, “quiero firmar a estos tipos, The Rhythm Doctors, quiero a esta banda”, pero había contratado a un montón de bandas en aquel tiempo, así que no pudieron firmarnos. Pero mantuve el contacto con Hellcat, ya que nunca sabes qué va a ocurrir en el futuro. Así que cuando comenzamos con The Aggrolites, siempre tuve en mente a Hellcat. De tal modo que cuando terminamos nuestro primer álbum “Dirty Reggae”, giramos, me acerqué a Hellcat con el primer cd y les dije “aquí está nuestro álbum, hemos estado girando y queremos hacer un nuevo álbum con Hellcat”. Le di la copia a Tim para ver qué pensaba. Tim me devolvió la llamada inmediatamente, le encantaba y quería hacerlo. Así que volvimos al estudio para grabar el álbum homónimo. Tim se encontró a nuestro bajista comiendo en algún lado -vivimos bastante cerca de él- y nuestro bajista le preguntó “¿qué estás haciendo últimamente? ¿Alguna novedad?” y él dijo “Bueno, he estado escribiendo canciones para gente… de hecho, tengo unos cuantos temas de reggae y he pensado en Rancid para grabar una maqueta”. Lo que él hace es componer canciones que vende a otras bandas. Su principal trabajo es como compositor. El bajista le espetó “bueno, The Aggrolites están disponibles, ¿por qué no lo hacemos nosotros?” y Tim le respondió “bueno, lo voy a hacer con Rancid”. Al día siguiente, recibí una llamada del chico de Tim comentándome “Tim quiere que vosotros grabéis las demos de estos dos temas”. “Magnífico, genial”. Contrató dos jornadas en el estudio y entramos y grabamos los dos temas en aproximadamente 45 minutos -porque somos realmente rápidos en el estudio- y disponíamos de dos días de estudio, así que le dijimos “Tim, ¿qué más tienes?”. Tim dijo “bueno, tengo este tema que escribí para Rancid”. Pensé “de acuerdo, grabémoslo”. Cuando lo acabamos, le preguntamos “¿qué más tienes?”. “Bueno, tengo esta otra, no está terminada…”. “Bueno, enséñanosla”. Así que terminamos grabando un álbum entero de material que merecía la pena. Se supone que debía ser una maqueta y grabamos un álbum completo. Él se lo dio a escuchar a la gente de Epitaph y les gustó tanto que le comentaron “Tim, debes editarlo”. Él les espetó “bueno, se suponía que debía ser una demo”. “No, edítalo” y lo publicó gratuitamente en Internet. Fue una oportunidad muy importante para nosotros.

Desde prácticamente vuestros comienzos, la banda ha grabado para el conocido sello de punk/ska Hellcat, siendo quizá la única banda del estilo en dicho sello. Como consecuencia, se os ha programado en festivales en los que una mayor parte de las bandas que integraban el cartel pertenecían a la escena punk o hardcore. ¿Os sentís los embajadores del reggae en la escena punk, reivindicando figuras legendarias como John Holt o Prince Buster?

Desde que comenzó la banda, era nuestro objetivo. Lo más sencillo es tocar para los seguidores del ska o del reggae. Es fácil, todo el mundo puede hacerlo. Queríamos hacérselo llegar al mundo, porque siempre creímos que el reggae es para todo el mundo. Es una música magnífica, le puede gustar a cualquiera. Nuestra meta era tocar con bandas tan diferentes como nos fuera posible. Tocar con cualquiera. Hemos tocado en actuaciones de rap, punk, hardcore, psychobilly… con cualquiera. Cualquier tipo de actuación para cualquier audiencia e intentar traerles la verdadera música. No todo el mundo está de acuerdo con eso. Alguna gente piensa: “Oh! quiero manteneros en nuestra escena”, como los seguidores del ska, pero nosotros queremos acercársela a todo el mundo.

Recuerdo bien vuestra primera visita a Gruta 77: todo el mundo quedó bastante impactado tras una actuación tan contundente, ya que probablemente esperábamos el estereotipo de banda de ska elegante y nos encontramos con una propuesta totalmente transgresora. ¿Cuál ha sido la reacción en otros países cuando vieron a la banda tocando música jamaicana con una actitud punk/hardcore? ¿Es esta vuestra contribución al legado musical?

Cuando la banda comenzó, estábamos todos bastante en desacuerdo con la manera en que un montón de bandas actuaban en directo. Un montón de bandas de Los Ángeles son realmente buenas, pero aburridas de ver en cierta medida. Lo que significaba mucho para mí era ver a The Specials. Amo el hardcore de la vieja escuela. Estas bandas aparecen en escena y hacen que el público se implique en la actuación. Es lo grande. Así que incorporar eso a nuestro espectáculo de directo es algo que nadie había visto antes. Es genial. Recuperar ese “aggro” de nuevo para el reggae. Nadie ha visto eso antes.

La aparición de tantas bandas que imitan el sonido del que fuisteis pioneros, bautizado por vosotros mismos como “dirty reggae”, es síntoma de un trabajo bien hecho, un mérito por el que os felicito. ¿Cómo os sentís hacia ellas? ¿Les aconsejarías que crearan su sonido distintivo en lugar de copiaros?

Sí, definitivamente. Hay tantas bandas que copian a The Slackers también. Una cosa que siempre me gustó de The Slackers es que tenían su propio sonido. No sonaban como otros. Son ellos: The Slackers. Siempre ha habido bandas que suenan como ellos. Eso es lo que nosotros queríamos: tener nuestra propia historia. Sí, sería precioso que estas bandas pensasen sobre ello un poquito más e hicieran su propia historia.

Tras reemplazar a J Bonner por el bajista de Hepcat, Dave Fuentes, en Agosto de 2007, éste falleció apenas un mes más tarde. ¿Cómo reaccionó la banda ante esa lamentable pérdida? ¿Qué significaba Hepcat para vosotros y en qué sentido puede percibirse su influencia en el sonido de The Aggrolites?

En gran medida. Hepcat es nuestra banda favorita y todos crecimos con esta banda. En nuestra opinión son la mejor banda de ska del planeta. Los hemos vistos un millón de veces en nuestra casa y Dave Fuentes es una de las mejores personas que podrías conocer. Aparte de Lloyd Brevett de The Skatalites, Dave Fuentes es, en nuestra opinión, el mejor bajista de ska y uno de los mejores de reggae en el planeta Tierra. Era un fenómeno y qué tipo tan genial. Cuando J se marchó, fue bastante duro para nosotros ya que teníamos seis meses de gira programados y J nos dejó al segundo día. Estábamos jodidos. Al principio llamamos a Jeff, quien toca ahora con nosotros, pero estaba actuando con su banda, Tiger Army, y no podía incorporarse inmediatamente, así que llamamos a Dave. Dave tenía mujer, hijos, un trabajo a jornada completa y le dijimos “Dave, es la única manera de sacarlo adelante” y Dave nos respondió “¿Sabéis qué? Lo haré”. No podíamos pagarle en aquel tiempo y aún así nos dijo “voy a hacerlo por vosotros, chicos”. ¡Qué grande! No puedo explicarte lo aquello que significó para nosotros. ¡El jodido Dave Fuentes! Fue asombroso. Cuando nos avisaron -de su fallecimiento- estábamos girando por Europa y recibimos la llamada de nuestro manager al filo de medianoche, vino y nos espetó “chicos, he de hablar con vosotros. He recibido una llamada de casa…y Dave ha fallecido”. Estábamos asolados. Fue muy duro y lo sigue siendo. Era un tipo tan grande…

A pesar de que vuestro sonido se ha ido consolidando con el paso del tiempo, siento que vuestro álbum “IV” se encuentra más próximo a la emergente escena de funk-soul americana, con elementos como Sharon Jones & The Dap Kings, The Budos Band, Antibalas o Sugarman 3. ¿Se trata de una decisión premeditada tras escuchar más recientemente estos estilos o necesitabais algo nuevo de cara al álbum con la finalidad de sorprender nuevamente a vuestro público?

No pensamos realmente en ello. Lo que hace distinto a este álbum es que todos escribieron canciones por su cuenta y las trajeron al grupo a posteriori, cuando habitualmente improvisamos nuestra música en el local. Así que nos juntamos, cada uno se enchufa, comenzamos a improvisar y lo grabamos. Fue una lluvia de ideas. Y este álbum es ligeramente distinto, porque cada uno fue por su lado y escribió temas.

En vuestra página de myspace reconocéis que la música que creáis es espontánea y que no os obsesionáis con obtener una melodía pegadilla para atraer a audiencias masivas. Me pregunto cuál es el proceso de creación de un nuevo tema de The Aggrolites. ¿Podrías explicarnos cómo se desarrolla desde el principio hasta que la canción es definitivamente grabada en un álbum? ¿De dónde obtenéis la inspiración?

Depende. En el primer álbum llegamos al estudio y no teníamos las canciones. Todos los micrófonos estaban colocados, nos pusimos los auriculares y nos enchufamos. “¿Cuál es el tempo?”. “Dale, dale”. Improvisamos. “De acuerdo, grábalo”. “Tienes una única toma. Si te pierdes, nos lo quedaremos, saldrá en el álbum”. Todo el mundo escuchaba a los otros porque no sabían qué hacer. Hay una cierta energía porque todo el mundo está nervioso y escuchando al otro puesto que nadie quiere cometer un fallo. Algunos temas la gente los compone por su cuenta. Jesse -vocalista y guitarrista- y Roger -teclista- son generalmente los compositores. Escriben canciones en solitario y las traen a la banda. Otras veces componemos los ritmos y si alguien tiene una idea para la melodía y la letra, las escribimos a posteriori. Depende. No es algo así como “tenemos que componer un éxito de pop”. Sale como sale.

Si os brindaran la oportunidad de trabajar con cualquier productor jamaicano en el periodo y estudio que eligieras siendo los músicos de estudio para un cantante para el que todavía no hayáis trabajado -hasta la fecha han hecho de banda de soporte para artistas del calibre de Joseph Hill de Culture, Prince Buster, Scotty o Phyllis Dillon, entre otros-, ¿con cuál de ellos te quedarías para registrar un álbum completo?

Si pudiera trasladarme atrás en el tiempo, quizá Bunny Lee en Dynamic Studios con uno de mis vocalistas favoritos, Leo Graham, que cantaba reggae con The Bleechers -Nota de edición: terceto vocal jamaicano conformado por Leo Graham, Wesley Martin y Sammy que registró varios temas en single como “Come into my parlour”, “Ram you hard” o “Check him out”, pero nunca llegó a grabar o editar un álbum completo-. Me encanta su voz. Nunca fue muy famoso, pero es uno de esos cantantes clásicos.

Conozco el proyecto de versiones en solitario del teclista Roger Rivas, pero desconozco si los restantes miembros de la banda estáis actualmente inmersos en cualquier otro proyecto en paralelo. ¿Podrías contarnos sobre estos proyectos o algún plan futuro en esta línea?

Hemos estado tan ocupados haciendo esto… Jesse -vocalista y guitarrista- y Jeff -bajista- han estado haciendo sets acústicos de soul en pubs locales en el entorno de Los Ángeles y el resto hemos estado en casa tratando de mantenernos ocupados. Se vuelve aburrido tras giras y giras… cuando regresas a casa tras varios meses, necesitas descansar.

En nuestro país es bastante complicado mantenerse como músico de reggae o ska puesto que no existe un circuito de locales para que una banda actúe con regularidad o grandes sellos donde grabar con frecuencia. ¿Es posible para un americano vivir únicamente tocando la música que siente?

Nosotros lo hacemos. Lo que me resulta curioso es que se trata de la música menos popular en el planeta Tierra. Este estilo en concreto no es pop. En Estados Unidos la gente lo desconoce, incluso los seguidores del reggae. Nosotros nos ganamos la vida con ello. Si te atreves y conoces la música, puedes lograrlo.

Publicada originalmente en Enlace Funk Nº35 (www.enlacefunk.com)

Con Jamaica siempre me pasa. Es curioso cómo esa continua disputa entre el duppy y el obeah, entre lo legendario y lo real se confabula para enviarme señales. Llamadme supersticioso, pero no creo que haya otro lugar mejor en el mundo para volverse animista. Desde que Bragga decidió subirse a mi coche cuando visité Hope Road 56 en 1991 para buscar las viejas huellas de un pasado mejor y se despidió de mí diciéndome: “ahora ya has visto, ve y enseña a tus gentes, spread the holy vibe”, he sentido una fuerza permanente que me impulsa a cumplir su designio, aun no sé bien por qué. Sí, allí las señales de la naturaleza van y vienen con tal frecuencia que es imposible no escucharlas, incluso pese a la estridencia del omnipresente grito dancehall de la ciudad, encarnación permanente de Babylon, y tan distinto del olvidado livity del campo.

Y ahora, de golpe: ración extra de Hélène Lee y el mismo espíritu no condescendiente con el que tanto me identifico y tantas tribulaciones nos trajo y nos trae (a ella y a mí). Allí y aquí. Releo la desesperanza sangrante de su alma rebelde ante el sacrificio permanente de lo mejor que queda del pork barrel rasta, de aquella independencia mental tan liberadora y “tan peligrosa” de los asentamientos rastas venidos del campo y las montañas por Spanish Town Road, que se identificaban primero con Back O’Wall en la zona del puerto (hoy el desangrado Tivoli Gardens) y al otro costado del cementerio para los pobres de May Penn, con las célebres 7 calles del Trench Town propiamente dicho, donde como es sabido se tejió buena parte de la leyenda del reggae universal.

Y mi subconsciente no puede evitar retrocederme de nuevo a la desolación de Collie Smith Drive y su gully corriendo abandonado e indolente por medio, para recordar que hasta hace nada aquello ha sido frontera a sangre y fuego de la política de government yards y garrison constituencies con la que el clientelismo político jamaicano y colonial manejó a su antojo a los pobres y también durante muchos periodos a buena parte de la comunidad rasta, porque pobre y rasta no es lo mismo, pero en las 7 Calles, como oscuro objeto de deseo de todas las fuerzas del mal, la batalla entre el espíritu y la supervivencia siempre se libró con más brillo gracias a la presencia de Mortimer Planno en su 5th St. y de tanto y tanto talento refugiado en sus calles. Tanto que el grito de la pobreza adquirió el fuego y el resplandor que solo la creación artística puede proporcionar, hasta hacerse universal.

Sí, hay mucha Jamaica en el libro de Hélène Lee sobre el barrio, y mucho sufrimiento y mucha rabia ante la impotencia, pero me fijo en que está escrito con la experiencia de su último viaje en 2002, y me pregunto qué queda de aquel Trench Town Rock, 10 años después, ahora que los Garrisons son una institución hasta académicamente estudiada, y que en la lucha por el Pork Barrel de West Kingston, Trench Town ya no está en el ojo del huracán y el foco se ha desplazado un poco más allá (a Tivoli Gardens, según la erupción de 2010 con el caso “Dudus” Coke).

Y reparo que en el fondo es lo mismo que preguntarse, qué queda de aquel espíritu de las 7 Calles en lo musical y artístico, en el mensaje, hoy día.

Así que retrocedo mi mente a mis días en el gueto, donde todos los caminos de una u otra forma me devolvían a Trench Town y al Kingston downtown en general. Y lo primero que me llama la atención es que el eje de la disputa parece haberse desplazado definitivamente, de la frontera entre JLP y PNP por la que la calle 7 era el fin del mundo como encrucijada con Rema y Jones Town de un lado y el Concrete Jungle (hoy Arnett Gardens) del PNP por otro; a un límite superior y más profundo que las diferencias partidistas: la diferencia entre ricos y pobres, por la que el downtown entero, desde la estación y la iglesia de CrossRoads hacia abajo, hacia la zona portuaria, parece definitivamente abandonado a su suerte, a su desgracia.

Pero aunque Trench Town no esté por el momento en el centro del huracán, la sangre es espesa y no olvida, y debe ser por si acaso, en recuerdo del Burnin’ and Lootin’, que los pocos coches que se aventuran por el firme de Collie Smith Drive (un pavimento tan desgastado que la última vez que fue objeto de reparaciones por el municipio debió ser cuando las bandas mataban a alguien cada día en aquel Diciembre sangriento de 1975), acaban casi siempre en el Culture Yard de la First St. o vienen de él. ¿Qué se te ha perdido sino en aquellas calles agotadas ya de tanta desesperanza?.

Como las rosas en el desierto, la recia mata del rasta trata de sobrevivir al abandono del tiempo y el gobierno, reivindicándose como comunidad al margen en la Lower First Street, aprovechando los patios comunes de los números donde vivieron Marley y Bunny y Vincent “Tata” Ford. Ese patio musical del que todavía me habla Donette Dowe al frente del Cultural Yard, 10 años después de contárselo a Hélène Lee.

Hoy como ayer, no hay subvención alguna, su fundador Meadow Gong hace mucho que murió asesinado y sólo el estoicismo sideral heredado de los elders parece mantener como congelado en el tiempo este centro destinado a la preservación de la memoria histórica de los asentamientos rastas, del crecimiento de la gran ciudad, de la génesis de la leyenda urbana que se hizo universal. No hay sponsors para mantenerse, solo la voluntad de los pocos turistas que se acercan, así que me parece increíble que Donette trate de convencerme de que sus recursos proceden de la Semana que dedican anualmente al Bob Marley Anniversary, con sus exposiciones y conciertos a los que dice que viene gente de todo el mundo, en ese mismo descampado lleno hoy de maleza que en su día fue un polideportivo donde Marley jugaba al futbol y donde los Wailers telonearon nada menos que a Marvin Gaye en 1974.

Me pregunto donde están aquellos proyectos de rehabilitación del barrio que PJ Patterson presentó al mundo cuando la reina de Inglaterra, la Missis Queen visitó Trench Town en su Golden Jubilee de 2002. Seguro que no la pasearon por el Cultural Yard ni por su cercano Reading Centre, es decir por las iniciativas de su gente para pervivir su memoria. No, se la llevaron al Hugh Sherlock Community Centre y al Boys Town School de Rema. No en mucho mejor estado de conservación, pero sin el espíritu rebelde de las 7 Calles. Casi mejor, la militarización de la zona esos días era más asfixiante de lo habitual.

A diferencia de Madame Lee yo no encuentro a Stoneman por ninguna parte, la artesanía en venta para los turistas, parece escasa, como si tuviera que permanecer ahí como seña testimonial de identidad. A cambio, parece haber una comunidad de Bobos habitando en el centro y en el patio donde la misma figura de Marley que en Hope Road, se ven rastros de algún fuego que sirvió para calentar un porridge, el popular potaje jamaicano. Donette me explica que pese a la estatua, Rita Marley ignora el Trench Yard desde su inicio por el 2002, y que del clan Marley solo Julian y Stephen colaboran siempre que pueden. Pero están en contacto con músicos y artistas que vienen de todas partes a rendir culto al origen y hasta organizan competiciones vecinales de fútbol y otros deportes.

Así que me voy a dar una vuelta por el barrio para ver los famosos retratos de las leyendas del reggae que se pintan en las paredes desconchadas dejando su teléfono en el grafiti por si alguien les contrata, con un rasta más joven, y absolutamente positivista llamado Dominique, fan de mi tocayo Don Carlos.

Me paseo en su compañía por el inner del barrio y conforme más nos alejamos de la Collie Smith Dr. más noto la sensación de abandono total de esas calles sin red de alcantarillado, de esas calzadas impracticables, de esas casas sin baños condenadas a los degradantes orinales donde la gente hace sus necesidades y a los desperdicios a la vista en los ramales del gully. De pronto encuentro un proverbio al lado de los retratos de Garvey, Paul Bogle, la reina de Saba y otras grandes personalidades. La “sankofa” dice en perfecto inglés: “We must go back and reclaim our past so we can move forward: so we understand why and how we came to be who we are today”

A mi memoria viene entonces el recuerdo de una casa en la Third Street, como en la que vivieron Joe Higgs o Ken Boothe, pero que hoy no representa una leyenda para ociosos coleccionistas internacionales. Hoy es una muestra de la vida en el gueto, con gente trabajadora tratando de salir adelante, desafiando a la fatalidad. Pongamos que una señora trabaja en una gran compañía local, donde tiene que hacer guardias o turnos, así que el trabajo es lo primero, pero eso no permite estar pendiente de los hijos como se debe. Y más cuando a tu marido lo mataron y  a tu hijo mayor también. Así que los siguientes de la prole parecen abonados al mismo destino, la cárcel o la muerte. Por eso, la buena señora se empeña en reprimir las salidas a la calle de su último hijo el más pequeño, de unos 9 años, consciente de que es como poner puertas al mar. Quiere imitar a su hermano mayor, que tenía mucho talento para la música, siempre pendiente del “Rising Star” (el O.T. de allí) cuando era pequeño, pero que ahora está en la cárcel cumpliendo una sentencia de 8 años por dejarse envolver por las malas compañías y acabar involucrado en un tiroteo. ¡Como si hubiera “buenas” compañías! le respondo, y me confiesa que sí, que espera que cuando su hijo salga de la cárcel, no vuelva nunca más por Trench Town, donde no hay ninguna oportunidad.

Es la hora de la comida y el ambiente se vuelve asfixiante en todo el downtown. Cada día, cientos de miles de personas tratando de conseguirse algún tipo de alimento, de conseguir su lunch money. Nada de Island’s Grill y Captain’s Bakery (las populares cadenas de comida rápida a la jamaicana). Ni siquiera un patty de pollo o carne. Eso es para burgueses o como mucho, trabajadores. Pero en el downtown son demasiados los que no tienen nada. Ni siquiera son vendors en Coronation Market ni anuncian el próximo bus a Panishton (Spanish Town). Son solo legiones de yonkis del hambre flotando en el ambiente, dispuestos a cualquier cosa por su lunch money. El propio Dominique me dice que lleva 2 días sin comer, así que es momento de soltar plata para que preparen algo de comida a la entrada del Yard, eso y unos porros como los que he visto cortar a machete sobre una tabla de madera que aquí sería jamonera, aplacan la furia de cualquiera: “Un método de control de la violencia sin duda mucho más barato que los M-16 de la Policía. Pero claro: si la gente no pasara hambre se volvería arrogante. Para seguir teniendo a Trench Town de rodillas hace falta que la miseria sea total y el caos absoltuo” sentenciaba en su libro Madame Lee.

Pero siempre hay excluidos. Como las tres ghetto-girls a la puerta del Reading Centre que pasan el día sentadas en la calle, sin hacer aparentemente nada concreto. Una amamanta a su bebé y las otras parecen acompañar, pero mientras esperamos a terminar las gestiones con Donette en el Yard, no pierden oportunidad de sacar su propia lunch money de mis dos acompañantes de Portmore. La situación se vuelve tan incómoda y las proposiciones tan groseras, que hasta los 2 duros se ponen bumboklaat y acaban discutiendo entre ellos sobre cómo reaccionar ante una gueto gyal, para que luego no les llamen machistas, cuando lo que hacen es defenderse. ¿Cómo explicar todo esto en España, cuando allá el mundo es al revés?.

La cosa es que veo huellas del pasado, veo rastas sueltos, por todas partes, como flotando sin encontrar su sitio en la nueva Jamaica, pero no veo comunidades rastas, más allá del patio de los Marley en la Lower First Street. Me dicen que tal vez en Denham, pero que en realidad donde puedo ver verdaderas comunidades rastas es en Bull Bay, o sea como en los tiempos en que Rita tuvo que irse con la prole porque Chris Blackwell había echado a Marley de la casa de Hope Road. Solo que ahora predominan los Bobo. Y eso que en Trench Town, aunque sea en las 7 Calles, todavía hay cierto sentido de comunidad pese a todo. Pasarse por las chabolas de uralita semi abandonadas de Rose Town o Denham, o rozar siquiera los restos del antes potente Tívoli Gardens, es alternar entre la cochambre inhumana y la devastación de la guerra. El infierno en la tierra. Se me encoge el alma.

Así que en medio de esa desolación, de esa maldición del abandono en el que los pobres de Jamaica han vivido en West Kingston desde que llegaron a la gran ciudad, sin que ni el dinero del reggae ni gobierno alguno haya servido para remediarlo, ¿cómo es posible que el aullido festivo de bikinis y mojitos del dancehall se escuche más que el rugido del hambre de los sufferers?.

Pues sí, como dice Muthabaruka: “Livity needs proper music”. La cuestión es que hacen falta elders, real dons y mucha autodisciplina para mantenerse “pure & clean” en la gran ciudad. Así que en su ausencia, o hasta que lleguen los siguientes, el regreso de esos mensajes se ha convertido en una heroicidad en los tiempos que corren. Aunque no hay que dejarse engañar. Ya el año pasado, Stephen Marley, Queen Ifrica y sobre todo I-Wayne en su excelente álbum “Life Teachings” reivindicaron abiertamente el camino de regreso a la tradición rasta dentro de la cultura jamaicana. Mensajes sobre la crisis occidental traducida como inminente caída de Babilonia, el materialismo alienante y sus múltiples expresiones en el lifestyle del dancehall y los regueros de la violencia asociada a las drogas y el ron, son divisa frecuente entre los ojos más despiertos allá donde todavía pervive la sabiduría rasta, el wisdom del Trenchtown Rock. Y cada vez son más los que reclaman la necesidad de recuperar lirica y musicalmente las tradiciones de la sankofa: “Necesitamos volver hacia atrás y recuperar nuestro pasado para seguir adelante”. Por eso, siempre hay esperanza. Las enseñanzas del Pináculo siempre regresan. Irie!!

Por algo, alguien tan respetado como Tarrus Riley (que lo petó con “Bless Me”) siguió sonando el año pasado con el himno nacional: “Eternal Father/bless this land/Guide us/with thy mighty hand” sobre el riddim mix de John-John “Zion Gate” de Culture en 2010, en el que también cantan Sizzla, Sanchez y hasta Alborosie (“Rudie don’t fear”), y los mezcladores callejeros se apresuran a empaquetar los registros más conscientes de los gangsters con el término “Gangsta Culture”, como diría Jr. Gong con Nas en “Real Friends”. Algo está cambiando poco a poco bajo la estridencia de los altavoces. Me lo dicen las señales, están en las palabras de los amigos de Serrano Walker en una esquina de See View Gardens (el gueto de Bounty Killer, al lado de Riverton). Están en el cansancio en las voces de Jah Vinci e I-Octane cuando cantan “Reality”, en la positividad de tantas producciones del gran Di Genius McGregor y hasta en el gusto por el r&b americano que ha inundado el gueto, por el que Jah Cure busca a R. Kelly para que le haga featurings (“World Cry”). La receta del amor es universal y siempre se hace hueco, incluso entre la sangre y el hambre. Pero el amor rasta, el amor rasta de los elders, ese, tiene que volver a las trincheras para vencer: “Rise fallen fighters!. Rise and take your stance again” (“Heathen”. Bob Marley). Cheers, Ms. Hélène Lee!

Carlos Monty. Enero 2012
Dedicado a Monste “Sista Thunda”

Contenidos del programa:

• Homenaje en memoria de Winston Riley y Errol Scorcher tras su fallecimiento durante  la semana pasada.
• Las últimas ediciones desde Jamaica nos las traen la Freedom Cry Crew.
• Solo nos quedará tiempo para la novedad del mes con Gregory Isaacs y la agenda.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex,  Manel y Marc

SOUNDSYSTEM FM SPREADING GOOD VIBES FROM 1989!!!

Contenidos del programa:

• Celebramos nuestro programa número 1000 con la familia Soundsystem FM al completo y muchos amigos. Sesiones de todos los integrantes de la crew para festejar estas primeras 1000 emisiones ……. y que sigan muchas mas.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica: Gran parte de la familia

1000 EMISIONES DEDICADAS AL SONIDO JAMAICANO. SOUNDSYSTEM FM.

El tren a Wroclaw, Polonia, sale a las 09:45 y después de despedirme de las BunDem y DRS y con 4 cafés extras en el cuerpo salgo dirección a la Berlin Hbf. 6 horas más tarde y después de pensar que había perdido el billete y me tocaba pagar de nuevo, el tren llega a Polonia a -6 grados, donde ZLSelektah y Calou nos esperan para salir en dirección a Cieszin, donde Homeless nos espera para llevarnos a su club. Polonia me sorprende muchísimo, es de los pocos sitios en Europa que no está comido por la globalización que inunda la mayoría de países en estos tiempos, el contraste entre lo nuevo y lo viejo es impresionante. En un lado ves edificios de antes de la segunda guerra mundial, y por otro ves innovación en forma de arquitectura con cristales de colores y formas extrañas. El recuerdo de la guerra está muy patente en la mayoría de las calles. Hay una cosa que después de los 10 días aquí he aprendido, y es algo muy simple, donde no hay no hay. En Polonia han aprendido a vivir con lo que tienen, y eso es algo que deberíamos aprender. La tasa de desempleo desde el 2008 no ha subido apenas y ahora es de un 11%, contra un 22% en España. El cambio a Euro es frustrante, pero la mayoría de gente ha aprendido a vivir así y no se aspira a grandes idioteces creadas por el capitalismo.

En el primer bolo apenas vino gente que conocía el reggae, la gente dio forward porque había fiesta, pero querían bailar y eso era lo que importaba. En Polonia los dj’s son bien tratados, es frecuente que en medio de una fiesta venga alguien del público y te invite a una bebida por haber compartido algo contigo, muy curioso, la gente es muy abierta y hace mucho frio en la calle pero mucho fuego en el interior. En Cieszin tuve la ocasión de bailar un Skip To My Lu de Rep. Checa a Polonia justo en la frontera, la ciudad está dividida en dos partes, una en cada país, por lo que los chavales que viven en la parte Polaca suelen cruzar el puente que separa los dos países, no vigilado, para ir a la orilla checa a fumarse los canutos, donde las penas por tenencia son muchísimo menos estrictas que las Polacas, en las que por un porro puedes irte a pasar un par de días al calabozo, y quedar pendiente de un juicio.

Después de un par de días en Wroclaw y después de recoger a Korby de Skorea Sound, que venía para cubrir los shows durante los días que ningún selector de KH estaba disponible, nos dirigimos a Varsovia. Ahí nos recibía Pablo de Dancehall Masak-Rah, uno de los sounds más activos de Polonia desde los últimos tres años. Andando por la calle la mayoría de edificios son iguales, cuadrados, edificios típicos comunistas que contrastan con edificios nuevos y brillantes. El 95% de esta ciudad quedó destruida durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que todo se ve bastante nuevo. Nos alojamos en un hostal céntrico, Varsovia es la capital de Polonia y en su centro se alza el Palacio de Cultura y Ciencias, conocido como Palacio Joseph Stalin de la Cultura y la Ciencia y a escasos 200 metros de nuestro hostal. Después de pasear durante el día a una temperatura de unos 9 grados, en Polonia un Noviembre caliente, nos dirigimos al Club Mandala. En el país aún quedan clubs con zona de fumadores, y este es uno de ellos. Dancehall Masak-Rah son los anfitriones que durante 3 años han llenado los miércoles de dancehall en la ciudad. Son los locutores de un programa de radio que se hace todos los sábados relacionado con la música jamaicana con emisión nacional, y uno de sus MC’s, Junior Stress, es un reconocido cantante.

Nos sorprendieron las vibes de ese local, estaba lleno de dancers, tanto chicos como chicas, todo el mundo bailaba. Cuando sonaba un Signal Di Plane, todo el mundo moviendo los brazos, sonaba el Movements de RDX, toda la sala bailando la coreografía, era impresionante, y el momento que nos dejó con la boca abierta fue cuando a media sesión Dancehall Masak-Rah para la música para dejar salir a su selector, Driva, de detrás de la mesa, se pone en medio de la sala para enseñarnos como se hace el Diva Dance. Empieza a sonar la música y toda la sala empieza a agitar la manos siguiendo a los tres miembros del sound. Pull up tras pull up y forward tras forward, la noche fue una locura, el Cherry Vodka corría por las venas de todos los presentes (una bebida que el mismo sound había puesto de moda en la ciudad, y a media fiesta ya no quedaba en la barra) hasta altas horas de la mañana.

Como he comentado antes, en Polonia no se preocupan mucho de asfaltar o ampliar las autopistas, por lo que el viaje de Varsovia a Nysa se hace largo de nuevo, 300km se convierten en casi 9 horas de viaje porque por culpa de las las obras, los pasos a nivel con los trenes y los embotellamientos en medio de la carretera el trayecto suele hacerse a una media de 70km.

Nysa es una ciudad con unos 45.000 habitantes. Llegamos al Reggae Pub, un bar íntegramente dedicado al reggae, pero con poca gente en la ciudad a la que le guste. Apenas 20 personas se acercaron a vernos, aunque para nosotros fue una de las mejores noches al mezclar el recién conocido Cherry Vodka con una sorprendente botella de Henessy a 25€ de la mano de DjWar de Ready Fi War Sound.

Con la resaca en el cuerpo, algo que en Polonia se considera bueno porque significa que ya no vas borracho, nos metemos en el coche de nuevo para recorrer en casi dos horas 80 kilometros. Llegamos por fin a casa del hombre que se ha encargado de hacer cuadrar toda la locura polaca ZLSelektah y nos preparamos para la última fiesta.

En Wroclaw es donde se nota más el contraste en las calles, los edificios, tanto corres por una calle asfaltada hace dos días como por una sin tocar desde hace décadas, los edificios nuevos y los centros comerciales se alzan en medio de edificios totalmente comunistas, cuadrados, con anchas escaleras y amplios pasillos pero con pisos pequeños y a la vez totalmente nuevos. La zona en la que estamos se encuentra en el extremo suroeste de Wroclaw, una zona medianamente acomodada a unos 20 minutos del centro.

Después de pasar el día intentando recuperar nuestras almas después de una noche turbia, nos dirigimos al centro para pasear por la feria de navidad y probar el vino caliente que sirven aquí. Los que me conocéis sabréis que no soy amigo del alcohol, pero realmente este vino dulzón entra como una sopa en el cuerpo, y ayuda a mantener los 2 grados que nos rodean fuera de nuestras chaquetas. El rhythm and blues que sale de una de las esquinas proviene de la boca de un profesor que hace tres años pasó por Wroclaw a realizar una conferencia y, al quedarse prendido de la ciudad, decidió utilizar sus artes en su tiempo libre con un pequeño altavoz y un micrófono. Un día lo puedes ver dando una conferencia en cualquiera de las muchas universidades de Wroclaw y a la misma tarde cantando con cuatro trapos en la esquina de la plaza central de la ciudad.

A tan solo unos metros del artista en cuestión, se encuentra la entrada al Puzzle Club, algo parecido a un centro social con varias plantas dedicadas a funciones culturales. En el piso más alto está la sala que hospedará esta noche la fiesta de presentación del One Love Festival 2011, uno de los festivales Reggae Indoor con más afluencia de Europa. Las fiestas en Polonia suelen empezar a las nueve de la noche, y a las 12 ya tienes a todo el mundo dentro, las fiestas suelen alargarse hasta las 6,7 u 8 dependiendo de la cantidad de gente que se pueda mantener en pie a esas horas. Un detalle que cabe destacar es que en ninguna de las salas a las que fuimos, desde la más pequeña a la más grande, parecían de mal sonido, al contrario, un sonido cuidado al detalle que crearía las envidias de los más quisquillosos en Barcelona (entre los que me encuentro).

Con casi 300 personas en la sala, la fiesta ya comienza con Homeless a los platos encargándose de un Warm Up que más que calentar la noche, prende la mecha. La bomba la hace explotar ZLSelektah junto a Calou y al sound local Revolda Sound, mucha calidad. La actitud de Polonia ante el reggae me recuerda mucho a la Española, tantos años en la cola hace que el frikismo y la obsesión lleguen a altas cotas, y la gente sabe de lo que habla cuando va a una fiesta. Así como en Varsovia lo que corría por la fiesta era Dancehall para bailar inyectado en vena, en Wroclaw el público es más parecido al que ya conocemos. Suenan muchos forwards cuando Romain Virgo y Loyal Flames cabalgan sobre el riddim de Vikings, Tarrus y JBoog en el Major riddim o cuando nos desbocamos con el Palance. Apenas podía levantar las manos cuando el Palance marca el inicio del final, después de sonar el cover del Palance de King-Der para la Alliance y con algunos temas para acabar, devolvemos el control de los platos a ZLSelektah para que haga el cierre. Dos horas más tarde apenas quedan ojos abiertos en la sala, de los presentes solo 10 bailan, y el resto intenta aguantarse en pie en las sillas sin perder el norte. Una fiesta épica y difícil de igualar. Destrozados, sin apenas poder moverme por culpa de la espalda pero con una sonrisa en la boca, nos vamos a casa para saborear con tranquilidad la última noche de bolo.

Pero aun no ha acabado, el sol del sábado por la mañana se cuela entre las cortinas para acuchillar nuestros ojos recordándonos que antes de los dos días de descanso que nos quedan en Polonia tenemos una misión más, conseguir llegar al One Love Festival a tiempo de gozar con Etana, Alborosie, Pablo Moses, Dub Inc, Dancehall Masak-Rah o Pow Pow, o al menos de alguno de ellos.

Cuando llegamos a la entrada del festival descubrimos porque nos han hablado tan bien de él. Un pabellón para más de 15.000 personas nos espera con las puertas abiertas mientras los bajos del Main Stage hacen retumbar cada uno de sus rincones. Llegamos a tiempo de ver como Etana entona su I’m not Afraid mientras Dancehall Masak-Rah empieza a llenar la sala Sound system. Cuando Etana acaba y subimos para ver a Pablo y su crew, apenas hay espacio en la sala, ni Pow Pow consigue llenar tanto con su actuación. Algo digno de ver, cultura Polaca para polacos en forma de Dancehall, puro nervio, juego con el público… El massive diving es algo típico aquí, y más de 8.000 personas abarrotan el festival. Una vez más suenan el Driva Dance, Wipe Out y otros tantos que han hecho de la crew de Varsovia uno de los referentes nacionales.

Mientras, en el Main Stage, Alborosie entona sus primeros armónicos y empieza un show lleno de energía. Personalmente, nada nuevo en un Albo que al verlo una vez ya lo has visto todo.

Nos perdimos Pablo Moses, por cierto el único a que no había visto aun, y vimos a trozos Dub Inc. mientras en la zona Sound Damalistik nos dejaba un muy buen sabor de boca con su sesión para los pocos que quedaban en la sala sin ir a ver a Alborosie.

Finalmente llega la 01:30 y Pow Pow hace aparición en el escenario de la zona Sound system, Junior Carl y Ingo abarrotan de nuevo la sala (sin llegar al nivel de Dancehall Masak-Rah) y nos muestran su set característico. He podido ver a Pow Pow dos veces en Barcelona, una en Alemania en el aniversario de Deebuzz, otra en el Yaam Berlin, Rototom y esta vez en el One Love Festival. Cuando hablo con la gente siempre se comenta lo mismo, añaden algún tema nuevo en la sesión pero siempre se rigen por lo mismo. De echo, no estoy seguro ni siquiera de que añadan algún tema nuevo, tune tras tune podría hacer una lista de todo lo que pinchan y pincharan durante un tiempo. Empezando mostrando su colección de producciones, Blaze Riddim, y pasando por el Gentleman Runaway hasta llegar al Palance, Wipe Out, Gi Gi Winer. Cuando llegan al Palance la gente ya está dándolo todo, a pesar de haber visto su sesión más de 5 veces me sigue encantando cada vez que los veo, el show que dan es muy dinámico y se ponen al público en el bolsillo con extrema facilidad, Korby se sube a petición de Jr. Carl para enseñar a Polonia como se hace el Palance junto a Dub Inc. Más tarde y hablando con ellos me comentan que en Alemania tienen haters que les critican con dureza hacer la misma sesión una y otra vez pero que se le va a hacer, si el promotor que lo contrata sabe perfectamente lo que van a hacer, pagan, y ellos lo dan. El día que les dejen de pagar por hacer el show que hacen, cambiarán su show, easy.

Después de Pow Pow la espalda estaba volviéndome a recordar la fiesta del viernes, por lo que fuimos en búsqueda del taxi que, a base de negociar, nos llevara por menos de 50 slotis a casa donde, esta vez si, pudimos descansar por fin.

En los dos días que nos quedaron como días off hasta la salida de nuestro vuelo, tuvimos tiempo de ver la ciudad y comprar algunos recuerdos (más birra).

Big up a toda la gente que hizo posible este tour, en especial a Benny de DRS, ZLSelektah y Elyza por acogernos tan bien!

Contenidos del programa:

• Seguimos repasando la novedad del mes desde VP Records y su colección Reggae Anthology con Gregory Isaacs.
• Entrevista telefónica con Shabu para presentar su recién estrenado trabajo La Cura.
• What’s Going On repasa el 2005 en Jamaica de la mano de Rankin’ Rick.
• Nuevo capítulo de Mento Corner con la banda mas popular del estilo, The Hiltonaires.
• Nuestra agenda y, también desde VP Records y su serie Most Wanted, algunos clásicos de Glen Washington.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex y Manel

ULTIMA EMISION CON TRES CIFRAS. EL PRÓXIMO PROGRAMA CUMPLIMOS 1000 EMISIONES!!!

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El preamp es una de los elementos más característicos que podemos encontrar en la mayoría de sound systems. Su diseño y apariencia apenas ha cambiado desde sus orígenes en sus primeras ediciones en Jamaica, y aun hoy en día son muy utilizados en ésta época de alta tecnología.

¿Para qué sirve un preamp? Basicamente representa el cerebro del sound system. Centraliza múltiples funciones en un único elemento y permite al operator llevar el control técnico y artístico. Tener un preamp estándar es como tener una mesa de mezclas, un ecualizador y un crossover (divisor de frecuencias) todo en uno. Su nombre proviene del hecho de que este elemento se conecta antes de la etapa de amplificación, actuando como primer nivel de amplificación

¿Por qué usar un preamp? Ya que solo se tiene un elemento en lugar de 3 o más, se logra una mayor integración de todo el sistema y hay menos conexiones externas, lo que se traduce en una reducción del ruido y otros problemas potenciales.

El preamp también es muy práctico porque todos los controles están enfrente del operator, lo que facilita el ajuste de volúmenes y ecualización en directo. Recuerda que en los sound systems que estamos tratando el operator no está solamente poniendo música como se podría ver en un DJ de discoteca, sino que a su vez es el ingeniero de sonido, por lo que no puede permitirse perder mucho tiempo lidiando con equipo que no este diseñado para su uso en directo, como pasa con la mayoría de los ecualizadores y crossovers disponibles en el mercado.

Desde el punto de vista artístico, el preamp tiene diferentes funcionalidades, como interruptores para cortar frecuencias (normalmente tantas como vías de salida tenga el preamp), permitiendo matices creativos a la reproducción, como liberar el bajo en un determinado momento, etc… Ésto es probablemente una de las características o efectos más reconocibles y mucho antes de que las mesas de mezclas tuvieran esta funcionalidad, los soundmen ya creaban estragos en las fiestas con ella. Además el preamp permite añadir efectos a la música, los micros y las sirenas. Todas estas funcionalidades, cuando se usan bien, contribuyen a dar esa sensación del sound system que a todos nos encanta y que es el principal motivo por el que los preamps continúen existiendo hoy en dia.

Sin embargo, esto no quiere decir que el preamp sea obliatorio para un sound system, de hecho tienes ejemplos de top sounds como King Shiloh o Jah Voice que no lo usan. Por un lado hay quién dice que la calidad es mejor sin preamp, otros dicen que sin él falta personalidad y calidez al sonido, así que el final, su uso o no, depende con qué herramientas quiera trabajar cada sound.

Esperamos con este artículo haber despejado las dudas que pudierais tener, tanto con respecto al preamp en si, como al papel que éste desempeña en un sound system.

Pero bueno, en cualquier caso recordad que nuestro papel es informaros humildemente de lo que hemos averiguado hasta el momento a través de nuestra experiencia, lecturas, etc, pero como sabeis en esto no hay muchas verdades absolutas. Para vosotros queda experimentar con diferentes elementos hasta conseguir vuestro propio sonido… y por supuesto compartir vuestro conocimiento con nosotros!

One of the iconic pieces of equipment present in most soundsystems is the preamp. The fundamental design principles and layout of a preamp have not changed very much since the early days of soundsystem in Jamaica and are still very effective in this high tech age.

What is purpose of a preamp? Basically, it stands as the “brain” of the soundsystem, centralizing many functions in one piece of equipment and allowing for a technical and artistic control from the operator. A classic preamp is like having a mixer, a graphic equalizer and a crossover all in one unit. Its name comes from the fact that this equipment is connected before the amplification stage, acting as a first level of amplification.

Why use a preamp? Since you only have one piece of equipment instead of 3 or more, the whole system is more integrated and there are less external connections, which means less noise and other potential problems.

The preamp is also very pratical to use because all the controls are in front of the operator and this makes it easier to adjust levels and equalizations on the fly. Remember, in Reggae soundsystems the selector/operator is not only playing the music from a DJ point of view but he is also the sound technician, so one can not be wasting much time and attention fiddling with equipment that is not designed for live use, like most graphic equalizers and crossover available on the market.

On the artistic side, the preamp has features like kill switches for treble, mid and bass which allows for creative uses, like dropping the bass only at a certain time. This is probably one of the most recognizable effects and long before dj mixers incorporated this feature, soundman were creating havoc in dances with it! You can also apply fx to the music being played, the mics or the sirens. All together, when used properly, these features will contribute to add the soundsystem vibe we all love and are the reason preamps survived until these days.

This is not to say that a preamp is mandatory for a soundsystem and you have examples of top sounds like King Shiloh or Jah Voice, which don’t use preamp anymore. Some will argue the quality is better without preamp, others say it lacks character and warmth so in the end of the day is up to the soundman to know which tools he wants to work with.

Texto original en inglés: Diogo Silva (Roots Dimension Sound System, Lisboa, Portugal).
Traduccion y texto en castellano: Javier Rivas

También es necesario aclarar que lo que sigue más abajo es una lista de algunos de los mejores tunes del año en un estilo marcado por los riddims de los productores. No, no hago una lista de riddims, porque el favor popular disfruta los riddims en las manos expertas de los soundsystem, pero lo que recuerda cuando pasa el tiempo son las melodías, las ocurrencias de las rimas, los aciertos en el forward del ritmo. Lo demás es anecdotario para expertos. Por eso elijo canciones y no riddims, pese a que en muchos casos, muchas canciones con el mismo ritmo podrían competir por el puesto. Y además señalo canciones y no riddims para resumir la parte más activa de la producción jamaicana del año 2011, para que quien quiera lo utilice como guía del repaso por el who’s who y el wha’ a gwaan de nuestra isla favorita, aunque dejando pistas para investigar luego ritmo a ritmo.

Además lo hago consciente de las críticas que me lloverán en este portal de internet por dar tanto énfasis a un estilo tan denostado por muchos de los seguidores de reggae.es. Precisamente por eso, porque no vine a este blog a contemporizar con la opinión dominante sino a contar libremente lo que veo, y al contrario de lo que ocurre en Jamaica, el conocimiento y la comprensión de esa escena musical que aquí todavía es minoritaria en comparación con la escena de reggae clásico, es aun más necesaria.

No creo que necesitéis en esta web mi opinión sobre los mejores discos de reggae-reggae del año 2011, aunque yo personalmente me encuentre más a gusto con ellos. En reggae.es tenéis eruditos de sobra entre bloggers y opinadores. Si me pedís mi opinión, en el próximo capítulo de este blog me pondré a ello y hablaremos de Protoje, de I-Wayne, de Warrior King y de tantos otros, pero la trascendencia nacional e internacional de la música jamaicana, durante al año que acabamos, está mucho más marcada por la presencia del dancehall como aportación viva y creativa, con todos los excesos y saturación promocional que se quieran, que por la escena del roots & culture, que sobrevive, pero en un cierto segundo plano de la atención pública general, al punto que probablemente la canción más definitoria del feelin’ sufferer actualizada al 2011, la haya escrito Kartel (sí, has leído bien, Kartel, el freaky del bleachin’) en “Poor People Land” sobre el riddim Message. Como ya sé lo que me viene, antes de empezar el bombardeo de comments, si sabéis un poco de inglés y otro poco de patois, echad un vistazo a la letra y luego hablamos de si podría haberla escrito Marley, si estuviera vivo (oh, qué herejía).

Ahora, unas cuantas indicaciones para seguir ese Top 20 de big chunes y maad riddims que os acompaño. La selección está basada principalmente en la aceptación popular de los temas en la Isla (no confundir con comercialidad), aunque sin olvidar otros parámetros como las ventas, la repercusión internacional, la capacidad de marcar tendencia en los clubs (su formato de exposición pública natural y no la exhibición en los conciertos con banda en directo heredados del rock, no me extraña que haya tantos cabreados por aquí con el formato showcase del Sting) y el riesgo de la propuesta, además de otras habilidades como el mensaje y el estilo en rima y ritmo. He intentado no repetir un mismo riddim para ampliar el espectro. Las excepciones se fundan en que las canciones han alcanzado tal presencia propia en el favor popular, que exceden la mera dependencia del riddim sobre el que están grabadas.

También he evitado incluir a personajes y argumentos musicales relevantes en esta escena pero que la exceden, como la cada vez mayor presencia de la Soca con Machel Montano o Rupee a la cabeza o las batallas de gallos que sobrepasando los clásicos “disses” entre artistas, se han convertido ya en episodios nacionales, como los continuos piques entre Tony Matterhorn y los cómicos Twins of Twins. Eso de que éstos le recomienden “hemoal” a aquél jugando con la imagen del oso que aparece en las cajetillas de los populares cigarrillos “Matterhorn”, y que el neoyorquino les contesté que de qué le hablan si ellos se pasaron 9 meses haciendo un 69 en el vientre de su madre, lol!, es uno de las ocurrencias más chistosas del año que acabó, pero no se trata de música propiamente dicha, sino de exhibición de freestyle.

Para concluir, una predicción sobre lo que vendrá después de este apogeo de la fiesta y el cachondeo hedonista en la escena musical jamaicana. Muchas son las voces autorizadas, que más aún tras la caída del Weirll Booss, pero también ante la saturación continua del reclamo de los pobres a divertirse, anticipan un cambio de ciclo como ya ha ocurrido otras veces, donde la explosión terminal tecnificada de las producciones dancehall, dará paso a producciones más heterogéneas, donde se combine lo digital con la recuperación de mensajes y producciones más tradicionales. Muchos artistas más jóvenes como Konshens, Gyptian, Queen Ifrica y otros ya van por esa línea y tratan de cultivar ambos lados de la producción: el jocoso y orgulloso de su lifestyle violento y sexual en el gueto, con mensajes y músicas más reivindicativas de su pasado. Incluso Kartel había abandonado considerablemente su pasada beligerancia del “Mi nuh afraid of nobody”, excepto probablemente en “Real Badman” (Gaza World riddim), antes de acabar en la prisión de Horizon en Spanish Town Road.

Sea como sea, y suceda lo que suceda, 2011 quedará como el año del zenit de un estilo tan hedonista, bizarro e incomprendido como la propia Isla, pero también entre tanta chatarra un año con verdadero oro de 24 kilates, como pocos se recuerdan en la última década.

Top 20 Biggest Dancehall Tunes:

20. Wayne Marshall feat. Tifa & Fambo “Swaggin’” (Swag Riddim)
Marshall se apuntó a un bombardeo en 2011: Sean Paul, petardeó en todos los riddims de moda, e hizo hasta Salsa Wine. Pero con lo que lo petó fue con este riddim (“too bad for you”) producido por Washroom Entertainment, simple pero infeccioso, donde en realidad lo que destaca es la parte de la imponente Tifa cuando “hurry up, hurry up” le vacila a Marshall quien manda a la cama a quien no le guste su swaggin (a muchos, por cierto) contestándole: “well mi a guh swag inna mi sleep wid mi gucci sheets”. Y recuerda: como dicen algunos, una de Louis Vuitton y otra de Gucci no hacen swag!

19. Konshens “Do Sum’n” (Mi Sick Riddim)
Producido por los siempre eficaces Ward 21, este tune traducible como “En Marcha”(Do sumt’ing) está concebido como un homenaje a las crews de dancehall que se buscan la vida para aportar originalidad a las coreografías callejeras de las que se nutre el género, al punto que podría ser una continuación del añorado “Hit me with music” de nuestra Nice Time. No en balde, en el video oficial sale el “Elite Team” facilitando el espectáculo visual. Pero además de hacerlo internacional, como ya vimos en Rototom y Barcelona este año, su éxito le abre la puerta a sus compañeros de correrías iniciales con el Natural Bridge Studio (donde también estaban Ward 21 o Tifa), Darrio y Delus que también han pegado fuerte por separado, y juntos en hits como “Dem a Gyal Fool” sobre el Steppings Riddim. La Next Generation, sin duda. A no perderles la pista.

18. Aidonia “Gal Yuh Can Wuk” (Armageddion Riddim)
‘Donia probaba definitivamente en Abril, sobre este riddim del gran Di Genius, que podía competir abiertamente con Kartel y Popcaan por el cetro de la escena actual. 4 mejor que una (gyals), con este diss con Kartel salió disparado al estrellato. JOP to di weirll!.

17. Agent Sasco (aka. Assassin) “Talk how mi feel” (Id. Riddim)
Otro beef contra Kartel en la época del bleachin, en el que todo el mundo buscaba hacer leña del árbol a caer. Assassin siempre fue un oportunista, pero hay que reconocerle que hizo mucho ruido con esta puesta en escena que luego siguió, exprimiendo el limón en “Do it if yuh bad”. Aunque a mí me gusta personalmente más “Nothing at all”, hay que reconocer que “Talk how mi feel” tiene una lírica endiablada con la que Sasco ha estado entrando y saliendo de listas todo el año.

16. Chan Dizzy “Nuh Strange Face” (Blue Mama Riddim)
La primera vez que oí este tema tan “underground” me quedé pegado. “Nuh Strange Face round me”. Pensaba que era un tema con ciertas dosis xenófobas, más después de saber que era un diss contra el productor Russian. Luego me enteré de que la demo como “Strange Face” a secas era de 2010, pero que el sello Head Concussion con el que se grabó, no pudo promocionarlo adecuadamente hasta casi un año después. Desde entonces Chan Dizzy se ha establecido como uno de los baluartes más pujantes de los nuevos talentos del dancehall y su riddim ha golpeado las calles durante todo el año.

15. I Octane “Nuh Ramp Wid Wi” (Bus Stop Riddim)
Jugando sobre seguro sobre las producciones tan consolidadas como las de Cashflow, con ese gimmick de campana de boxeo, I Octane empezó el año en todo lo alto de la producción dancehall, pero en mi opinión nunca superó lo compacto de este pelotazo. Otra cosa es en su registro conscious. Aquí luce en todo su esplendor esa rara capacidad que tiene para hacer singjay sin parecerse a Kartel, Mavado, ni a nadie.

14. Lady Saw “Wife a Wife” (Star a Star Riddim)
Aunque el tune de cabecera del riddim lo firmaron los erráticos Flippa Mafia a los que nadie se toma en serio en la Isla, pese a que hicieron un buen trabajo, Lady Saw demostró quién sigue siendo la Queen Bee (o deberíamos decir Bitch?) por encima de cualquier competidora pasada o presente. La temática del rol de las “esposas” en la sociedad jamaicana frente a las simples “babymother” (la mayoría) ha sido otro de los argumentos habituales en las lyrics del año que se cerró, y dio lugar incluso a un riddim (Matrimoney) creado por Washroom al efecto. Stylish, Tifa, Zj Liquid y hasta Assassin, Gyptian y, como no, Wayne Marshall picaron en el morboso asunto, pero este tune rabioso de Lady Saw devolvió a las mujeres el orgullo de serlo. Para más detalles echa un vistazo al Natty in de Red #12.

13. Khago “Blood a Boil” (Bottle Party Riddim)
La respuesta de Khago al “Nuh Rump wid wi” de I Octane, donde le acusa de mostrarse demasiado amanerado y flashy para ir de duro entre tanto badman (“Me nuh a sissy man, no/Me nuh act cocky”). La respuesta del gueto a los que se exhiben en la escena con un swag impostor sonó tan sincera en el estilo agudo de Khago, que el tune destacó enseguida sobre este riddim de TJ Records por encima de estrellas consolidadas como Elephant Man, Beenie o Kartel. Siiiicccckkkkkk!!

12. Mavado “Star Bwoy” (Star Bwoy Riddim)
Dicen que en pleno diss con el bleachin de Gaza, Mavado escribió este tema para mostrarse como una verdadera estrella jamaicana real en la presentación de su gira por USA y en sociedad ante la comunidad hip-hop, lo que trajo como rédito entre otros recibir el MP3 Music Award. El riddim de Chimney Rds. tenía tanto flow y misterio como la presencia de Mavado necesita, pero estar tan concebido a su servicio, debilitó su presencia en los sounds a partir del verano, porque ningún otro de los participantes (Chipmunk y otros) pudo siquiera acercarse a su sombra, y eso que Kartel la había grabado primero en “Stamma”.

11. Di Genius “Bounce a Gyal” (Pepper Riddim)
El talentoso Stephen “Di Genius” McGregor (el otro hijo de Freddie, Chino, ya podría escuchar más el “Blood a Boil” de Khago) había empezado el año ya colocado en el triunvirato de productores de moda junto a Don Corleon y Russian, y desde luego que no desaprovechó su privilegiada posición. Riddims como Bad Acid, Armaggidion o Iron Belt percutieron todo el año, pero nada comparable con este Pepper, pese al pelotazo de Aidonia con “Bad Pickney”. Lo mejor es que, como su padre, Di Genius también canta y a las mil maravillas, y su talento llega tan lejos que fue capaz de superar con su voz dulce y armoniosa que no empalagosa, al mismísimo Mavado como cabecera habitual de sus riddims.

10. Vybz Kartel “Love you enuh” (Lost Angel Riddim)
El Weirll Boss en pleno efecto con lo que mejor sabe hacer: uno de esos chicles que se te pegan al oído en cuanto pisas la Isla celebrando como nadie la buena vida (wine & body) y el amor por las mujeres. Cuando alguien consigue hacer fácil algo tan difícil se le llama equivocadamente comercial. Le pasó a los Beatles. Pero detrás está el talento único e irrepetible de un poeta tan freaky como adorado por el pueblo llano, en su registro más optimista. La melodía es de las que se recordará durante años.

09. Popcaan “Hear dem a Talk” (Bottle Party Riddim)
Al único que no pudo batir Khago sobre el riddim, fue a Popcaan, sin duda la estrella emergente del año recién terminado, como demostró en el Sting de Portmore. Con este tema quedaba definitivamente claro que de likkle Gaza nada. La calidad de su flow es tal, y la autenticidad de su mensaje badman con conciencia tan rotundo, que hasta los fans de Gully se rindieron a sus pies desde ese mes de Febrero en que se editó, construyendo desde entonces una reputación que ya presagiaba los éxitos del verano.

08. Mavado “Do Road” (Contra Riddim)
ZJ Chrome, nuevo en la escena como productor, sorprendió a todos con su riddim suave y pesado a la vez, ideal para que de nuevo Mavado se salga en otro himno hustler de esos tan característicos de los vendors del Gully Side, muy por encima del “Sex & the City” de su archirrival. Casi todo el quien es quien (Beenie, PopCaan, I Octane, Assassin, Mr. Vegas y hasta Matterhorn) se subió al carro para darle brillo a la percusión posesiva y los teclados etéreos, pero el de Cassava Piece volvió a demostrar porque es el real Star Bwoy.

07. Specialist “Street Hustle” (Scatta Pro Riddim)
Para muchos el tune del año, y sin duda el himno callejero por excelencia. Sobre un riddim absolutamente vacilón, su estribillo “Phone Card, Phone Card, Phone Card/Banana, Banana, Banana Chips/Cash fi Gold, Cash fi Gold, Cash fi Gold”, es una reproducción literal del soniquete de los vendedores ambulantes en los semáforos y mercadillos de la Isla. Apoyado con un soberbio vídeo que es prácticamente un docu-reality de cómo se buscan la vida diariamente cientos de miles de personas en el Coronation Market del downtown, entre parodia y homenaje, el tune ha convertido a Specialist y sus chistes populares, en uno de los personajes más queridos de la Isla.

06. Shabba Ranks “None a Dem” (Pepper Riddim)
La vuelta a lo grande del león, el gran Shabba, justo en el momento que había que recordar porqué el músculo siempre fue necesario en el dancehall entre tanto flashy. Otro diss más para Kartel, pero lo quedará es su entrada triunfal en el riddim. No hay aficionado que no haya bailado, sonriendo, ese: “None a dem nuh bad like Shabba Ranking/Nuh nuh nuh nuh nuh, none a dem none a dem/None a dem nuh tuff like the Ranking/Nuh nuh nuh nuh, none a dem none a dem/Stop dah one deh and ask him/
If him nuh imitate the great Shabba Ranking/Unno can stop dah one deh and ask him/
If him nuh imitate the great Shabba Ranking”. Shabba nunca se distinguió por sus luces, pero como el mismo dice: “Right now mi ignorant bout it but mi rrrrrrrrrrrrrrrrr” y anda que le importa. Ni falta que nos hace: grrrrrrrr……lol!

05. Beenie Man “Let’s Go” (Overproof Riddim)
Y llegamos con toda seguridad al riddim del año. Que nada menos que 30 tunes hayan girado sobre un mismo riddim es todo un record, tanto como que del mismo hayan salido tal cantidad de pelotazos incuestionables como “Settle Down” de Mavado o “Tun in mi ting” de Khago. Su atracción fue tal que glorias locales como Bounty Killer (“Galactic Gallis”) o el ídolo pop quinceañero en USA Daniel Bedingfield (“Sometimes you just know”) se apuntaron al éxito. Coproducido por la nueva revelación Justin “Justus” Arison y el productor original de Vybz Kartel, Patrick “Roach” Samuels, yo me he acabado quedando con el superhit de Beenie, por su coro hip-hop que le da la máxima solidez al riddim y porque era la mejor forma de rendir tributo al gran Slim de los negocios, al que este año se le vió mucho más activo y en primera línea que en los anteriores.

04. Mavado “Final Destination” (Summer Fling Riddim)
Otro superpelotazo de la factoría de Chimney Records, esta vez con repercusión internacional, gracias a la espectacular puesta vocal en escena de Mavado, que llegó incluso a generar un jingle en la popular Hot 102 FM de Nueva York  y a entrar en el Top 30 de las listas Billboard de Hip-Hop y R&B. Sí, ya sé que los fans de la escena local probablemente prefieran el infeccioso “I’mma need Security” de la wicked combination formada por Munga, Supa Hype y Chi-Ching-Ching, pero el estilazo internacional de Mavado es tan contagioso en este tune, que aunque tardó en arrancar desde su salida en Julio, sepultado con tantas celebraciones exitosas del verano en la Isla, y tuvo que competir en las radios con su propio superhit más comercial con Laza Morgan “One by One”, el tema ha acabado imponiéndose como una melodía tan bien construida, que resulta irresistible.

03. AIidonia “Summer Sun” (All a di gal dem) (Summer Sun Riddim)
Yees, Pappaaa!. JOP to di world in full effect!. De todas las celebraciones veraniegas al calor de la superbomba de Kartel (otro de los temas recurrentes en las lyrics de este año), sin duda este “All a di gal dem/all a di gal dem/man round a come” permanece como uno de los himnos para galvanizar a las chicas, revueltas entre hormonas y bikinis veraniegos, y consolida a JOP como una de las grandes fuerzas actuales del género en su lado más hedonista. Habrá que ver en un futuro si ‘Donia puede ofrecer otros registros a este nivel, pero sin duda ha terminado el año siendo uno de los firmes candidatos a suceder a Kartel, como se vio en el Sting de Portmore.

02. Popcaan “Ravin” (Summertime Riddim)
La reputación bien ganada por Popcaan desde “Hear dem a talk” explotó con su adaptación del riddim producido por Andreas “Adde Instrumentals” Nilsson y el propio Kartel. Desde entonces no hay nadie que discuta que Popcaan es su más digno sucesor por derecho propio. Su éxito local e internacional resulta tanto más increíble cuando además ha crecido a la sombra del himno de su mentor. Pero su forma de describir las fiestas locas de Gaza, la celebración de lo bueno de la vida, donde “dog eat dog”: “Ooooh god/Party mad/Gyal dem a seh/Gaza Party bad/Gyal dash weh/like crab outta bag” resulta de nuevo tan convincente como irresistible para bailar, tararear y visionar esos docu-realities de los talibanes de Gaza que tan bien le salen.

01. Vybz Kartel “Summertime” (Summertime Riddim)
No hace falta añadir nada a la elección del trono. Nadie pensaba que el Portmore Empire pudiera sobrevivir a la deserción de su productor estrella Ainsley “Notnice” Morris el pasado mes de Junio, pero en lugar de eso Addi Teacha lo volvió a hacer. Y más que nunca, logró unificar alrededor de su figura a toda la Isla, con un mensaje de esperanza y buen rollo inspirado en el éxito “Holiday” de Ding Dong (la cara de Digicel en las vallas publicitarias de la Isla) un par de años antes, en un estribillo que permanecerá eterno: “Summer time inna Portmore/Summer time inna Kingston/Summer time inna Country/Summer time in my scheme”, tanto como la letra del himno nacional “Jamaica, land we love”.

Llámenlo superficial, hedonista, retrógrado, machista y homófobo, comercial, descomprometido, delincuente, pero “Guilty or not Guilty” que cantaba Perfect hablando de Buju, una parte esencial de Jamaica y el Caribe es así, y el que no quiera verlo ni comprenderlo, no sabe, con todo, lo que se pierde.

Carlos Monty. Enero 2012

Quizás sean también el centro de todas las miradas profanas que entran por la puerta de un estudio. Muchas luces, muchos botones… “¿Oye, pero que de botones, no?, ¿ya los necesitas todos?”

Vamos a hacer una descripción pensando en todos aquellos que que no hayáis trabajado con una. Os gusta el Reggae, lo amáis, ¿pero no sabéis hacerlo? Pues aprender sobre las mesas, parece un punto básico para poder empezar a hacer música.

Precisamente, en el Reggae el uso del mezclador tiene un papel muy importante.

Son muchos los que atribuyen a King Tubby el papel de inventor de la remezcla y por tanto, parece lógico pensar en la mesa de mezclas como su instrumento musical. Y lo mismo sucede con Lee Perry y otros coetáneos colegas, que a base de estrujar potenciómetros desarrollaron el Dub. La forma de filtrar de una mesa o la forma de saturarse, incidían de forma creativa en lo musical, y no como hasta entonces, solo en lo sonoro.

Pues ahí andaban, por ejemplo King Tubby con una mesa MCI de las antiguas, 12 canales que se exprimieron al máximo y su corona de Mc Donalds después de un menú con Coca Cola…

Una API 2488 en Channel One a partir de 1975.

Coxsone Dodd en Studio One.

¿Podemos decir que estos jamaicanos convirtieron el sonido en música? Y por tanto, ¿se podría decir que convirtieron la tecnología en música? Incluso, ¿se podría incluir a la música electrónica como otro género más influenciado por Jamaica?

Buah!, a mí no me miréis con esos ojos esperando una respuesta, que yo prefiero hablar de botones…

Para entender una mesa de mezclas, primordial este concepto: Verticalidad- Horizontalidad.

Y es que en parte se parece a “hundir la flota”, pero en solitario, sin amigos.

Vertical, porque cada canal se dispone de forma vertical. Y horizontal, porque cada canal se coloca junto al anterior. Ah, bueno! Y una zona que suele tener funciones varias como por ejemplo las relativas a las salidas, la zona master.

Pasemos a describir una mesa de mezclas.

Pues empecemos con una foto de la mesa de mi estudio. En algunos aspectos mejor que la que usaron esas leyendas jamaicanas, y en algún que otro aspecto, pues no tan mejor. Fijaos en la zona central, donde están los fades rojos y azules. Esa es la zona master.

Normalmente la parte superior del canal es la sección de entrada, o preamplificación. Mejor dicho, lo que tenemos son los botones o mandos que controlan la electrónica de esa entrada.

Desde aquí ajustamos el volumen que nos llega, hasta un nivel referencial de 0,775V. Más o menos. Se trata de una zona, de una referencia, porque los valores anteriores, los de salida de por ejemplo micrófonos, son mucho menores, del orden de 1.000 veces más pequeños.

Además de volumen, o ganancia, podemos invertir la fase, hacer algunas operaciones de filtrado del sonido o abastecer a cierto tipo de micrófonos que necesitan ser alimentados para funcionar.

Vale, sé que esta zona no ha sido muy excitante, pero ay amigo! Ahora viene la sección más molona, la que más llama la atención, la única, irrepetible y genuina,…tiene garra, tiene fuerza… la ecualización.

El sistema de ecualización de una mesa es diferente al que se suele encontrar en las cadenas de audio de Hi Fi, porque en lugar de estar basada en un sistema gráfico de “palanquitas” que se suben y bajan para tener más o menos ganancia de una serie de frecuencias ya establecidas por el fabricante.

En las mesas se usa un sistema paramétrico oficialmente inventado por George Massenburg en 1972, que permite al usuario seleccionar la frecuencia a procesar, y con que ancho de banda.

Otra vez los jamaicanos, buscando nuevos métodos y formas, encontraron que si con la ganancia al máximo de una banda del ecualizador, realizamos un barrido o filtrado de frecuencias del canal de retorno de los efectos, podían obtener un filtrado muy espectacular, obteniendo sonidos espaciales, modernos, muy parecidos a los de un pedal de WAH, pero en la reverb, el delay o lo que se quisiera.

Sigamos, a continuación suele venir la sección de los auxiliares. Se trata de una especie de matriz, a partir de la cual se pueden realizar diferentes mezclas simultaneas a la principal.

¿Y para que queremos esto? Bueno, es de esta forma, por ejemplo, que somos capaces de enviar a los músicos una mezcla personalizada para que puedan oírse ellos mismos y al resto de los músicos, o decidir que canal se va a impregnar de reverb, delay y otros efectos, y en que medida. Básicamente es como una centralita de teléfonos….”esto de aquí lo mando allá, y esto otro allí…” pero con la particularidad de que nos permite decidir también cuanta señal, cuanto volumen.

Una mesa como la que tenemos aquí, tiene doce envíos de auxiliares.

Seguido a los auxiliares suele venir un portenciómetro de pan, que sirve para enviar la señal a izquierda o derecha de la mezcla. Como un balance. Sencillo.

Y después del pan, tenemos el fader, que es el botón corredizo que sube y baja el volumen de ese canal.

Normalmente, su posición es en la marca de 0dBs. Se tiene en esa posición, que ni da ni quita volumen, preparado para subir o bajar en momentos determinados, como por ejemplo un solo de un instrumento. La marca de 0dBs, nos sirve para por ejemplo, después de ese solo, saber cual era la posición de inicio, y así dejar el volumen tal y como estaba. Su uso está estrechamente ligado al nivel del previo, el de entrada, que teníamos en la primera sección que hemos visto.

Junto al fader, solemos encontrar los botones de agrupación y asignación a VCAs. Bien, la idea en el primer caso, es que resulta muy ventajoso si podemos agrupar una serie de canales para poder ser procesados en su conjunto. Podemos insertar procesadores externos, ajustar el volumen, el balance, mandar esta agrupación a alguna salida específica o enviarla a la matriz, que ya veremos que es.

En el segundo caso, la asignación de VCAs, sirve también para controlar el volumen de un cierto grupo de canales. Es muy parecido a la agrupación antes vista, aunque más limitada en cierto sentido, pues solo sirve para controlar el volumen, y no para insertar nada. Pero tiene una ventaja. Evita el cuello de botella que puede suceder en la agrupación normal (antes vista).

Veamos, en el caso de que sumemos varios canales en un grupo normal y la suma de ellos alcance el valor máximo de voltaje de la electrónica de la mesa, tendremos una distorsión de la señal, un cuello de botella, un efecto embudo. Pero el fader master del VCA controla la tensión que se envía al amplificador de cada canal que es usada por este amplificador para dar más o menos volumen al sonido.

Me explico, en una agrupación de varios canales, podemos tener cada canal al 90%, por ejemplo, de la capacidad de voltaje de la mesa, y al sumarlos, podemos sobrepasar el 100% y como consecuencia, distorsionar la señal. En el caso del VCA, esta situación se elimina, pues el fader master del VCA actúa como si al moverlo, moviéramos cada fader de canal. Así que con tan solo bajarlo un poco hacia abajo, regresaríamos a la zona segura de trabajo, por ejemplo a un 70% en cada canal, y por consiguiente, a un 95% en la suma de ellos.

Por esto, normalmente las agrupaciones se usan para procesar y rutear un grupo de canales, y el VCA como controlador de volumen de sus canales asignados.

¿Un poco lío? Bueno, ya casi estamos…  Ahora va uno facil.

El grupo de mute. Las mesas, a parte del botón de silencio o corte de señal de cada canal, suelen incorporar la capacidad de agrupar varios canales a un grupo de mute o silencio. Así, con solo un botón, podemos silenciar todos los canales, por ejemplo, de las voces, y pasar a una versión instrumental. O podemos cortar el skankin` de piano y guitarra e ir a un drum & bass.

Venga, nos queda una cosa dificililla, y terminamos.

¿Os acordáis de los los grupos? ¿Lo que vimos antes del VCA? Vamos a volver a ellos, y a ese concepto que habíamos dejado colgado. La matriz.

Bien, imaginemos que ya tenemos agrupada la batería y bajo por un lado, el riddim`por otro, la percusión, los vientos, las voces…. vamos, que tenemos la mezcla hecha paquetitos.

Bien, pues la matriz nos da la posibilidad de hacer una mezcla variando la relación de esos paquetes, de una forma independiente a la mezcla general, y enviarla a otras salidas. Util por ejemplo cuando en un concierto tenemos que enviar señal a una cámara de TV, o a un grabador.

Ah! ¿Y por qué no le enviamos una réplica de la mezcla que escucha el público del concierto?

Bueno, situémonos en un concierto: El público, además de la señal que mandamos nosotros desde la mesa, también oye en mayor o menor medida los sonidos acústicos de la banda, por ejemplo la batería, que se oye mucho más de por si que la voz del cantante. Nosotros desde la mesa, compensamos esa diferencia casi de una forma subconsciente, dando un poco más de volumen a la voz. O puede que el equipo de sonido, por ejemplo, no tenga  muchos graves y haya que forzar un poco la mezcla del concierto para sacar esos graves. Cosas así hacen que la mezcla de directo sea específica para ese momento en concreto. Así que si mandamos a grabar la misma mezcla, cuando lleguemos a casa, oiremos ese exceso de voz, o de graves que le hemos dado nosotros para rectificar las diferencias de sonoridad o la pérdida del equipo en esas frecuencias, o lo que fuere.

Por eso se usa la matriz, porque podemos hacer una mezcla alternativa y variar la relación entre los grupos (paquetes) independientemente a la mezcla general.

Bueno, en principio eso es todo… bueno, me olvido del botón de encendido…

Podéis visitarnos en www.euridia.net

• Dem Nuh Easy. Nueva emisión de este espacio bimensual a cargo de sista Thunda y dj Barracuda que hoy contiene un especial dedicado al cantante norteamericano Alpheus.

• Nuestra novedad del mes: “The Ruler-1972/1990″, doble cd + dvd en directo de Gregory Isaacs.

• Disco de debut de los italianos Ital Noise con producción de Neil Perch.

• Nuevo riddim producido por Raggattack desde Girona.

• Los franceses Special Delivery nos trae su riddim más reciente, Feel Good, repleto de artistas jamaicanos como Gappy Ranks, Peetah Morgan o Sugar Roy & Conrad Crystal.

• Greensleeves Records inicia su serie dedicada al dubstep con remakes de grandes clásicos del sonido jamaicano.

• Nuestra agenda y la info más caliente!!!

Dirección:  Sensi Twins
Presentación:  Barracuda
At The Controls:  Manel
Asistencia Técnica:  Alex Badalonian

EMPIEZA EL 2012 A RITMO DE REGGAE MUSIC CON SOUND SYSTEM FM!!!

Una vez respondida la entrevista, me pregunta Pedro si ha satisfecho las expectativas depositadas en ella. Creo a la luz de sus respuestas, extensas y explícitas, no se puede añadir mucho más a lo ya expresado por él. Para poneros en antecedentes a quienes no lo conozcáis, os diré que Pedro Espinosa, conocido en panorama jamaicófilo como “Aianai” -castellanización de la popular expresión egocéntrica jamaicana “I and I”-, es cofundador -junto al cantante guineano Juan Borikó- de Potato, el veterano conjunto vitoriano de música jamaicana -en activo desde 1984-; pionero -y probablemente el único- en importar la poesía dub de Linton Kwesi Johnson o Mutabaruka al reggae patrio y un agitador nato de conciencias bajo el decrecentista lema “abajo el trabajo y viva la vida contemplativa”.

Comenzando por el principio, en la década de los setenta y en pleno apogeo juvenil, conoces al guineano afincado en Vitoria, Juan Borikó, un amigo inolvidable al que terminarías por apodar Johnny Brusko, con quien conformarías la sociedad Babinton PIP (producciones-ideas-promociones) y de la cual emergería la idea embrionaria de conformar una formación vitoriana propiamente de reggae como Potato. Me gustaría que recordaras las circunstancias que hicieron que vuestros caminos se cruzaran, las actividades que surgieron al calor de vuestra sociedad Babinton PIP y cómo os planteáis, en un principio, llevar a término el proyecto de Potato (concepto, estilo, músicos, mensaje).

Juantxo (JB) y yo nos conocemos desde los 14 años y aunque íbamos a colegios distintos, coincidíamos muchas veces en un bar del centro de Vitoria especializado en cervezas. La peculiaridad de este establecimiento era que tiraba muy bien la cerveza de caña y ofrecía jarras de diferentes tamaños desde 2 litros hasta la más pequeña de un zurito (algo menos que un corto) y a nosotros nos encantaba comprobar cuántas de esas jarras éramos capaces de beber en una tarde. Tengo que decir que también éramos muy deportistas y jugábamos a fútbol en ligas federadas en infantiles y juveniles, JB en el San Viator y yo en el Deportivo Alavés. Él era un extremo muy bueno y habría podido llegar lejos si se lo hubiera tomado más en serio. El caso es que a los 17 años nos separamos al ir a la Universidad, yo me largué a Madrid a estudiar periodismo y él a Burgos a hacer aparejadores, aunque en verano siempre volvíamos a vernos. Fue a comienzos de la década de los ´80 cuando regresamos de nuevo a Vitoria, cada uno con nuestro título, aunque nos costó encontrar trabajo, sobre todo a mí que ganaba una miseria colaborando en un periódico y en una radio local. No obstante, tuve la suerte de que me contrataran para el Festival Internacional de Jazz de Vitoria-Gasteiz, convirtiéndome en el primer jefe de prensa del certamen en 1982, año en el que tocaron Ella Fitzgerald y Oscar Peterson, entre otras grandes figuras. Los responsables del festival necesitaban igualmente alguien que pegara los carteles anunciadores del evento, que eran unos cuantos miles, así que para sacar un dinero extra, me encargué también de ello junto a mi amigo JB. Había que vernos por la noche con el balde de cola, el carro de la compra con los carteles y la escoba para embadurnar las paredes. Cuántas veces nos paró la policía. Hay que señalar que JB y yo, además de beber y fumar hash y marihuana, leíamos mucho, hablábamos mucho y pensábamos más. Supongo que los porros tendrían algo que ver, pero se nos ocurrían miles de ideas; desde presentarnos ante Xabier Arzallus, factótum del PNV para reclamar un carné de identidad vasco para JB, que en aquel entonces figuraba como apátrida por negarle la nacionalidad tanto el gobierno español como el de Guinea Ecuatorial, hasta organizar un comando que echara del poder al dictador Obiang, que se había cargado a su tío, el igualmente dictador Macías. JB se proclamaría presidente y yo sería el primer ministro. Para organizar todas estas ideas que fluían constantemente por nuestras cabezas, decidimos crear Babinton PIP, una especie de empresa en la que canalizamos la pegada de carteles, no sólo de jazz, sino de cualquier otro evento, y todo tipo de actividades, como la organización de los primeros conciertos de rock subvencionados por las instituciones alavesas. Os diré, por ejemplo, que el 27 de Abril de 1982 organizamos en la Plaza de los Fueros de Vitoria, con motivo de la fiestas del patrón de la provincia San Prudencio, un concierto de rock en el que tocaron La Polla Records y Hertzainak y en el que colaboraron, adornando la plaza y diseñando el cartel, artistas que luego han tenido gran resonancia internacional como Juan Luís Moraza, Juncal Vallestín y Juan Sagastizábal. Además, estoy seguro que nunca hasta entonces habían cobrado tanto La Polla ni Hertzainak. Ni que decir tiene que el concierto fue una bomba y un gran éxito que posibilitó que el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz nos encargara la organización de otros tantos conciertos de jazz y rock durante los fines de semana de Julio y Agosto en diferentes parques de la ciudad, que además grabamos en video y de los que lamentablemente sólo se conserva uno, mítico eso sí, de Hertzainak con su primer cantante Gama en el Parque de Arriaga. Mientras hacíamos todo esto, cambiamos nuestro bar de adolescencia, donde nos conocimos, por otro mucho más pequeño y cutre del Casco Viejo llamado Ja-Mi, por Javier y Michel, que lo habían montado gracias a las indemnizaciones que les habían dado al echarles de sus respectivos curros. El bar lo descubrió JB, porque se hallaba camino de su casa en el barrio de Zaramaga. Lo bueno del Ja-Mi era que sólo ponía música reggae, pues el hermano de Javi era un forofo de Bob Marley y de ese estilo musical y viajaba mucho a Londres y se traía discos que grababa en casete para que se pusieran en el bar. Evidentemente, también se fumaba mucho. Allí descubrimos a todos los grandes: Peter Tosh, Toots & The Maytals, Burning Spear, Max Romeo, Mikey Dread, Steel Pulse, Sugar Minott, Dillinger, Gladiators, Cimaroons, Byron Lee & The Dragonaires… Yo seguía teniendo el programa de radio en Radio Cadena y aproveché para meter mucho reggae y hacer publicidad del bar, que empezó a llenarse de gente y de músicos, entre estos, los componentes de un grupo de verbena llamado Drakkar. JB y yo pasábamos muchas horas en el Ja-Mi hablando, bebiendo, fumando y jugando al futbolín y al cubilote y, mientras sonaba la música de fondo, tarareábamos estrofas en castellano que nos íbamos inventando. A la vez, el casco medieval de Vitoria se iba llenando de bares con música que iban sustituyendo a los de los txikiteros de toda la vida, que cedían sus establecimientos para que tocaran los grupos locales. Los Cicatriz irrumpieron en la escena que ya contaba con Hertzainak y La Polla, aunque estos vivían en Agurain, un pueblo a 20 kilómetros de Vitoria. La zona empezaba a bullir de gente creativa y alternativa, se empezaron a organizar procesiones ateas para contrarrestar las tradicionales de Semana Santa, con pancartas como “Soy Ateo y Poteo”, firmadas por Ateos Reunidos Geyper o Herejes del 36. Para acompañar a estas procesiones, se juntaban algunos músicos que tocaban percusión o instrumentos de viento, a los que se sumaba gente como nosotros que no teníamos ni idea de tocar pero que estábamos por la labor. Por darle algún nombre a estas agrupaciones, se decidió llamarla Banda Municipal de Ska. Ahí tenemos el embrión de lo que iba a ser Potato. Pero la banda no se crea hasta que no convencemos a los miembros de Drakkar de que somos unos grandes letristas con grandes ideas que sólo necesitamos unos músicos que nos acompañen para triunfar. En aquel tiempo, principios de 1984, triunfaban los grupos punk y oi! de clara influencia británica, con Sex Pistols como paradigma. Se trataba de subir a un escenario y expresar, con cuatro acordes mal dados y cuatro gritos, toda la frustración y violencia que gran parte de la juventud sentía. Tanto social como políticamente, el desencanto era total y las drogas y la música eran la única satisfacción para mucha gente. Era un sentimiento de cabreo continuo y de desprecio a cualquier institución, que se manifestaba en los conciertos con el lanzamiento constante de botes de cerveza hacia el escenario y de escupitajos a los cantantes. Todo resultaba bastante sórdido y violento. En aquel ambiente, nosotros quisimos introducir un poco de color, de sosiego, de humor e ironía. Nos preocupaban las mismas cosas y nos sentíamos igualmente marginados y totalmente opuestos al sistema y queríamos manifestarlo pero de una manera más apacible, con un ritmo más tranquilo y sincopado que permitiera a las chicas acercarse a las primeras filas de los conciertos sin temor a ser aplastadas por el baile del pogo, recibir un escupitajo o ser alcanzadas por un botellazo. Nuestro espejo era The Specials, la banda multirracial londinense que habían sabido reciclar los antiguos ritmos jamaicanos con unas letras reflejo del momento social en el que vivían y que eran respetados por punks, mods, rockers y demás. Así que un día nos presentamos en el local de ensayo de Drakkar con una botella de whisky y las letras de “Monkey Man” en versión Specials y “Jamaica Ska”, igualita a como la cantaba Byron Lee, pero en castellano; y les convencimos. Más tarde, llevamos nuestra peculiar versión de “Punki Reggae Party” de Bob Marley. Estas letras las componíamos JB y yo al alimón. La de “Miguelín El Casero” se me ocurrió a mí después de una noche especialmente loca en la que me era imposible dormir. Cuando la cosa parecía que ya iba encaminada, se corrió la voz en el Ja-Mi de que íbamos en serio y muchos quisieron apuntarse, entre ellos Potxo, al que le dijimos que necesitábamos un trompetista y no dudó en comprarse el instrumento sin haber tocado nunca y Pako, que quiso tocar el trombón pero fue incapaz y empezó como corista, porque a nadie le decíamos que no si realmente se comprometía en el proyecto que aún estaba muy en el aire. Porque lo cierto es que de Drakkar, tan sólo el batería Timoteo Ozaeta a.k.a. Jalas y el teclista Javier Olloki a.k.a. Oki se metieron a fondo. Lo que pasa es que Oki quería tocar en la nueva banda el saxo, de modo que enganchamos a Amaia, que de pequeña había estudiado piano, para que se animara con los teclados. También mostró mucho interés Julio Díez, que se hizo con el bajo. Ya teníamos la base, porque a la guitarra contábamos con Koldo Quilchano, que era el guitarrista de Drakkar y aunque nos veía como unos chiflados, se comprometió a tocar con nosotros, al menos al principio. Conformada la banda, sólo nos quedaba el nombre y éste se le ocurrió a JB, que propuso Potato, pronunciado fonéticamente como tal por la tradición de cultivo de la patata que había en Álava, pero aportando ese toque internacional de escribirlo en inglés. Para sofisticarlo un poco más, decidimos añadir lo de “punki reggae party banda”. Una vez creado Potato, empezamos una labor de difusión y promoción firmando pintadas en todos los wc de los bares de la ciudad y en las tapias de las calles, de tal manera que sin haber tocado nunca y sin tener nadie ni idea de que era eso de Potato punki reggae party banda, habíamos levantado una enorme expectación en la ciudad. Cuando anunciamos que Potato iba a hacer su debut el 31 de Diciembre en una fiesta organizada por la emisora Radio Cadena en Álava, más de dos mil personas se congregaron para ver aquello y la verdad es que no debieron quedar defraudados, aunque tan sólo tocamos nuestras versiones de “Monkey Man”, “Jamaica Ska”, “Miguelín El Casero”, “Punki Reggae Party” y “Babilonia”, único tema original compuesto en un 90% por JB. Desde que decidimos montar la banda hasta que debutamos en público, apenas transcurrieron seis meses.

Potato fue, desde sus comienzos, un conjunto eminentemente iconoclasta, haciendo de una de sus señas de identidad el distanciamiento de aquellos grupos que se afiliaban en el entonces pujante movimiento del “rock radical vasco” y desechando pronto la idea de idolatrar a un falso prócer como Haile Selassie I, tras el que, si escarbabas lo suficiente, se escondía un dictadorzuelo de tres al cuarto que había hecho fortuna a costar de exprimir al pueblo etíope. ¿Qué tipo de problemas os ocasionó el no comulgar con estas “ruedas de molino” y labraros vuestro propio sendero? ¿Crees que hubo gente que no os tomó jamás en cuenta por no responder a los clichés de este estilo musical o por no identificaros políticamente al entorno abertzale?

Lo malo de vivir en un ambiente tan nacionalista es que no puedes desarrollar ideas que se salgan de ese planteamiento. Todo tiene que estar supeditado al fin último y primordial, que es conseguir la independencia y lo demás no sirve, estorba, o es asimilado en falso por la ideología abertzale, por la vanguardia del movimiento de liberación nacional, que es quien dirige las acciones a seguir en cada momento. En Vitoria esto se vio muy claro. Había mucha gente, grupos, colectivos activos que editaban fanzines, comics, revistas, realizaban teatro, cortos o seguían prácticas artísticas, además de grupos de música, que eran en realidad los que aglutinaban al resto. Toda esta ebullición de ideas se veía claramente en las calles y bares del casco viejo, que es donde se concentraba toda esta amalgama creativa, rebelde y antiautoritaria. Muchas de estas personas, igual sin saberlo, seguían prácticas libertarias, aunque no niego que otros muchos fueran partidarios de la independencia del País Vasco, pero en cuanto a Potato se refería, o, mejor dicho, en cuanto a JB y a mí se refería, estaba claro que el nacionalismo era un concepto burgués y más el vasco, creado por Sabino Arana, que no dejaba de ser un racista. Y eso lo dejamos muy claro cuando empezamos a hablar de Vitoria como la capital de una Euskadi Tropical en la que íbamos a cambiar el clima y a hermanarnos con Jamaica para intercambiar patatas por marihuana. Potato quería ser un revulsivo. Aprovechamos, además, una canción de uno de nuestros grupos favoritos, Hertzainak, con cuyos componentes poteábamos casi todos los días, “Arraultz bat pinu batean” (un huevo en un pino), en la que se decía que por qué no cambiar el árbol de Gernika por una palmera, hacernos todos vagos, dedicarnos a la piratería y así tal vez algún día seríamos libres para cometer cualquier pecado, para desdramatizar y dejar de mirarnos el ombligo en un mundo que ya se adivinaba globalizado. Ciertamente, para la ortodoxia abertzale, no éramos más que un chiste. De hecho, años después, cuando Potato y el concepto de Euskadi Tropical se había popularizado, Hertzainak, para quienes a través de Babinton PIP produjimos su segundo disco y diseñamos la portada, hicieron otra canción titulada “Txantxetan” (en broma) como para decir que aquello sólo era un divertimento. Pero para nosotros era algo que tenía una profunda carga ideológica. En cualquier caso, para bien o para mal, el MLNV (Movimiento de Liberación Nacional Vasco) controlaba todo aquello que se oponía al sistema para intentar hacerlo suyo. Así se crearon organizaciones ecologistas, de mujeres, juveniles, internacionalistas, de homosexuales que reivindicaban todos esos derechos pero bajo la directriz que emanaba de la vanguardia. Y con la música, o, mejor dicho, con las fiestas populares que se organizaban en los pueblos, que empezaron a contratar, en lugar de a grupos de verbenas, a los grupos que hacían furor con sus proclamas político sociales, ocurrió lo mismo. Y Potato cayó en esa dinámica porque si no, no tocabas. Lo mismo nos llamaban para conciertos anti OTAN, a favor de Gaztetxes (edificios ocupados por jóvenes), radios libres, presos, carnavales que organizaban colectivos que se debían a la izquierda radical abertzale. Muy representativo de todo esto es el programa que organizó Batasuna llamado “Martxa ta Borroka” (marcha y lucha), que propició una de las frases más significativas de la situación pronunciada por Natxo Etxebarrieta, cantante de Cicatriz, que renunció a formar parte del programa diciendo aquello de “antes éramos drogadictos y delincuentes y ahora nos hemos convertido en jóvenes revolucionarios”.

Uno de los aspectos que siempre me llamaron la atención de la banda era el componente político de talante más bien libertario, reflejado en el compromiso explícito de las letras, en las actuaciones ofrecidas para determinados colectivos y en ese vínculo tan estrecho y peculiar que siempre mantuvisteis con el municipio andaluz de Marinaleda, donde, a modo de curiosidad, se ha dicho que hasta las amas de casa tarareaban vuestros estribillos como auténticos himnos populares. ¿Cómo se trataban las cuestiones políticas a nivel interno en la banda? ¿Cuándo se genera ese contacto con el utópico pueblo sevillano y cómo fue manteniéndose y afianzándose con el transcurso del tiempo?

No puedo hablar de Marinaleda, porque cuando se establece esa relación entre la banda y el pueblo andaluz, yo ya había dejado Potato. Sólo he estado dos veces. La primera en 1995 cuando la gira de “Plántala”, en la que participé no sólo como cantante, sino como manager y promotor y sólo puedo decir que fue fantástico como nos trataron. Aproveché, además, para entrevistar al alcalde de Marinaleda, Juan Manuel Sánchez Gordillo, para el libro que Elena López Aguirre y yo escribimos sobre Potato, “La Utopía de una Euskadi Tropikal”. La segunda y última fue en Diciembre de 2007, en la gira de despedida “Gracias y Agur”, en la que tocamos en la sala Palo Palo dentro de unas jornadas organizadas por Baladre, el colectivo contra la exclusión con el que siempre hemos mantenido muy buenas relaciones desde los tiempos de las asociaciones contra el paro. De hecho, esta asociación editó un disco titulado “11 años contra el paro y la pobreza”, con canciones de Hertzainak, La Polla Records y Potato. En cuanto a cómo se trataban las cuestiones políticas en la banda, realmente no se trataban, cada uno tenía su ideología y la manifestaba en el tipo de letras que componía.

Creo que a parte de la labor inicial como ideólogo y fundador de la banda, tu rol en Potato siempre estuvo más o menos bien definido: el del poeta que rimaba con sarcasmo, acierto e ironía, pero sin miramientos, a imagen y semejanza de análogos jamaicanos del calibre de Linton Kwesi Johnson o Mutabaruka. ¿De dónde surge esta inquietud tuya por la poesía y qué temas te sirven de inspiración para componer poesías de indudable impronta político-social? ¿Qué te atrae singularmente de los poetas del dub para que los adoptes como modelo a emular? ¿Por qué crees que este género de la música jamaicana no se ha extendido más? Una vez cerrado el ciclo Potato, ¿sigues escribiendo poemas y alegatos o los quehaceres cotidianos te lo impiden?

Siempre me ha gustado leer, así que la poesía y la literatura en general me son muy cercanas, más si tenemos en cuenta que soy periodista y forma parte de mi profesión. En cuanto a mi fuente de inspiración, siempre ha estado muy ligada a mi entorno personal y social. Los temas que he compuesto siempre tenían que ver con lo que pasaba a mi alrededor. Por otra parte, me considero un luchador. No soporto la injusticia y la explotación; y me rebelo. Está claro que este sistema está podrido, que quieren convertirnos en esclavos y que la única libertad que nos ofrecen es la de mercado, la de comprar en Eroski o en Carrefour. Precisamente, si monté Potato, fue para denunciar todo esto. Lo que me atrajo de Mutabaruka o de Linton Kwesi Johnson, mis maestros en el arte de la poesía dub, fue principalmente su carácter revolucionario, su deseo de apelar a la conciencia de la gente y de denunciar los abusos políticos, sociales. Además, el recitado de las frases me permitía enmascarar mi analfabetismo musical y me evitaba el cantar al modo tradicional. Este género no se ha extendido más porque no interesa, no es comercial, hace pensar, y la gente es reacia a pensar, prefiere que piensen por ellos, y así nos va. Es mucho más fácil vender dancehall. Lo último que compuse fue “Educad” y “Atónito y disperso”, dos temas que escribí en el año de la gira de despedida de Potato en 2007 y que incluimos en el mini cd que editamos bajo el título de “Gracias y Agur” para financiar el dvd “Potato en Fueros”, legado póstumo de la banda. Compuse un par de temas más, pero no dio tiempo a incluirlos en la gira. También escribí unas estrofas para el pregón de carnaval, pero si no hay banda, no escribo canciones. Bueno, aunque escribí un tema conmemorativo para el 70º aniversario de Radio Vitoria, que es la emisora en la que trabajo, del que se hizo un video para la ETB (televisión autonómica vasca), ya que Radio Vitoria forma parte del ente público de radiotelevisión vasca.

En 1988 se producen dos deserciones fundamentales en la banda, la de Juan Borikó primero -lastrado por su salud- y la tuya tras la publicación del maxi “Rula” -del que además eres compositor de la letra-, pues en realidad y como tú mismo has reconocido, nadie era imprescindible en la banda y prevalecía ese concepto de verbena en la que los elementos que se perdían, se reemplazaban, siempre y cuando el concepto siguiera latente. ¿Cómo recuerdas tu despedida de la banda y la separación de los que habían sido compañeros de fatigas hasta entonces? ¿Crees que en la banda se era justo con aquellos compañeros que se apeaban del barco? ¿Cómo se adoptaban estas decisiones en el seno de la banda? ¿En qué momento te planteas la decisión de sumarte de nuevo al proyecto transcurridos unos años y qué te decidió a hacerlo?

Visto lo que ha sucedido con el paso del tiempo, lo mejor habría sido haber disuelto Potato en 1988 tras la marcha de JB, a la que no puede llamarse deserción, pues como queda muy bien explicado en el libro “Potato. La utopía de una Euskadi Tropikal”, JB acarreaba serios problemas de salud, agravados tras su visita a su pueblo natal en la isla de Malabo en Guinea Ecuatorial, que le impedían seguir el duro ritmo que imponía la carretera. Pero yo todavía sentía que tenía cosas que decir y, de hecho, “Rula” y “Para Calentar” las compongo en el momento en que JB se va. Paradójicamente, meses después yo mismo me vi obligado a dejar la banda al entrar a trabajar como periodista en Radio Vitoria y no poder seguir ese mismo ritmo endiablado de tocar tres días a la semana hasta altas horas de la madrugada y, casi sin descanso, ir a hablar ante un micrófono profesionalmente en un medio de comunicación público, que realmente era el que me daba de comer, a mí y a mi familia. Ahora, echando la vista atrás, lamento no haber disuelto la banda, pues tenía todo el derecho moral, pues yo había tenido la idea y la había desarrollado. Máxime ante la falta de solidaridad del resto de mis compañeros y en concreto de Pako Pko. Recuerdo perfectamente el momento en que dije que abandonaba Potato y nadie dijo ni una sola palabra. Habíamos tocado en un pueblo del País Vasco francés que estaba a unos 200 kilómetros de Vitoria. Eran las 5 de la madrugada y yo rogaba a mis compañeros que se metieran en la furgoneta para regresar a casa pues yo tenía que entrar a trabajar a las 8 de la mañana. Me costó muchísimo arrancar a la banda de las invitaciones a seguir bebiendo de borrachos aduladores. Ya de regreso hubo una violenta discusión al respecto y fue cuando dije que si después de cada concierto había que esperar a beberse hasta la última gota para emprender el camino de regreso, que lo dejaba. Se produjo un silencio que dio la callada por respuesta y abandoné el grupo ante la indiferencia de la mayoría y el regocijo de Pako, al que por algo apodamos Pko, que así se convertía en el único cantante del grupo. Desde ese día no volví a formar parte de Potato, al igual que Elena, mi mujer, que era la guitarrista y dejé que siguieran utilizando el nombre que había creado JB y que ya era una marca consolidada en el panorama musical vasco y dentro del entorno reggae español. Cierto es que yo también estaba cansado de tanto desparrame, tenía una hija de 7 años en ese momento y un trabajo, en el que todavía sigo, que realmente era mi oficio y tampoco quería dejar a Oki, Jalas y Potxo en la estacada después de que habían abandonado el grupo de verbena para apostar fuerte por Potato, más en un momento en el que “Rula” se había convertido en un hit y nos llamaban a tocar de todas partes. Así que, tras mi marcha y la de Elena, entraron Gabriel Gullián, el uruguayo, que digamos ocupó mi puesto en cuanto que cantaba el “Rula” y empezó a componer; y Arturo Blasco, magnífico guitarrista que también aportó mucho a la banda. En cualquier caso, nos seguíamos viendo en los mismos bares y tras un periodo algo tenso, la mediación de Jalas hizo que volviera a acompañarles a algunos conciertos para subir al escenario como artista invitado para cantar mis temas. Así que mi vinculación con Potato siguió por la amistad que mantenía con Jalas y por mi condición de periodista. En este sentido, seguí apoyando a la banda informando de sus actividades y de los trabajos que iban sacando en alguno de los cuales, como en “Crónicas de puerto sin más”, metí voces en el tema “No Pensar”. Además, como he dicho, no había temporada en la que no subiera al escenario para cantar “Miguelín El Casero” o “Rula”, temas que siempre han formado parte del repertorio de la banda. Más tarde, en 1995, con “Plántala” me ocupé de la producción y la promoción de la gira de verano que nos llevó a realizar 30 conciertos por toda España y en la que tenía mi propio set cantando varias canciones.

Diez años más tarde, en 1998, publicáis -Elena y tú- la biografía de la banda, “Potato Reggae Banda. La Utopía de una Euskadi Tropikal”, un libro cuyo valor estriba en enmarcar el contexto en que se desenvolvía y explicar los porqués de las decisiones tomadas por la banda en cada momento. ¿No consideráis que quizá hubo una cierta precipitación en su publicación habida cuenta de que la banda aún se mantuvo en activo pese a la escisión de Arawak en 1996? ¿Esa utopía de la “Euskadi libre y tropikal” a la que aludían Hertzainak se materializó de alguna forma o quedó en mera hipótesis optimista e irrealizable? ¿Cuál era la receptividad de una ciudad tan aldeana y atípica en Euskadi como Vitoria, que siempre ha tenido bares especializados (El Majara, Parnaso, Ardo Ona…) y bandas (Potato, Kannabis, Little Feet & The Prenatals, Arawak, Green Valley, Siroko Ska…), hacia la cultura y la música jamaicana?

Elena y yo somos periodistas especializados en temas musicales. Ya habíamos editado con nuestra propia editorial, Ediciones Aianai, los libros “Hertzainak: la confesión radical” (1993) y “Del txistu a la telecaster: crónica del rock vasco” (1995), que tuvieron gran éxito, pues vendimos 3.000 ejemplares y agotamos la edición, así que decidimos contar la historia de Potato y de lo que supuso la Euskadi Tropical. En aquel momento, 1998, creíamos que la banda tenía poco recorrido más, pues ya ni siquiera estaban Oki, el gran arreglista y músico sin cuyo concurso hubiera sido imposible el sonido Potato y Timoteo Ozaeta, Jalas, el batería, todo impulso y generosidad. Oki y Julen Trepiana, cantante y compositor en la época de “Plántala”, abandonaron la banda tras la gira de verano de 1995 antes mencionada, hartos de repetir las mismas canciones que todo el mundo pedía y hartos también de Pako Pko, que se aferraba a los mismos esquemas de diez años atrás y querían formar su propia aventura, Arawak, en la que todavía siguen embarcados. Ahí también se perdió una buena oportunidad de disolver Potato, pero Pako se empeñó y reconozco que a mí me convenció, de que no se podía dejar morir así a la banda y que había que hacer un último disco y así surgió “Pko Original”, en el que también embarcó a Jalas y Potxo y que se editó gracias a la colaboración de la Asamblea de Parados. De esta manera, se prolongó artificialmente la vida de Potato, que tuvo su continuación con la grabación del disco “Directo Directo” en la sala Bikini de Barcelona en 1999, en esta ocasión por el empeño de Jalas, que se dedicada a la sonorización y grabación y que nos convenció de que había que hacer un disco en directo. En la grabación intervinieron Oki, Gabriel, Arturo, Isi, yo mismo y hasta JB, que aunque no vino al directo sí que metió una frase durante las mezclas. Así que no sé si hubo o no precipitación a la hora de editar el libro, pero era lo que nos pedía el cuerpo en aquel momento y además queríamos ir más allá de la mera biografía de Potato y explicar el contexto social y político en el que surge la banda. E, insisto, no imaginaba que Pako Pko se iba a aferrar tanto a lo que, visto lo visto, es lo único que le da algo de reconocimiento. Con el concepto de la Euskadi Tropical, como actualmente con el de sostenibilidad, ocurre que de tanto usarlo, es algo manido y desprovisto de sentido. Evidentemente, no podemos cambiar el clima, o, bueno, de hecho lo estamos cambiando para mal por los gases de efecto invernadero y la contaminación, pero aquel eslogan utópico de transformar el árbol de Gernika en una palmera tropical, ha sido asimilado incluso por las instituciones, igual que ahora las eléctricas Endesa o incluso Repsol se califican de verdes, con lo que ha perdido su poder de flashear, de conmover las conciencias y de propiciar un cambio en los hábitos y formas de vida. Hoy día no sé si Vitoria-Gasteiz es la capital de la Euskadi Tropical, pero al menos es la green capital europea, título que le acaban de conceder por intentar devolver la ciudad al peatón en lugar de dejar que el coche sea el rey y esto al menos es un cambio positivo en el que se está involucrando toda la ciudad. Respecto a la receptividad de la ciudad hacia la cultura jamaicana, diría que el camino abierto por Potato y el viaje que hicimos a la isla caribeña, hizo que se creara un ambiente favorable a aceptar ese ritmo cadencioso típico de Jamaica, como es el reggae y actualmente son los grupos de hip hop y su cultura la que más aceptación tiene entre los jóvenes, algunos de los cuales samplean canciones como “Rula”.

Tras la publicación, por parte de Ediciones Aianai, de tres obras musicales -sobre Hetzainak, la mencionada sobre Potato y una acerca del rock vasco en general-, coescritas junto a tu pareja Elena López Aguirre, en 1999 te planteas la necesidad de fundar la Asociación Cultural Aianai, con una primera exposición en el Centro Cultural Montehermoso y cuya actividad se mantiene vigente hasta nuestros días con los memoriales anuales de tributo a Johnny Brusko. ¿De dónde nace esa inquietud por alumbrar la asociación cultural y por qué os decantasteis por esta fórmula legal? ¿Podrías enumerar y describir las actividades llevadas a cabo y proyectos a los que habéis apoyado, económicamente o facilitándoles el apoyo logístico, desde su puesta en funcionamiento?

Crear la Asociación Cultural Aianai Kultur Elkartea nos proporciona, efectivamente, una fórmula jurídica para poder desarrollar iniciativas como la editorial sin necesidad de pasar por legalismo tipo sociedad limitada, anónima o lo que fuera. Somos una asociación sin ánimo de lucro y estamos exentos de facturar IVA, lo cual no quiere decir que no podamos cobrar por los servicios que prestamos: exposiciones, conciertos, edición de libros, fanzines, publicaciones, discos, videos, películas, documentales, charlas, debates y cursos. Todo relacionado con la música, no sólo desde el punto de vista compositivo y creativo, sino también dentro del contexto histórico, social, político y económico en el que se desarrolla la actividad musical. Entre las actividades que hemos desarrollado destacan: una exposición con carteles, fotos, discos y conciertos sobre The Beatles y un grupo alavés contemporáneo suyo llamado Aster; un curso de tres meses sobre la Historia del Rock Vasco impartido en el centro cívico Hegoalde para el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz; la producción y preparación de la gira “Gracias y Agur” de despedida de Potato; la edición del mini cd con tres canciones “Gracias y Agur”; la edición del dvd “Potato en Fueros 2007”, que contiene el concierto dado el 4 de Agosto de 2007 en la Plaza de los Fueros de Vitoria-Gasteiz, un documental sobre la historia de la banda, y la recopilación de videoclips de la banda desde 1985; la promoción y producción del concierto de Potato en Logroño, Festival Actual, el 4 de Enero; el pregón, letra de canción y desfile de carnavales con Pedro Espinosa y Potato en Vitoria-Gasteiz el 2 de febrero; la dirección, realización y montaje del documental “Potato, una banda para el pueblo” emitido por ETB el 5 de Agosto; la promoción en Euskadi del disco “Incoherent Style” de Respect Mark, banda de cabaret reggae de la localidad tarraconense de El Vendrell en el que participa como productora, entre otras, la asociación cultural; la participación en la mesa redonda sobre la actividad cultural en Vitoria-Gasteiz en la década de los ´80; la colaboración, con una foto y un artículo, en el fanzine editado para la presentación de Hilos Rojos III; la colaboración, por medio de la cesión del video “Arriaga Punk Rock 82”, para la sección audiovisual de Hilos Rojos III; la colaboración, con una foto y un artículo sobre Dub Poetry, para el colectivo Arkestra de Barcelona; la preparación del libro sobre la historia del rock vasco y la organización de los cuatro memoriales Johnny Brusko celebrados hasta la fecha.

Puesto que tú ejerces o has ejercido profesionalmente como periodista, me gustaría preguntarte acerca de la relación que Potato ha tenido con los medios y la repercusión mediática obtenida. ¿Cómo valoras el trato que desde prensa, radio y televisión se brindó a la banda a lo largo de su trayectoria? ¿Consideras que se ha sobredimensionado a la banda desde los medios, que se ha sido ecuánime en su tratamiento o que se le han infravalorado sus méritos? ¿Recuerdas cómo era el trato a nivel individual con los periodistas y cómo reaccionaban ante un concepto musical que hasta entonces apenas había sido tratado?

Ya he mencionado que soy periodista, con lo cual quiero decir que la relación de Potato con la prensa ha sido siempre muy estrecha. De hecho, el éxito de Potato se debe en gran parte a la labor de promoción realizada gracias a mi trabajo en diferentes medios de comunicación. Yo, cuando creamos Potato, ya sabía que iba a ser un bombazo, pues además de la peculiaridad de los componentes de la banda, de las letras y música de las canciones y del mensaje utópico libertario que lanzamos, original en aquella época, controlaba la difusión. Y no me refiero sólo a las pintadas en bares y calles. El debut de Potato se produce el 31 de Diciembre de 1984 dentro de un festival organizado por la emisora Radio Cadena en Álava, en la cual trabajábamos Elena y yo con dos y cuatro horas diarias de emisión, respectivamente. Fui yo el que tuvo la idea y convencí a mis jefes para ese último día del año hacer un programa de radio en directo desde el polideportivo de Landázuri desde las 9 de la mañana hasta las 7 de la tarde con entrevistas a gente del mundo del espectáculo y la cultura y actuaciones de grupos de música. Por allí pasaron más de 2.000 personas en el momento en que actuó Potato, alrededor de las seis de la tarde. Incluso dibujantes hoy día renombrados, como Mauro Entrialgo o Mikel Valverde, participaron dibujando cómics in situ en grandes paneles. Recuerdo, además, que comenzamos la emisión con la canción “Free Nelson Mandela” de The Special AKA. Al mismo tiempo que hacía el programa en Radio Cadena, empecé a trabajar en las páginas musicales del diario Egin tituladas “Bat, bi, hiru” (Un, dos, tres), que fueron imprescindibles en el desarrollo del rock vasco y que eran una referencia ineludible a la hora de informar de conciertos y de los grupos que iban saliendo. De hecho, en el primer número de “Bat, bi, hiru” aparece una referencia de Potato ilustrada con un dibujo realizado por Mikel Valverde en el que se da cuenta del concierto de fin de año antes mencionado. Cuando grabamos nuestra primera maqueta, yo me encargué de enviarla a Radio Euskadi para que la radiaran y más adelante estuvimos con Jesús Ordovás en su programa Diario Pop de Radio 3. Así que tal vez por mi influencia en los medios, se ha podido sobrevalorar a Potato, pero por parte de otros medios, digamos contrarios, se ha cargado las tintas contra la banda. También hemos de reconocer que, al habérsenos relacionado con el rock radical y con el mundo de la izquierda abertzale, nos ha abierto unas puertas en esos ambientes anti-sistemas y nos ha perjudicado en otros medios y ambientes, así que podemos decir que lo comido por lo servido. Respecto a mi trato con los periodistas, pasa lo mismo que con la gente normal: hay periodistas buenos que se informan previamente y prestan atención y otros malos que llegan con prejuicios y sólo publican lo que les interesa a ellos, no a su público.

En 2007, tras 23 años de carretera y diversos álbumes en el mercado, Potato decidís poner fin a vuestra aventura y por ello os comprometéis con múltiples agentes (colectivos, promotoras, instituciones) a ofrecer vuestra gira definitiva, enmarcada por la edición del mini cd “Agur y Gracias” y el dvd “Potato en Fueros”, subvencionado gracias a un acuerdo contraído con el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz. Y sin embargo, en Octubre de 2009 leemos unas declaraciones tuyas en el diario Deia en las que, indignado, afirmas que Pako PKO ha usurpado el nombre de la banda y ha incumplido su palabra, desprestigiando a Potato e infundiendo confusión entre sus seguidores. ¿A raíz de qué se han producido esas desavenencias entre ambos que ocasionaron tu expulsión de la banda? ¿Cuál es el motivo o motivos por los que Pako se resiste a dar por zanjado el proyecto? ¿Cómo se han posicionado en este conflicto miembros tan relevantes de la banda como Jalas, Oki, los hermanos Arrieta o Julen Trepiana?

Ya he contado antes que Potato debería haber desaparecido hacía mucho tiempo, pues, como decía La Polla, iba arrastrando su decepción de un escenario a otro escenario. A Potato sólo la perseverancia de Pako Pko y la inercia le hacían seguir subsistiendo malamente, cambiando continuamente de componentes y volviendo a ensayar con los nuevos los temas que todos querían escuchar. De hecho, cuando anunciamos la gira de despedida, mucha gente creía que Potato ya había desaparecido, pues actuaba en contadas ocasiones. Cierto es que en las nuevas remesas de componentes que entraban en Potato, siempre había alguno que se lo tomaba en serio y quería dar un nuevo impulso a la banda, comprometiéndose a fondo y componiendo nuevas canciones, como fue el caso de Javi Flores, gracias al cual se edita el disco “Como en sueños”. Pero Potato era, para mí, un muerto viviente que vivía de las rentas. Esto lo comprobé en un concierto que dieron en Vitoria y que me resultó lamentable y así se lo dije a Pako Pko, que se empeñaba en destrozar temas que yo había compuesto como “La Clase Obrera”, “Kuiti” o “Txop Zuei”, que iban recuperando para el repertorio además de los clásicos “Miguelín” o “Jamaica Ska”, que nunca dejaron de tocarse, al igual que “Rula”. Estoy hablando del año 2006, que coincide con la muerte de JB por un cáncer de páncreas. Es entonces cuando le hablo claramente a Pko de acabar definitivamente con Potato pero de una manera digna, con una gira de despedida que llamaríamos “Gracias y Agur” en la que yo me integraría no sólo como cantante, sino como productor, promotor y manager. La respuesta de Pako fue afirmativa, está grabada en el documental de “Potato en Fueros” y aún hay otras declaraciones frente a la cámara de Pako que no se incluyeron en las que dice textualmente que lo que le decidió definitivamente a aceptar el fin de Potato, fue el que yo me hiciera cargo de la gira. Así pues, hablamos con el resto de la banda, Jalas incluido, pues iba a ser el técnico, para explicarles el proyecto. Yo aseguré a todo el mundo que íbamos a hacer al menos 30 conciertos, por el que cada uno iba a cobrar lo mismo (300 euros) y todos estuvieron de acuerdo. Finalmente, fueron 40 los conciertos, con lo que cada miembro de Potato, incluidos técnicos, se llevó 12.000 euros. La gira comenzó el 13 de Febrero en Barcelona y finalizó el 5 de Enero de 2008 en Logroño. Cierto es que dejamos abierta la posibilidad de seguir actuando durante 2008 si se nos ofrecía la posibilidad de realizar una gira por Latinoamérica o cualquier otra parte del mundo siempre que no fuera el estado español, para el que reservamos todo el año 2007, como así lo hicimos saber a agencias, ayuntamientos y colectivos de toda índole para que si querían, tuvieran la oportunidad de contratar a Potato por última vez. Cuando esto se hizo público, nos llegó la iniciativa de Soul Rebel de Palencia para sacar un disco con canciones de Potato interpretadas por diferentes grupos, que al final se concretó en “Tributo a Potato”, en el que participan 19 bandas de todo el estado. También quedaba claro, en ese compromiso verbal que adquirimos, que la desaparición de Potato no significaba que no se pudiera crear otro grupo y que Pako no siguiera adelante bajo cualquier otra denominación. Pero la “Potato punki reggae party banda” quedaría disuelta definitivamente, poniendo fin a una época que había comenzado en el siglo XX y que ya no tenía razón de ser en el XXI. La gira transcurrió más o menos bien, con los lógicos roces entre 10 personas que comparten muy poco espacio en una furgoneta durante mucho tiempo, pero según pasaba el tiempo, las discrepancias, sobre todo entre Pako y yo, fueron aumentando. Hubo un episodio que tal vez fuera determinante para explicar el posterior comportamiento de Pako. Ocurrió durante el mes de Diciembre en una mini-gira que realizamos por Granada, Almería y Marinaleda. En Granada, Pko se quedó afónico y pensó en suspender la actuación. Tanto el resto de la banda como yo, optamos por dar el concierto conmigo como único vocalista, lo que al final ocurrió sin mayor incidencia por parte del público, al que explicamos la ausencia de Pako. Fue éste el único concierto de la historia de Potato en el que no estuvo Pko presente. Por esas fechas recibí una llamada del Ayuntamiento de Vitoria para ofrecerme el pregón de los Carnavales 2008. Acepté con la premisa de que fuera en mi condición de miembro fundador de Potato y acompañado del resto de la banda como colofón a la gira de despedida. Le dije a Pako que contaba con él para el pregón, en el que iríamos incluyendo fragmentos de canciones de Potato, aunque el discurso iba a ser cosa mía, pues resultaba imposible que lo hiciéramos entre los dos dadas las diferencias evidentes entre ambos y además, el creador de Potato había sido yo, así que resultaba lógico que fuera yo el que se responsabilizara del mensaje carnavalesco que no iba a tener nada de nacionalista. Aquí debo señalar que Pako hacía años que se había afiliado al sindicato abertzale LAB y durante un tiempo había estado liberado de su trabajo para dedicarse en exclusiva a tareas relacionadas con el sindicato. Entre las discusiones ideológicas que yo mantenía con Pako, estaban las relacionadas con las justificaciones que LAB hacía de la lucha armada y del asesinato para conseguir la independencia. El caso es que Pako, que en primera instancia había aceptado compartir el escenario del carnaval conmigo y el resto de la banda, la noche anterior del pregón que habíamos quedado para ensayar, se retractó diciendo que no iba a participar en el Carnaval, acusándome de haber impedido que Potato siguiera tocando e intentando que el resto de la banda me dejara solo, algo que consiguió a medias. A mediados de Febrero, cuando por curiosidad consulté la página web que habíamos creado durante un año para la gira de despedida para ver si seguía operativa, me encontré ante el comunicado de Pako lleno de insultos, descalificaciones y mentiras hacia mi persona, que me recordaron los métodos estalinistas. Hasta había borrado mi figura de una de las fotos del grupo, en el que se me expulsaba de Potato, lo cual me hizo sonreír, pues nadie te puede echar de algo que no existe, tras una cena asamblea decidida por mayoría, lo cual también resultó mentira, pues la decisión fue suya en exclusiva, según me dijeron algunos miembros de la banda a los que pedí explicaciones y que aseguraron no saber de qué comunicado les estaba hablando. A Pako no he vuelto a dirigirle la palabra, pues no hay mayor desprecio que no hacer aprecio. Pero cuando empezó a hacer declaraciones públicas diciendo que la gira de despedida no significaba el fin de Potato y, sobre todo, cuando a mediados de 2009 llenó Vitoria de carteles anunciando un concierto en un barrio de la ciudad bajo el lema “Objetivo Japón” y harto de dar explicaciones a los que me interpelaban por la vuelta de Potato, fue cuando decidí sacar el comunicado denunciando la impostura de Potato, que se publicó en diferentes diarios del País Vasco, como El Correo, Deia o Diario de Noticias de Álava. Por qué Pako actuó como actuó, habría que preguntárselo a él. En cualquier caso, me remito a las declaraciones que efectuó en el documental incluido en el dvd “Potato en Fueros”. Respecto a lo que piensan los otros miembros relevantes de Potato, digo lo mismo: no soy yo quien debe hablar por su boca, preguntadles a ellos.

Con motivo de los Carnavales celebrados en Vitoria en 2008, se te plantea la posibilidad de ser el pregonero en nombre de Potato y en tu pregón, en el que apareces ataviado como uno de los personajes de “Alicia en el País de las Maravillas”, se realizan varios guiños o abiertas diatribas en línea con el ecologismo decrecentista, el pacifismo, la crítica del capitalismo y sus delirios productivistas / consumistas / contaminadores de relaciones, para culminar con una reivindicación del derecho a la pereza que reclamaba el marxista francés Paul Lafargue y de la vida vivida en plenitud y en compañía. ¿Quién te plantea este discurso y bajo qué premisas te propones su elaboración? ¿Cuál fue la reacción ante tu discurso entre la población vitoriana y la acogida entre la clase política? ¿Cuándo crees que ese mensaje que irradiaste calará entre la población y esta reaccionará y se revolucionará en la dirección correcta?

En cuanto al mensaje que lancé en el pregón de Carnavales 2008 de Vitoria-Gasteiz, que podéis ver y oír en www.youtube.com, obedece únicamente a mi punto de vista y mis ideas sobre este sistema con el que me siento totalmente en contra, a pesar de que nos lo quieran vender como el único posible. Esto es mentira: otro mundo es posible. Soy partidario de la renta única universal para todo ser humano por el simple hecho de existir y soy partidario de la vida contemplativa. Hemos explotado tanto el planeta y generado tanta riqueza, que es factible el cubrir las necesidades primarias de toda la humanidad. No lo digo yo, lo dicen expertos economistas que no dependen del Fondo Monetario Internacional, ni están vendidos a las grandes corporaciones y al capital y así intenté expresarlo en mi pregón, en el que también aludí a cuestiones más locales de mi ciudad y de mi País Vasco. Si logré algún efecto entre los asistentes, no lo sé, creo que pensaban que todo era de coña, como el Carnaval. En cualquier caso, la concejala de cultura, no sé si por educación -es del partido socialista-, me dijo que había sido el mejor pregón que había escuchado nunca. Lo cual no significa mucho, pues era su primer año de concejala. No soy ningún profeta ni adivino sobre qué nos deparará el porvenir, pero lo que tengo claro es que nadie te va a regalar nada y que lo primero es pensar por uno mismo con mentalidad de hombre libre y después luchar por ello.

Publicado originalmente en ALB Nº99

Contenidos del programa:

• Como hacemos cada final de año, hoy toca resumir los acontecimientos de todo el 2011.
• Despedimos nuestra novedad del mes. Hardtime Pressure – Sugar Minott que edita 17th North Parade.
• Tune In! se despide del 2011 como siempre, a ritmo de las últimas novedades.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel y Alex

NUESTROS MEJORES DESEOS PARA EL 2011. ONE LOVE.

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Contenidos del programa:

• It’s Christmas Time!. Como cada año escucharemos algún tema navideño inna jamaican style.
• La novedad del mes desde 17 North Parade. Hard Time Pressure – Sugar Minott.
• Dubforce nos pone al dia del roots reggae fuera de Jamaica.
• Nuevo single de Roots Temple con Sai feat. Barry Isaacs.
• Desde el norte nos llega el último recopilatorio del sello Pirates Choice: “Rub A Dub Showcase Part 2″.
• Mas producciones de Kemar “Flaba” McGregor. En esta ocasión sobre el ritmo Cool & Deadly.
• Ultima edición del sello Pressure Sounds a ritmo de dub con la reproducción del Lp clásico de Phil Pratt “Dial M For Murder”.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

EQUIPO DE SOUNDSYSTEM FM OS DESEA IRIE CHRISTMAS!!!

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Por que en este mundo en el que vivimos, tener educación y utilizarla es indispensable para mantener buenas relaciones con las personas de nuestro entorno.

En este caso entre soundbwoys, djs, promoters, dancers y massive, todo enlaza…

Nuestro trabajo a parte de poner musica, bailar, cantar, o animar a la gente, es intentar en todo lo posible mantener buenas relaciones con la gente de tu entorno. Primero por que todos estamos en el mismo barco, y segundo porque si algún día queremos comer todos del dancehall tenemos que hacer que esto crezca y cada uno por su lado no puede… dancers, dj, sounds y los que ponen la pasta que a veces la gente se olvida… la massive.

Esa es nuestra responsabilidad, entre todos, hacer que esto crezca. Es un proceso lento, que no esta empezando ahora… hace más de una decada que empezó a crecer, y tenemos que valorar y dar las gracias a los pioneros por todo lo que han hecho y sobre todo no deshacer todo ese trabajo.

Con esto quiero decir que a ellos les llevó más de una decada aprender e informarse cuando no había internet, y no hay excusa posible para no informarse. Que tenemos una responsabilidad y un trabajo que hacer arriba y abajo de un escenario.

Porque cuando sales en una foto, te entrevistan para una revista, blog, radio, TV… eres una persona de referencia del movimiento, la imagen y en ese momento no hablas por ti , hablas por todas las personas que lo formamos.

Y con esto quiero decir… que si no sabes de lo que hablas, puedes decir que no lo sabes, no pasa nada, todos aprendemos todos los días y ninguno lo sabemos todo pero hay que tener interes por informarse… porque esto no es poner discos, bailar o cantar sin ningún tipo de sentido, el dancehall tiene su razón de ser en todos sus aspectos y una carga cultural muy fuerte, ligada a la isla y que si queremos ser parte de ello o si queremos modificarlo de alguna manera… debemos conocerlo.

Todos nos equivocamos en la vida, y en el dancehall tambien! y nadie te va a decir nada porque te equivoques, a bailar se aprende bailando.

Puedo recordar un show de un sound system al que me no me invitaron a bailar… y al que me subì sin hablar con los soundbwoys, que por supuesto no me impidieron bailar.

Después del show me acerqué a darles las gracias. Ellos me dijeron con mucha educación y respeto, que la próxima vez que quisiera subir a un escenario y no fuese en mi show debería decirselo a la persona que este realizando su show. Y ahí lo aprendido, una y no más. No hubo ni gritos, ni bofetadas, ni malas caras… tuve suerte. Ellos me han enseñado eso y yo quiero que mi escena y mi cultura crezca con respeto.

Ahora artistas os lanzo unas pregunta: ¿Podéis recordar ese cantante con el que os queríais hacer una foto después del concierto pero no quiso? ¿Recordáis la mala cara cuando le pedisteis que os firmara el disco? ¿Y cuando le diste la mano y ni siquiera te miro a la cara?

Pues si a ti no te gustò y tu le valorabas… respeta a tus fans que te valoran.

Cuando alguien me ha felicitado por mi trabajo en primer lugar lo que he hecho ha sido agraderle y mirarle a los ojos.

Esto es lo ideal, no siempre es así, a veces estamos borrachos (todos, no solo la massive), fumados, cansados, enfadados, tristes o tenemos problemas… somos personas.

Esto es lo que yo pienso y lo que hago en la medida de lo posible… y por supuesto es mi opinion, si te gusta me alegro… si no te gusta… ok… mientras me respetes todo cool.

Y nunca olvides que aunque estés en un escenario tu no eres el unico protagonista… el protagonista es el dancehall tu solo eres un elemento más.

Contenidos del programa:

• Especial dedicado a la figura de uno de los pilares de la producción musical jamaicana de los últimos 25 años. Phillip “Fatis” Burrell moria el pasado 3/12 inesperadamente.
• Rankin’ Rick repasa los big tunes del 2004 en su espacio What’s Going On.
• La novedad del mes de diciembre llega desde 17 North Parade. Doble cd + DVD dedicado a Sugar Minott en otra de las Reggae Anthology que editan la familia Chin. Su título: Hard Time Pressure.
• El nuevo trabajo de Penguins enfocado a los niños, Reggae Per Xics, abre el programa de hoy.
• Aprovechando la visita de Zion Train a Barcelona, escuchamos su último larga duración State Of Mind.
• También de visita en Barcelona tenemos a Beenie Man. Escuchamos dos de sus temas mas recientes.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel

BIG RESPECT FOR THE X-TERMINATOR. ALWAYS IN OUR SOUL.

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Viernes 18 de Diciembre, son las 13:40 y estamos en la puerta C11 de la terminal 2 del Aeropuerto de Barcelona con Noe, Laura Roc y Laura Maydana de BunDem Squad. El vuelo a Berlín sale puntual y con nosotros dentro, de camino a Schonefield a encontrarnos con Benny de DirtyRaggaSquad, también conocidos por sus remixes firmados bajo R2D2. No es la primera vez que visitaba Berlín y cuando pude ver hace apenas un año Pow Pow en directo en el Yaam se me hizo la boca agua pensando en pisar algún día ese escenario. Nada más llegar nos esperaban en una casa calentita con buena weed y una comida típica compuesta de patatas, bechamel y tomate en forma de lasaña mientras esperamos a Nico de King Horror para irnos al Yaam. Berlín me encantó desde el primer día, la vida y el movimiento de la gente joven es sorprendente, puedes ver arte, deporte, música, todo está por todas partes y es patente la  cultura en la calle.

El Yaam es algo que se debería poder hacer aquí algún día, pero por ahora parece imposible. Para el que no haya estado nunca, en cuanto entras y pagas tu entrada entras en una yard donde puede encontrar un campo de basket, un half pipe, una playa artificial que da al río con redes para jugar al vóley, barra, un puesto de jerk chiken, un par de restaurantes más, una tienda de ropa y finalmente las dos salas, una con una capacidad de unas 500 personas (calculando a ojo) y una segunda sala con una capacidad para unas 100 personas como máximo. DirtyRaggaSquad se encarga ahí de una fiesta mensual en la que traen a sounds de distintos países, han pasado por el escenario de sus DRS Connections sounds como Kalibandulu, Damalistik o las Serengeti.

En casa y con la comida en la boca, estuvimos comentando con Will y DaggaBwoy las últimas noticias sobre el panorama; clash, contest y el dancehall en general fueron el tema de la noche, la conclusión a la que llegamos tanto merengues como culés es que el respeto es lo más importante, que estamos aquí por algo más importante que cada uno de nosotros y nuestros egos y nos movemos para y por el reggae, el dancehall o el baile. Big Respect Unity Sound y toda esa gente que sigue haciendo que el reggae crezca día a día.

Una buena manera de llegar al Yaam es recorriendo la parte que queda de lo que fue el antiguo muro de Berlín, que separó Alemania del Este y del Oeste en una ciudad que sucumbió a uno de los más tristes episodios de la historia de Europa. El muro llega desde el barrio de Kreuzberg pintado ahora con varios murales hasta la mismísima puerta del Yaam, donde la música ya sonaba cuando llegamos. No estaba muy claro la afluencia de público para esa noche, un par de fiestas competían con la nuestra compartiendo público pero poco a poco fue llegando gente para dejar la sala bastante llena. Calentando la sesión DRS para empezar nosotros y luego ir alternando con Unity Sound. A media noche se subieron las DiW!NE para enseñarnos lo que se cuece en Alemania, y la verdad es que nos sorprendieron muchísimo, iban clavaditas y con coreos muy preparadas, higher level. Pero las nuestras no se quedaron atrás, ni muchísimo menos, BunDem Squad petando el momento y sacando forwards segundo tras segundo. La party estaba en pleno apogeo y el dancehall empezó a sonar con fuerza, aunque la gente se mueve y baila, el calor de casa no se siente igual en todas partes, pero nos sorprendieron dando mucho más ruido de lo que creíamos. Muy buena conexión con la gente y muy buen jerk chicken con arroz, solo por eso ya merece la pena acercarse al Yaam.

A las 07:00 de la mañana salimos del Yaam y nos despedimos de Unity Sound después de brindar un par de veces con Jägermeister, el alcohol calienta nuestras venas mientras volvemos a casa a seguir quemando la hierba.

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Comienza la función. La banda se marca los primeros acordes y alguien, suponemos un road manager o promotor europeo, irrumpe discreto en escena para prender una barritas de incienso que, clavadas a conciencia en una manzana “red delicious”, serán las encargadas de disipar por la sala el humo denso y purificador del sándalo, competidor por excelencia de los efluvios de la planta santa. Apenas unos segundos transcurridos y dicho actor secundario hace una nueva aparición furtiva con el fin de depositar la maleta con las pertenencias de Perry en el escenario.

Lee “Scratch” Perry no tarda en hacer lo propio, jaleado entre aplausos y ovaciones y ataviado con un atrezzo que haría enmudecer a Paco Clavel y palidecer al mismísimo Cañita Brava. De pies a cabeza: botas de après-esquí, medias con un bandeado arco iris, pantalones piratas blancos, gafas luminiscentes, gorra de beisbol condecoradísima y alhajas brillantes por doquier, micrófono incluido. Pura extravaganza.
Han corrido ríos de tinta sobre su figura y nosotros, recelosos de ciertos medios y decididos a constatar que parte hay de cierto en todo ello y a desentramar que parte es puritita falacia, aprovechamos la visita del Dalí antillano para dilucidar varios episodios de su enigmática vida.

¡¡Sean ustedes bienvenidos al hilarante “Universo Scratch”!!

En tus primeros pasos en el panorama musical se te conocía como “Dr.Dick” (Dr.Falo), uno de tus múltiples apodos y se dice que antes de pasar una velada contigo, la mujer en cuestión debe hacer reverencias ante tu miembro. ¿Es esto cierto?

¿Reverencias al pene? No, no, no.

Clement “Coxsone” Dodd empleó a Prince Buster como guardaespaldas de algunos artistas de su factoría, siendo uno de ellos tú. ¿Era Jamaica tan peligrosa en aquel tiempo en comparación a la actualidad, que requeriste de los servicios de un escolta?

Prince Buster era definitivamente mi amigo y en Kingston necesitabas hombres malos que lucharan contra hombres malos. Yo tenía un tipo que luchaba contra hombres malos, Prince Buster y por eso era mi guardaespaldas. Juntos hicimos “Judge Dread” y se convirtió en un gran éxito. Teníamos guardaespaldas porque yo puedo combatir con palabras, con música, pero Kingston es tan agresivo que les propones una palabra y como no consiguen encontrar una respuesta, tratan de encontrar un machete, una pistola o un cuchillo. No puedes competir con la palabra, como te he dicho. Piensan que lo mejor es matarte porque tienes algo con lo que no pueden tratarte, ya que los empequeñeces con palabras. Yo consigo que gente que se cree grande empequeñezca con palabras. Las palabras son mis armas.

Según tus propias palabras, Chris Blackwell era un vampiro colonialista, Clement “Coxsone” Dodd un tirano y nunca fuiste capaz de mirar a los ojos de Joe Gibbs… ¿Existe algún productor jamaicano en el que todavía podamos confiar?

No es positivo para mí decirte esto: la gente jamaicana es buena, pero para obtener dinero podrían no ser tan buenos. Pueden volverse malos sólo para obtener dinero. No es que quiera batirme con ellos todo el tiempo, pero para decir la verdad sobre ellos: son buenos y malos. Si algo no fuese cierto, lo diría. Si tuviera que decir algo malo sobre ellos: a veces son ladrones y compran las vibraciones. Tengo un hijo, Rum Roy –nota aclaratoria: su nombre real es Marvin Perry-, que ha vendido cintas mías a alguno de los productores jamaicanos como Clancy Eccles y a esa clase de gente, así que no le pagaré hasta que venga a cantar una canción, esa es la historia de su vida: ha perdido a su mujer y a sus hijos, pero finalmente lo encontré.

Solías trabajar como productor en el estudio de King Tubby y supongo que habrás aprendido un montón de este inspirador productor.

Bueno, para comenzar esto: King Tubby no era un productor, era un sound system. Tubby no había hecho un disco hasta entonces. La gente hacía discos y le mandaba a Tubby mezclarlos. Si le gustaba, lo cortaba para el sound system –aclaración: los dubplates o temas exclusivos no se prensaban/editaban en vinilo, se cortaban en acetato con una máquina llamada record lathe, a la que alude Perry, para producir una copia exclusiva que no se comercializaba-, pero no disponía de un estudio en el que grabar. Algo así nunca ocurrió. No tenía un estudio de grabación. Tenía un pequeño toilet-box, donde tú podías ir a cantar y tenía una máquina. Y si la gente escribe tanto sobre Tubby es porque sienten envidia de la verdad. Bueno, mi mejor estudiante y cantante fue Bob Marley y si hubiera aceptado la verdad de mi música, no habría muerto. Y si Tubby estaba haciendo dub, tampoco habría muerto porque la música es inmortal, te da la inmortalidad. La música no tiene nada que ver con la muerte. La música es vida, por lo que ¿cómo puedes crear vida y morir? Hay algo equivocado. La razón por la que hay gente muerta es porque dicen mentiras. Cuando dices una mentira, Dios pone la pistola en la mano de un hombre y le ordena matar a ese hombre porque miente. Y si no pone la pistola, envía enfermedades: bacteria, hongos y virus. Ese es el tipo de cosas que te ocurren si mientes: virus, hongos, cáncer, disparos de pistola, puñaladas de cuchillo.

Pero tienes unas cuantas bacterias trabajando a tu favor en tu estómago…

Las bacterias solía tenerlas cuando bebía alcohol y cuando fumaba hace ahora 25 años. No pienso que el alcohol o fumar un spliff me hiciera cantar, lo que me enseñó que no lo necesitaba. Desde hace 25 años no los he usado y canto bastante mejor ahora.

En tu tema “Hooked On The Game” te preguntas a ti mismo ¿quién disparó a King Tubby? e insinúas que el responsable de dicho crimen es Bunny Lee. ¿Podrías contarnos quien fue el artífice de dicho homicidio o al menos lo que sepas al respecto?

No estoy tan seguro de que fuera Bunny Lee, pero en algunas ocasiones cuando la gente me hace una pregunta, me asignan palabras que salieron de mi boca y no puedo negar que haya dicho algo porque las palabras salieron y quién sabe, a lo mejor se encontraba tras ello, puesto que fue uno de los amigos de Tubby quien le disparó. No estoy seguro de que sea Bunny Lee, pero si las palabras dicen Bunny Lee, podría ser Bunny Lee. Era un hombre muy agradecido y nunca hizo nada por el poder.

Tienes tendencia a quemar puentes tras trabajar con alguien, pero en 1977 lo que prendió entre las llamas fue Black Ark, el estudio donde estuviste trabajando por largo tiempo. ¿Cuál fue el motivo tras esta destrucción y con quién quemabas vínculos con esta actuación?

Yo nunca hice un puente. Hice río, hice mar y si colocas un puente sobre mi río, sobre mi mar, tengo todo el derecho a destrozar tu puente, a hundirlo o quemarlo, porque no necesito tu puente. Así que si piensas que no debías haberlo puesto, lo quemaré. Si no te di permiso para colocar un puente sobre mi río, me veré en la tesitura de destrozar tu puente. ¿Lo entiendes? Destrozo puentes que no deberían estar ahí. ¿Puentes? No deberían estar sobre mi río, los destrozaré.

1981. Te encuentras de gira por los Estados Unidos y cierto día la policía local contacta a tu promotor porque te han encontrado haciendo jogging con un machete en la boca, lo que ha provocado el pánico en el vecindario. ¿Es cierta esta anécdota? ¿Por qué corrías con semejante atuendo en Boston?

No es cierto, lo único que me encontraron fue ganja. Pienso que estaba consumiendo un spliff y querían que entregase lo que traía del aeropuerto y yo les dije “voy a llevar mi spliff”. Han dicho un puñado de cosas sobre mí, pero yo soy un hombre al que no le importa lo que digan sobre mí, porque esto realmente no ocurrió. Quizá alguien trata de escribir una historia para venderla y reúne los hechos. No tenía motivos para viajar con un cuchillo. Cuando estoy fumando, nadie viene y se queja por ello, pero nunca he tenido un cuchillo, ni nada que se le parezca. Pienso que eso es una mentira.

David Katz trató de recopilar tu biografía en el libro “People Funny Boy”, pero encuentro complicado reunirla si consideramos que Lee Perry tienen aún tantos proyectos en marcha de cara al futuro. ¿Estás satisfecho con lo que David escribió sobre tu figura? ¿Le pedirás en el futuro que complete dicha biografía con los proyectos que aún no han sido incluidos en ella?

Editó el libro sin dejarme repasarlo antes, porque si hubiera tenido oportunidad de leerlo antes, hubiera cancelado alguna de las cosas que se dicen, porque no las comprendo. Tuve que ser duro con mis hijos, porque ellos lo que querían era ser libres, no querían trabajar, quería que yo pusiese el dinero, porque querían encontrar las cosas fáciles. Estaban practicando esas cosas, no querían trabajar, vagueaban… así que los castigábamos y no los apoyábamos hasta que trabajaran para ser autónomos. Escribió que era cruel hacia mis hijos, pero no era crueldad, era disciplina. Me quiso presentar como un hombre cruel y no puedes hacer eso, pero no me importa. Cuando comenzaba, no encontré a nadie que me apoyara, tuve que apoyarme a mí mismo, así que si mis hijos necesitan ayuda para un proyecto, me pueden preguntar a mí y se la daré. Si no trabajan y los apoyo, ¿qué clase de padre sería yo?

Pero Omar canta y trabaja en la actualidad.

Si no lo apoyara, no estaría trabajando. Cuando dejo de apoyarlo, no trabaja.

Se dice que el dub es el arte de la deconstrucción, pero en mi opinión no es tan solo deconstrucción, sino un modo de reconstruir una canción de cara a ser degustada de una manera distinta. ¿Estás de acuerdo con esta afirmación? ¿Cuál es el significado real del dub para ti?

El dub es otra ecuación de la música. El significado del dub es un poder, una elevación. El dub es como un nuevo plano de la música: hay cuatro o cinco personas tocando juntos, uno encuentra el camino y luego tenemos el bajo y la batería tocando y empiezan a tocar y otro se incorpora al dub y así dubbing, dubbing y dubbing crean algo especial, porque el dub es algo especial.

Sueles hablar porquería sobre babilonia y sus procedimientos, pero te encuentras en la actualidad viviendo en el corazón de ella: Suiza es reconocida mundialmente como un paraíso fiscal en el que la gente blanquea dinero procedente de los más turbios e inimaginables negocios. ¿Por qué escogiste, entonces, Suiza como lugar de residencia?

Cuando comencé a hacer música, solía escuchar instrumentales en su mayoría, que no era ciertamente un patrón de moda. Quiero vivir una vida sencilla. Demasiadas ratas nunca hicieron nada bueno en conjunto. En Jamaica tenemos una pléyade de ellas y puesto que yo sigo las palabras de la gente que me precedió: cuando veas demasiadas ratas, trata de desaparecer de ese punto, porque el conjunto no es bueno. En Jamaica si haces cualquier música, todo el mundo trata de versionar lo que tú versionas y te arrastran hasta el final. Si no se pueden deshacer de ti, te versionan y lo llaman version, hasta que acaban contigo y luego necesitan a otra víctima. Yo decidí no ser una víctima, así que desaparecí a Suiza, donde tenemos bastantes ratas. A pesar de que hay muchas ratas apestosas, es un modo normal en esta vida de ratas. Conozco a las ratas de verdad, que son los americanos y los productores jamaicanos. No sé si eres americano, pero digo la verdad. El gobierno americano son las ratas blancas. Los productores jamaicanos son las ratas negras. Yo no quiero ser comido por las ratas negras, así que fui a Suiza a unirme a las ratas apestosas para no ser comido por las ratas del hongo.

Pese a que estoy en desacuerdo con ello, se dice que tras años de consumir cuantiosas cantidades de ganja y de abusar de otras sustancias, has alcanzado un estado de locura transitoria. A pesar de ello, tú has reconocido que no has consumido marihuana desde bastante tiempo atrás. ¿Cuál es tu relación actual con las drogas?

Cuando no sabes lo que haces, das palos de ciego y las tomas. La gente cree que consumo drogas, pero no las tomaré. Hay algo que se llama acetona que limpia los cabezales de las máquinas. ¿Conoces la acetona? La acetona es algo que puede limpiar equívocos, como la corrupción y cosas por el estilo. A veces toco mi lengua con acetona, pero no es una droga, es para limpiar cabezales y similares. Así que la gente no sabe lo que tomo y creen que empecé a meterme cocaína, pero nunca he tomado cocaína. Si he tomado cocaína será porque alguien la haya puesto en mi spliff, pero no he tenido ninguna conexión con ella. La única droga con la que he tenido relación es la ganja, el vino, pero no he consumido cocaína, ni nada por el estilo.

En el documental “The Unlimited Destruction” muestras al entrevistador tu capacidad para prender tu mano con un mechero sin sentir daño alguno en tu cuerpo. ¿Te sientes dotado de un poder especial en comparación al común de los mortales?

Puedes decirte a ti mismo que no vas a sentir dolor y no lo sientes cuando te mentalizas para ello.

Pero si me enfoco la mano con un mechero comienzo a sentir dolor en apenas unos segundos.

Porque dudas de ti mismo.

Vampiros, fantasmas y toda clase de criaturas han sido mencionadas en tus canciones. ¿Has tenido encuentros con Satán en algún momento de tu vida? De ser así, ¿podrías describirnos la experiencia en detalle y el diálogo que mantuvisteis ambos?

¿Si he reconocido a Satán? Sí, lo he reconocido.

¿Encarnado en un ser humano?

Sí, encarnado en un humano, en un cuerpo.

¿Quién era si nos lo puedes contar?

Debo mantener el secreto en algunas ocasiones. No le puedo contar todo a todo el mundo porque en algunas ocasiones…incluso Judas no sabía lo que había hecho cuando delató a Cristo, porque sin dinero no lo hubiera hecho. Mantendré el secreto: conocí a Satán y no quiero decirte quien es Satán, pero él no está vivo nunca más. Satán está muerto. Lo que está ocurriendo en la actualidad es la revelación, así que el demonio no manda más, está muerto. En la actualidad quien está adoptando el papel de Satán es el Papa Benedicto, el Papa alemán. El que lo precedió era Satán. Aquel murió y él ocupa su espacio ahora.

Publicada originalmente en Enlace Funk Nº32 www.enlacefunk.com

…continua de parte 1

En aquella época no había la posibilidad de escuchar las canciones en internet, ni siquiera había programas de radio de Reggae en Londres aparte de las 2 horas semanales que Rodigan tenía los sábados y otro programa de Radio London los domingos. Aparte de los Sound Systems sólo en las tiendas de Reggae se podían escuchar cientos de temas raros. A veces los escuchaba una vez pero tardé años y años en poder adivinar autores, sellos o volverlas a escuchar de nuevo. Ciertas canciones eran tan raras que sabía de su existencia por artículos o conversaciones, pero eran casi imposibles de conseguir o incluso escuchar fuera de un reducido y exclusivo círculo de coleccionistas o selectores. Algunas canciones descatalogadas tardé 15 años en poder oírlas. Hoy en día  entre Google y Youtube se tarda un minuto! Por entonces aprovechabas cada hora libre para pasarte por una tienda para escuchar música! Un par de horas libres se aprovechaban yendo a una tienda. Maná caido del cielo para un adicto al Reggae!

Y por supuesto siempre memorizaba la famosa lista de discos más vendidos del mes de Dub Vendor. Y la usábamos de referencia para nuestro programa de radio (esta lista adjuntada de éxitos del 86… que recuerdo repasamos casi íntegra en nuestro programa de radio de por entonces)

Uno de mis mayores orgullos ha sido décadas más tarde haber producido discos y encontrarlos en las listas de más vendidos de Dub Vendor y poder verlos en sus paredes, para mí eso era la cima a la que un músico de Reggae podía aspirar. MTV y toda esa mafia de los Grammys nunca me han interesado. Estar en el número 6 de la lista de Dub Vendor significaba muchísimo más para mí!

En mis primeras visitas les pedía bolsas de plástico extras con el famoso diseño del león. Me daban las bolsas con cara de extrañeza porque no sabían lo que significaba para mí y mis amigos de Bilbao tener bolsas de una verdadera tienda de Reggae de Londres!

El dueño de Dub Vendor es John MacGillivray. Un inglés que habla jamaicano como un jamaicano y casi nunca sonríe (me intimidaba un poco al principio, pero una vez que le conoces es muy afable y una gran persona) quie empezó con 19 años vendiendo discos de Reggae en un puesto de un mercadillo callejero junto a su amigo Chris Lane (otro adolescente con un conocimiento enciclopédico del Reggae) quien años después dejaría de trabajar en la tienda para dedicarse a sus producciones y montar el sello Fashion, un sello crucial en la evolución del reggae británico.

Dub Vendor Crew

Los fines de semana las tiendas estaban llenas de fans anónimos y selectores de Sound Systems. Los viernes y sábados no se podía ver ni el mostrador de lo petado que estaba. Debajo de la más grande de sus dos tiendas, la de Clapham Junction, estaba el famoso dubcutting studio (estudio de dubplates con la cotizada máquina cortavinilo de Chris), por donde pasaban todas las estrellas del Reggae.

El mes pasado casi quemaron la tienda en los disturbios acontecidos en Wandsworth ( el barrio donde estaba situada). Se podía ver por la televisión como ardía la tienda de al lado,  causando daños materiales al almacén de Dub Vendor.

Este cierre no es un caso aislado, no es solo el cierre puntual de un negocio relacionado con la musica jamaicana sino un ejemplo más de la crisis de la escena Reggae en Inglaterra donde han cerrado, sólamente en Londres, mas de 50 tiendas de discos especializadas en las últimas décadas.  Un reflejo local de un cambio global con el derrumbe de la industria discográfica.

Para mi el cierre de Dub Vendor simboliza y epitomiza la crisis de la escena. Solo en mi barrio he visto cerrar 5 tiendas de Reggae desde los 80. El descenso de ventas de discos no solo se debe a la crisis de la industria discográfica internacional ( que por supuesto afecta a todos los tipos de música) sufrida tras el impacto de los nuevos formatos digitales. Hay también otro componente socio–demográfico único de la escena británica: el Reggae no es ya la música de la juventud de origen caribeño. El Mercado ha cambiado. La segunda y tercera generación de jamaicanos (nacidos en GB) no están mayoritariamente interesados en nuestra música, esa generación no se identifica con ella sino con otros estilos. Como dice el propio John explicando el motivo del cierre: ”Para los mas jovenes aqui, el Reggae no es nada nuevo. Para ellos es la musica de sus padres, no se identifican con ella como la hacian las generaciones anteriores … El Reggae ha evolucionado en una dirección diferente. En Jamaica la música se ha alejado de lo que la mayoría de la gente en el Reino Unido considera relevante. Nuestra pasión siempre ha sido la venta de música jamaicana. Tenemos que afrontar la realidad actual y ser realistas.”

Este cambio demográfico es un fenómeno único en Inglaterra que abordaré con más detalle en otra ocasión.

Montones de sellos especializados (sellos independientes de pequeños productores) han desaparecido. Estudios más grandes han cerrado mientras los pequeños (semi-caseros) proliferan pero son solo estudios especializados o enfocados a formatos digitales que no pueden grabar bandas con instrumentos tradicionales. A veces no hay ni sitio para meter una bateria!

Hace unas décadas la música jamaicana solo se conocía y distribuía en ciertos países: Jamaica y los países de su diáspora (jamaicana) como GB, EEUU y Canadá, donde había una escena de tiendas, sellos, distribuidoras y por supuesto artistas y bandas. También otros países (sobre todo del Caribe, Europa y África) tenían sus pequeñas escenas.

Hoy por hoy todo ha cambiado con respecto al acceso a la información. Internet ha extendido la información, y el acceso a la música, al último rincón del planeta. Da lo mismo vivir en Tasmania, en Zanzíbar o en Groenlandia para enterarse de lo último del nuevo artista que apareció la semana pasada en Jamaica o Londres, viendo incluso en Youtube su último video clip!

Internet ha democratizado el conocimiento pero también la ignorancia.

Se da la paradoja de que gracias a la tecnología digital, representada por el acceso a internet, la música es más conocida que nunca, pero jamás se han vendido tan pocos discos. La producción de discos de vinilo ha desaparecido prácticamente… en Jamaica! Las fábricas manufacturadoras están cerrando en el país más vinilo–adicto del mundo.

A nivel personal me parece que es una pena para las nuevas generaciones ( post internet ) nunca vivirá n la increíble atmósfera de una tienda de discos de Reggae de Londres en la visita semanal, saludando a los amigos en nuestro reducto Reggae, recomendando canciones, intercambiando información y cotilleos, entre el barullo y ruido tan distinto a lo que ocurre fuera de la tienda.

Un proceso mucho más orgánico, mas auténtico y natural, y también mas gregario de seguir la escena musical. Más lento sin duda alguna pero mucho más humano, más íntimo y personal que hacerlo por Internet. Para la comunidad jamaicana, la tienda de Reggae es también una especie de recóndito club social donde encontrarse con amigos y parientes, un pequeno oasis cálido aislado del frío londinense. En verano las tiendas de Reggae tienden a sacar los baffles fuera y convertirse en proto-sound systems (de hecho así empezaron en Jamaica en realidad, cuando en los años 40 los dueños se dieron cuenta que la gente se quedaba horas escuchando la música y bebiendo). Muchas veces te encontrabas con algún artista o productor famoso por allí distribuyendo sus propios discos (como se vé en películas memorables como Rockers o The Harder They Come ). En tiendas de Londres me he encontrado a Bunny Lee, Niney The Observer, Clive Chin, Frankie Paul, Dennis Brown, Gregory Isaacs, Abyssinians, Michael Rose, David Rodigan, Sean Paul, Luciano, Everton Blender,…

Dub Vendor continuará vendiendo discos, pero solo por internet a partir de ahora. La tienda, el espacio físico donde ir a escuchar y comprar discos, donde socializar y compartir nuestra pasión musical ya no existirá. Sin duda, el fin de una era.

Dub Vendor closing. The end of an era. Part 2

In those days one didn’t have a chance of listening to songs online and there wasn’t much Reggae on the radio apart from the 2 hours weekly Rodigan show and another program on Sundays. Apart from Sounds Systems, record shops were the only place to listen to rare releases.

Sometimes I listened once but it took me years  to guess artist, label orce ven have a chance of listening to the samne track again.

Some tunes were so rare that I only they knew of its existence via reviews  or conversations, but they were almost impossible to find or even listen to them outside a small circle of collectors and selectors. It took me up to 15 years to hear some deleted tunes. Today, using  Google and Youtube it takes a minute! In those day I spent every  spare hour I had checking reggae stores just to listen to music! Manna from heaven for a Reggae addict who wasn’t use to live near shops!

And of course always memorized the famous list of Dub Vendor best selling records of the month . We used it as a reference for our radio show (this list is attached of 87 charts of 87… I remember we reviewed almost complete).

Decades later, one of my greatest satisfactions would be to see tunes I had produced hanging on the walls and in the best sellers chart. To me this was the highest a reggae musician could aspire to MTV and all that Grammys maffia have never been interestedme. Being number 6 on the Dub Vendor chart meant much more for me!

During  my first visits I used to ask then for extra plastic bags with the famous lion design. They gave me a few strange looks, I guess because they couldn’t imagine what it meant to me and my friends from Bilbao to have bags of a genuine London Reggae shop!

The owner of Dub Vendor is John MacGillivray who started with selling records on the market stall as a teenager alongside his friend Chris Lane (another teenager with an encyclopaedic knowledge of Reggae) who years later would leave the shop to concentrate on his musical production career and would establish the Fashion label and studio, mounted seal, a crucial label in the evolution of british reggae.

During weekends, the shops were full of anonymous fans and well-known Sound selectors. On Friday and Saturday one could not see the counter in the packed premises. Underneath the Claphan Junction branch,  the largest of the two stores, Chris’ dubcutting studio was the place to be for Reggae artists and Sound selectors.

Last month that same store was almost burned down in the riots that took place in Wandsworth. We could see on television how the shop next door was destroyed by the fire, causing damage to Dub Vendor too.

This closure is not an isolated case, but one more example of the diminishing Reggae scene in England where in London alone, more than 50 specialized record stores in recent decades.

For me this closure symbolizes and epitomizes the crisis in the Reggae scene. Only in my neighborhood I have seen five Reggae shops closing stores since the 80s. The drop in record sales is not only due to the international crisis of the recording industry (which of course affects all types of music) since the availability of new digital formats. There are also other socio-demographic reasons that are unique to the UK scene where Reggae music is no longer the music of choice of youths of Caribbean origin. The market has changed. The second and third generation Jamaicans (born in GB) are not primarily interested in our music, that generation doesn’t identify with the music like their parent’s generation did. As John himself says, explaining the reason for the closing:

“The kids over here, it’s nothing new to them. Their perception is that it’s their mum and dad’s music and it doesn’t define them in the way it defined previous generations. The music has moved in a different direction. And in Jamaica the music has moved away from where most people in the UK would find it relevant to them. Our passion is in selling music… We’ve got to get real.”

This demographic shift is a unique UK phenomenon that I’ll discuss in more detail at another time.
Lots of small specialized labels have disappeared. Larger recording studios too while smaller homemade proliferate but they are only focused on digital formats that can not record bands with traditional instruments. Sometimes there is no place to put a drumkit!

Decades ago, Jamaican music was only known and distributed only in certain countries: Jamaica and its diaspora (GB, USA and Canada ), where there was a scene of shops, labels, distributors and of course artists and bands. Other countries (especially the Caribbean, Europe and Africa) had their little scenes too.

Today everything has changed with regard to access to information. Internet has spread the information and access to music to the last corner of the planet. It does not matter if you live in Tasmania, in Zanzibar or in Greenland to know about the latest artist that appeared a few weeks ago in Jamaica or London, and you can even watch him on Youtube too!

The paradox is that thanks to digital technology (the accessto the Internet), music is better known than ever before, probably more popular than ever worldwide but… never so few records have been sold.

The vinyl production has virtually disappeared in Jamaica! Pressing plants are closing in the once biggest vinyl releasing country in the world.

On a personal level I think is a shame for future generations (post internet) who will not experience the incredible atmosphere of a Reggae record shop on a regular visit: greeting friends in our Reggae reduct, recommending songs, exchanging information and gossip and hearing the latest releases.

A much more organic, authentic, natural, and also more gregarious way of following the music scene. Definitely slower but much more human, more intimate and personal than using the Net. Many times you would meet a famous artist or producer out there distributing their own records (as seen in memorable films like Rockers and The Harder They Come). In London shops I’ve met in different ocassions some luminaries such as Bunny Lee, Niney The Observer, Clive Chin, Frankie Paul, Dennis Brown, Gregory Isaacs, Abyssinians, Michael Rose, David Rodigan, Sean Paul, Luciano, Everton Blender,…

Dub Vendor will continue to sell records, but only online from now on. The store, the physical space where you go to listen and buy records, to socialize and share our musical passion will no longer be there. No doubt, the end of an era.

Primer tópico: “¿Jamaica se ha vuelto lesbiana?”. ¿Pero no habíamos quedado, tan evolucionados como somos desde Europa, que era machista y homófoba hasta lo rancio?. No es sólo que Melanie Walker, Veronica Campbell, Shelly-Ann Frazer y Kerron Stewart, dominen con paso firme el atletismo femenino mundial en velocidad, o que Spice (sí la misma del himno guarro –y ¿machista?- “Ramping Shop”) diga desde el título de su último single que “Dick is the name of my boyfriend” ó que Tiana alardee del sex appeal de su vulva carnosa en “Pum Pum Phat” sobre el riddim del “Summertime” de Kartel. Es que no hay mayor diversión actual en Jamaica, más allá de las apuestas a los caballos en el hipódromo de Caymanas Park de Portmore, que por cierto acababan de robar por enésima vez en su historia cuando me vine; que los Go-Go Clubs, donde los shows lésbicos se exhiben con la misma naturalidad, que por el contrario en la calle se vuelven todo pudorosos, como un censor norteamericano viendo un pezón de Janet Jackson por la MTV.

Que gracia. Pase Ud., dama o caballero por el Palace Royal o cualquier otro de los antros de New Kingston, o por el Godzilla”o el Cristal de Port Antonio, por no hablar del new Las Vegas en que parece estar convirtiéndose Montego Bay, ahora que los hustlers y los beggars parecen haberse desplazado en masa a Negril, para sonrojo del Rick’s Café; y comprobará que quien manda en cuestión de sexo y estilo es siempre la mujer y que la mujer ha perdido el miedo a mostrar públicamente que le gusta o le puede gustar otra mujer (eso sí en sitios autorizados como los Go-Go Clubs). Verá que en esos antros el hombre queda en un segundo plano, y que son las visitantes femeninas quienes pujan a voz y dólar en mano, por llevarse la atención de las strippers más macizas. Fíjese Sr. Turista en quién conduce en mayor número los coches caros y grandes, y saque cuentas, oh! qué sorpresa, sí, son ellas!.

¿De verdad, la sorpresa es tanta?. Lady Saw, Tanya Stephens y un montón de bad-girls más que les siguieron, ya han ido dejando pistas claras desde los 90, de sus preferencias sobre hombres… y mujeres. Los tíos no hablan más que de descripciones gráficas y explícitas de sus actos sexuales en las letras de los himnos dancehall. All a di gals dem/all a di gals dem/Man round a come dice Aidonia a todo trapo en “Summer Sun”, como demostración de esa supuesta sumisión femenina al pene. Pero fíjense (de muestra, una raja de tu falda), lo que dice, la más mala de todas, Lady Saw en su rotundo hit feminista de este año “Wife to Wife”: Mek your liquor spill when mi step inna di place/See who draw nil when mi flig an a drape/mi nah stand still/me a wife/mi nuh mate./An mi nuh pay bills when mi go pon date/A gal fi know she ain’t nutten but a hush/Man drive and park dem like truck/Nah gih dem nutten caw dem always bruk./And when dem see wife, dem waan fi talk up/But tell a gal when she see mi/She fi cut/Fi har job and a fi bend down and duck./No man waan dem, but dem waan play stuck/When wifey come through, all matey shut up.

Dicho en cristiano (que de los vicios del patois ya hablaré en otro capítulo), que como los machos la meten como camiones, una esposa tiene que cotizarse, y ni paga la cuenta en una cita, ni te confundas con una golfa estilosa y con corte de pelo a la última, que esa todos quieren zumbársela, pero en cuanto aparece la esposa de verdad, todos se cagan. Esto da pie a una teoría negada por todos los jamaican male, pero muy verosímil, de que los tíos son tan toscos follando en la isla, que las mujeres han salido hace tiempo del ostracismo (“A gal fi know she ain’t nutten but a hush”) y hartas de estar mal folladas, no solo marcan el paso en el juego del “Papito” tan popular en toda América Central y Latina (“Mi nuh pay bills when mi go pon date”), sino que miran a otras chicas estilosas reivindicándose con clase. Si los machos no les dan lo que buscan, tal vez lo encuentren en otra mujer, pero si tratas de robarle a su macho, te romperán los 32 dientes (dice en otra parte de la letra Lady Saw).

Así que lesbis, tal vez no, pero la bisexualidad femenina es cada vez más evidente en la Isla, digamos lo que digamos desde aquí, y de ahí que ese momento de reafirmación más femenina que masculina que es el daggering (o follar vestido a ritmo de la música), sea cada vez más frecuente entre mujeres en las fiestas Dancehall. Como en España hay cada vez más escena “dancehall” y que casualidad, líderada por mujeres, sería fantástico que Dhq Karmen Cuellar, Lula Longlegs y las demás gyals involucradas desde aquí en el dancehall, aporten su punto de vista sobre lo que estoy contando.

Segundo tópico: ¿el colonialismo musical se terminó con los Rolling Stones?. Pues va a ser que no. Tantos años denunciando el vampirismo musical del rock, y cómo la música blanca ha chupado hasta la médula y en todas sus variantes de la esencia jamaicana. Tanto cabrearse porque el punk, la nueva ola inglesa y el bluebeat de Two Tone, y después el tecno con el dub, se mimetizaran malamente tapando el fulgor de los auténticos protagonistas jamaicanos, hasta acabar diciendo “riggi” por estas tierras y ahora va a resultar que los nuevos colonizadores culturales, no vienen del rock, sino de eso que llaman reggae y hip hop “europeo”  y que no se sabe muy bien que és. Son muchos los “aventureros” europeos que desde hace unos años aterrizan de nuevo en la Isla para apropiarse en su propio beneficio de la plusvalía internacional que supone en el mundo de las tendencias, la marca “made in Jamaica”.  Pero el cuño de esa marca en un artista extranjero no siempre “representa”.

No hablo de dubplates, hablo de producciones. Ponga Ud. un artista italiano o español, que se viene con una pasta para grabar en la Isla. Me da igual si es un riddim para luego explotarlo hasta la saciedad en Europa, o para realizar una grabación propia con artistas y productores locales. Vienen, pagan, se van, y se creen los reyes del mambo. Pero en JA no son nadie, no representan. El caso paradigmático es Alborosie, tan apreciado aquí que cuando viaja allí se cree el mismo “Star Bwoy” que Mavado. Pero allí lo conocen en realidad, cuatro. Los cuatro a los que pagó. Lo mismo pasa con fotógrafos, diseñadores y otros pájaros de visita.

Así que desconfiad de quien os vende aquí producto “original” jamaicano, porque probablemente no sea más que otro colono cultural haciendo negocio. Otra cosa es quien con humildad, se queda, se afinca y se integra en la escena local. Lucas “Goodmanners”, un suizo que lleva 18 años viviendo en Kingston, y 15 años sobreviviendo con su tienda de discos y sello Mixing Lab (a espaldas de Stone Love) es un ejemplo de lo segundo. El neoyorquino Tony Matterhorn y su saga de piques con los cómicos Twins of Twins de la tele jamaicana, también. Es gente que se ha ganado el respeto y reconocimiento local a base de tenacidad e ingenio.

Claro que el canibalismo musical no es sólo patrimonio de europeos advenedizos. En torno al tirón local e internacional de la escena dancehall ha crecido exponencialmente en los 3 ó 4 últimos años, una escena específica en torno a los llamados “Dancehall Mix”, cuya competencia se ha vuelto durísima estos días. Provistos de enormes altavoces sobre ruedas, cientos de vendedores ambulantes, compiten todos los días por las calles de Kingston por vender a precio de saldo (1 ó 2 euros al cambio), eternos mixtapes con cerca de 80 números por cada CD del más reciente dancehall, del que dudosamente artistas o productores originales reciben royalties. Al contrario, incluso algunos artistas colaboran directamente con ellos prestándoles intros, como Bounty Killer con los hiphoperos neoyorquinos Super Tremor Sound.

En este negocio pirata y callejero (“Phone Card, Phone Card, Phone Card/Banana, Banana, Banana Chip…” que diría Specialist en la parodia “Street Hustle”), participan desde veteranos sound y productores como Stone Love y Cash Money a recurrentes como Teacha & Mackerel, Dj “Eva Hype” Kenny, Mark Watson o Stereo King Sound, que ya son nombres de referencia en este sub-género chupóptero, pero práctico para seguirle la pista a tan errática escena discográfica.

Tercer tópico: Shottas y Gunshots. ¿Kingston la ciudad más peligrosa del mundo? Sí vale, ya sabemos todos lo malísimo que dice la policía que es Kartel. O va a ser que una ciudad partida entre el Uptown donde reside la clase media y de negocios y Downtown donde malviven los pobres y marginados fragmentados en Garrisons, al punto que se organizan combates públicos de boxeo entre los pijos y los pobres, y donde quien más quien menos para tratar de sobrevivir a la miseria, acaba empuñando un arma y haciendo “lo que tiene que hacer” si es hombre, o vendiendo su pum pum si es mujer, como salida a la desesperada como modo de vida. Así que igual es que Kartel no es especialmente malo, es que ha tenido éxito popular alardeando de un lifestyle del crimen, del que muchos comen, y en el que unos acaban entre rejas en la GP ó en la Horizon de Spanish Town Road y otros en cambio sobreviven haciendo más o menos fortuna.

La lista de delincuentes populares llega ahora hasta Kartel, pero arranca de los tiempos del legendario Ivanhoe “Rhyging” y los demás “Johnny too Bad” previos a la independencia, sigue por los malísimos de la muerte, Jim Brown y Bucky Marshall, infames rankings de la violencia política en los 60 y 70, y llega a nuestros días, ya con Michael Manley fallecido y Edward Seaga jubilado, hasta el escándalo de la extradición de Dudus Coke, como si hoy día no existieran los One Order y los Clanks Gang como posses especialmente sangrientas, en relevo generacional de los Renkers y los Fourties respectivamente en los 80, Shower Posse aparte.

Nadie se pone de acuerdo en la Isla sobre si Kingston es más violenta hoy que ayer, si es más difícil conseguir una pipa en Portmore o en el Bronx o en Birmigham, pero si que hay que empezar a desdramatizar. En una vida gobernada por el cash, las armas de fuego se usan para robar o ajustar cuentas, pero curiosamente no para asaltar turistas. La población blanca en Kingston es tan ridículamente baja, que como mucho un blanco o parece invisible para el resto de la comunidad (porque lo ignoran) o si te encuentras un beggar especialmente pesado, suele solucionarse con un “nuh cool, man” acompañado de algún “klaat” si la cosa exige más determinación en la negativa.

Así que menos prejuicios para visitar la Isla, para dejar de pensar aquello de “me miran mal porque soy blanco”, menos distanciarse cuando no rechazar lo que no entendemos, y más empaparse de la Isla, sus ritos y costumbres, los compartamos o no porque, ¿realmente creéis que el reggae puede existir sin Jamaica?

Carlos Monty

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Nuestra intención es construir un sound system, un equipo de sonido. Para ello debemos entender qué es el sonido. El sonido es un tipo de energía cinética (movimiento molecular), que en este caso corresponde a las moléculas del aire que nosotros generaremos a través de un altavoz que transforma la energía eléctrica en energía mecánica que provoca ese movimiento molecular, por tanto el sonido. Llamamos sonido a esas frecuencias audibles por el hombre que se suelen situar entre los 20 y 20Khz.

Simplificando el asunto y mirando un poco a lo auténtico y más ortodoxo, podemos definir en nuestro sound system 3 partes: una primera de tratamiento de la señal eléctrica (música), otra segunda parte de amplificación de la señal y otra tercera en la que la señal eléctrica amplificada se transforma en música. Es decir, mezclador/equalizador, amplificadores y altavoces. Aparte no hay que olvidar otras partes importantes como es el cableado y la alimentación eléctrica de nuestro equipo.

La primera parte podríamos definirla como el preamplificador. Sería una mesa de mezclas (por definirlo de alguna manera), donde conectaríamos todo lo necesario o lo que nos apetezca tener durante nuestra sesión, sea platos de vinilo, reproductor de cd’s, sirena, ordenador, efectos, micrófonos… una parte donde tendremos control absoluto sobre todo el sonido, que es lo que le da personalidad al sound system. Poco a poco iremos viendo todos esos diferentes “periféricos” y preamps que hay en el mercado, aparte de recomendaros unos cuantos que podéis hacer vosotros mismos en casa. No todo el mundo usa preamp, por ejemplo, todo un referente en la escena como es King Shiloh, en su última gira funcionaban con un mezclador y luego un crossover, pero como hemos dicho, vamos a ver la forma más clásica de los sound systems de reggae/dub como se viene haciendo desde hace unas décadas en la escena británica.

La salida o salidas de nuestro preamplificador (o crossover, filtro) las conectaremos a las etapas de potencia. Las etapas de potencia son las que amplifican el sonido y hacen que se escuche tan alto. Se han hecho de diferentes formas a lo largo de la historia, iremos viendo algunas. Es importante saber ciertas cosas sobre las etapas de potencia y la forma de conectarlas a los altavoces. Veremos cuales son las mejores, las peores y las más recomendables. Para conseguir nuestro objetivo, son las etapas de sonido las que consumen la energía que alimenta los “gigantes” altavoces así que es básico alimentarlas de forma correcta. Veremos también como hacerlo de forma correcta y segura.

Hay diferentes tipos de cable en el mercado, los hay carísimos. Veremos cuales nos interesan y porqué.

Todos hemos visto las típicas fotos de miles de diferentes sound system con las típicas cajas para subgrave llamadas scoop. También destriparemos ésta tercera y última parte de nuestro sound. Los diferentes tipos de scoop, los diferentes tipos de cajas en general, tipos de maderas para hacerlas, tipos de conos… el tema tiene mucho tomo. La que más trabajo lleva sin duda de las 3 partes que hemos definido. La que más dolores de cabeza dá. La más difícil a la hora de empezar desde cero.

Esperamos seguir creando adictos a este blog. También seguimos insistiendo en que cada uno descubra e invistigue cosas por sí mismo, sin duda es la mejor manera. Como hemos dicho ya, nosotros no somos profesionales. Seguro mucha gente le parece una auténtica locura esta forma de llevar a cabo un equipo de sonido, pero para los que nos gusta el reggae, a los que nos gusta el sound system, no hay nada mejor que una buena sesión en un buen sound system. Repetimos que hay mil formas de hacerlo, no hay nada definido ni escrito en cuanto al sound system, pero por lo que nuestra experiencia nos dice, ésta es la manera de obrar de muchos de los sound systems que vemos por ahí. Cada uno con sus trucos, su personalidad, sus conocimientos… pero con unos cuantos puntos en común que iremos viendo por aquí.

Tampoco hay que dejarse llevar mucho por lo de equipos autoconstruidos. Yo no conozco a nadie que se haya fabricado su sound system al completo. Unos encargan las maderas porque no tienen taller, otros encargan el preamp porque es dificil la electrónica… Si fuesemos estrictos en ello… ni si quiera gente como Jah Tubbys que fabrican y venden etapas de potencia, preamplificadores o cajas de altavoces… serían un sound autoconstruido, pues el tocadiscos lo han comprado, los diferentes lectores de música y cables también,… ¿Ser un sound autoconstruido? Sí, todos lo son. Todo el mundo se preocupa por ésta u otra caja, éste u otro preamp, éstos y otros cables… pero ponerse a fabricar todo…

En nuestra próxima publicación comenzaremos a ver que hace el cerebro de nuestro sound system, el preamp y veremos diferentes tipos que existen para ir viéndolos en profundidad más adelante. Después de este pseudo-índice con prólogo os esperamos hasta la cuarta parte de nuestro blog.

Un saludo a tod@s. Nos vemos en los bailes.

Contenidos del programa:

• Otro ilustre jamaicano nos ha dejado. Recordamos la figura de Barry Llewellyn, miembro original de los Heptones tras su muerte el pasado 23/11.
• Abassi All Stars edita su Dub Conference nº 11.
• Ultimo trabajo de los franceses Jim Murple Memorial editado por Liquidator.
• También desde Francia Hertical congrega a diferentes artistas alrededor de todo un clásico de los 70s: “Know Yourself” de Ernest Wilson.
• Cerramos nuestra novedad del mes: The Bristol Reggae Explosion Vol.2
• Escuchamos diferentes novedades de artistas jamaicanos, entre las cuales estan diversas producciones de Tappa Zukie sobre el ritmo “Natty Dread A Weh She Want”.
• Finalizamos a ritmo de Studio One para presentar la edición en paralelo del trabajo “The Legendary Studio One Records” y el libro de portadas de Lps del productor Clement “Coxsone” Dodd titulado “The Album Cover Art Of Studio One Records”. Ambos publicados por Soul Jazz.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

PLAY IT COOL WITH SOUNDSYSTEM FM!!!

En esta crónica voy a hablar de una de las expresiones culturales mas desconocidas que hay en Jamaica, la forma de lidiar con la muerte.

El parque de los heroes nacionales se encuentra en el camino que va desde el corazon de Downtown hacia Crossroads. Este nombre lo recibió una vez que Jamaica gano su independencia. Anteriormente los ingleses lo utilizaban como hipódromo.

En sus 20 hectareas de terreno se erigen varios monumentos y tumbas de personalidades ilustres.

Entre los monumentos mas representativos estan el que recuerda a los jamaicanos muertos con el uniforme británico en las dos guerras mundiales del siglo anterior. El monumento al lider panafricanista Marcus Garvey, cuyos restos tuvieron que ser repatriados porque murió y fue enterrado en Inglaterra. Al que fuese primer ministro Donald Sangster, al fundador del PNP Norman Manley y a su primo fundador del JLP Alexander Bustamante.

Otro monumento nos recuerda a la unica mujer con el honor de heroe nacional, Nanny la lider del los maroons y al lider de las revueltas de esclavos Samuel Sharpe, en 2002 se comenzó a levantar otro monumento en memoria del Michael Manley.

Los restos de Dennis Brown reposan en este parque también, así como los de la ilustre poetisa Louise Bennet, los ya mencionados Marcus Garvey, Michael y Norman Manley, Paul  Bogle, Samuel Sharpe y el campeón olimpico en velocidad Herb Mackenley.

Pero a parte de estos datos históricos lo que me interesa compartir es la forma en que este pueblo celebra la vida de los difuntos mas que llorar su perdida.

Cuando una persona muere se le lleva a la funeraria para que el cuerpo sea depositado en un ataud, este ataud es trasladado a la casa del difunto durante un periodo de 9 noches para dejar que el alma de la persona tenga tiempo de despedirse de sus allegados antes de pasar a mejor vida. Durante esas 9 noches la música suena sin parar, se organizan partidas de domino y nadie se lamenta ni llora.

Para decir lo que sucede la novena noche voy a compartir mi primera experiencia en un nine nites.

Pregunté a unas amigas que plan había para una noche, me dijeron que iban a un nine nites, como nunca había oido ese termino pregunté que era y me lo explicaron. Lo primero que me vino a la cabeza era que pintaba yo en un acto en memoria de un muerto al que nunca conocí. Me explicaron que en un nine nites todo el mundo es bienvenido y que la familia del difunto invita a la gente a beber ron y tomar sopa, y si se lo pueden permitir quiza un cabrito al curry.

Pensé que debería vestir al menos de forma adecuada y me arregle mas de la cuenta. Cuando fui a recojer a mis amigas salieron de su casa en minifalda y marcando curvas por todas partes. Por supuesto me quedé muy sorprendido y volví a preguntar si era a un acto funerario al que ibamos, porque por la pinta parecía que ibamos a una fiesta de Miss Jamaica o a un gogo club. Me miraban sorprendidas por mis extranyas preguntas.

Asi llegamos al dead yard, así se denomina a la casa donde se encuentra el difunto un dia antes de ser enterrado y celebrar un funeral cristiano en su memoria. Alrededor del dead yard se toca Kumina, una forma ancestral de comunicar al espiritu con la familia del muerto. Pura percusión africana.

El ron se utiliza como elemento de conexion y los ritmos son interpetrados todo la noche de forma obsesiva. Ya un poco fuera de la casa se instala el sound sistem, dancehall en vena para distraer a la numerosa penya que abarrota la estrecha calle donde se celebra el pase a mejor vida de un joven asesinado a balazos 9 días antes. Veo con asombro como un hermano entra en trance y empieza a dar cabezazos tremendos a todo lo que tiene cerca, en pocos momentos aquella ceremonia se convierte en un San Fermín con gente tratando de esquivar los cabezazos del poseido. Debo no estar en mi sano juicio porque el espectáculo me parece apasionante.
Cuando el poseido se calma y la gente vuelve a la normalidad los altavoces vuelve a atronar hasta entrada la madrugada, donde ya se deposita el ataud en un coche funebre para oficiar el posterior funeral y entierro.

Dependiendo de la personalidad del difunto la música en la iglesia es diferente, algunos funerales pasaron a la historia como Bling funerals, en especial el del bailarin Bogle, donde la cerveza y la hierba corrían a raudales y las minifaldas eran la moda del día.

Desde entonces no es que me pase el dia yendo a nine nites, pero desde luego siempre que oyes hablar de uno está divertido pasarse a tomarse un ron y unos porritos. Compartir con la gente la celebración de una vida pasajera y no el lamento de la perdida de un ser querido.

Texto: Fernando García-Guereta

Contenidos del programa:

• Adelantamos una muestra de lo que será el nuevo trabajo de Zion Train, “State Of Mind”.
• Las últimas grabaciones desde Jamaica a cargo de Tune In!.
• Un capítulo mas de Mento Corner con una banda histórica, aún en activo, los Jolly Boys.
• “The Bristol Reggae Explosion Vol.2 – The 80s” sigue siendo nuestra novedad del mes.
• Nuevo single de la saga Dub Conference (nº 10) de los británicos Abassi All Stars.
• Alborosie es el destacado de nuestra agenda semanal.
• Acabamos el programa con alguno de los últimos temas que ha sacado al mercado Christopher Ellis.

Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel y Alex

VIAJA A JAMAICA SIN MOVERTE DE CASA CON SOUNDSYSTEM FM!!!

Contenidos del programa:

• Especial dedicado al boxeador Joe Frazier tras su muerte el pasado 7/11, con alguno de los temas que se publicaron desde Jamaica.
• Leones Humildes vuelven a la carga con nuevas dosis de roots facturado fuera de Jamaica con Dubforce.
• Nuevo 12″ desde Bristol con Dubkasm.
• También desde Bristol, nuestra novedad del mes con “The Bristol Reggae Explosion Vol.2 – The 80s”.
• “Love You More” es el último disco de Sanchez que volvemos a recuperar.
• En la agenda escucharemos a los artistas de dos de los conciertos de esta semana en Barcelona: Gladiators y Million Stylez.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

PEACE, LOVE & REGGAE!!!

Se cuentan por miles los videos que hay en youtube subidos desde todos los sitios del planeta, y todos con un claro objetivo común: Watch mi step (mira mi paso).

Y así es… Nos gusta que otros dancers vean nuestro estilo / swagg / creatividad y que conozcan nuestros pasos y trabajo; por eso hacemos videos para compartirlos en la red y que cualquiera que este interesado los pueda ver.

También es una forma de promoción. Y aquí en Europa el dancehall no es una muúsica popular, pero en Jamaica si. Y es por eso que podemos ver a artistas como Popcaan o Tarrus Riley cocinando en programas como el de Karlos Arguiñano pero en version jamaicana.

O a Usaint Bolt y el equipo olímpico haciendo un anuncio para Puma con Elephant Man…

Y por supuesto también podemos ver a los grupos de baile de moda como Chekkaz trabajar en anuncios de television.

Con esto no estoy tratando de hacer una comparación, por que esto a día de hoy no es ni pensable en Europa, es solo para que veamos un poco como son las cosas en la a veces “desconocida” Jamaica y que grupos como Chekkaz, que comenzaron con videos en youtube con el “watch mi step” y ahora son un grupo conocido por bailar bien y por trabajar duro. Y es que el trabajo duro siempre tiene su recompensa.

Y como de trabajadores del reggae / dancehall trata el asunto, esta vez os dejo con un el top 5 de mi hermano y compañero de sound Jah Williams de Unity sound. ( a parir de ahora no vamos a poner el link de los videos que si no se hace muy larga la pagina… copy/paste pon yuhchube!!!

Jah Williams TOP 5

1. Shabba Ranks – None A Dem
2. Vybz Kartel – Summer Time
3. Tarrus Rilley – Summer Fling
4. Konshens – Forward
5. Vybz Kartel – Go Go Wine

Llegamos al festival la noche del viernes, alrededor de las 11 de la noche. Después de un rápido proceso de acreditación (genial!), entramos al festival. A parte de bastante menos policia y guardia civil en las afueras del recinto, lo que vemos así a primera vista, es mucha más gente, mucho más público que el año pasado. Avanzamos rápido para encontrar la zona de Dub Station. Las vibraciones nos hacen llegar rápido al lugar. El equipo de Blackboard Jungle estaba todavía calentando y Nico y Mc Oliva estaban ya haciendo bailar al personal. Nos adentramos y tras un largo proceso de saludos y reencuentros varios nos acercamos a Carlos de Thunda Clap para ver que tal fué la noche anterior. Nos comenta con cara satisfecha que estuvieron toda la noche haciendo rondas de una hora cada sound, Blackboard Jungle, Reality Souljahs y Thunda Clap. Casi toda la noche puro y exclusivo vinilo de roots and culture. Algo que cada día cuesta más ver por este mundillo y que realmente se agradece. Lo que no quita lugar para que suenen tambien los dubplates, acetatos y producciones exclusivas…, sin duda debimos perdernos una gran noche…

Después de volver a dar un paseo de reconocimiento por el recinto, volvemos por Dub Station. Este año está bastante mejor situado que el año pasado, menos rodeado de otros escenarios. Blackboard Jungle ha hecho un circulo con su equipo, formado por 4 potentes stacks. Un domo preside el “Circus”, dentro del cual la presión de subgrave a lo largo de la noche es impresionante. Hay una carpa pequeña entre dos de los stacks donde está la torre de control, con el plato, las etapas y todo lo necesario… El suelo es de asfalto, que al final la arena del año pasado era un poco incomoda, por lo que no hay nada de polvo y a lo largo de la noche el aire fresquito hace una noche de lo más agradable. Podemos ver muchisima más gente en la zona si lo comparamos con el año pasado, mucho más publico y muchos más artistas disfrutando del festival. Sevi nos presenta a Adrian Serwood y la verdad fué un placer conocerle aunque no llegamos a intercambiar muchas palabras con él…

Reality Souljahs está a los mandos de la nave. Ya pasamos las doce de la noche. Y la selección es exclusivamente en cd y de los más variada. Producciones actuales de la escena de dub británica, su “megaclásico” del año pasado “Jah Pon Mi Mind”, sobre el Rise and Shine de Bunny Wailer o algunos dubplates muy exclusivos como algo que pudimos oir de Phil Inspector. Pasando por viejos conocidos como Kinta Kinte o Katchafire… Al final, y yo creo que viendo la que se venía encima pincharon un remix del “Wicked Haffi Run” de OBF y algún tema más “cañero”.

Algo después de las 2 y media y con el lugar de nuevo a tope (Shaggy ya había terminado), Bush Chemist “sube” a la tarima de Dub Station. Chazzbo toma los controles y comienza una selección de puro roots and culture. “Daniel” de Prince Alla, “I Love Marihuana” de Linval Thompson… la selección es genial, pero son temas que nos gustaría ver sonar en vinilo. Comentamos la jugada con la gente por allí y no somos los unicos extrañados. Lo importante es la seleccion y el saber, pero somos demasido viniloadictos. Sono el “Babylon” de Jah Shaka versión dubplate, y eso si que entendemos que sea puesto desde un cd. A pesar de los esfuerzos de Culture Freeman el público permanece bastante frio toda la noche, cuesta sacarle un fordward, ruido, manos en el aire… aunque tampoco la gente está quieta. Todo el mundo está bailando y pasando una gran noche. Una botella de litro y medio de agua a un euro y medio, es una de las mejores cosas que tiene este año el festival. Llega un momento que uno y su bolsillo se saturan de Rotocola y derivados.

La selección de Chazzbo va terminado y Douguie empiza a tomar controles en el “saco” de cd´s, ha estado todo el rato a los controles del preamp y disfrutando de la selección de su compañero. Podemos oir muchas cosas conocidas, por el estudio de Bush Chemist pasan casi todos los artistas de la escena para llevarselo de allí mezclado. Comenzó a sonar entre otras cosas el último lanzamiento de Jah Warrior, un tema que nos ha tenido muy enganchados ultimamente, fué un gran momento de la noche. Reality Souljahs permanecía en el lugar y se intercalaban al micro con Culture Freeman. La seleccion se fué poniendo dura y Chazzbo empezó a darle a la melódica en casi todos los dubs que Douguie lanzaba. Bush Chemist en estado puro.

Eran las 5 y media y se veía que quedaba para rato pero servidor no podía más. Se fué a dormir con un gran sabor de boca de la primera noche de Dub Station. Hoy Lone Ark y Adrian Sherwood entre otras muchas cosas.

El Sabado 20 de Agosto era el turno de Webcam Hi-Fi y On-U Sound. Los franceses se presentaron con una selección de remixes y producciones propias. Desde un stack preparado con todo lo necesario, Fredread controlaba las pistas que lanzaba desde el ordenador y Ras Martin con el saxofón hizo un magnifico set. Pudimos ver que una chica con gran talento les acompañaba en algunos temas al microfono. Un gran set en el que pudimos oir remixes de los clasicos “No No No” y “Shine Eye Gal” de Mikal Rose y Shabba. A parte de todas las magníficas producciones de esta crew francesa. El set de Blackboard Jungle fué una constante de puro roots, Sylford Walker, Horace Andy o Junior Reid hicieron encender el massive. Con Adrian Sherwood en los controles pudimos oir en la primera hora un gran set de roots, clásicos y dubplates. El cansancio nos hizo irnos pronto, pero por lo visto derivó en un set de musicas actuales, suponemos del trabajo que Adrian hace hoy en día.

El 21 de Agosto era una gran cita, nuestros hermanos de Leones hacían el warm-up del mítico Jah Observer. Blackboard Jungle abrió la noche con un set de roots de lo más variado. Desde el “Battle Of Adowa” de Ras Ibi, al “Haffi Fit” de los Uhuru. Leones comenzaron a lo grande, rindiendo tributo al mitico soundman que tomaría los controles más tarde. Lio y Dani eran la representación de la crew. Lio se marcó una magnifica seleccion de roots, como siempre suele hacer. Personalmente, de Jah Observer esperabamos ver una seleccion de puro y duro roots, y lo fué. Puedo recordar un dubplate de Dennis Brown al final de la noche que hizo que se me cayera la baba. Y algunos remixes que me hicieron extrañar un poco, como Cher en el “Declaration of Rights” y algunas remezclas y ya no sabemos si dubplates de soul, que a servidor le quedan muy lejos. La selección completa en vinilo dice mucho de este grande, que entre otros nos hizo escuchar temazos como “Rasta Business”, “Love Jah”, “World Rebellion”… La selección en un primer momento me dejó un sabor agridulce que posteriormente pasó a ser de un dulce intensisimo. Hay que pararse a escuchar el mensaje de la música. Este hombre sabe lo que hace. Ha sido genial poder verle (y además por primera vez para nosotros) en Rototom.

El lunes 22 de Agosto era otra gran noche, y puede que haya sido una de las noches en las que el numeroso público que este año había en Dub Station haya estado más animado, y es que diez días de festival pasan factura. OBF, StandHigh & Puppajim son un gran plato para una gran noche. Blackboard Jungle abría Dub Station, pero a medianoche Rico y Guyhom tomaban los controles. Empezaron con un grandisimo set de dubplates sobre producciones de la casa, “tirando” hacia los 80. King Kong o Wayne Smith pusieron “patas arriba Dub Station“. Después de un set brutal y con mucha energía pasaron a ponerse todavía más duros con sus producciones más digitales. Grandes remixes de Shanti D y de su “Wicked Haffi Run” volvieron más caliente todavía la noche de Benicassim en Dub Station. Stand High y Puppa Jim hicieron también un buen set de producciones de la casa y el buen trabajo al micro entretuvieron toda la noche al numeroso público suizo y francés que hemos visto este año. Los 3 sound se turnaron toda la noche, y al final Blackboard Jungle nos dejó impresionados con un gran dubplate de Maxi Priest.

Martes 23 de Agosto y seguiamos queriendo Dub Station. Unitone es el sello de Rueben Addis, el cual se presentó en Benicassim e hizo un set brutal de sus propias producciones. Nos han encantado los dos discos que ha publicado recientemente Ras Teo, del cual Rueben es responsable en la mayoría de los riddims. Así que ademas de clásicos del sello, Rueben nos regaló algunos dubplates de dichos discos y producciones antiguas y futuras de Unitone. Aba Shanti apareció con una maleta de cd´s lo que en principio no nos gusta mucho, nos gusta que venga la gente de fuera con sus colecciones. Comenzó la noche con una selección muy fina, a pesar de poner 7 temas seguidos de Bob Marley. Jay Tees “Forward To Jah”, Horace Andy “Every Tongue Shall Tell”, Dennis Brown “Why Fools” y otro gran puñado de clásicos y otros no tan clásicos más desconocidos del que servidor desconocía. Rindió tributo a Blackboard Jungle poniendo el temazo “Conquering Lion” de Mo´Kalamity que aparece en “Musical Raid”, el último lanzamiento en cd de los franceses. Y acabó la noche como suelen acabar las sesiones de Aba Shanti. De una forma completamente hipnótica.

El miércoles 24 de Agosto era el día que nos tocaba abrir. Un poquito de temazos en vinilo y a hacer sonar reggae del bueno, del que se hace por aquí y no tan por aquí. Al igual que hicieran más tarde Musical Riot, promotores de Rototom Dub Station junto a Caravelle Prods. Iration Steppas ya habían avisado los días anteriores en su sesión en el Sunbeach, que harían algo muy gordo en Dub Station y lo hicieron. Mark comenzó a hacer una sesion de roots con cds hasta que pasado un rato, Macky Banton y YT empezaron a levantar al público con una gran demostración de estilo al microfono. Simplemente genial!

El jueves 25 prometía otra gran noche, para variar. Era la última noche con representación española en Dub Station. No teniamos bateria así que no pudimos hacer muchos apuntes. Abrieron Lion Youth desde Suiza. Un set con mucha energía y muchos discos en vinilo. Recordamos que pincharon el “Backattack” de Abacush, que gran momento! Sin duda un muy buen saber hacer. A las 12 comenzaba el esperado Dub Conference. Ambassah pillaba el micro y Rober comenzaba con la selecciones de la casa, había mucho que poner… A-Lone, Pirates Choice, Dreadrive, Crucial Ruler, Roots&Fyah… Genious se hacía un hueco en su apretada agenda Rototomiana y aparecía en Dub Station para hacer mezclas en directo junto a Rober, en la mesa de mezclas. Sonaban producciones de la casa y Ranking Forrest acompañaba al micro al igual que Dubby Ambassah en las percusiones. Momentazo fué cuando como volviendo 3 decadas atrás a jamaica, pudimos oir como se mezclaba en directo el mítico “Firehouse Rock”, entre otros grandes clásicos. Un show espectacular que dejó a todos con ganas de más. A las 3 de la mañana Dj Stryda y Solo Banton se apoderaban de la tarima. La primera hora basicamente fué una selección que nos gustó bastante. Podemos destacar mucho temas, pero como él mismo hizo, quiso resaltar a Sizzla, pues los rumores de su muerte corren vía internet de los más rapido. Solo se cantó muchos de sus temas y el público lo agradeció. Y presentó algunos otros de los futuros lanzamientos. Otra de las grandes noches, sin duda, de Rototom Dub Station 2011

Del viernes 26 y sábado 27 no os vamos a contar mucho. La sesión de Dub Livity el viernes fué impresionante, al igual que la de Channel 1. Quizá, bajo nuestro punto de vista, incluso un poco desmerecidas por un público impasible, el cansancio se nota en el ambiente. El sábado no aparecimos por Dub Station hasta que no terminaron los conciertos del Main Stage. Un par de temas de King Alpha y OBF entró de nuevo en acción, esta vez mucho más contundentes si cabe. Dub Station se cerró con un tune fi tune brutal entre los 3 sounds (King Alpha, OBF y Blackboard Jungle) ante los insistentes gritos de “One More” de la Massive.

Como ya os avisabamos al principio, probablemente esto sea algo demasiado subjetivo y quizá hablando con otra persona se compartan otras impresiones. Pero lo que si es cierto, es que las sesiones han terminado todas este año un poco más tarde de las seis, así que hemos echado mucho de menos ver el sol algun día bailando. Lo que no se puede negar es que este año Dub Station ha salido genial y todos nos vamos contentos de allí. Se ha escuchado muy buena musica y el sound de Blackboard Jungle ha sonado muy bien en todo momento.El área dedicada a este espacio podemos decir que se quedó pequeña. Es decir un gran trabajo de Musical Riot, Caravelle y todos los artistas que han pasado por alli estos días, que son los que hacen que la escena en nuestro país siga creciendo. Cada año somos más los adictos a la buenas vibraciones del sound system.

Contenidos del programa:

• Empezamos con un mensaje de ánimo para Winston Riley tras el intento de asesinato ocurrido el pasado 1/11.
• Estrenamos novedad del mes: “The Bristol Reggae Explosion Vol.2 – The 80′s” que edita Bristol Archive Records.
• Rankin’ Rick nos trae un nuevo capítulo de su programa What’s Going On, en esta ocasión dedicado al año 2003.
• Excepcionalmente trasladamos a esta emisión Dem Nuh Easy devido a la festividad del pasado martes.
• Escuchamos uno de los temas incluido en el nuevo 7″ de Kinky Coo Coo’s “Tons Of Fun”.
• En nuestra agenda escuchamos a Skatalites y a Gramophone All Stars.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls: Rankin’ Rick y Manel

MAKE A TRIP TO JAMAICA WITH SOUNDSYSTEM FM!!!

Iniciamos la andadura en los Reggae-Blogs de la ACR con la intención de abrir un frente más en el conocimiento del Reggae y sus subgéneros y lo haremos desde el punto de vista de quienes manejamos los controles.

Me presento:

Empecé en el reggae pues como tod@s. Escuchando. Pero más o menos con 16 años empecé a tocar la guitarra. En 1992, si no recuerdo mal, fundamos Akatz.

Poco a poco empecé a interesarme por los botones, en gran medida influenciado por mi carrera de ingeniería, así que empecé a ver el lado técnico de la música. Colaboré con Ambassadors a finales de los noventa y más tarde con Roberto Sánchez (Por cierto, la idea es que de vez en cuando colabore en este blog).

Así pues, después de pulular de aquí para allá sin estudio propio (incluidos dos años en Italia), en 2003 me instalo en el bilbaino barrio de Bolueta, y poco a poco comienzo a especializarme en mastering. Sin darnos cuenta, resulta que entre Rober y yo hemos creado un sistema de trabajo que nos da muy buenos resultados. Él produce a grupos, grabando y mezclando, y yo masterizo.

Otra cosa antes de empezar:

A la pregunta de “¿Ya sabes para que son todos esos botones?” Responderemos que sí. Y a la pregunta de “¿Y ya los mueves todos?” Responderemos que si también.

Bueno, todos menos uno. El rojo y grande, que es el de la destrucción total. Así que ya sabéis. Los técnicos tenemos el control, no nos hagáis enfadar!!! Aunque la verdad es que en las Jam Sessions no tanto…

Bueno… Intentaré escribir con un lenguaje poco técnico porque la intención es contar cosas básicas para los aficionados al Reggae que sin tener conocimientos técnicos de audio se preguntan cosas acerca de nuestro trabajo, anécdotas…

Pues para ir calentando,  podemos hablar sobre cómo son los estudios de grabación:

En primer lugar a destacar, la sala de control.

Aquí tenemos las máquinas. La mesa, los previos, compresores, efectos… todos de la manita y de buen rollo. Son nuestros juguetes junto con los monitores, que es como les llamamos a los altavoces, y el sistema de grabación, ya sea un DAW (Digital audio workstation) o un grabador de bobina.

Después, está o están las salas de grabación, que es donde metemos a los músicos que se portan mal y fuman demasiado. Al batería además lo solemos meter en una sala con ratas, culebras y tarántulas. Que pesados son por dios! No se están callados un segundo. Bueno, volviendo a la realidad, es normal tener varias salas de grabación con diferentes acústicas y que nos permiten aislar los sonidos entre sí. Esta es la sala principal de mi estudio.

Todas estas salas se interconectan entre sí mediante un sistema de cableado que permite tanto enviar sonido hacia la sala de control, como desde ella.

Así se consigue que los músicos puedan escuchar tanto lo que están grabando ellos, como lo que están grabando simultáneamente otros músicos en otras salas y como lo que ya está grabado incluso de otra sesión. Todo el mundo escucha a todo el mundo mediante auriculares, pero de una forma controlada, para que el sonido de una cosa no se cuele por el micro de otra cosa.

Bueno, ya iremos profundizando más en posteriores artículos.

Si queréis saber más de nosotros, podéis visitarnos en: www.euridia.net

Es lamentable que así ocurra, pero lo cierto es que, salvando gestas épicas y plusmarcas mundiales obtenidas por su inagotable cantera de atletas y velocistas (Usain Bolt, Veronica Campbell, Asafa Powell, Merlene Ottey, Donovan Bailey, Shelly-Ann Fraser, Don Quarrie, Lindford Christie…), Jamaica sólo salta del olvido más flagrante -dicen que el peor de los desprecios- a la primera plana mediática cuando se producen estallidos de violencia como los ocasionados en la circunscripción de Tivoli Gardens, al Oeste de Kingston, por la reciente petición de extradición a EE.UU. para juzgar al don dadda Christopher “Dudus” Coke. Cabe preguntarse entonces, ¿dicha violencia se produce en episodios ocasionales o la propia isla se encuentra inmersa en un ciclo de violencia que se recrudece por momentos? ¿Cómo se explica que dicha petición haya generado un revuelo semejante, con manifestaciones vecinales expresándose a favor de Dudus, reproches e insultos graves entre políticos de idéntico signo (JLP), tiroteos por parte de las fuerzas del orden y numerosos artistas más o menos reconocidos componiendo temas acerca de los sucesos y a favor de la paz?

Siendo fieles a los acontecimientos históricos, ya los indígenas arahuacos -arawaks- taínos que poblaban, junto a siboneys -probablemente los pobladores originarios del Caribe, de naturaleza cazadora-recolectora- y caribes/galibis -pueblo nómada guerrero del Norte de Sudamérica que ya hostigaba a las poblaciones arahuacanas invadiendo territorios y esclavizando a mujeres y niños-, las Antillas Mayores, tuvieron que sufrir en carne propia la agresividad de los conquistadores españoles, quienes en 1494 irrumpieron en Xaymaca -la tierra del agua y la madera en lengua indígena- con la firme voluntad de “subyugarlos a todos y hacerles hacer lo que quisiéramos” (Cristóbal Colón dixit). Los arahuacos eran básicamente una sociedad indígena perfectamente jerarquizada -ordenada de manera vertical por dinastías matrilineales hereditarias de caciques polígamos- cuya economía se sustentaba en el cultivo de raíz de yuca y batata en conucos y maíz a través del sistema de roza, la pesca, el comercio y, ocasionalmente, la caza de aves, roedores y reptiles con rudimentarios arcos y flechas. Bien, pues la primera expedición en busca obsesiva -e infructífera- de oro de los colonizadores españoles, que portaban infecciones y enfermedades epidérmicas como la viruela ante las que los taíno-arawaks no estaban inmunizados y la percepción de estos últimos como potenciales esclavos, originó una auténtica masacre que minó la población de taíno-arawaks y caribes desde los dos o tres millones hasta su práctica extinción –aún quedan reductos poblacionales que tratan de hacer perdurar esta cultura indígena-. Varios miles de ellos tuvieron que huir y refugiarse en las montañas azules, mientras otros se mezclaron con españoles, dando lugar a descendencia mestiza.

El dominio y los privilegios de explotación en exclusividad de los conquistadores españoles, que sometieron y despreciaron a los pobladores originarios, destruyendo su producción cultural, haciendo desaparecer sus lenguas y vulnerando su soberanía, se mantuvo inalterado durante siglo y medio hasta que la rivalidad por el jugoso dominio del comercio en las indias occidentales motivó un conflicto bélico en 1655. Dicha guerra fue librada entre el imperio hispánico de Carlos V y la delegación de la Commonwealth inglesa encabezada por el almirante Sir William Penn y el teniente coronel Robert Venables, quienes arrebatarían Jamaica a los en torno a 1.500 hombres que regentaban la isla entonces bajo el mandato del gobernador español Cristóbal de Isasi, levantando en señal de conquista el fuerte Point Cagway, Port Royal en la actualidad.

En sus dos primeros siglos de supremacía en la isla, los ingleses fueron capaces de producir y exportar ingentes cantidades de caña de azúcar sirviéndose de la explotación de la mano de obra barata que representaban los indígenas que habían resistido al genocidio español y los esclavos exportados en naves desde África. Algunos de ellos, conocidos como negros cimarrones -maroons-, consiguieron rebelarse contra los opresores ingleses, fugándose y estableciéndose en palenques, comunidades de diversas etnias africanas en alianza, de naturaleza igualitaria en el reparto del trabajo y el alimento, que se defendían de los ataques ingleses con formaciones de guerrillas armadas de hachas, espadas y cuchillos y fuertes de palizas con la finalidad de proteger sus establecimientos. Pese a la existencia de dichos núcleos de resistencia integrados por africanos en la diáspora, los ingleses aprovecharon su dominio para realizar un reparto de la mayor parte del territorio jamaicano, la llamada Jamaica colonial, en haciendas -pens-, cada una de las cuales constaba de una vivienda unifamiliar que conservaba el estilo arquitectónico inglés y de una apreciable porción de terreno, empleada generalmente en pastos para mantener al ganado o en cultivos de caña de azúcar destinados a satisfacer la creciente demanda europea. Dichas haciendas eran bautizadas con el nombre de la familia británica a la cual pertenecían. Así, por ejemplo, la hacienda del almirante Nelson se denominó Almiral Pen o la parcela de treinta y tres acres de territorio cultivable del inmigrante irlandés James Trench recibió el nombre de Trench Pen, más conocido -tras su adquisición pública en 1930- por Trenchtown, el vecindario célebre por haber reunido a lo más granado del talento musical jamaicano (Alton Ellis, Joe Higgs, The Wailing Souls, The Wailers o The Heptones, entre otros) y separado de la barriada de Back O´Wall -Tivoli Gardens en la actualidad- por Boy´s Town y el cementerio de May Pen, el más antiguo de los cementerios públicos jamaicanos vigentes.

Como es habitual en toda la historia del sometimiento del pueblo negro -y la de Jamaica no es una excepción a la norma-, el régimen colonial inglés que rigió la isla durante aproximadamente tres siglos y hasta su independencia -lograda en 1962-, impuso sus condiciones y se preocupó muy mucho de perpetuarse en el poder y de negar el emponderamiento de la población autóctona jamaicana a través de mecanismos como exigir el pago de un diezmo para ejercer el derecho al voto -tasa que únicamente se podía costearse la clase inglesa dominante- o fusionar Kingston y Saint Andrew –donde habitaban las clases acomodadas- en una sola circunscripción, como ocurrió en 1923.

Cabe señalar como la naturaleza corrupta del voto cautivo que se perpetúa hasta nuestros días y que se encuentra íntimamente vinculada a la violencia latente en la isla, se remonta a tiempos del alcalde mestizo H.A.L. Simpson, que en su primer mandato (1912-1926) ya canjeaba votos a cambio de empleos y otra clase de beneficios sociales tejiendo su red con empresarios cementeros y bananeros, hasta que las revueltas sociales sacuden la isla en 1938 y son saldadas de nuevo con tiroteos por parte de las autoridades. De dichas huelgas en persecución de mejoras laborales, aflorarían dos figuras esenciales para entender la dualidad sociopolítica existente en Jamaica y las sucesivas oleadas de violencia. Norman W. Manley y Alexander Bustamante. El intelectual Manley sería el promotor en 1938 del socialdemócrata PNP (People´s National Party), partido político que clamaba por una modificación constitucional que garantizara el sufragio universal –lo cual lograron de manera parcial en 1944- y el autogobierno de Jamaica.

Unos años más tarde, Bustamante, primo hermano de Manley, se escinde fundando el partido conservador JLP (Jamaica Labour Party) y su brazo sindical, el personalista BITU (Bustamante Industrial Trade Union). En la época, Bustamante se encargaba de extorsionar a los trabajadores acaparando contratos, empleando a maleantes, vándalos y pandilleros y erigiéndose en gobernador en la sombra y en un don de facto. En 1944 es elegido primer ministro y comienza a trasladar a la práctica el sistema de las “circunscripciones guarnición”: feudos electorales controlados en su práctica totalidad por un solo partido al haber sido asignadas las viviendas de dicha barriada a partidarios del mismo. Alojamiento y empleo a cambio de fidelidad absoluta simbolizada a través de un simple voto. Una retribución aparentemente justa. Una práctica que se extendió también en el gobierno posterior del PNP de Manley y que ha sido constante independientemente del signo del partido en el poder. Así Manley, quien siempre había gozado de las simpatías de la comunidad rasta, se preocupa en 1972, una vez con el bastón de mando en su poder, en concederles viviendas sociales que mejorasen las condiciones degradantes que sufrían en Back O´Wall -insalubridad, carencia de infraestructuras de drenaje, desatención sanitaria…-, a donde habían ido a parar tras ser desalojadas por la fuerza de su asentamiento original en la comunidad de Pinnacle, en una zona de labranza próxima a Sligoville. Para ambos partidos, hacerse con la circunscripción del Oeste de Kingston ha sido primordial en una lógica de tribalismo político en que el reparto electoral de barrios se producía en función de los privilegios sociales que obtuvieran los potenciales votantes de cada una de las siglas políticas. Así, ambos han situado a sus candidatos más reconocidos a nivel social y amedrentado con sus bandas de rude boys dirigidos por “area leader” del calibre de Claudius “Claudie” Massop (JLP) o Aston “Bucky” Marshall (PNP). La archiconocida estrategia del palo y la zanahoria.

“Claudie” Massop fue probablemente el primer don que gozó del respeto generalizado en lo que posteriormente terminaría por denominarse Tivoli Gardens. Prueba de ello es que en la actualidad se conserva un mural pintado en su honor y del que sería su “sucesor en el cargo”, Lester “Jim Brown” Coke. Carismático y con facilidad de palabra, Massop, compañero de pupitre de Bob Marley, podía volverse ciertamente peligroso si se encontraba enojado –contaba, entre sus “méritos de guerra”, con varios cargos de asesinatos, tentativas de asesinatos, perjurio y robos a mano armada-. Formado en la escuela de la calle como criminal y narcotraficante a pequeña escala –mercadeo minorista de marihuana-, él fue el primero en liderar a la infame banda criminal que posteriormente terminaría por denominarse Shower Posse durante más de un decenio y hasta su asesinato (1967-1979). Mantuvo una dura y violenta pugna con Spangler Posse, la banda rival liderada por el don del PNP, Donald “Zeeks” Phipps -actualmente en prisión-, por detentar el control del tráfico de narcóticos (cocaína, marihuana, crack), ejerciendo de intermediarios entre los productores sudamericanos y los consumidores europeos y norteamericanos. Mantuvo su dominio en el área hasta que el 4 de Febrero de 1979 sufrió una encerrona cuando regresaba de un partido de fútbol que disputaba Tivoli Gardens FC en Spanish Town, siendo acribillado a balazos –hasta 40 disparos testifican los medios de la época- por la policía junto a Alphonso Trevor Tinson y Lloyd Frazer.

Con la llegada de la década de los ochenta el consumo de estupefacientes en el mundo se dispara exponencialmente y con él se asienta y reafirma el poder de los dones en cada una de las circunscripciones guarnición de la capital jamaicana. Las elecciones a primer ministro de 1980, que colocan a Edward Seaga (JLP) en el sillón de mando, se recuerdan como las más sangrientas que ha vivido la isla, al saldarse con unos 800 fallecidos en el fuego cruzado entre bandas de signo opuesto. Los políticos desatienden a la gente pobre, que se entrega en cuerpo y alma a los dones, al tiempo que el gobierno delega en ellos sabedores de la trascendencia que tienen sus votos para perpetuarse en el poder. En la circunscripción de Tivoli Gardens es el contratista Lester Lloyd Coke, “el protector de los pobres de Kingston” en palabras pronunciadas por Edward Seaga en su funeral, quien toma el testigo de “Claudie” Massop y su lugarteniente Carl “Byah” Mitchell –fallecido como resultado de una sobredosis- como don dadda. Adopta el apodo de Jim Brown en señal de homenaje el célebre jugador de fútbol americano y es bajo su tutela –y la de su fiel aliado Vivian “Dave” Blake, delegado de la empresa en Brooklyn, donde se había instalado tras viajar en 1973 con un equipo de cricket- cuando la Shower Posse extiende definitivamente sus tentáculos a otras naciones con la cooperación necesaria de los “yardies”, emigrantes jamaicanos que hacían las veces de minoristas para la distribución de cocaína, marihuana y armamento. A ambos líderes de la Shower Posse se les atribuye la nada desdeñable cifra de 1.400 asesinatos relacionados directa o indirectamente con el tráfico de drogas. Sobre el nombre de la banda criminal circulan varias teorías: hay quienes lo atribuyen a un discurso pronunciado por Edward Seaga en la campaña electoral de 1980 en la que se prometían “duchas de bendiciones” y quienes lo achacan –como parece más probable- a las prácticas criminales de la banda y sus “ráfagas de balazos”. En cualquier caso, ¿por qué nadie osaba denunciar públicamente a la banda?

La respuesta a porque sus asesinatos y malas artes eran silenciadas por el pueblo, la podemos encontrar en que con el dinero que la banda obtenía del narcotráfico se subvencionaban servicios básicos para la población como la alimentación o la educación. Es por ello que a los don daddas no puede considerárseles exclusivamente como meros narcotraficantes al uso exclusivamente orientados al lucro personal -como divulgan buena parte de los medios de comunicación-, pero tampoco como unos justicieros “Robin Hood” que redistribuyen la riqueza supliendo la carencias estatales al proveer entre la población servicios y atenciones sociales esenciales. Quizá se trate de un término intermedio: agentes que, mal que bien –no olvidemos que Kingston está considerada una de las ciudades del mundo donde se produce un mayor índice de asesinatos-, mantienen el orden en un determinado área –las mencionadas “circunscripciones guarnición”- haciendo imperar un respeto impuesto a base de infundir miedo con la connivencia de políticos, que se ven beneficiados indirectamente al granjearles el apoyo –traducido en términos electorales- y la simpatía de personas que, en una situación de desagravio social, reciben del don de turno una “pensión” que les facilita la obtención de alimento, el acceso al sistema sanitario y el pago de una escuela para sus hijos.

A comienzos de los noventa, Estados Unidos solicita la extradición de Jim Brown para ser juzgado allí por asesinato y tráfico de drogas, pero esta orden no llega a materializarse jamás. Apenas unas jornadas antes de llevarse a cabo, Jim Brown fallece pasto de las llamas en su celda de Kingston en sospechosas circunstancias -emplearon casi dos horas en trasladarle a un hospital que se encuentra apenas a unos minutos de la prisión-, en idéntica fecha en la que se celebra el entierro de su primogénito Mark Anthony “Jah T” Coke, muerto apenas unos días antes como consecuencia de un disparo mientras conducía su motocicleta por Maxfield Avenue, víctima -presuntamente- de un ajuste de cuentas por parte de narcotraficantes de bandas rivales. En estas extrañas circunstancias -que no esclarecen quien se encontraba tras la muerte de su padre-, es Michael Christopher Coke quien asume el liderazgo de la Shower Posse y, por ende, de la “república independiente” de Tivoli Gardens. Christopher, que adopta el apelativo de Dudus, Shortman o President, es, al igual que su progenitor, empresario. Controla de forma legal dos grandes negocios: por un lado, Incomparable Enterprise Limited, empresa inmobiliaria a quien el gobierno jamaicano de Bruce Golding (elegido precisamente en la circunscripción en la que se ha originado el conflicto) asigna en 2009 contratos millonarios para la reconstrucción de las viviendas de Tivoli Gardens y, por otro, Presidential Click Entertainment Promotions, responsable de eventos dancehall como las sesiones semanales de los Miércoles “Passa Passa” o las anuales “Champions in Action” o “West Kingston Jamboree”, siendo esta última donde los cantantes Mavado y Vybz Kartel sellan la paz de una polémica -Gully vs Gaza- que tenía a la isla en vilo. En principio, estos serían los negocios legales de Dudus, pero entonces cabe preguntarse, ¿en base a qué se solicitó en 2009 su extradición a Estados Unidos?

Según la acusación sellada en Estados Unidos, se le imputa presuntamente –cito textual- “la violación de la legislación estadounidense de narcóticos de forma intencionada, deliberada y conspirada desde al menos 1994 hasta Octubre de 2007”, citando cantidades que alcanzan como mínimo “1.000 kilogramos de marihuana” y “5 kilogramos de cocaína”. La acusación añade que Dudus se encargaba de controlar Tivoli Gardens, “un vecindario con barricadas protegido por hombres armados a quien Dudus proveía armas de fuego importadas de manera ilegal a través de un muelle situado próximo a Tivoli Gardens”. De dicha acusación podrían surgir varios interrogantes. Si se tiene constancia de que se llevan cometiendo dichos delitos desde 1994, ¿por qué no se denunciaron estos hechos con anterioridad? Si el gobierno estadounidense no hubiera emitido -a través de su fiscal- la orden de extradición, ¿hubiera seguido tolerando el gobierno jamaicano de Bruce Golding el férreo control que Dudus ejercía en Tivoli Gardens sin intervenir y manteniéndose al margen? ¿Existe alguien con voluntad real de poner fin al tribalismo político que rige en Jamaica, solucionando los problemas de base que acucian a los actuales habitantes de las denominadas circunscripciones guarnición? ¿Hasta cuándo tendrá que tolerar la población jamaicana la carencia de servicios básicos como los que proveen los don daddas y mirar hacia otro lado cuando se produzcan situaciones de extrema violencia entre bandas de signo contrario o entre policías y bandas?

Publicado originalmente en la revista ALB núm 98 (www.alittlebeat.com)

Leo en los comentarios referencias a “aprender”… como si esto fuese un curso académico! No soy ningún profesor. Tampoco soy uno de esos  músicos con una perspectiva limitada por mi profesión ( de hecho ni he estudiado teoría musical ni tan siquiera se  leer música ) y diferente de cualquier otro oyente. Como ya dije ante todo me sigo considerando un fan de la música.

En mi primera entrada quiero rendir un pequeño homenaje a las tiendas de Reggae, lugares donde he pasado miles de horas y lo que significan para mí.

Hace unas semanas cerró, 35 años después de su inaguración, Dub Vendor, la tienda de Reggae más emblemática de Londres. Para mí es un día triste que refleja una desoladora realidad y el fin de una era.

Empecé a comprar discos en Dub Vendor a principios de los años 80 por correo desde Bilbao. Eran mis tiempos de estudiante y de escaso conocimiento sobre el Reggae pero con una inagotable ilusión por conseguir discos originales, escucharlos sin parar y aprender. Años más tarde, cuando vine a Londres por primera vez en 1985 no tenía ningún interés en visitar el Big Ben o el Palacio de Buckingham. Las tiendas de discos de Reggae eran la verdadera Meca para mí! Y Dub Vendor el sítio que más quería visitar.

Por entonces Dub Vendor tenía 2 tiendas. En la de Ladbroke Grove – la tienda pequeña original debajo de las vías del tren – experimenté lo que es una línea de bajo de Reggae por primera vez… buff ! Eso es lo que había leído en revistas pero nunca había “sentido” en mi cuerpo. El legendario Redman estaba sirviendo detrás del mostrador, con su expresión seria, pinchando los últimos discos (nadie los llamaba vinilos aún, eso sería más tarde con la aparición de los CDs) recién llegados de Jamaica. La persona detrás del mostrador cortaba los temas enseguida al pincharlos, no permitía que un tema sonara más de 30 segundos. En ese tiempo los clientes tenían que decidir si les gustaba o no. Si lo querías comprar, levantabas la mano! Toda esto era desde luego una experiencia nueva para mí!

Esa primera visita coincidía con una escena de Reggae que estaba siendo sacudida por un terremoto sonoro llamado “Sleng Teng” y la consiguiente revolución ‘digital’ ( aunque no era realmente digital pero eso lo trataré en otra entrada ). Era el sonido del momento, muy distinto a lo que yo conocía en la desconectada e inexistente escena nacional. Nosotros estábamos todavía empezando a descubrir las extensas discografías de Dennis Brown, Heptones, Big Youth, Augustus Pablo o Gregory Isaacs y aún no teníamos ni idea de nombres como Echo Minott, Papa Levi o Tenor Saw.

Unos años después me fuí a vivir a Londres y la visitaba semanalmente. Repasaba el catálogo mensual al que estaba subscrito (y recibía por correo) donde anotaba lo que quería comprar. Siempre lo que me interesaba y deseaba comprar era más, muchísimo más, que lo que  me permitía mi economía.

Según entraba en la tienda miraba con fascinación juvenil las paredes cubiertas de discos (singles de 7”) repasando mentalmente los títulos, los artistas y los distintos diseños (algunos reconocibles enseguida, otros nuevos) de las galletas (labels) de los distintos sellos discográficos. El título escrito a mano con rotulador .

Después llegaba el momento de la difícil decisión: ¿qué comprar con mi limitadísima cantidad de dinero? .Había que decidirse: el nuevo álbum de Frankie Paul o Admiral Tibbet o si no tres recien editados “Pres” (“pre-releases”, o sea, los singles de 7” pulgadas prensados en Jamaica y aún no editados en Inglaterra), que al ser importados son más caros o quizas cuatro singles clásicos de los años 70 reeditados con sus respectivos dubs (en las caras B!) o quizás dos Disco’45s (así se han llamado siempre a los maxi-singles de 12 pulgadas que van a 45 rpm y no a 33 como los álbumes, por tanto con mayor rango dinámico, mejor sonido, pero más caros).

Continuará…….

Tienda de Clapham Junction en los años 80 / Bolsa original de Dub Vendor

Dub Vendor closing. The end of an era. 1

Perhaps those who do not know me in person and aren’t familiar with my my sense of humor have taken literally the “reggaeology” thing! (“Reggaeology” is a pun referring to the great Sugar Minott’s “ghettology”).

I read in the comments some mentions to “learn”…  as if this was a university! I’m hardly a teacher. I’m neither a musician with a limited professional point of view (in fact I never studied music theory and can’t even read music) and different from any other listener. As I said before I still consider myself a music’s fan more than anything else.

In this my first post I want to pay a small tribute to the Reggae shops, places where I have spent thousands of hours, and what they mean to me.

A few weeks ago Dub Vendor, the celebrated London Reggae store, closed after 35 years in bussines. For me it is a sad day which reflects a stark reality and the end of an era.

I started buying records from Dub Vendor in the early 80′s by mail while still leaving in Bilbao. These were student days, very little cash and not much knowledge about Reggae but an endless enthusiasm to buy records and learn. Years later, when I came to London for the first time in 1985, I had no interest in visiting the Big Ben or Buckingham Palace. The Reggae record stores were the real Mecca for me! And Dub Vendor was the place I really wanted to visit ..

Dub Vendor had 2 shops then. At the Ladbroke Grove branch – the original record shack under the train tracks – I experienced for the first time what a reggae bass line sounded like… wow! The legendary Redman was serving behind the counter, his expression looked serious to me, playing the latest releases freshly arrived from Jamaica. Firs thing that surprised me was that the person behind the counter wouldn’t play more than 30 seconds of a record and customers would decide on the spot if they liked it or not. A whole new experience for me!

That first visit coincided with the arrival on the Reggae scene of Sleng Teng. Digital Reggae had shaken the jamaican music scene like a musical earthquake. It was the sound of the moment, very different from what I knew back home in my disconnected out of contact. I was just learning at the time about the extensive discographies of Dennis Brown, Heptones, Big Youth, Augustus Pablo and Gregory Isaacs and had never heard names like Echo Minott, Tenor Saw and Papa Levi.

A few years later I moved to London and tried to visit each week. Always carrying the monthly catalogue  that I was subscribed to (received by mail) where I’d write down what I wanted to buy or listen to. My wants list was invariably more, much more, than what my precarious finances allowed me.

As soon as I entered the premises I looked with a youthful fascination the walls covered with 7” singles, mentally reviewing the titles and artists (handwritten) and the different designs of the many labels (some immediately recognizable while some were new).

Then the time came for the difficult decision: what to buy with my very limited amount of money? Had to decide: Frankie Paul’s latest album or four singles reissued from the 70s (with dub versions on the B sides!) or maybe only three ‘Pres’ (JA presses still not released in England) which where imports and as such more expensive or perhaps two Disco’45s (12 inches).

To be continued…

Contenidos del programa:

• Tenemos en directo a Mandinka Warrior presentando “Dancehall Nice Again”, su último trabajo junto a Mr Williamz.
• Freedom Cry nos trae las últimas novedades desde Jamaica en su espacio Tune In!
• Despedimos la novedad del mes dedicada al sello Merritone que han editado en forma de repress los japonenses Dubstore y que hemos llevado a cabo con la colaboración de Daily Records.
• Nos hacemos eco de la muerte de Richi Roots, miembro fundador de Vibronics y de su sello Scoops.
• Desde Euskal Herria nos llega un nuevo sello: Truth Town.
• Acabamos el programa con un tema del último trabajo de Sanchez llamado “Love You More”.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex y Manel

SOUNDSYSTEM FM SPREADING THE REGGAE VIBES FROM 1989!!!

Contenidos del programa:

• Escucharemos algún clásico de Frankie Paul desde el recopilatorio “Most Wanted” que edita Greensleeves.
• Seguiremos repasando alguno de los singles editados por Dubstore desde Japón extraidos de los masters de la familia Khouri y dedicados al sello Merritone. Una novedad presentada con la colaboración de Daily Records.
• De la familia Chin traemos la última reedición desde su sello 17 North Parade. Uno de los primeros Lps de dub editados en Jamaica: “Java Java Java Java”.
• En Mento Corner dedicamos un nuevo capítulo a los hoteles de la costa norte, en concreto a algunos de Ocho Rios.
• Dos de los últimos temas surgidos de Jamaica con repercusión internacional: el nuevo 7″ de Romain Virgo (“System”) y el tema utilizado en la última campaña publicitaria de Axe Lynx “Lucky Man” de Courtney John.
• Y nuestra agenda con Dub Inc y Peetha Morgan.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

JAMAICA CULTURE IN THE AIR!!!

No importa si estás gordo como una ballena, o delgada como un galgo, o si eres el más feo de tu barrio, o la más guapa del club. Cuando estás bailando da igual como seas, la edad que tengas, da igual tu procedencia, da igual el dinero que tengas y la ropa que lleves… cuando estás bailando solo importa lo que estás haciendo en ese momento, importa tu swagg (flow, estilo, para entendernos), importa la sonrisa de tu cara, importa el vacileo… y las ganas.

Cuando bailo siento que todos somos iguales de verdad, y no de boquilla. Es un momento de conexión, un momento en el que sientes cercanas a las otras personas con las que estas bailando. Para mi es una de las mejores maneras de eliminar esas diferencias que tanto nos separan en lo cotidiano.

Algunas veces podemos tener una visión de los artistas de dancehall que normalmente no tienen que ver con la realidad.

Elephant Man, es uno de ellos. Con todo su estilo, actitud y personaje que conlleva su nombre (sin haber tenido nunca un trato personal con él) me atrevo a  decir que es una de esas personas que se olvida también de las diferencias cuando esta en un escenario.

Le he visto invitar a un escenario a chicas y chicos, gordos y flacos, crews, niños y niñas, blancos, negros, japoneses, y en este Agosto en un concierto en Alemania a un chico ciego.

Esas cosas que hace, no solo lo diferencian de muchos artistas, si no que a mi como dancer (y como persona) llego a sentir a Elephant Man, más cercano, es cuando el personaje y la persona son uno solo, y me gusta por que en ese momento está compartiendo y olvidando.

Una parte fundamental en el dancehall que estamos contruyendo en España y en Europa es el compartir. Con compartir me refiero a compartir conocimientos, experiencias, clases, noches de baile, viajes, festivales… Quiero decir… casi todas las series de riddims que salen incluyen su version instrumental, y los pasos de baile,los creamos para que toda la gente baile….

Creo que compartir contibuye a que la escena crezca. Que la gente baile en las fiestas no es solo responsabilidad de la gente que decide si bailar o no, es también responsabilidad de los sound systems, promotores, cantantes y dancers acercar esta cultura en todos sus aspectos a las personas que la desconocen, que gracias al trabajo y al tiempo… cada vez sois menos!

Y como de compartir va la cosa os dejo con un Top 5 de una dancer de nuestro país, su nombre es Laura Roc (Bundem Squad).

1. RDX – Turn Your Swag Up

2. Ovamarz – Now You See Me, Now You Don’t

3. Spice Ft Missy Elliott – Fun

4. Jahmiel  – Cut dem off

5. Charly Black – Dig Out Yo Pum Pum

Mixtape: Dj Supadupa

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Quiero dedicar esta entrada a mis colegas/hermanos de esa ciudad de la que el gran Juan Manuel Serrat cantaba excelencias, Que bonito es Badalona en invierno y en verano! Gracias a gente como Dance Crasher y Badalonians, y tantos otros que por mil rincones perdidos siguen empecinados en preservar un legado artístico que sin su devoción y trabajo estaría en peligro de extinción, ya que desgraciadamente en Jamaica no tienen interes por su propio legado historico. ¡Va por vosotros!

Este es un viaje muy alejado de las dos anteriores entregas que digamos eran de “rabiosa actualidad”, este es un viaje en el tunel del tiempo a una de las paradojas más surrealistas que uno pueda imaginar, la importancia una institución católica en una isla marcadamente antipapal. Vaya por delante que yo me declaro ateo, pero no solo no simpatizo con el catolicismo, si no que en mi opinión y sin tratar de ofender a los pocos interesados en mi columna que practiquen esta religion, no puedo por menos que opinar que las religiones no son mas que farsas. El hecho de que la jerarquía católica sea un nido de corrupción no quita para que muchas personas bienintencionadas que son parte de la iglesia católica practiquen con sus ejemplos lo que proclaman con sus palabras y hagan auténticas heroicidades por ayudar al prójimo, y este es el caso que nos ocupa en la inmensa personalidad de la Hermana Maria Ignacia Davies -si estoy equivocado y existe un dios seguro que la tendra en su gloria-

Volvamos a localizarnos geograficamente en el sur este de Kingston donde en otro capítulo hablamos de la penintencia general. Hay una carretera que sube hacia el norte al campamento militar llamado Up Park Camp, los fans de John Holt seguramente recordaran su canción, -me nuh waan go a up park camp-. Esta carretera se llama South Camp Road, y una vez emprendido el trayecto hacia el norte desde la GP al cabo de pasar unas 4 manzanas nos topamos a la izquierda con el Sabina Park, mítico estadio de cricket, deporte legado por los británicos en todas sus colonias y en mi opinión el deporte mas aburrido que se haya inventado, el equipo de las indias occidentales, que así llamaban los británicos a sus posesiones en este lado del mundo, se constituye en la union de Jamaica con Trindad, Guayana, Barbados y San Cristobal y Nieves. En este estadio se vivieron en decadas pasadas momentos de gloria.

Justo enfrente del Sabina park se encuantra la Alpha Boys School.

¿Quien podría imaginar que de la unión de unas hermanas de la caridad y un grupo de jovenes sin tener donde caerse muertos iba a florecer una institución musical como la banda del colegio y muchos de los musicos educados allí que se conviertirían en promimentes figuras más allá de los estrictos muros de esta institucion?

En el año de 1880 Jessie Ripoll, hija de un matrimonio franco portugués y hermana de la caridad adquiere 40 acres de terreno y se pone a la tarea de construir unos barracones donde alojar a los alumnos, en 1883 la escuela comienza a funcionar y poco a poco más hermanas se van uniendo a la labor y hasta logran conseguir una pequeña financiación de la corona británica. Se ponen en marcha talleres de carpintería, impresión, ebanistería, sastrería y la que eventualmente se convertirá en la más famosa e importante de todas ellas, la banda musical.

En 1939 se une a la institución como responsable del departamento de musica la hermana Maria Ignacia, nacida en 1921 en la vecina provincia de St Catherine con tan solo 18 años ya se pone manos a la obra. Desde entonces se alojaría en la residencia por el resto de su vida. Bajo su tutela durante los años 40-50 época dorada del Jazz, en este periodo se educan en Alpha una tremendo e irrepetible sección de vientos. Entre ellos cuatro de los miembros fundadores de los Skatalites que crean lo que podria considerarse como el primer genero de música popular jamaicana, el Ska. Estos cuatro miembros -levantaros en señal de respeto mientras leeis- son Tommy McCook (saxo tenor), Johnny “Dizzy” Moore (trompeta) , Lester Sterling (saxo alto) y como no el inmenso trombonista Don Drummond. Otros distinguidos “Old boys” como llamaba la Hermana a los ex-alumnos son King Yellowman, Leroy Smart, Rico Rodriguez, Desmmond Dekker, Johnny Osbourne, Joe Harriot, Leroy Wallace, Floyd Lloyd, los componentes del trio Israel Vibration y Jojo Bennett entre otros. Vaya “dream team”

La actividad de le hermana no se detuvo ahí por supuesto, ella se encargaba de organizar sounds durante la epoca Rocksteady/Reggae y el mismisimo Clement Coxsone Dodd trabajó codo con codo con la hermana, que estuvo activa hasta el fin de sus dias en Febrero de año 2003.

Tras su lamentable perdida lo cierto es que el espiritu de la institución esta en decadencia, pero eso no es óbice, por si alguno de vosotros se pasa por aquí, se de una vuelta por la Alpha y disfrute de una visita por sus vetustas instalaciones, llenas de sabor y tremendas vibraciones.

Hermana Maria Ignacia, si estás en algun lugar ruega por nosotros, pecadores, que te veneramos y te respetaremos siempre por lo que nos has dejado en herencia. Amen.

Texto: Fernando García-Guereta
Fotos: reggaelicious.pbworks.com

Contenidos del programa:

• Desde Etiopía nos llega el segundo trabajo de Dub Colossus titulado “Addis Through The Looking Glass”.
• También presentamos el segundo larga duración de Gappy Ranks, “Thanks & Praise”.
• Incluimos en nuestra agenda dos temas de Beres Hammond y Tarrus Riley para que Uri nos hable del pasado concierto de ambos en Londres.
• Más grabaciones desde A-Lone Muzic con Roberto Sanchez. Nuevo 10″ del sello Dreadrive.
• Seguimos con la novedad del mes en colaboración con Daily Records, dedicada a los singles de Merritone editados desde Japón por Dubstore.
• Rankin’ Rick presenta la segunda edición de su colaboración mensual “Una década de música a L’Illa del tresor” dedicada al año 2002.
• Finalizamos con un tema de Frankie Paul extraido de uno de los últimos “Most Wanted” que ha editado Greensleeves este 2011.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex

NO MATTER WHAT THE PEOPLE SAY, THIS SHOW LEADS THE WAY!!!!

FMI. Deuda Soberana. Crisis internacional. Desempleo. Recortes y empobrecimiento popular. Revolución social. Seguro que son conceptos que te suenan absolutamente actuales, y lo que es peor directamente relacionados con tu bolsillo y tu dignidad. Sin embargo, repasando la historia, uno descubre que cuando los indignados del 15-M van, los jamaicanos, esos negros pobres e ignorantes de una pequeña isla en el Caribe, y más en concreto aquellos que todavía conservan cierta conciencia rasta, vuelven, porque en JA, en esta nueva encrucijada histórica mundial, como en tantas otras cosas, ya han ido y vuelto varias veces. Lee y aprende para tomar tus decisiones frente a la próxima cita electoral del 20-N.

¿Los jamaicanos, como los españoles, son mayoritariamente de izquierdas?. El tópico dice que sí, sea lo que sea, lo que eso signifique. Existen unas constantes comunes bien arraigadas en el acervo cultural popular en ambas sociedades, que parecen confirmar el aserto. Sin embargo, a la esperanza de los pueblos, siempre va anudada una contrapartida de decepción, humillación y escepticismo de la que es difícil escapar.

Todo seguidor de la cultura jamaicana sabe de ese mantra divulgado insistentemente por los rastafaris de que “Rasta Not Politic” (Toots Hibberts), “Rasta No Vote”, (Bob Marley), que arranca desde las huelgas industriales de 1938 en las que arruinada la industria tradicional del cultivo de caña por la explotación multinacional de bauxita y aluminio, se acabaron fundando los dos principales partidos políticos de la isla en los 40. Un prestamista de Kingston, disfrazado de sindicalista como Alexander Bustamante acabó siendo el Primer Ministro de la independencia de la Isla con el JLP, mientras que su pariente Norman Manley creaba el PNP de orientación socialista y democrática.

Sin embargo, un nuevo país tan necesitado de cambios sociales, políticos y religiosos tan radicales, no podía dejar de atraer a los artistas locales si la música era su vehículo natural de expresión popular.

Que Derrick Morgan se prestara a que su himno “Forward March” fuera la banda sonora de los fastos por la independencia organizados por el JLP de Bustamante, tiene el mismo pase histórico que el ingenuo entusiasmo del ska. Como es sabido solo tardó 2 años en desvanecerse, lo que tardaron los guetos en comprender con sangre y miseria que todo seguía igual o peor que antes de soltar el lastre de Her Majesty the Queen; aunque Derrick Morgan repetiría en las sangrientas elecciones del 76 apoyando las supuestas virtudes de un futuro socialista en “People’s Decision” con Bunny Lee, editado en 1977.

Pero el verdadero cambio llegará en los 70, con la renovación del PNP por el hijo de su fundador, Michael Manley. Tras los timoratos gobiernos de Donald Sangster (sí, aquel que pisó a la perrita de Selassie en el 66 y murió a los 2 meses de forma repentina) y Hugh Shearer, hundido el PNP, Manley comprendió que debía orientar su partido hacia una especie de tercera vía pro tercer mundo, entre el capitalismo duro USA y el socialismo duro ruso que predominaban entonces.

Así que Manley, que había sido periodista y líder sindical representando al Central Kingston, no sólo involucró en su tercera vía a las clases bajas incluyendo a los rastafaris del downtown, sino también a las clases medias y de negocios desencantados con el débil gobierno de Shearer, y en 1972 le batió en las urnas con un impresionante 56%, del que se calcula que al menos un 8% procedía de rastafaris entusiasmados que nunca antes habían ido a votar.

Es conocido que su canción de campaña “Better Must Come”, interpretada por el gran Delroy Wilson, contribuyó poderosamente a esa atracción de los votantes sufferah en la Isla, gracias primero al reconocimiento del que ya gozaba Wilson por las producciones de Bunny Lee en la época, como “Footsteps of another man” y “This Old Heart of Mine” (no confundir con el soultune de Motown) que incluso le llevaron a girar un año antes por UK, pero también por contar nada menos que con los hermanos Barrett en la sección rítmica, y con ese groove “start-stop” tan popular entonces en JA, factura del propio Lee. Aunque por encima de todo, lo que animaba a los votantes era ese sentido reconocimiento del sufrimiento popular y como la fé y la autoconfianza podían devolver a la gente la oportunidad de superarlo en lyrics como: “I’ve been trying a long, long time, still I can’t make it / Everything I try to do seems to go wrong… Thank God I’m past the worst… Better must come one day, better must come / They can’t conquer me, better must come”.  “Un himno optimista” declaró con cierto sarcasmo, Ziggy Marley décadas después. Irónicamente, fue el sucesor de Seaga, PJ Patterson, quién acabó otorgándole un reconocimiento nacional en 1994, un año antes de su muerte.

Entre el polo americano de Puerto Rico y el polo marxista de Cuba, Delroy Wilson no fue el único en sumarse al cambio democrático desde la raíz, que anunciaba el PNP en el 72. Los propios Wailers actuaban con alguna frecuencia en mítines y conciertos de apoyo, y especialmente Junior Byles que se encontraba entonces llegando a la cúspide de su popularidad en el gueto, autoeditó unos singles poniendo a cada rival en su supuesto sitio (“Joshua Desire” refiriéndose a Manley, y “Pharoah Hiding” refiriéndose a Shearer), que terminaría de completar con su entusiasta Lp de debut “Beat Down Babylon”.

Como sucedió con esa marea de entusiasmo ante el anuncio de un cambio revolucionario con la Independencia, por 1974, las cosas empezaron a ponerse feas. Manley, que durante la primera mitad de su legislatura había introducido cambios sociales importantes, como la abolición de la prohibición de literatura marxista y del black power que regía en la Isla hasta entonces, el acceso gratuito a la enseñanza secundaria o la nacionalización de los suministros de luz, telefónico y de las compañías de bus, hasta entonces en manos extranjeras, se topó de bruces con la realidad de las multinacionales que lo ahogaban, cuando anunció un plan para modificar los impuestos que las compañías canadienses y americanas pagaban por la extracción y tratamiento de bauxita y aluminio. Fue la guerra, y el comienzo definitivo de la violencia política en JA.

Las multis desplegaron todo su poder frente al indómito líder de la pequeña isla. La receta imperialista de siempre se puso en marcha: le demandaron por millones ante el Banco Mundial, sacaron fuera de la isla parte de sus industrias (le llaman deslocalización), y comenzaron con la ayuda de la CIA una campaña continua, tanto de publicidad entre las clases medias y de negocios que inicialmente apoyaron a Manley, pero que empezaron a perder sus privilegios en sus negocios internacionales; como con la creación de los famosos “rankings” o bandas de pistoleros al servicio de la rivalidad política, mediante el tristemente célebre “tratado” de “guns for ganja”, que en los 80 daría paso hasta hoy a las terribles “posses” de “guns for crack”.

En paralelo y con la crisis del petróleo por medio, el nefasto FMI comenzó a imponer sanciones a la Isla por no devolver sus créditos en plazo. Acosado por el flanco derecho, Manley apostó por resucitar abiertamente el pasado socialista del PNP aprovechando la visita a JA en Noviembre del 74 del legendario líder africanista tanzano Julius K. Nyerere, en una apuesta tan decidida por la movilización de las masas, como la de Allende en Chile años antes. Pero, entre bambalinas, Manley trató de acercarse al FMI y estudió un primer paquete de ayuda, cuyas condiciones draconianas, acabó rechazando (¿os suena lo del “Rescate”?).

En medio del huracán de la campaña más sangrienta que se recordaba, y con la desesperanza popular por la muerte de Haile Selassie en el 75, Manley aguantó y polarizando aún más al electorado, acabó ganando de nuevo las elecciones del 76, incluso con un punto porcentual más que en el 72.

La influencia de Bob Marley entonces era tan trascendente local e internacionalmente, que no sólo su intento de asesinato copaba la actualidad política, también su reinterpretación del discurso de Selassie ante la ONU en “War”, cuya letra parecía dedicada a los críticos momentos que se vivían, o sus apariciones en el Smile Jamaica Festival y dos años después en el intento (fugaz y aparente) de reconciliación nacional entre Manley y Seaga en One Love & Peace Concert. Tanto, que casi tapaba como banda sonora de aquellas elecciones, las decididas intervenciones de otros como Max Romeo, que ya había contribuído a la campaña del PNP en 1972 con “Let the Power fall on I” y repetía ahora con “Socialism is Love”, además de su recordado álbum “War inna Baylon” (75).

Pero la victoria electoral aplastante de Diciembre de 1976 sirvió de poco frente a los problemas reales. Como diría el imprescindible Eduardo Galeano, “si el voto sirviera para cambiar algo, ya lo habrían prohibido”. Aunque con un nuevo gobierno copado por el ala izquierda del partido, con Donald K. Duncan a la cabeza como nuevo “Ministro de Mobilización Nacional”, en 1977 el nuevo PNP del “socialismo democrático” anunció a bombo y platillo el llamado “People’s Plan” que supuestamente introduciría la participación activa de los trabajadores en las fábricas y la democratización de la enseñanza. Sueño de un día. En Mayo de ese mismo 1977, agobiado por las sanciones internacionales y la necesidad interna de financiar sus anunciadas reformas, Manley firmaba con el FMI un acuerdo parecido al que antes rechazó, por el cual recibía un préstamo de 38M de libras para equilibrar supuestamente el déficit de su “deuda soberana” (¿os suena?), que en realidad fue el error más dramático que cometió el sueño revolucionario de la pequeña isla.

Junto con el acuerdo, se incluían toda una serie de recortes en gasto público que atacaban directamente el estándar de vida de los sectores más humildes de la población (estudiantes, desempleados), además de la obligación de someterse a continuos “test” internacionales por las delegaciones del FMI, que fracasaban una y otra vez, y a los que se supeditaba la continuidad de la línea de crédito abierta para JA, con lo que la imposición de nuevos recortes se sucedía una y otra vez (¿os sigue sonando? ¿Alguien sabe dónde queda Grecia?).

La confusión y el desánimo se apoderaron de la clase trabajadora y los desempleados. El coste de la vida se disparó sin control y la cocaína empezó a rodar tanto como las balas.
No en vano, el jefe local de la CIA, Norman Descoteaux impulsó por entonces un programa específico, según desvelaba Gary Webb en su controvertido libro “The Dark Alliance”, por el que la propagación exponencial de las armas y el tráfico de drogas en el caribe, fue asociada por la Agencia con el uso de los mismos matones para servicio del JLP y desestabilización callejera del gobierno de Manley y sus programas locales, con la figura de Jim Brown (el padre del actual Dudus Coke) y su fundación de la temible Shower Posse, así como las oscuras circunstancias de su muerte, ya con el JLP de Edward Seaga en el poder, tras incendiarse su celda al poco de rechazarse su apelación contra la extradición solicitada por USA, y tras sus sucesivas amenazas de hacer públicos todos sus vínculos políticos si la extradición se llevaba a cabo.

Así que conforme el sueño socialista se desmoronaba, la violencia y la miseria crecían y crecían, hasta que el JLP se hace con el poder en las peores elecciones de la historia, allá en 1980, con más de 1.400 muertos según algunas fuentes.

El apoyo rastafari a la vía político-parlamentaria se esfumó definitivamente, y se trasladó más a una apelación continua contra algo más difuso como “Babilonia”. Irónicamente en aquellas terribles elecciones, los dos partidos recurrieron de nuevo a la guerra sucia. El JLP utilizó sin permiso el tema “Crucial” de Bunny Wailer para ilustrar el fiasco de las promesas de cambio del PNP, del mismo modo que éste utilizó sin permiso el “Bad Card” de Bob Marley.

Tal vez por eso un desencantado Marley decía alto y claro en 1980: “La política no me interesa. Es negocio del diablo. Dicen que cambiarán Jamaica en tres meses y todos mienten. Juegan con la opinión de la gente. Todo lo que vemos que está pasando en Jamaica es que un montón de jóvenes, que todavía no pueden votar, mueren. A los políticos no les importa quiero decir, puede que estés enfermo, que necesites ver a un médico, pero a ellos sólo les importa que vayas a votar. Por eso no defiendo la política. Aquí viene un hombre como yo, diciendo No votes!. Rasta No Vote”. Bien que lo sabía cuándo en 1976 ya declaraba que los políticos le miraban como al aluminio (la industria nacional), es decir, por los beneficios que les pudiera reportar.

Con el JLP y las posses y el negocio de la droga entre el Caribe y USA en su máximo esplendor, y bajo el patrocinio de la era neoliberal iniciada por Reagan y Margaret Thatcher, las condiciones de depauperización de la Isla se hicieron todavía más insostenibles. Con el fín del gobierno revolucionario de Manley en 1980, el PNB de la Isla había caído un 25% y la inflación alcanzado un 325%. Una década después, cuando Manley recupera el poder en 1989, Seaga había pagado 443M de libras a los inversores extranjeros (de ellos 176M al FMI) y la deuda soberana del país se había multiplicado meteóricamente hasta los 2.2 billones de libras.

El gobierno socialista de Manley, como otros antes, jamás pudo remontar ni en los 70 ni en los 90, la pobreza insufrible de la Isla, ni la presión del capitalismo internacional. En 1984, las mentes conscientes que quedaban en la Isla, aún cantaban: “¿Estás listo para ponerte en pie y luchar contra la revolución de la derecha?” (Revolution – Dennis Brown). Un canto a la esperanza y la supervivencia. Amar en tiempos revueltos. Ahora decide cómo vas a ponerte a luchar contra la revolución de la derecha, en unos tiempos, en que como entonces, “los Gobiernos no gobiernan el mundo, Goldman Sachs y el FMI gobiernan el mundo”.

Carlos Monty. Octubre 2011

External Links for more info:
How the IMF wrecked Jamaica
Intelligence-Jamaica

Casi siete años despues de su muerte sigue siendo una referencia para los dancers de todo el mundo. Él es el creador de pasos como Willie Bounce, Row di Boat, Out and Bad, Stuckie,…

El motivo por el que estoy presentando a Mr Wacky es por que el decía: “Everybody can dance” y yo opino lo mismo, todo el mundo puede bailar. Y hasta que punto es así que mientras en nuestro pais tenemos programas como Fama, con diferentes tipos de bailes, en Jamaica tienen un programa que se llama In the Dance.

A este programa acuden dancers, mujeres y hombres (más hombres que mujeres) y grupos de baile de toda Jamaica a concursar contra otros grupos, a enseñar su baile. Hasta aquí parece un programa como podría ser Fama… pero ellos quieren darse a conocer fuera de su pais, ¿y como lo hacen? Pues muy sencillo, imagina que a ti te gusta bailar y claro tu estas en Europa haciendo tus cosas bailando, tus shows… y te llega un mensaje a tu facebook de el programa de TV para ti desconocido hasta entonces. Ellos tiene una sección que se llama World Dance y te explican en el mensaje que si quieres puedes grabar un video que ellos lo van a poner en el programa. Awoohh!!!!!

Bien solo quería explicar un poco como esta la cosa con el baile en la isla, lo importante que es para muchos jamaicanos.

Lo más común en Jamaica (a diferencia de Europa) son los grupos o crews de bailes como por ejemplo Ravers Cleavers, White Out, Priceless Dancerz, Chekkaz… grupos profesionales de baile.
Grupos que todas las semanas tienen sus entrenamientos, que crean pasos nuevos, que graban videoclips, que hacen shows en escuelas de educacion primaria y secundaria, grupos que están todo el dia on.

Para mi el trabajo en grupo es muy importante. Cuando estás trabajando en un grupo puedes aprender muchas cosas y eso con el dancehall, si quieres estar en la brecha es muy importante. Los pasos nuevos, los que no conoces, por eso es bueno conocer a más gente que baila, bailar en grupo, compartir experiencias. Porque desde mi punto de vista, puedo ganar el concurso europeo, el nacional, el internacional o el de Marte y tendré muchos trofeos en casa pero si no aporto nada a la escena y no soy capaz de trabajar (relacionarme y compartir) mi trabajo no será valorado por el resto de mis iguales.

Por que los dancers (entre los que me incluyo) somos los que le damos sentido, los que construimos la escena y como ya dije en el Rototom en los ACR Mettings, quiero good vibes en mi escena, eso no significa ser amigo de todas y cada una de las personas, pero significa contribuir a la buena salud de la escena.

Esta semana os dejo un video de dos crews jamaicanas colaborando en un video con el unico fin de promocionar su baile ellos son White Out y Chekkaz y la mixtape para esta semana es Swing On del sound alemán Wild Shot Sound.

Descargar Swing On

A estas alturas han corrido ríos de tinta sobre lo prolijo de la cantera catalana de músicos talentosos para la formación de nuevas bandas de música jamaicana. No voy a negar que algo de cierto hay en ello -cuando el río suena…-, pero en buena medida también han subyacido ciertos intereses en alimentar el mito. En el caso que nos ocupa, el proyecto The Gramophone Allstars (TGA) es un spin off de The Delighters, cuya finalidad principal era la de desarrollar en plenitud la faceta más jazzística que comenzaba a aflorar en su alma máter compositiva, el saxofonista Genís Bou -quien responde gentilmente a esta entrevista-. Tres de años de trayectoria y tres par de trabajos en el mercado -“Just Delightin” (Silver Bullets, ´08), “Simbiosi” (Liquidator, ´10) y “Levitant a la deriva” (Liquidator, ´11)- nos permiten descubrir una gema que, a falta de ser pulida, brilla con la luz que irradia su vocalista Judit, hábilmente sustentada por jóvenes músicos de jazz en formación.

Partamos del principio: Genís y Aleix, hermanos, militabais en una formación gerundense de La Bisbal d´Empordà denominada Delighters y en 2008 adoptáis la decisión de escindiros de la misma formando una nueva banda en Barcelona. ¿Qué motivos os conducen a tomar dicha decisión y a instalaros en Barcelona gestando una banda con renovados integrantes de nombre TGA? ¿Cómo se produjo el encuentro en el plano personal y musical con dichos componentes?

Pues la verdad es que fue un momento un poco difícil y complicado por varias razones. Durante los últimos años en Delighters yo lideraba el proyecto. Era un grupo que llevaba ocho años tocando y que estaba formado por amigos, por lo cual plantear la escisión fue especialmente delicado. Había una diferencia cada vez más palpable a nivel de inquietudes musicales: yo cada vez estaba más interesado por el jazz y ellos, no. Fue una decisión estrictamente musical. Entonces empecé a diseñar un nuevo proyecto con el que quería mezclar más rotundamente jazz y música jamaicana. Cuando tuve los músicos, empezamos ensayar, pero enseguida hubo cambios de line up. Tengo que admitir que tuve suerte porque se cruzó gente en la que no había pensado, aportando mucho nivel y personalidad al grupo. Es el caso de Eloi, Andrés, Vic o Judit. A los demás (Aleix, Sidru y Jordi), los conocía o los había visto tocar. El encuentro fue muy raro al principio porque casi no nos conocíamos, todo era muy frío. Pero enseguida apareció un feeling (a nivel humano y musical), que aún hoy me tiene gratamente sorprendido. Ni el mejor de los casos me imaginaba un grupo como el que formamos.

Además, la decisión se toma en un momento particularmente complicado, puesto que el álbum “Just Delightin” se encuentra grabado con los músicos que integraban The Delighters -supongo que de ahí su título- y a punto de ser editado por la marca Silver Bullets. ¿Cómo se plantea el rodaje en escena de un álbum que no ha sido creado por quienes deben defenderlo en directo?

Fue otra situación difícil. Cuando comuniqué mi decisión a Delighters, no pensaba en sacar el disco con otro proyecto, pero ellos tampoco tenían ganas de quedarse con unos temas que no sentían suyos (yo era compositor y arreglista del grupo), de modo que me dijeron que era más razonable que lo utilizara para mi nuevo proyecto. A los miembros del nuevo grupo les incomodó, pero a mí me pareció bien pensado, puesto que con un disco en el mercado todo es mucho más fácil. El título, efectivamente, es un guiño a mis antiguos compañeros y autores del disco. Paralelamente, con TGA teníamos que tocar una música que el grupo no había grabado. Adapté los temas del disco que me parecían más coherentes a nivel estilístico (un total de siete) y añadí nuevos. Tuve mucho trabajo durante unos meses. Obviamente, los temas sonaron muy distintos desde el primer momento. Supongo que esto precipitó un poco el segundo disco, puesto que era necesario plasmar el nuevo sonido.

La banda en de la que formabais parte se mantuvo activa pese a la “fuga” de su compositor principal, que eras tú, Genís. De hecho, editaron un maxi promocional de versiones a lo Giuliano Palma & The Bluebeaters bajo el título “Covers and Prawns”, que difundieron por la red de redes. ¿Qué relación mantienes actualmente con los que fueron tus antiguos compañeros? ¿Cómo valoras su continuidad?

A nivel humano es excelente, me llevo fenomenalmente con todos. Todo el mundo entendió mi decisión. Eso me tranquilizó mucho porque era un momento difícil por el fuerte vínculo emocional que tenía con Delighters. ¡La continuidad del proyecto me parece fantástica! Este verano les vi tantas veces como pude y colaboré con ellos en un concierto, tocando unos temas.

Para el último álbum, “Simbiosi”, se produce un nuevo cambio de rumbo en la banda, instalándoos en la factoría madrileña Liquidator en detrimento del sello Brixton, en el que al parecer iba a producirse el salto cualitativo de su sucursal Silver Bullets al propio Brixton. ¿Qué motiva vuestro paso a Liquidator cuando prácticamente se daba por hecha la edición en el sello vizcaíno?

Brixton Records y TGA tenían unos intereses distintos y no nos entendimos. Nuestra intención era sacarlo con ellos y a ellos les interesaba el disco del grupo, pero la cosa no cuajó, ninguna de las partes cedió. Entonces enseñamos el disco a otros sellos, entre los cuales estaba Liquidator. Enseguida nos entendimos y la valoración hasta el momento es muy positiva.

Una particularidad de vuestra última obra es que se encuentra fraccionada en dos mitades o facetas bien diferenciadas: la primera de ellas denominada “aromes jamaicanes” y la segunda “atmósferes jazzístiques”. ¿Qué particularidades a nivel musical diferenciáis entre dos géneros -ska y jazz- que se han nutrido mutuamente desde hace más de cinco décadas? ¿Por qué no editar directamente un vinilo de doce pulgadas en lugar de realizar esta distinción “forzada” en un cd?

No se trata de una edición forzada. Desde el primer momento tuvimos un cd en mente. Incluso Liquidator nos preguntó en qué formato queríamos editarlo. Lo que pasa es que pensábamos un trabajo que mostrara la ambivalencia de TGA: que mostrara nuestra cara más jamaicana y nuestra cara más jazzística. Primero pensé en un disco doble, pero enseguida abandoné la opción, puesto que son demasiados temas y me parece muy delicado. Luego se me ocurrió la idea de plantearlo como si fuese un vinilo, con dos caras. Me gustó mucho la idea y decidimos hacerlo así. Por lo que respecta a la primera pregunta, yo creo que ska y jazz son músicas que ligan mucho puesto que tienen orígenes muy parecidos. Además, muchos de los músicos jamaicanos que dieron forma al ska controlaban el lenguaje jazzístico. Es el caso de Ernest Ranglin o Tommy McCook, por ejemplo. Una de las cosas interesantes que te da el jazz es la actitud. Para mí es básicamente eso: una actitud o manera de vivir la interpretación, más que un estilo. La música jamaicana, por otro lado, ofrece toda una variedad de grooves con los que es muy bonito hacer música. Podemos decir que lo que hace TGA es tocar música jamaicana con actitud y lenguaje jazzístico.

Buena parte del repertorio que integra el álbum “Simbiosi” se nutre a base de versiones de estándares del jazz, soul o rock steady. ¿Sigue siendo necesaria para una banda la inclusión de versiones que el público pueda reconocer y canturrear en directo? ¿Qué hace a una versión apropiada para el repertorio de The Gramophone Allstars y cómo la trabajáis en el local de ensayo hasta que pasa a integrarse plenamente en el repertorio?

Más que el hecho de que el público pueda reconocer los temas, nos interesan los standards como otro elemento del mundo del jazz susceptible de ser mezclado con música jamaicana. El color que se obtiene tocando un standard de jazz a la jamaicana es muy interesante. Por eso tocamos tantos. Además, es evidente que hay un trabajo de arreglos muy duro: cambios de armonía, de compás, añadir la parte de los metales… es como un proceso de creación a partir de un material ya creado. No se trata de una cuestión de gandulería. El criterio es tan sencillo como que sea un tema bonito. El modo de trabajo de TGA siempre es el mismo, el arreglista (casi siempre yo) trae un arreglo al ensayo. Se trabaja su propuesta a partir de las impresiones de los músicos una vez tocado el tema. Siempre hay mucho diálogo. Metafóricamente, podríamos decir que el arreglista propone un cuadro (con los colores, elementos…) que se pinta entre todos.

El gramófono que empleáis en vuestra iconografía me sugiere formularos una pregunta: ¿la música que escucháis es preferentemente en vinilo y de la época dorada del jazz? ¿Habéis encontrado un solista o banda actual que les haga sombra a los Bird, Ellington y compañía? ¿Cómo valoráis la buena prensa de que goza el jazz en la actualidad -incluso con una colección de vinilos disponible en kioskos- cuando antes se la tachaba de música refinada y elitista?

Bueno, esto varía según cada miembro. En mi caso, Bird o Dizzy me parecen fascinantes igual que los San Francisco Jazz Collective, Keith Jarret o Joshua Redman. La diferencia de gustos, en lo musical, es otra cosa que enriquece mucho al grupo. Si pasaras por las colecciones de discos de los ocho, encontrarías jazz, música jamaicana, soul, pop, punk, latin, rock, clásica, electrónica, funk y más cosas. Creo que, en general, escuchamos música en formato digital (cd, mp3…), pero algunos tenemos vinilos en casa. Lo del buen momento de la prensa especializada en jazz, me parece fantástico, aunque sigue habiendo mucho esnobismo. Vas a los conciertos y no paras de ver gente bien vestida durmiéndose. El jazz sigue siendo un elemento usado para ganar prestigio cultural.

Habrá quien encuentre anacrónica la aparición de una formación de ska-jazz a estas alturas de la historia habida cuenta de la proliferación de formaciones afines a este estilo que se produjo a mediados y finales de los noventa -me refiero a The Articles, NYSJE, Jump With Joey o Eastern Standard Time como referentes foráneos o a Amusic Skazz Band, Skaks o La Wassah Band como sus análogos a nivel estatal-. ¿Es tu formación como músico en el Taller de Músics de Barcelona la que te hace decantarte por este estilo? ¿Qué os impulsa a seguir manteniéndoos fieles a dicho estilo?

El ser o no ser anacrónico, jamás me ha preocupado. En realidad, me parece mucho más anacrónico el revival de early reggae que hay actualmente que un grupo como TGA, ¡aunque me encanta el early reggae, eh! Nosotros tocamos música jamaicana de un modo mucho más moderno, porque le añadimos muchas cosas provenientes del jazz. Eso no lo hacemos para ser más originales que otros, sino porque nos sale así. Creo que el simple hecho de tocar música jamaicana (sea ska, rocksteady o cualquier otra) ya hace la propuesta anacrónica en cierto modo. Pero no me interesa ser moderno o coherente con mi tiempo, me interesa hacer la música que me apetezca. Me parece fantástico que haya bandas de early reggae o de New Orleans. ¡Cada cual hace lo que quiere! Es evidente que nuestra condición de estudiantes de jazz tiene mucho que ver con el hecho que sigamos tocando ska-jazz.

Una de las últimas incorporaciones a la banda es la de esa preciosa vocalista que responde al nombre de Judit Neddermann, que aporta bastante personalidad a la banda y una textura de voz que me recuerda, salvando las distancias, a la inglesa Lilly Allen. ¿Qué condiciones buscabais en una cantante para formar parte del proyecto? ¿Recuerdas cómo la conocisteis -supongo en el Taller de Músics de Barcelona al que también asiste- y qué fue lo que os cautivó de ella?

Que controlara el lenguaje jazzístico, pero que fuera suficientemente versátil como para poder cantar otras cosas como ska-jazz o latin. Judit cumple con creces con estos requisitos, además de tener mucha personalidad. Estamos, tanto nosotros como ella, muy contentos de su incorporación al proyecto. Yo coincidí con Judit hace muchísimo tiempo en el Taller, ¡ella tenía unos 14 años creo! Años después, cuando quedó vacante la plaza de cantante, Sidru (trombonista del grupo) me habló de ella. Yo no la había escuchado cantar, pero había oído a mucha gente hablar bien de ella y le hicimos la oferta.

A nivel estrictamente individual, me llama la atención que os es posible simultanear a TGA con otros proyectos de estilos tan dispares como como Mazoni, The Oldians o Rock n Roll Bros -en tu caso- o 2.5.6, Declaracions e Insa Duet -en el caso de Judit-. ¿Cómo os organizáis para que no coincidan ensayos y actuaciones? En caso de coincidencia, ¿prevalece The Gramophone Allstars?

Conciliar todas las agendas no es una tarea fácil. Como somos músicos profesionales, todos estamos inmersos en muchos y diferentes grupos. Esto hace que muchas veces tengamos que ensayar con ausencias y que, en algunas ocasiones, haya que tirar de sustitutos, puesto que con el -poco- dinero que nos sale fruto del trabajo con TGA, no se puede exigir a nadie exclusividad. Normalmente, el funcionamiento es un poco como la ley del más rápido, cuando coinciden dos bolos siempre tiene preferencia el primero que se cerró.

En apenas unas fechas arrancará la gira que ha de llevaros a desplegar en escena vuestro trabajo y dado que probablemente os enfrentéis a públicos bastante heterogéneos, como son el que asiste a un concierto de música jamaicana a bailar y el que lo hace a un encuentro de jazz con la preconcepción de relajarse y disfrutar, ¿qué respuesta esperáis a nivel de público? ¿Qué planteáis de novedoso en escena en contraposición al álbum?

Principalmente, esperamos que poco a poco vaya creciendo la afluencia de público a nuestros conciertos. De momento, la acogida del disco a nivel de prensa está superando nuestras expectativas. Hemos aparecido en medios potentes como La Vanguardia, iCAT FM, RNE3, RNE4 o COM Radio, entre otros. Eso debería hacer crecer la gente que nos conoce, pero nunca se sabe. En general, hemos optado para dar un poco más de contundencia a los temas del disco, dándole un carácter más enérgico y bailable a nuestra música. Creemos que el tipo de directo que tenemos que ofrecer tiene que ser mucho más jamaicano que jazzístico.

Publicada originalmente -en su versión reducida- en la revista Enlace Funk nº35 (www.enlacefunk.com)

Contenidos del programa:

• Homenaje a Leonard Dillon, lider de Ethiopians, tras su fallecimiento el pasado 28/9/2011.
• Nos visita Genis Bou para presentar el nuevo trabajo de Gramophone All Stars: “Levitant a la deriva”.
• Primer trabajo en solitario de la inglesa Hollie Cook.
• Estrenamos novedad del mes en formato single (7″). Repros de algunos temas grabados en Federal entre los años 1966 y 1968 bajo el sello Merritone. Editado por Dubstore desde Japón y presentado con la colaboración de Daily Records.
• Nuestra agenda que hoy nos trae la música de David Hinds (Steel Pulse) con motivo de su mini gira por España.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

OPEN THE GATES OF ZION AND LET THE ETHIOPIAN COME IN. BIG RESPECT FOR LEONARD DILLON.

El ritmo que os traigo se llama Take Over, lo produce Not Nice Records y llega más caliente que el fuego, ¡hotta than lava!

Para empezar Merital Family con Life nuh pretty nos recuerdan que la vida no es un camino de rosas. Desconozco si la Merital Family, que saltaron a la fama con su hit My Money ha ha junto a Vybz Kartel, siguen siendo fieles al Portmore Empire o ya han desertado como hicieron Jah Vinci y el propio productor del riddim que os estoy presentando, hace apenas unos meses.

Como ya os he avanzado el ritmo viene calentito, ¿porque? muy sencillo, Tony Mentally Hill Matterhorn, conocido a parte de por sus big tunes por no tener pelos en la lengua, está repartiendo en sus líricas a diestro y siniestro y claro la cosa al final le puede acabar saliendo cara.

Entre los objetivos de Tony (que más adelante repasaré con detenimiento) está Beenie Man, al que Matterhorn en su último tune Dancehall Duppy pt.3 (Porkys Revenge) llama The Queen of Dancehall, ¡zas en toda la boca! Ante tal ultraje Beenie Man no podía quedarse callado, y le responde claramente en el tema Young Bud. La guerra entre Beenie y Tony Matterhorn viene de lejos, pues Matterhorn viene nombrando a Beenie en sus últimas canciones (Dancehall Duppy y Dancehall Duppy 2). Y claro ya sabéis, no hay dos sin tres. A los amantes de los piques y counteractions entre artistas os recomiendo que escuchéis el tema en cuestión Dancehall Duppy 3. Merece un comentario exhaustivo que si puedo haré más adelante. De momento vamos con la segunda parte.

Assassin, Vybz Kartel, Khago, Bounty Killer, D’Angel, Busy Signal, Aidonia, Jah Vinci, Mavado… Estos son los nombres que aparecen en el tema Dancehall Duppy 2. Algunos salen bastante bien parados como Vybz Kartel o Bounty Killer a los que Tony Matterhorn parece seguir respetando. Pero otros como Beenie Man o Jah Vinci salen escaldados. De este último dice Tony, que se hundirá como el Titanic.

Una cosa está clara, que Matterhorn dice lo que piensa y además que no se esconde porque en el mismo tema dice que le pueden encontrar en cualquier convinience store… jajajaja. Veremos si la frase de Tony “none a dem no badda than mi” es cierta o no, porque seguro que esto no acabarà aquí. Tiempo al tiempo.

Seguimos con uno de los implicados, Khago. Un artista, con un nombre desafortunado, pero que está gozando de mucho éxito y reconocimiento en la isla. Merecidos según mi humilde opinión. Pero sobre el Take Over riddim nos trae Trouble, un tema que la verdad no pasará a la historia como uno de sus mejores.

Es el turno de uno de mis favoritos, ¡el multitalentoso Charlie Black! Siempre da en el clavo y está vez lo vuelve a hacer con este Gyal a bruck out. Siempre pensando en lo mismo… ¡Charlieeeee!

¡Paren las rotativas! Si antes decíamos que Tony Matterhorn aseguraba ser el más malo, yo no sabría como calificar al siguiente personaje. Ai di di di di di di donia… ¡¡¡Bad people deh ya!!! Aidonia va a su rollo, pasa de todo el mundo con su crew JOP. Todos añoramos algo, no sé, la comida de las madres cuando estamos lejos, los amigos que se fueron, esa novia que nos dejó… Pero solo una mente como la de Aidonia podía transcribir en una lírica una añoranza tan particular: Miss yuh fuck. Tengo que decir que está la versión para todos los públicos Miss yuh touch pero es mucho más divertida la otra, ¿no?

Vamos con Mr. Vegas que llega con el tema Right Yea y que rápidamente deja paso a D’Angel, con Hot fi dem. Al final esto parecerá el Sálvame jamaicano pero diria que D’Angel es ya oficialmente ex mujer de Beenie Man y que el pobre está desconsolado llorando por las esquinas… Si lo veis dadle un pañuelo…

Para terminar Jah Vinci parece responder también a Matterhorn con este Caah kill me que no deja lugar a dudas y que pone punto final al mix.

Además hay otros artistas que por cuestión de tiempo y/o gusto no aparecen en la mezcla. Son Spice, Dosa Medicine, Dota Coppa, Lisa Hyper, Navino, Nine Mill y Ward 21.

¡Eramos poco y parió la abuela!

Espero que os guste la mezcla del Take Over riddim, podéis comentar lo que queráis un poco más abajo. ¡Gracias!

One Love

Contenidos del programa:

• Recordamos el fallecimiento del veterano soundman Cyril “Count C” Braithwaite.
• Repaso a la historia de Don Carlos con motivo de su próxima visita a Barcelona.
• Ultimo vistazo a la novedad del mes: “We Remember Gregory”.
• Con “The Reggae Singles Anthology” presentamos el recopilatorio dedicado a Black Roots.
• “Hertical Story” nos sirve para volver a escuchar algunos temas del sello francés.
• Tune In! vuelve a la carga una temporada mas para traernos las novedades editadas en Jamaica.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel

SOUNDSYSTEM FM, ONE BIG HAPPY FAMILY!!!

Bienvenidos al blog Vibrations. Un blog más de reggae-blog.net es en el que trataremos de abrir toda ésta cultura del sound system, propiamente dicho, y que parece ser la gran desconocida del mundo del reggae.

Me llamo Iñigo y he nacido en Guadalajara, España. Tengo casi 30 años y he pasado la mayor parte de ellos escuchando sobretodo música reggae. También colecciono discos y he pinchado reggae desde hace unos años como Rootikaly Movement. Muchos me/nos conoceréis por ello. Eso me llevó a descubrir un mundo del reggae desconocido, el sound system. Primero en una faceta más de dj, pero sin dejar de aprender y descubrir que era realmente eso. La típica imagen que llega de Jamaica de los altavoces y el sound system para mí no solo se quedaba ahí. Había un mundo enorme lejos de mí donde sound systems funcionaban realmente en todos y cada uno de sus “bolos” con toda esa pila de altavoces y poniendo roots reggae, que literalmente, quitaba el hipo.

Mis amigos de la Asociación Cultural Reggae me plantearon la posibilidad de comenzar algo así hace tiempo, pero a veces los proyectos tardan tiempo en cuajar. Me parece interesantísimo abrir todo ésto a todo el público, avisando primero que nosotros no somos expertos en nada, simplemente tenemos algo de experiencia en ello. Aprendices de todo, maestros de nada. Tampoco queremos dejar de recomendar algo de espíritu autodidacta. Por nuestra experiencia hemos descubierto que esto del sound system es algo quizá muy romántico pero a la vez muy duro, por lo que todo el mundo no está dispuesto a pasar. No consiste en poner reggae y temazos con mucho sub. Hay que saber de electricidad, de electrónica, de carpintería… hay que ser un poco manitas. Es decir, no vamos a desarrollar la ley de Ohm para explicar porqué es mejor conectar a 4 u 8 Ohmnios ó si conectar los altavoces en serie o paralelo, ni vamos a analizar espectros de preamplificadoreso tipos de madera en profundidad. Esperamos ser de ayuda en algunas cosas concretas que iremos destripando poco a poco, para que cada uno aprenda. Hay mucho que aprender.

Para los que nos gusta, ir a escuchar musica reggae a un sound system es como una recarga de energía, la música se te mete dentro del cuerpo. El mensaje positivo de la música rastafari es algo increíble que compartir con la gente, y que mejor forma de hacerlo que bailando, gozando. El roots reggae y el dub ha permanecido más fiel a este formato, y por ello, el rastafarismo. Mientras el dancehall hace más guiños al mainstream, y el ska permanece vivo gracias a la gran cantidad de bandas que hoy en día lo hacen realidad, más que sound systems especializados. Escuchar ciertos temas dub sin graves puede llegar a aburrirme hasta a mí. Creo que ésa es una de las razones. En las sesiones de los sound systems se crea algo especial con la vibración del subgrave, que a muchos nos engancha. Creo que muchos ya sabéis a lo que me refiero.

Fiestas que eran una locura hace 5 años, empiezan a ser realidad hoy en día. Ciudades donde no había sound systems, ahora los hay. Por ello, y sin decirle a nadie lo que tiene que hacer, destriparemos un poco todo ésto, como hemos dicho antes. Creemos que hay mucha gente con ganas de aprender.

Vais a tener que soportar nuestra subjetividad, desde la cual, vemos como Dub Station en el Rototom ha hecho una gran labor en enganchar a mucho público en general del reggae dancehall, al dub, al sound system. Así que en nuestra segunda entrada haremos un pequeño resumen de lo que allí ha pasado, porque para una escena casi yerma hace 5 años, tener en un año (dos veranos) “de repente” gente como Jah Shaka, Aba Shanti, Iration Steppas, Jah Observer, Bush Chemist, On-U, Blackboard Jungle, Ital Sounds, O.B.F, Dubkasm, Channel One… es algo digno de reseñar.

No seremos los únicos a los que podréis leer por aquí, esperamos contar con la sabiduría y la experiencia de la gente de la escena e incluso alguien de fuera nos eche un cable.

Así que muchas gracias a todos los que leéis y a la ACR por este huequecito.

Seguimos por aquí.

La poesía, cursi para muchos y la voz del alma para otros. Procedente de las clases altas en muchos lugares pero también de los suburbios. La poesía desde sus orígenes se caracterizaba por tratarse de una comunicación no destinada a la lectura, sino de una representación realizada ante un auditorio por un individuo o un coro con acompañamiento de un instrumento musical.

En cierto modo, toda expresión artística es poesía. Una forma de ser, vestir, andar, hablar y actuar ante la vida puede ser poética. Hay privilegiados que nacen con un don para ella. Ante los sentimientos de fracaso, ellos siempre tienen una segunda estrofa que añadir a la tuya y terminar esa “poesía” de una manera más positiva o con un cierto aliento de esperanza.

Sus movimientos son como pinceladas en un lienzo, su mirada profunda como si fuera a anunciar lo nunca antes dicho. Le caracteriza un estilo único que lo hace especial, inigualable delante de cualquier otro ser. Su nombre: Rebelina. Nacido en las montañas de la pequeña isla caribeña de Jamaica, tierra que ama y rehúsa abandonar, no como muchos otros que lo desean o ya lo han hecho.

Alza la voz antes que el sol salga y sigue con sus cantos, oraciones y rimas, después de que éste se vuelva a esconder. Siempre dispuesto a componer un nuevo tema, a tomar un micrófono y lanzarse, aunque a la primera no salga del todo bien.

La oscuridad hace llegar a los Dj’s con los primeros vinilos de Rub A Dub de la noche. Todos están preparados para dejarse llevar.  Los cuerpos se frotan unos con otros sin perder nunca el ritmo. Unos se mantienen apoyados en la pared cerveza en mano y otros sentados, jugando al dómino como si la fiesta no fuera con ellos. Rebelina, apartado de la multitud, se aferra a la gran torre de bafles como si así pudiera saborear mejor cada instrumento y transportarse a tiempos pretéritos, cuando en el Dancehall se respiraban otros aires.

Avanzada la noche, era rara la vez que no se acordara de los tiempos de Marley y de cómo eran entonces las cosas. Anclado en el pasado, insistía en que la muerte de Marley fue un asesinato, apoyándose en los relatos de Cedella Marley Booker en los que decía que su hijo fue de alguna forma envenenado para contraer esa grave enfermedad que acabo con su vida.

La tristeza en aquel momento se apoderaba de su persona. Sus gestos y expresiones cambiaban por completo. Un sentimiento profundo de dolor le invadía y le oprimía el pecho. De pronto, como si de una señal se tratara, a lo lejos, en otro sound system varias calles abajo, sonaba uno de los grandes temas de Marley, “Natural Mystic”.

“There’s a natural mystic blowing through the air;
If you listen carefully now you will hear.
This could be the first trumpet, might as well be the last:
Many more will have to suffer,
Many more will have to die – don’t ask me why.

Things are not the way they used to be,
I won’t tell no lie;
One and all have to face reality now.
‘Though I’ve tried to find the answer to all the questions they ask.
‘Though I know it’s impossible to go livin’ through the past -
Don’t tell no lie.” Natural Mystic – Bob Marley

Arrancó calle abajo con lágrimas en los ojos, como si estuviera corriendo hacia el propio Marley. Le invadían los fantasmas. Los fantasmas del pasado. Los que no aceptamos que se vayan y los que nos nublan el presente. Ese sabor agridulce que sólo nos da la melancolía. La que nos embriaga y nos hace sentir, paradójicamente, felices por un momento.

Plantar cara a la realidad es mucho más difícil que dejarte llevar por dicha melancolía. Alimentarse de los recuerdos, pensar en la gente que te rodeaba en ese momento y creer que fueron mejor los tiempos pasados que los presentes. Pero quizás no sea verdad, sino sólo una mera percepción. Es más la necesidad de tener este sentimiento agridulce, que como si de una droga se tratara esperamos que nos invada el cuerpo y nos eleve la mente. Los recuerdos fluyen y todo nos parece maravilloso. ¿Pero realmente todo era así de maravilloso? ¿O es lo que queremos y deseamos recordar?

Como bien decía Marley, es imposible seguir viviendo del pasado e intentar responder a todas las preguntas, pues hay preguntas que nunca podremos responder al no estar las respuestas a nuestro alcance.

Seguiremos aquí, delante de las torres de sonido, recordando viejos tiempos y a la vez vigilando que éstos no se nos lleven a las profundidades del olvido y al desprecio del presente.

“Es difícil entender hacia donde se dirige hoy en día la música jamaicana. La poesía siempre estuvo presente un sus múltiples estilos pero ahora todo está en la cuerda floja. Cuando despierten, se darán cuenta que la poesía es la clave para llegar a los corazones y que ésta será la única manera en que el sentido de la lírica de cualquier tema quede grabado y perdure. El tiempo nos dará la razón. Time is the master.” – Rebelina a.k.a Papacito

Texto: Thunda

Antes de nada dar la bienvenida a los nuevos compañeros de blog, Daggabway y Cai. Buena idea por parte de Lalo que las nuevas generaciones den su punto de vista sobre dos aspectos tan importantes como son el baile y también como no, los sounds. Junto con las atinadas críticas de Barracuda, las afinadas observaciones de Monty, las historias caribeñas de Thunda (por cierto, se echan de menos que no hayan más) y la aportación de un servidor la oferta del Reggae-Blog.net de la Asociación Cultural Reggae creo se refuerza. Respeto máximo para la ACR y todos los que aquí colaboran.

A lo nuestro, después del maratón de Gaza pasaremos al otro lado, una visita por el Gully Side y su máximo exponente, David Constantine Brooks, AKA Mavado, AKA Gully God.

La ciudad de Kingston limita al sur con el malecón que da a la bahía de Kingston, el resto se encuentra rodeada de montañas, excepto una pequeña franja al lado de la bahía por donde circula la Mandela Highway con rumbo a Spanish Town la antigua capital.

Kingston es una ciudad calurosa durante todo el año y muy calurosa en verano. No llueve en exceso, la mayoría de los días son soleados y más bien plomizos durante el día y agradables por las noches. En Kingston no llueve demasiados días, eso si, cuando lueve, llueve. Como dicen en ingles llueven perros y gatos. La cantidad de agua que descargan las nubes sobre Kingston en unas pocos horas es enorme. Al estar rodeada de montañas y colinas el agua que baja de éstas hacia la ciudad es tan enorme que arrastra todo tipo de objetos, basuras incluidas. Durante los años que se fueron urbanizando las calles de las nuevas áreas de Kingston se pensó que era importante canalizar esos torrentes de agua que creaban tantos problemas en la ciudad. Así nacieron los Gullies. Básicamente son como afluentes asfaltados que van canalizando el agua como lo haría un río normal, esos afluentes van descargando en otros mas grandes que van a dar al gran Gully que desemboca en la bahía cerca del área de Waterhouse.

Las laderas de los Gullies nunca se edificaron con edificios salubres por el tema de la enorme cantidad de basuras que arrastraban las aguas. Ya sea en las zonas altas y más acomodadas de la ciudad, o en las más bajas, las orillas del los Gullies se convierten en terrenos adecuados para edificar chabolas. De esta forma se da la circunstancia curiosa que los Gully Side serían un ghetto unido no por una determinada área urbana, sino un interminable ghetto en forma de puerta con puerta por un recorrido larguísimo de kilómetros.

En Kingston yo vivo en la ladera de una de las colinas que rodean la ciudad, Stony Hill. Así pues cerca de mi apartamento hay uno de esos afluentes asfaltados. Unos quinientos metros hacia el sur hace esquina con Constant Spring Road la Cassava Piece Road. Esta calle que va bajando hacia el sur esta a poca distancia del Gully, en este área se crió Mavado. Mas concretamente en una esquina llamada Cuban.

Siempre me paro en uno de los puestos del Gully Side a comprar mis bolsitas de marihuana, unas cervezas, papelillos y esas cosas que a los humanos nos hacen falta. Los puestos están decorados con posters de Mavado, grafitties y todo tipo de parafernalia. La música de Mavado suena las 24h al día.

La personalidad de Mavado no tiene nada en común con la de Vybz Kartel. Es un tipo apocado, que no tiene demasiadas luces ni tampoco mucha labia. Pero en mi opinión Mavado es el artista de estudio más importante de la primera década del S XXI.

El joven David trabajaba de barbero comunal en Cassava Piece. Educado por su abuela acudía a la iglesia con ella dónde empezó a cantar. Dicen que siempre fue Bounty Killa su mayor influencia. Y es el propio Bounty quien le acoje como miembro de el grupo de artistas que lidera, la Alliance. La forma de proceder de Killa como líder de Alliance no tiene nada que ver como Vybz Kartel maneja el Portmore Empire. En Alliance el único requisito indispensable es respetar a Bonty Killa. Entre este grupo de artistas están Wayne Marshall, Serani, Ele, Harry Todler, Busy Signal y como no, Vybz Kartel antes de desertar.

En al año 2004 los productores asociados a Serani, Daseca componen un riddim que servirá de despegue no sólo para los jóvenes productores sino también para el propio Mavado. El riddim se llama Anger Management y el tema que se convierte en el primer hit masivo de Mavado se llama Real Mackoy. Varios éxitos durante los años 2005 y 2006 hacen que VP lance al mercado en el 2007 su primer álbum bajo dicho sello, Gangsta for life. The symphony of David Brooks. Wah dem a do y Dying son quizá los dos temas mas populares. Aunque sin duda lo que se convierte en una expresión popular es la intro que repite en muchos de sus temas. ¨Anywayyyyy…..gangsta for life”.

Durante estos años los conflictos de Mavado con la policía por incidentes de todo tipo son inumerables. La policía llega a cortarle dedos con cristales en la comisaría de Kingston 8. El abandono de Kartel de Alliance le deja vía libre, y lo aprovecha para librar una rivalidad con VK de la que ya hablamos en el capitulo anterior.

Logra un hito internacional cuando su música es parte del juego Grand theft auto IV que llama la atención de Jay-Z para una colaboración.. En el 2009 sale en VP “A better tomorrow”, en este momento ya Mavado se ha convertido en el artista referencia del dancehall. El numero de hits es larguisimo, High Unda, Neva believe U, On the rock, So blessed, Dont Worry se convierten en habituales y son ya historia del Reggae.

Y para terminar ya esta crónica decir que acaba de ser fichado por un rapero americano llamado Dj Khaled, y el primer hit de este nuevo sello es Delilah, un tema bastante hortera pero pegadizo, la dulce voz de Mavado es capaz de dulcificar casi cualquier tema. Aunque yo diga Gaza antes que nada digo música, y no voy a dejar de reconocer el talento enorme de este artista.

Releyendo lo que acabo de escribir creo que me ha quedado un poco como la propia personalidad de Mavado, falto de chispa y un poco plomizo, aún así y más después de leer la untima entrega de Monty sobre el dancehall y el roots durante el Rototom me encantaría ver como reacciona la gente ante una posible actuación de Mavado en un escenario reggae y joven, ojala lo vean mis ojos. Y escuchen mis oidos.

Bueno, como ya dije la próxima entrega cambio total de tercio. Bajemos a Alpha School y visitemos la cuna del Ska. Os espero.

Texto: Fernando García-Guereta.

15:20 Terminal 1 El Prat Vuelo VY8465. Después de unos minutos de retraso, aparecen Konshens, Darrio y Raffael de Magic Box por la puerta de salida.

Cuando llegamos al hotel los soundbwoys ya estaban esperando, la sesión con más dubs hasta la fecha en la gira a cargo de Skorea Sound. Como primeras impresiones, Konshens es un artista abierto, conoce Europa y como es la gente de aquí, fácilmente puedes hablar con él y con Darrio, y los dos son trozos de pan, además de chavales.

Después de que el Rototom anunciara que Konshens se presentaba a su festival a última hora, nos planteamos la posibilidad desde el Jamrock de no llegar a hacer el concierto, pero finalmente decidimos que quizás eso nos iba a favor y no en contra, por lo que seguimos adelante y el viernes pudimos ver que tuvimos suerte en la elección. Desde primera hora ya se iba concentrando la gente en la puerta de la Mephisto y a la 01.30 el calor ya era insoportable.

Antes de empezar el concierto, pasaron por el escenario Chantelle Ernandez, One Chot de Venezuela y las Bun Dem Squad de Barcelona, que nos dejaron una vez más con la boca abierta con una de sus coreos.

Cuando la sala ya estaba quemando como un horno (literalmente) Konshens hizo su aparición. El concierto fue épico, big tune tras big tune fue cantando todo su repertorio, empezando por “Forward” y pasando por temas como “Gyal Dem A Talk”, “Buss A Blank”, “Winner” o “Realest Song” entre muchos otros. Por culpa de un sonido muchísimo peor de que de costumbre, Darrio no brilló todo lo que podía, fallo en el micro además de fallos en el sistema de monitoraje hicieron que quedara en segundo plano haciendo los coros.

Hay que añadir que el sonido era penoso y que tuvimos fallos que hacían que la mezcla no se escuchara correctamente. Konshens lo arregló como pudo con su voz mágica, pero sabemos que no fue lo que se esperaba. También el calor fue agobiante, demasiada gente a la vez cuando sonaba Konshens, y parecía que llovieran gotas de sudor, aunque el AC estaba al máximo (lo comprobé yo mismo).

A favor, decir que el concierto de Konshens fue espectacular, mucha gente vino a decirme que fue una de las mejores fiestas de su vida. Konshens ha visitado por fin Barcelona y es un artista más que se suma a la lista de young talents que van pasando por nuestra ciudad, más de 500 personas pasaron por la Mephisto esa noche y la fiesta no acabó con Konshens, siguió con Warrior Vybz, King Horror featuring Fsteady y las spanish dancers, que después de un Rototom lleno de nuevas movidas, pasaron por Barcelona a dejar huella con su show.

Esperamos que con el tiempo podamos mejorar el sonido de la Mephisto, se hace lo que se puede con el presupuesto del que disponemos y la llama del Dancehall sigue viva cada dos viernes en el Jamrock como en ningún otro lado del país.

Texto: Cai
Fotos: Jamrock

Saludos.

ACR me propuso hace 3 años hacer un blog, y aquí estoy. ?Lo primero de todo es presentarme: soy Iñaki Yarritu, también conocido como ‘Inyaki’ porque en Londres, donde vivo, no conocen la “ñ” así que decidí deletrearlo de esta forma para que pudieran pronunciarlo de una forma comprensible. ¡Hasta entonces me llamaban de todo!

Descubrí el Reggae en 1978 cuando vivía en Bilbao. Escuché a Bob Marley & The Wailers y me marcó para siempre, literalmente, me cambió la vida. Empecé inmediatamente a interesarme por todo lo que había detrás de esta música que a mi me sonaba tan extraña y diferente. Aparentemente simple, pero en realidad muy compleja .

Eran otros tiempos, entonces no había ni discos ni información, y aparte de un par de amigos, ni siquiera conocía a alguien que escuchara música jamaicana. No había nada de nada, por supuesto ni un solo grupo de Reggae o Ska. ¿Sound Systems?…. ¡No sabíamos ni lo que eran! Desde entonces conocer todo lo posible sobre esta música ha sido?mi gran pasión (y a veces obsesión).

En estos más de 30 años he participado en varios proyectos relacionados con el Reggae. ?Siempre he pensado que si no te convence lo que hay, pues…. hazlo tú mismo! Así que hartos de no poder escuchar “nuestra música” en ninguna emisora de radio empezamos en el año 85 Reggae Rocking, programa de radio pionero. Unos años después, ante la falta de conciertos, montamos una promotora para traer artistas a actuar y promocionar el Reggae (hace 20 años ya). Eramos bastante jóvenes y entusiastas. Queríamos dar a conocer lo que para nosotros era la mejor música del mundo mundial!…. ya que (casi) nadie se había enterado de que existía!

Personalmente, supuso un gran cambio pasar al otro lado de la barrera, o sea pasar de ser un fan absoluto y bastante idealista (e ingenuo, la verdad) a ver la parte ‘profesional’ del negocio, un océano por donde a veces habitan los tiburones y la hipocresía. Algunas experiencias me abrieron los ojos. Por primera vez ví a los artistas como personas de carne y hueso con los mismos defectos y virtudes que el resto de los mortales y a menudo nada que ver con mis ideas preconcebidas sacadas de las fotos que veía en las portadas de los discos y las letras de sus maravillosas canciones.

En 1987, tras varias visitas, me vine a vivir a Londres. Un paraíso musical comparado a la falta de escena de mi País. ?Y yo que hasta entonces me creía que sabía tanto… ¡qué equivocado estaba! Inglaterra era otro mundo. Me di cuenta de que era un ignorante en comparación a los que de verdad saben del tema. Aquí tuve la suerte de contactar con coleccionistas, periodistas y verdaderas enciclopedias de la música jamaicana. Tuve? acceso a información y discos que ni sabía que existían. Básicamente me di ?cuenta de que yo solo conocía la punta del iceberg y no me había enterado del 90%. ?Y aún más significativo fue conocer en persona a importantes ?músicos y artistas.

Me incorporé a la vibrante y bulliciosa escena de Reggae de Londres ( siempre he vivido en el sur de Londres por la zona de Brixton ), una escena de la que me siento parte y donde tengo la gran mayoría de mis influencias, colaboradores y maestros de los que tanto he aprendido.?Vi nacer la escena del llamado UK Steppers ( también llamado UK Dub ) de Londres y la llegada de las producciones digitales con el cambio generacional que renovó en parte a la audiencia. Aparte he trabajado en tiendas de discos especializadas en música jamaicana durante 15 años.

También soy músico y productor. Empecé a hacer música a finales de los 80, y desde entonces he colaborado con cientos de músicos jamaicanos o londinenses. He tocado en una docena de bandas y backing bands de Reggae  por Europa. Pero en realidad este blog no tendrá nada que ver con mi carrera musical, no viene a cuento. (si a alguien le interesa puede encontrar información aquí: www.facebook.com/basquedubfoundation)

Todas estas experiencias me han permitido conocer en persona a bastantes de mis heroes musicales (algunos incluso son amigos desde hace años), incluso he acabado tocando, de gira o produciendo a muchos de ellos, algo que jamás soñé siendo un quinceañero fanático del Reggae en Bilbao. Poco a poco lo que empezó como una  pasión de adolescente se convirtió en mi vida profesional. Pero a pesar de mis actividades profesionales  me sigo considerando ante todo un fan de la música jamaicana.

Todos somos una consecuencia de la época en la que vivimos, de cuando y donde nacemos y de las circunstancias que nos afectan. Me considero parte de la escena londinense y en parte consecuencia de esa influencia. Por otro lado, por mis experiencias personales, estoy en los 2 lados de la barrera lo cual me ha dado perspectivas distintas, y desde luego ha influido en mis puntos de vista.

Bueno, pues después de todo este rollazo (¡mi vida ?y milagros!)… ¿De qué va a tratar este blog?

Pues un poco de todo: entrevistas y artículos que he ido haciendo desde los 80, de algunas de mis experiencias y anecdotas ( ¡ aunque muchas se quedaran en el tintero ya que no son aptas para ser mencionadas en un medio público !) combinado con dosis de musicologia y traducciones de artículos de prestigiosos amigos “reggaeologos”, pero siempre desde un punto de vista ‘musical’. Me explico: desde hace 33 años he coleccionado información sobre la música jamaicana y en muchos casos se dedica más tiempo a factores que influyen en la musica que a a la música en si.

Factores socio-políticos, diferente conceptos de espiritualidad, análisis histórico, modas, tribus urbanas,… todos ellos condicionantes importantes que por supuesto influyen, pero al final la música es música y la hacen los? músicos. Si no hubiera músicos no habría Mento, sound systems, estudios, ? de grabación, productores, Ska, Rock Steady, Reggae, Dub, Dancehall..… Si no hubiera músicos, no estaríamos aquí (yo escribiendo y ustedes leyendo). Así de simple.

Todos los análisis intelectualoides de pseudo-críticos que se quieran hacer nunca explican ni la música que oímos en los discos ni porque suenan así. La gran mayoría de los que escriben sobre Reggae nunca han hecho música, una contradicción en mi ?opinión.

No soy precisamente un Cervantes o un García Marquez (la destreza literaria no es una de mis cualidades) y mucho menos cuando se trata de describir algo tan insondable como la música Reggae. Habrá sin duda faltas de ortografía y afrentas al diccionario ( lo cual no me preocupa en absoluto por cierto! ). Si se me entiende, me doy por satisfecho. No soy por naturaleza demasiado organizado pero intentaré darle cierta regularidad a este blog.

Este blog será bilingüe: en castellano y en inglés. Las entradas en español las traduciré al inglés y viceversa. Lo que sí procuraré es no abusar de palabras o frases en inglés (o jamaicano) cuando escriba en castellano, a no ser de que sean intraducibles. No me gusta mezclar idiomas, cada uno tiene su personalidad y sus expresiones castizas.

Por último, nunca he hecho un blog en internet anteriormente. A diferencia de un cuaderno de bitácora a la vieja usanza este es un medio interactivo y participativo. Aquí habrá comentarios de los lectores. Sinceramente, no me preocupa en absoluto el no tener comentarios positivos, prefiero aun más las correcciones. Si a alguna gente  le parece interesante leerlo y además yo aprendo también, todavía mejor…… tarea cumplida! La verdadera sabiduría consiste en saber que se sabe lo que se sabe y también en saber que no se sabe lo que no se sabe y apreciar lo que se puede aprender.

REGGAEOLOGY CORNER

Greetings.

3 years ago ACR asked me to do a blog, and here it is.

First of all let me introduce myself: I am Iñaki Yarritu, also known as ‘Inyaki’. In London, where I live, they aren’t familiar with the letter “ñ” so I decided to spell it that way to make it easier to be pronounced in a comprehensible way. Until then I was called all kind of things!

I discovered Reggae music in 1978 while living in Bilbao, my hometown. I heard some Bob Marley & The Wailers music for the first time and it left a deep impression on me forever, literally it changed my life. Immediately I started to get interested in all that was behind this music that sounded so different and strange to me. Seemingly simple, yet so complex. Those were different times indeed. Back then there were no recordings or information available to me, and apart from a couple of friends, I didn’t even know anybody into jamaican music. There was absolutely no scene at all over there,  not a single Reggae or Ska band around either.  Sound Systems?… We didn’t even know about then! Since then knowing as much as I could about this music has been my passion (and sometimes obsession).

In these last more than 30 years I’ve been involved in several Reggae related ventures. I’ve always believed that if you’re not satisfied with how things are around you then… do it yourself! So fed up  of not being able to hear it on any radio stations we started in 1985 our own programme Reggae Rocking . A few years later, in the absence of concerts, we set up a live events agency promoting Reggae shows and bringing international artists to perform (recently we celebrated 20 years of that). Those were a pioneering effort in our country back then. We were quite young and enthusiastic. We wanted to spread out what for us was the best music in the world since (almost) no one had even heard of its existence!

On a personal level, it was a big change to be on the other side of the fence, I mean from being a hardcore and rather idealistic fan (and naive to be honest) to seeing the ‘professional’ business side, an ocean where sometimes sharks roam and hypocrisy flourishes. Some experiences were a real eye-opener. For the first time I saw artists as human beings made of the same flesh and blood and with the same virtues and flaws as the rest of the mortals. Often nothing to do with my preconceived ideas drawn from the album covers’ pictures and the lyrics of their wonderful songs.

In 1987, after several visits, I moved to London. A musical paradise compared to the lack of scene in my country.

Until then I thought I knew so much… How wrong I was! England was another world. I realized that I was a complete ignoramus compared to those who really knew their Reggae. Here I was fortunate to link up with collectors, journalists and true Jamaican music encyclopaedias. I had access to information and recordings that I didn’t even knew existed. Basically I realized that what I knew was only the tip of the iceberg and I had not heard of the 90% below the surface. Even more significant was to meet artists and musicians in person. I got involved in the vibrant and lively London Reggae scene ( I have always lived in the Brixton/ South London area), a scene that I feel part of and where I’ve met the vast majority of my teachers, collaborators and influential people who I have learned from.

I am also a musician and producer. I started making music in the late 80′s and have since worked with hundreds of Jamaican and London musicians having played in a dozen backing bands. touring Europe.  But in reality this blog has nothing to do with my music career, is beside the point.( if anyone is interested info can be found here: www.facebook.com/basquedubfoundation)

All these experiences have allowed me to know in person many of my musical heroes (some  have become friends). I even ended up playing, touring or producing many of them, something I couldn’t have dreamt of in my wildest dreams as a teenage Reggae fan in Bilbao. Gradually, what began as a teenage passion became my career. But despite my professional activities I still consider myself first and foremost a Reggae fan.

We are all a consequence of the era in which we live in, when and where we are born and the circumstances that affect us. I consider myself part of the London scene and partly a consequence of that influence. Besides, my personal experience on the 2 sides of the musical fence has given me different perspectives, and certainly has influenced my views.

Well, enough of my boring life story! So, what’s this blog gonna be about? ?A bit of everything really: partly about my experiences, there will also be a dose of musical archaeology, some interviews and articles I’ve been doing since the 80s, translations of articles by prestigious “reggaeologist” friends and some anecdotes but my perspective is mainly from a ‘musical’ point of view. I mean, during the last 3 decades I have collected information about Jamaican music and in many cases more time is spent on factors influencing the music than the music itself. All kind of socio-political factors, different concepts of spirituality, historical analysis, fashion, urban tribes,… are over-mentioned in their influencing, but at the end of the day music is music and is made by musicians. Without musicians there would be no Mento, sound systems, studios, producers, Ska, Rock Steady, Reggae, Dancehall,…

If there were no musicians, I wouldn’t be here writing this and you reading it. It’s that simple. ?All the intelectual analysis of pseudo-critics in the world will never explain the music we hear and why recordings sound the way they do.? The vast majority of those who write about Reggae have never made music themselves, that’s a contradiction in my opinion.

This blog will be bilingual: both in spanish and english. I’m not exactly a Shakespeare or Dickens ( literary skill is hardly one of my qualities ) and much less when it comes to describing something as unfathomable as Reggae music. There will undoubtedly be misspellings and affronts to the dictionary (which by the way does not bother me at all!). If I am understood, I’ll be satisfied. I am not very  organized by nature, but I will try to post on this blog with some sort of regularity.

Finally, I’ve never done an internet blog before. Unlike an old fashioned log-book or a diary, the Net is interactive and as such there will be comments from some readers. Although, in all honestly, I do not mind at all not having positive comments, I would prefer corrections. If someone enjoys reading this and I learn something too, well…. task accomplished! True wisdom lies in knowing that one knows what one knows and also knowing that one doesn’t know what one doesn’t know!

Aprovecho mi primera entrada en este blog Dem Talk para, sin extenderme mucho, explicar los motivos que me impulsan a poner en marcha una nueva bitácora (¡otra más!) enmarcada en la iniciativa común Reggae-Blog.net planteada por la Asociación Cultural Reggae (ACR).

Considero que más allá de servir como plataforma de transmisión, comunicación y puesta en común de la música y la cultura jamaicana -labor que lleva desempeñando, con la interrupción del periodo 2008-2009, desde su fundación en el año 2000-, la ACR debe servir como generador de contenidos de calidad en lengua castellana y como medio de comunicación independiente para proponer, siempre desde el debido respeto al lector, temas de interés que pueden ser o no objeto de debate.

La aparición de Reggae-Blog.net, con columnistas de la talla de Monty, Nando, Thunda, Gontxa, Josetxo; los recientemente incorporados Daggabwoy, Cai o Lutah, o quienes se sumarán pronto a esta locura colectiva; contribuye a paliar esta ausencia de contenidos fiables y contrastables en castellano en la red de redes. Sin embargo, la visión de los mencionados columnistas dejaba un hueco por cubrir: la visión de los artistas, de los protagonistas. Y es este aspecto en el que tenemos intención de centrarnos en este blog.

Los contenidos que nutrirán esta bitácora serán principalmente entrevistas, aunque quizá también artículos, informes y reportajes -siempre que el público que lo lea lo demande expresamente-, en los que abordaremos en profundidad la opinión de activistas, cantantes, bandas, sound systems, promotores, locutores de radio, autores de revistas y fanzines y, en resumen, todos aquellos que contribuyen a crear escena, a cohesionar, a trasladar la máxima “one love, one heart, one blood” como una cuestión práctica.

Con esa aclaración sobre los propósitos, creo que no hay mucho más que añadir. Quizá una breve presentación para quien no me conozca. Me aficioné a la música jamaicana a mediados de los noventa, en el periodo 1999-2000 fui autor de un modesto skazine (Rough & Tough), en 2000 me sumé a la ACR en la que me he mantenido participando de manera muy activa en proyectos como Reggae-News.net (como coordinador hasta su desaparición en 2007), el recopilatorio “Spanish Town Reggae” (2003), la Guía del Reggae o los ACR Meetings en Rototom (2011); de 2002 a 2005 publiqué junto a unos amigos la revista Fanzy Magazine y la hoja informativa Fanzy News, de 2003 a 2005 fui miembro del colectivo The Red Mussel Crew, participando en su fanzine The Whip!, en 2006 comencé a colaborar con la revista de cultura urbana ALB, en 2007 con Mondo Sonoro (en la que ya no intervengo), en 2008 con el periódico Diagonal y la revista Enlace Funk. También he participado, con sección propia, en los programas de radio Alma de León (Radio3) y Bass Culture (Radio Almenara) y he sido responsable de los recopilatorios “Rough & Tough” (Liquidator, 2001), “L ´Edat Daurada” (Jamaican Memories, 2006) y “Alton Ellis Tribute” (Vinilos Enlace Funk, 2010) y del documental “El ritmo que adoptamos del Caribe” sobre el ska en Madrid (2007).

A partir de Octubre y a razón de una entrada mensual, podréis disfrutar en este blog de las opiniones de personajes tan relevantes como Lee “Scratch” Perry o tan desconocidos, pero interesantes, como el poeta del dub Levi Tafari, entre muchos otros. Permanecemos conectados pues.

Larry ACR

Contenidos del programa:

• Presentación de “Bass Country”, el trabajo de Chalwa Band & King Konsul coproducido con Roberto Sanchez en A-Lone Estudio.
• También desde el Pais Vasco, Makala nos trae “Unexpected Tapas”.
• Uno de los ritmos mas de moda con sus diferentes tratamientos vocales: Jah Army desde Ghetto Youths International.
• 17 North Parade reedita el clásico “This Is Augustus Pablo” con temas extra.
• Dubforce inicia una nueva temporada a ritmo de roots.
• La novedad del mes, “We Remember Gregory Isaacs”, un adelanto en forma de single de Black Roots desde Bristol Archive records y la agenda cierran la programación de hoy.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex y Marc

FEEL THE RYTHM AT SOUNDSYSTEM FM!!!

Abrimos el riddim con Patexxx, miembro de Alliance y con un estilo que recuerda al Gully God Mavado. Se marca un ganjaman tune que se lleva todo el forward. The highest, “…my have the purple skunk, could a never inna malest…”

Patexxx tell dem any day now! Hay que seguirle la pista de cerca. Puedes hacerlo por twitter @patexxanydaynow.

Seguimos con los productores, Ward 21 con Me dem want un tema straight fi di gyal dem. Curiosamente con unos registros a los que no nos tienen acostumbrados, este grupo vocal que tanto para cantar como para hacer riddims son una garantía de fiesta y buen sonido. Una combinación no siempre fácil de conseguir. Gwaaaaan Ward 21!!!

Y de aquí hasta el final, ¡las chicas al poder! Primero My Loving de Aisha Davis. Aisha, después de recorrer medio mundo como corista de Kimany Marley, Shaggy, Cocoa T entre otros se ha consolidado ya como una artista de pies a cabeza. ¡Y que pies y que cabeza! @AishaDavismusic .

No podía faltar la mala ente las malas, Lady Saw. Don’t come home tonight, toda una declaración de intenciones. La advertencia es clara: no vengas a casa esta noche porque ya tengo a otro hombre… Bad gyal a bad gyal!! @ladysawofficial.

Y para cerrar el riddim, una chica a la que tengo que reconocer desconocía. Se llama CK y Heartbreaker es su tema. Tiene flow así que espero seguir poder presentando más canciones suyas.

Si quieres puedes dejar tu comentario sobre este ritmo y votar por tu versión favorita.

Hypertension riddim, aquí lo tienes para escucharlo ¡¡¡y bailarlo!!!

Soy Lutah amante de la música negra en general y en concreto de los sonidos jamaicanos. Además soy miembro de Freedom Cry Sound y del equipo de Sound System FM.

Pero no se trata de hablar de mi si no del blog. ¿Qué es Listen Up? Creo que la manera más fácil y visual de definirlo es usando la palabra altavoz.

Sí, un altavoz porque Listen Up nace con el objetivo de amplificar y hacer llegar hasta tus oídos las últimas producciones llegadas de Jamaica y desde cualquier rincón del mundo.

Reggae, dancehall, new roots, r&b, revivals… estos son los estilos que van a sonar a través del speaker de Listen Up.

Además poco a poco iré introduciendo nuevas secciones como una lista de éxitos, presentaciones de jóvenes artistas, etc…

Pero no creáis que quiero hacerlo todo yo, no. También quiero haceros trabajar a vosotros. ¿Cómo? Muy sencillo, a través del Facebook, dejando vuestros comentarios, propuestas para la lista de éxitos y en definitiva lo que os apetezca.

Intentaré hacer el máximo de entradas que el tiempo me permita. Pero no habrá una periodicidad establecida, así que no dejes de conectar si no quieres perderte la música que más lo está petando.

Por último agradecer al equipo de la Asociación Cultural Reggae por la ayuda, la oportunidad y la confianza. ¡Gracias!

¡Divided we fall, united we stand!

One Love

Soy Cai de King Horror y sigo los movimientos de Lalo y la ACR desde que el reggae empezó a correr por mis venas.

Después de jugar con algunos temas de Skalariak o Skarface a los 14 o 15 años descubrí la música jamaicana de la mano de Punsa (miembro de King Horror también) hasta encontrar ese primer concierto de Skatalites junto a Dorean Shaffer y el inigualable Lord Tanamo para llegar a los cassetes de Desmond Decker y Justin Hinds.

En Barcelona la gente que escuchaba reggae, tal y como yo lo concebía en ese momento, eran prácticamente todo rapados que venían del 2 Tone de los 90. Algo más tarde empezamos a descubrir que había algo más y de la mano de Toots entramos en lo que nos llevaría hasta lo que somos ahora. En ese proceso, Reggae-news.net estaba siempre presente. Esos artículos/documentos que había leído más de 40 veces (faltaba un poco de actualización), esas discusiones en los foros, esas horas perdidas delante de la pantalla empapándome de esa nueva cultura que tanto me gustaba.

Cuando finalmente con Lalo acordamos empezar el blog y me pidió el artículo inicial, hice como Nando y empecé a navegar por los blogs de Reggae.-blog.net. Crónicas From Kingston lo sigo prácticamente a tiempo real, por lo que lo conocía bien, pero cuando leí el de Lalo me replanteé el hecho de empezar a escribir el blog. Me considero lo que en su primer post describe como lo suficientemente joven como para que no se le haga ni caso, pero creo también que estoy lo suficientemente involucrado en la escena sound system estatal como para poder ofrecer una visión sobre ella.

Las crónicas de los conciertos de la web ya son excelentes, cronistas como Barracuda hacen temblar a los promotores (entre los que me incluyo) y buscar la perfección en las fiestas para salir bien parados de su visita. El conocimiento y la cultura de la mayoría está sobradamanete demostrada, pero siempre me ha faltado algo. Creo que la escena sound system y lo que podríamos considerar nocturna, en la dancehall o como cada uno quiera llamarlo, no está muy patente en la web, personalmente en la época tardé en percatarme de todo el movimiento que había, y quiero aportar mi grano de arena en esto.

De modo que cada quince días vamos a publicar una entrada, intentaremos que sean salteadas, una hecha por un colaborador externo y otra por mí, con crónicas de fiestas, sound clash, referencias a sound systems nacionales o internacionales, y todo lo que podamos ir relacionando.

También quiero decir que será mi punto de vista personal, amo la música reggae, en todos sus conceptos, desde el rocksteady al dancehall, me deleitan muchísimo más los sonidos de un Alton Ellis que los de un Mavado, pero los defiendo por igual. El bleaching me parece lo mismo que ir a los rayos UVA y llevar sombrilla como tomar el sol, que cada uno haga lo que quiera con su vida.

Pienso que el público ha cambiado mucho, ahora los chavales que vienen a las fiestas, los que las mantienen vivas y los que apuestan por ellas, esperan encontrar dancehall a cierta hora de la noche, el mensaje a esas horas no es lo más importante, pero que siguen teniendo ganas de aprender y culturizarse, el respeto que tiene un chaval de 20 años amante del dancehall por el ska es normalmente superior al que tiene un amante del roots a los 40 por Kartel.

He visto a Gully boys cantar “Me neva born” de Kartel, a Luciano fugándose de clases rastas delirantes de Lee Perry y a Popcaan asustarse por un chavalin en el Jamrock. Así que no me tomo muy en serio según que actitudes, no dejan de ser cantantes y con ello personajes, sea cual sea el estilo de música, de Rock & Roll al Grunge o al Hip Hop, ya sea Lou Reed o el general de las cinco estrellas, todos meamos por el mismo sitio. Aún así, Kartel no es de mi agrado porque no me gusta el semipayaso que representa, siendo un as en las líricas como es. Beenie, Busy, Mavado, I-Octane, Matterhorn es lo que me gusta.

También decir que adoro vivir donde he nacido, después de viajar por Europa con Busy y Luciano he visto que somos de los países en los que el reggae está creciendo cada vez más, la autocrítica insaciable en la que nos fustigamos los españoles hace que mientras que en Francia o Alemania los promotores te dicen que ahora el reggae se hace por puro amor al arte y que no hay prácticamente dances, en España crezca un nuevo sound cada día en algún punto, una nueva party, y en ciudades como Barcelona y Madrid puedes beber reggae casi a diario.

Poco a poco, step by step, pero las cosas cambian aunque parezca que no.

Por último expresar mi profunda admiración por gente como Carlos Monty, Thunda, Nando, Lalo, Jordi y toda la gente que sigue haciendo crecer el reggae cada día, la lista sería innombrable e inacabable, pues cada uno ponemos nuestra pequeña parte de corazón en todo esto.

Texto: Cai

También he trabajado en diversos shows como bailarín, en clubs de dancehall en Madrid como RRPP y el último año todos los meses una vez al mes he realizado shows en la sala Siroco y recientemente me he incorporado como Mc al soundy stem madrileño Unity Sound (Big up!).

En este blog voy a explicar step by step, como se vive el dancehall en nuestro país y en otras partes del globo. Tendremos entrevistas de bailarines de todo el mundo que nos contarán sus experiencias en el mundo del dancehall. Mi objetivo es acercaros un poco el desconocido mundo del baile (dancehall) en nuestro pais. Ready? Empezamos.

Cuando hablamos de un baile, no solo dancehall, hablamos de que ha sido creado a través de los años en un marco sociocultural por diferentes grupos de personas en diversos puntos del mapa, por lo tanto cada uno tiene sus caracteristicas propias. Podemos hablar de baile o danza, que no es otra cosa que expresar sentimientos y estados de ánimo mediante la comunicación no verbal, utilizando tu cuerpo acompañandolo con un ritmo,musica. En las diferentes culturas de este planeta se baila para celebrar, para pedirle a los dioses que llueva, cuando algún familiar ha fallecido, para cortejar a un hombre o a una mujer y para muchas otra cosas.

El dancehall es una música que viene del guetto, y no hablo de un barrio u otro, hablo de que Jamaica es como un guetto, como otros paises del tercer o cuarto mundo y por eso el dancehall es su música pop en la actualidad.

¿De que habla el dancehall?

Mirando la cultura actual jamaicana, su música la representa tomando muchas cosas del hip hop americano y de la música electrónica europea. La temática de sus canciones es de lo más variado, como sus cantantes. Podemos encontrar canciones de amor, canciones con un contenido político, canciones que hablan de violencia, canciones que hablan de fiestas en clubs, sentimientos personales, de sexo, de sexo explícito, de sexo con amor, de cuantos coches tiene uno u otro, recordando a artistas que ya no están con nosotros, de sus tattoos … hablan de cosas de la vida.

Y aquí es donde música y bailen tienen la conexión.

Al igual que la música, el baile tiene su origen en una parte de la población (por que no toda la isla es igual) asociada a los barrios del extraradio o barrios en situación de exclusión respecto al resto de la sociedad Jamaicana.  En estos barrios en los que no hay mucho mas que hacer a parte de buscarse la comida del día, que no es poco, muchas personas buscan una salida: mental,espiritual y económica. Y muchas de estas personas la encuentran en la música y en el baile.

En el dancehall como en todos los bailes existen unos códigos, unos pasos; no es lo mismo bailar sólo que en grupo o en pareja. Existen unos códigos para organizarse un poco, y estos códigos van surgiendo con el tiempo, y entre todas las personas que bailamos.

Los pasos del dancehall normalmente están asociados a un comportamiento o una acción de la vida diaria, no siempre, y van desde fregar una olla, limpiarse los zapatos, o mantener relaciones sexuales (daggering) entre otras cosas.

En el próximo post entraremos un poco más a fondo, mientras para que no se os haga muy larga la espera os voy a recomendar una mixtape y un video en cada post.

Podéis descargar la mixtape haciendo clic en este enlace: Bounce 2K10. Dancehall Mixtape by Unity Sound

Contenidos del programa:

• Nuestro homenaje a Pere Andrés (El rumbero jamaicano), tras su fallecimiento. Participan Sergio Monleón y Alberto Tarín, compañeros suyos en Jah Macetas.
• Estrenamos nueva colaboración mensual de la mano de Rankin’ Rick bajo el título “Una decada de musica a l’illa del tresor”.
• La novedad del mes con el doble cd de tributo a Gregory Isaacs.
• El Mento Corner dedicado a Lord Creator, la agenda con Konshens, y un par de temas del verano a cargo de Vibz Kartel y Soca Johnny, cierran los contenidos de esta emisión.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Manel y Alex

NO MATTER WHAT THE PEOPLE SAY, THIS SHOW LEADS THE WAY!!!!!

Los seguidores del dancehall suelen hacer gala de una cierta despreocupación. Si no entiendes las letras es tu problema. Si no estás al tanto de los últimos éxitos en la Isla es tu problema. Tampoco parecen muy interesados en mantener la conexión rasta que unió en su día la evolución de la música reggae, tal vez porque ya difícilmente se encuentra siquiera en la propia Isla, donde ahora abunda el fashion, la cosmética y el ensueño con el lujo, especialmente en los guetos.

Por su parte los seguidores del roots parecen seguir conservando un cierto prejuicio con la producción digital, de forma que lo analógico es siempre, infinitamente superior, sobre todo si es ejecutado en directo. Ni siquiera necesitan cuestionar las letras o los mensajes, para descalificar el subgénero. Es curioso, porque este esquema mental reproduce al pie de la letra lo sucedido con la revolución generacional del punk, donde las audiencias más conservadoras primaban el virtuosismo (de por ejemplo, el rock sinfónico) sobre la actitud (aunque era cierto que inicialmente los punks no sabían tocar, pero que importaba). Sin embargo, Marley y Tosh, en cuanto pisaron Inglaterra se alinearon más rápidamente con los punks que con Eric Clapton o Peter Gabriel.

De alguna forma, el esquema de división se reproduce en la programación del Festival y sus carpas. Un par de días con mayor acento dancehall (Vegas, Shaggy) y luego básicamente a leyenda diaria de la roots & culture, y eso que falló Bunny Wailer, quien no quería compartir cartel con Rita Marley (no me extraña).

¿Pero realmente la oferta musical de la Isla es tan irreconciliable como parece, visto desde Europa?. Porque si no fuera así, significaría que somos nosotros y no ellos quienes tenemos un serio problema de comprensión, por más festivales que pretendan programarse sobre cultura jamaicana.

Un repaso a las distintas atracciones del Rototom 2011, como supermercado de las distintas ofertas jamaicanas, parece ir en esa última dirección de que las contradicciones están más en Europa que en la Isla.

La Dub Station parecería en principio el templo sagrado del roots. Mucha de su programación corresponde a oldies y deconstrucciones dub, como este año de homenaje hizo Aba Shanti con el repertorio Marley. Pero tal vez se trate de pura etiqueta. Blacka Dread maneja con maestría incuestionable el sound “Channel One” desde su Londres de siempre. Yo soy adicto a ese sabor entre 80’s y 90’s que caracteriza al reggae de la capital inglesa. Sin embargo, muchos de los supuestos incondicionales del roots, no parecían protestar cuando en la recta final de su set, Blacka programaba directamente dubstep y drum’n’bass. Los mismos incondicionales que no aparecieron por ninguna parte en los espléndidos monográficos que la carpa del Juanita Club de Valencia programó sobre algunos de los sellos más imprescindibles del reggae roots como Black Ark, Randy’s, Trojan, Joe Gibbs y otros. En cambio, el Juanita se llenaba de cuando en cuando con la intervención de sounds con una apuesta declaradamente dancehall, sin que los incondicionales opusieran resistencia alguna.

En el otro córner, la carpa de Dancehall parecía tener el lleno casi asegurado noche tras noche, muy por encima, en cuanto a afluencia, del vecino escenario de ska, y ello pese al pobre sonido de noches como la de David Rodigan, aunque también con pleno al quince en noches como las de los alemanes Sentinel, que para eso es sound champion nº 1, de lo que se deduce que una proporción de público probablemente superior a la que se piensa por los organizadores, lo que busca es precisamente la excitación de la actualidad jamaicana, más allá de servidumbres a la tradición rasta ó clásica del reggae, a la que en todo caso no parecía hacerse ascos, siempre que viniera presentada con soporte digital (Barrington Levy, Buju en clave rasta, etc.).

Así que en las 2 carpas existieron contradicciones en el respetable asistente. Pareciera más bien, una cuestión de simple presentación formal. Si se me presenta en el contexto y con el formato adecuado, mis oídos (y sobre todo mis pies) aceptan casi lo que sea. Como prueba de mi tesis, pienso preguntarle a Blacka Dread si sería capaz de colar a Gaza en una de sus sessions, y a Sentinel si serían capaces de colocar a Hugh Mundell, por poner un ejemplo extremo. Apuesto a que los 2 me contestarían que sí, si no lo han hecho ya. ¿Así que por qué tanta tribulación con los géneros y los fans en Europa, y aún más, me atrevería a decir que especialmente en España?.

Si nos fijamos en la afluencia a los escenarios principales, las diferencias no parecieron ser para tanto. Claro que salvo noches completas como la Queen Ifrica, Tony Rebel y Shaggy de un lado, o la de cierre con Michael Prophet, Johnny Clarke y Horace Andy por otro, la mezcla de estilos en el cartel resultaba un poco deslucida. Por ejemplo es difícil que Konshens, con su propuesta actualizada, pudiera suscitar la más mínima atención de los que volaron con leyendas como Lee Perry y Ken Boothe, que le precedieron en el mismo escenario.

Uno puede entender que las filosofías de ambas escenas sean incompatibles, pero cuando se sufre la fascinación por Jamaica que sentimos muchos, no debiera segmentarse tanto la audiencia, porque ellos no lo hacen cuando crean su música. Por ejemplo, es verdad que una modelo como Toya, consigue construir una carrera siguiendo los pasos –a la jamaicana- de lo más babilónico del mundo TV basura en el que vivimos, copiando hasta en el look a petardas como Rihanna, Paris Hilton o Victoria Beckam, y acaba teniendo su propio reality-show (solo que en entregas de vídeo) y obteniendo un nº 1 con un gracias a dios dedicado al sueño de las chicas pobres con convertirse en chicas materiales (“True Blessing”), que cualquier seguidor que respete la filosofía rasta podría considerar una blasfemia, e incluso acaba sojuzgando a Beenie Man en una especie de versión a la jamaicana de Pimpinela en “One Man Girl”.

Todo eso es verdad, pero también que I-Wayne reventó el mercado con “Can’t Satisfy her” hace 5 años, con una parodia de la moda de las chicas materiales y la prostitución encubierta o que, de pronto, aparece Queen Ifrica abroncando a las adolescentes que copian la imagen de Toya y el bleeching, en el vídeo de “Me Nuh Rub”, mientras que a la vez compite ferozmente con el mismo Kartel en su diss “No Bwoy” ó en su ya clásico “Fyah Mumma” y en muchos otros riddims hardcore de ahora mismo con los que también se prueba.

Así que dentro de lo que podría considerarse dancehall, coexisten los dos mensajes, las dos líneas, las dos escuelas, la simplemente escándalosa pero tremendamente infecciosa y la consciente y más crítica (escuchen a la Fyah Mumma reprochar el continuo cotilleo actual en “Rasta nuh chat Rasta” o rendir tributo a Marcus Garvey en “Essence of my Life”), como en realidad han coexistido siempre. Si no, recuerden los tiempos de Garnett Silk y Tony Rebel a la contra, en pleno auge del guns & slackness, por no hablar de Sugar Minott en su periodo de Youth Promotion. Además buena parte de los riddims actuales todavía siguen reciclando riddims clásicos del reggae de siempre (del Stalag 17 al Real Rock).

¿Luego, si la bronca no está estrictamente en la música (más allá del prejuicio antidigital), entonces, dónde se rompe en dos la música que llega de Jamaica?. Pues más que posiblemente, en nuestros oídos y nuestros ojos.

A diferencia de la mayoría de Europa, muchas de nuestras generaciones de amantes del reggae siguen conectando con el espíritu hippy y del rock previo al punk y despreciando la cultura hip-hop. Ante ese socavón generacional y cultural no hay nada que hacer, más allá de la evolución personal de cada uno.

También a diferencia de la mayoría de Europa, el nivel general de inglés sigue siendo demasiado bajo. Así que en estilos como el del dancehall o el hip-hop, donde las habilidades ante el micro representan entre el 60% y el 80% del impacto de una canción, el foso cultural resulta más difícil de saltar.

Por último, en la falta de identificación con la tradición jamaicana con la que se presenta, como mera extensión del hip-hop americano, el dancehall en España, abusando de sus estereotipos, como tuvimos oportunidad de comprobar en el Festival con la polémica artificial creada por el Diario Público en torno a la supuesta homofobia y machismo del reggae. Para desmentirla, Capleton aglutinó en el escenario, tanto a los seguidores del dancehall como del roots y new roots, convenciendo incluso a los más escépticos, que pensaban que sólo sabía gritar y no cantar.

Así que a ambos bandos les digo: menos etiquetas y más buscar la buena música. Que Jamaica tiene mucha que ofrecer, en cualquier época y en cualquier estilo. “Not Judge, before judge yourself”, dijo el Sabio.

Carlos Monty. Agosto 2011

Contenidos del programa:

• Presentación de la nueva temporada con la presencia de toda la familia Soundsystem FM.
• Repaso a lo que dió de sí el pasado Rototom Sunsplash.
• Recordamos a Pere Andres (Jah macetas/El Rumbero Jamaicano) tras su inesperada muerte.
• Estrenamos novedad del mes desde VP Records, recordando el asesinato de Joel Chin. “We Remember Gregory Isaacs” sonará todo el mes de septiembre.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick y Manel

Asistencia técnica:  Alex

UNETE A LA NUEVA TEMPORADA DE SOUNDSYSTEM FM!!!!!

En el año 1997 la compañía Apple lanzo una de las campañas de publicidad mas interesantes e inteligentes que nunca se han hecho. Bajo un escueto Slogan “Think Different” – Piensa diferente- e ilustrado por imágenes de personajes tales como Pablo Picasso, Maria Callas, Ghandi, Albert Einstein, Miles Davies o John Lennon lanzaba este mensaje:

“Esto es para los locos, los des adaptados, los rebeldes, los conflictivos, para aquellos que ven las cosas de forma diferente. Las normas no estan hechas para ellos, ni saben respetar el status quo. Puedes estar en desacuerdo con ellos, vilependiarlos o glorificarlos. Pero no puedes ignorarlos. Porque ellos cambian las cosas. Ellos empujan a los humanos hacia adelante. Y mientras algunos los ven como locos, nosotros los vemos como genios. Porque solo los que estan tan locos como para creer que pueden cambiar las cosas logran hacerlo.”

Probablemente los directivos de Apple no tienen ni idea quien es Vybz Kartel, pero supieron describirlo sin conocerle.

En realidad Adijah Palmer aka Vybz Kartel, aka Addi, aka Di teacha, aka Emperor fi di Gaza, aka Dancehall Hero, aka Mikal cakesoap Jackson aka Di bleacha, no nació en Waterford (Gaza) sino en Waterhouse, una área garrison al suroeste de Kingston, pero a los 5 años su familia se mudo hacia Waterford en lo que entonces eran apenas unas cuantas casas bajo un sol ardiente. Dado su carácter un tanto conflictivo le mandaron a estudiar a Kingston al colegio Calabar. Famoso por haber producido los primeros velocistas Jamaicanos que lograron medallas en velocidad allá por las olimpiadas de los años 1948/52.

También famoso por la estricta disciplina a la que somete a sus alumnos y de donde el joven Palmer fue expulsado por su indómito carácter a los 16 años. Finalmente se gradúa a los 17 años en el Tutorial College con matriculas de honor en matemáticas, inglés, geografía y literatura. A los 15 años bajo el nombre de Adi Banton graba su primer tema ” Love Fat Woman” – Me gustan las gordas-. Solo imaginar a este imberbe chaval escribiendo un tema con ese título ya me provoca una sonrisa que me cubre la cara.

En la anterior entrega expliqué mas o menos la carrera de VK hasta el presente, asi que este Gaza 2.0 tratará de explicar menos del pasado y mas del presente y futuro de VK en varios de los diferentes y curiosos aspectos de sus variadas actividades.

Carrera musical

En el año que corre de 2011 yo diría que su carrera musical esta en el zenit después de 10 años desde que se empezaron a publicar sus grabaciones con asiduidad. El número de hits que lleva este año es incontable, “Summa time” (ni el mismísmo Georgie Dann) “Real badman”, “Freaky gyal”, “Lyricist”, “Brtish love”, “Poor people land”, “Half on a baby”, “Open up”…. son sólo algunos de los éxitos masivos acumulados en la mitad de lo que va de año. VK no tiene Visa para ir a USA y como dice en su tema “Poor people land” es un refugiado en su propia tierra. Pero eso lejos de desanimarle le motiva. VK no tiene que estar pendiente de sus giras, de sus asesores ni productores porque VK esta en absoluto control de su carrera, que básicamente consiste en trabajar sin parar. Levantarse, hacerse un porro y meterse en el estudio, ya sea a grabar, a preparar alguno de sus próximos vídeos y a dirigir sus en algunos casos limpios o en otros no tan limpios negocios. Para llegar a este lugar ha dejado grabados ya unos 300 títulos. En su discografía están por ahora “Up 2 Di Time”, “More Up 2 Di Time”, “J.M.T”, “The Teachers Back”, “Pon di Gaza”, “Pon di Gaza 2.0″ y “Kingston Story”.

Temática de sus líricas

La más repetida sin duda es la sexual. En lo que llamamos mundo occidental judeo/cristiano y que en tal alto concepto nos tenemos resulta que el sexo es un tema polémico. Mientras los Egipcios lo tenían en altísima estima, los Indios tienen su Kamasutra y sus templos estan adornados con escenas sexuales, los Japoneses tienen una secular tradición de grabados de tematica sexual, los Griegos adoraban a Eros, los Romanos se ponían morados, los Yoruba tienen a Ochun y así tantas y tantas civilizaciones, pues resulta que como decía antes los occidentales seguimos llenos de prejuicios sexuales. Yo paso de polemizar sobre el sexo y me uno al grito de VK , -Salido y orgulloso-.

El tipo habla de sexo, ¿y qué? El tipo se pasa el día pensando en follar y follar y tiene una habilidad enorme para producir una inmensa variedad de temas sexuales excelentemente escritos. ¿Cual es el problema?

El tipo apoya a las putas en sus canciones, a las bailarinas de los gogos que todo el mundo desprecia el las dedica dulces canciones eróticas. Inventa posiciones inverosímiles, símiles originalisimos, sinceridad brutal a la hora de enumerar las cantidad de parejas que tiene. ¿El sexo oral es un tabu en Jamaica? VK canta como le comen el rabo. Su dulce forma de desvirgar a su novia. Y sobre todo su brutal y salvaje sinceridad -This is not a love song, this is a fuck song – Esta canción no es de amor, si no es de follar- Quedas avisado. ¿O es que a ti no te gusta follar?

Violencia. Esto si puede resultar mas conflictivo, pero yo estoy de abogado del diablo. ¿Qué fue primero el huevo o la gallina? Los niños se vuelven violentos por culpa de VK, o VK que a su vez es una víctima de una sociedad violenta habla de lo que el ha vivido. Yo estoy con la segunda opción, la violencia es culpa de los que han creado este sistema político en Jamaica que promueve la violencia, no el que canta sobre ella. ¿Homero no escribía de guerras que era lo que veía? Los temas violentos son innumerables, y probablemente el mas conflictivo fue aquel que incitaba a matar en plena luz del día. Durante una temporada en Gaza sólo se asesinaba a plena luz del día.

Ya en menor medida hay temáticas sociales, herbalisticas y cotidianas.

Portmore Empire

El Portmore Empire se crea en el año 2007 a raíz de la salida de VK de la Aliance de Bounty Killa. Inicialmente sus componentes mas activos son Black Rhyno, Jahvinci, Lisa Hype, Popcaan y Gaza Indu.

Como todo Imperio que se precie este se dirige por un emperador, no como una democracia. Los miembros del Imperio no son tratados como ciudadanos, sino como súbditos. Los súbditos se dirigen cada día al estudio a ver si el emperador decide quien o cual va a grabar en tal o cual riddim. Por supuesto a capricho del emperador, faltaría más. Todavía hay clases.

El primero en alzar la voz en contra del sumo emperador es Black Rhyno, poco después de su mega hit “Pon di bike back” se siente ninguneado y se pira sacando al mercado un tema contra el emperador. El resultado es que la casa de Rhyno en Portmore arde y hoy en día su musica ha desaparecido como si un huracán la hubiese arrastrado mas allá del mar Caribe. Así pues Popcaan asciende y se le premia dándole un papel en Clarks. Shaw Storm sube un peldaño.

Lysa Hype es fotografiada haciendo una mamada y se publica en el tabloide Star. Esto le cuesta su puesto, abandona el Imperio y se cambia de nombre a Lisa Hyper. A pesar de un intento de Beenieman por rescatar su carrera esta se difumina inmediatamente.

Gaza Kim asciende pero cae en desgracia en muy poco tiempo, a la salida de un estudio en Big Yaard tiene una discusión con algún miembro de la seguridad de Kartel que la abofetea y queda expulsada de forma sumarísima. Las dos bajas femeninas son ocupadas por Slim y Sheba.

Finalmente, el probablemente mas talentoso de todos se harta de la tiranía imperial y huye, eso si, sin formar ruido, arrivederci Jahvinci. Y para terminar el productor Notnice que compartía sello con Kartel anuncia en TV, muy comedido eso si, que es la última baja de este curioso imperio.

Negocios Legales

La verdad que este capítulo tiene su gracia. VK siempre se da el gusto de hablar en sus entrevistas de sus negocios legales y de cómo es un empresario que emplea mano de obra local y paga impuestos. Hacia el año 2007 VK conoce a un curioso hombre de negocios, norte americano, de raza negra y casado con una jamaiquina. Su nombre es Corey Todd. Crean un ron caribeño “Street Vybz rum” y una marca de condones “Daggerin”. Por mis muertos juro que aun estoy por ver que en una gasolinera o farmacia vendan condones de Kartel y mira que los pido para hacer risas. Les pregunto a las chicas que atienden que como no tienen “Daggerin condom”, que me han jodido la noche, se me quedan mirando con cara de dónde habra salido este whitie tan flipado. Con el ron lo mismo, no lo he visto ni en una licorería, sólo en vídeos de VK, asi pues aunque no tengo pruebas, decreto que son negocios tapadera de otros negocios. Hace tan solo unos meses Kartel y Todd estan en guerra. Todd asustado ha ido por todas las televisiones anunciando las amenazas de muerte de VK y avisándole que tiene pistolas para defenderse, así es el Salvame deluxe de esta isla del One Love.

Problemas con la justicia

En Jamaica hay una curiosa figura legal que se llama person of interest. Si el gobierno te declara persona de interés, tu obligación es presentarte en la comisaría de policía más cercana y a ver para que demonios te quieren. Nada transciende de estas detenciones indefinidas, tu despareces, hasta que vuelves a aparecer, y aquí no ha pasado nada. Kartel es considerado person of interest cada tanto, a nadie le sorprende. El tipo se presenta se pasa unas semanas arrestado, y sale después y punto y final. Dicen las malas lenguas de Portmore que las detenciones son el relación con negocios que no tienen que ver con el ron o los condones, si no que son mas complicadas. Como no tengo pruebas pues no digo nada más.

Reality Show

En septiembre la cadena de televisión CVM estrena “Teachas pet” – La mascota del profesor-. 10 Jamaiquinas y 10 foráneas lucharán por conquistar el corazón de VK en una mansión de lujo en las colina. Confieso que he cambiado de opinión, de pensar que los reality shows son una aberración cultural ya me estoy viendo mirándome todos los capítulos y quizás votando por móvil en el “Teachas pet”. He dicho.

Podría escribir Pon di Gaza 3.0 y hablar de bleaching, tatuajes, masonería y otros temas, pero ya paso. No hay consulta esta vez.

Mañana me voy a Port Antonio donde hay un bolo más de la Gaza. Allí estaré sin duda, pero ya anuncio que hasta aquí he llegado.

Para nivelar un poco este maratón de la Gaza el próximo barrio sera Cassava Piece, hogar de acogida de Mavado aka Gully god. Un paseo por el Gully side, y después dedicado a Dance Crashers y Badalonians bajaremos a la Alpha Boyz School a hablar de Ska.

Hala, se acabó. It done!

Texto: Fernando García-Guereta.

Que el cielo de Zion me perdone. Tener que sacar de la lista a Elephant Man y su “Nuh Linga” o a Mr. Vegas y su “Head High” es para que no me dejen entrar en Kingston en años, lo sé. Por callarme a Anthony B. ya me hago el harakiri yo mismo. Pero os aseguro que todos los que están, son, a propósito sin numerar, y más o menos agrupados por épocas y estilos.

Así que, calentando motores para el Discoforum del día 20, espero que disfrutéis tanto como yo, leyendo y escuchando a la vez. Casi todas las canciones se pueden encontrar hoy día en internet, aunque cuando he marcado un formato concreto, es porque las versiones en vinilo tienen otro sabor. O sea, que cuidado con lo que bajáis o reproducís, que por ahí hay mucho fake.

Y si os pica la lista por las omisiones o los comentarios, ya sabéis para que vale el post que hay más abajo. Big tings a gwaan, massive!!

DON DRUMMOND & the SKATALITES – Man in the Streets (1965 via Trojan)
Nunca nadie como él ni antes ni después, llevó tan lejos el jazz en el Caribe, ni contestó desde las islas el “Tequila” del latin jazz de Dizzy Gillespie, ni dirigió el ska a rastafari. Genio y figura.

LEE PERRY – The Upsetter Dub 7” (1968 Studio One)
El principio de todo. Su ritmo retrasado y perezoso. Su riff caribeño. Su sabor a isla por los 4  costados. Empieza el reggae, como lo conocemos. Scratch la regrabó en 1974 para su propio sello Black Ark.

FAMILYMAN BARRET -Rebel Am I 7” (1968 Rare JAD Single)
El inicio del verdadero sonido one-drop de los Wailers, más allá de Lee Perry, dando respuesta al “Soul Rebel” en clave “índica”, con la influlencia afro-oriental que después desarrollaría Augustus Pablo, con la trompeta de Tommy McCook y los teclados en primer plano.

THE HEPTONES – Party Time 7” (1968 Studio One)
Máxima expresión del esplendor de los tríos vocales que Coxsone buscaba desde los inicios, tratando de copiar los éxitos de Motown. En 1976, Lee Perry regrabó una versión más atmosférica que mantenía el soul jamaicano de la original. Riddim inmortal.

JIMMY CLIFF – You can’t get it if you really want (1968. Leslie Kong)
El verdadero embajador y pionero de Jamaica en el mundo. Otros éxitos como “Waterfall”, “Sitting in the Limbo” y “The Harder they come” le hicieron famoso mundialmente, pero esta canción expresa mejor que ninguna el salto del ska al reggae, el salto de los sueños isleños de lo que nunca tendrán, a la locura del Gran Mundo.

ALTON ELLIS – I’m still in love with you, girl 7” (1967 Studio One)
El gospel y el soul de la mano en Jamaica con la voz de un ángel. Mi melodía favorita de los muchos himnos del cantante de los cantantes jamaicanos con ese poso a lo Bunny Lee en el fondo.

JOHN HOLT – A Love I can feel 7” (1970 Studio One)
El socio de Ellis y líder de los Paragons del rock steady, inventando el lovers-rock 10 años antes de Sugar Minott en un riddim imperecedero.

TOOTS & the MAYTALS – Pressure Drop 7” (1970 Beverley)
Una de las más finas producciones del chino Kong en uno de los inmortales ejercicios de Toots Hibberts para evolucionar el ska hacia el reggae sin pasar por el rock steady. Do the Reggay

DELROY WILSON – Better Must Come 7” (1972 Bunny Lee)
Comienza el skank, el balanceo surgido del espacioso dub, que le sirve al azúcar de las producciones de Lee para este anthem glorioso de positivismo en la voz sufferer del soulman Delroy Wilson, como antes ya había hecho con el “My Conversation” de Slim Smith & the Uniques. De hecho, fue slogan publicitario de la exitosa campaña electoral del PNP que llevó al izquierdista Manley al poder.

ABBYSSINIANS – Satta Massagana (1969 Studio One)
Primer éxito masivo del back to Africa en amárico original de Etiopía. Desde entonces el rastafarismo tuvo una ascendencia etíope en lo músical que se hizo indisoluble. Aunque Coxsone la grabó entonces, no fue hasta 1976, que Clive Hunt y Geoffrey Chung la editaron en el Lp homónimo en JA vía sello Pentrate, que permanece como clásico roots de todos los tiempos.

AUGUSTUS PABLO – Java 7” (1972 Randy’s)
Primer gran éxito de la influencia oriental en el reggae. La originalidad de la melódica y el órgano y los riffs de guitarra le convirtieron en una influencia espiritual imperecedera.

JACKIE MITOO – Drum Song 7” (1969 Studio One)
El legendario teclista de los Skatalites y luego de la banda de studio Soul Vendors, en uno de sus más celebradas exhibiciones sobre base nyabinghi con esa ralentización de los dibujos del hammond y ese aire eterno que le hizo tan inmortal entre los músicos de reggae y dub como en los piano-bar de los resorts jamaicanos.

U-ROY – Wake the Town/Rule the Nation 7” (1970. Duke Reid-Bunny Lee)
Histórica sesión de grabación que dio nacimiento al rap moderno. En su momento triunfó “Wake the town”, la versión deejay del popular “Girl, I’ve got a date” de Alton Ellis, pero con el tiempo fue la cara B influenciada por su mentor King Stitt, la que consiguió un hueco fijo en el oído de los soundsystems de todo el mundo.

ROY COUSINS & THE ROYALS – Pick up the Pieces 7” (70’? Studio 1/Sound Dimension)
Uno de los scorchers de Coxsone más underground, que todavía hoy son recordados, por ejemplo por Mickey Dread en su sound Channel One. Las armonías vocales no tienen nada que envidiar a Satta Massagana, aunque el riddim es mucho más urbano. Puro sugar & spice

MIGHTY DIAMONDS – I need a Roof (1976 Virgin)
La expresión suprema de la rebelión rocker de los sufferers de Channel One. Nunca nadie había cantado a los “homeless” llegando tan profundo con esas trompetas que te hacen bailar al tiempo que la voz de “Tabby” Shaw te rompe el alma. De su primer álbum “Right Time”, todo un clásico del nível de su inmortal “Pass the Kutchie”,  que luego hicieron mainstream los protegidos infantiles de Third World en Inglaterra, Musical Youth.

BOB MARLEY & THE WAILERS – Jah Live 7” (1975 Tuff Gong)
Hay muchos himnos del gran Bob, pero ninguno tan influyente en la evolución rasta como éste, con el que las sesiones de grabación en Hope Road, se pararon durante meses, y donde Marley reinventó la esperanza rasta y la eternidad de Selassie tras su muerte, al amparo de las influyentes 12 Tribus de Israel

PETER TOSH – Legalize it (1976 CBS)
Sin la sombra de Bob Marley como en “Get up, Stand Up”, sin duda el tope reivindicativo y creativo del rocker de los Wailers. Si ya era leyenda, esta canción le convirtió en gigante del reggae por méritos propios. Aunque luego siguió la secuela con Bush Doctor de la mano de los Stones, el ícono ital de la ganja nunca volvió a ser superado.

BURNING SPEAR – Slavery Days (1975 Mango/Island)
Aunque “Marcus Garvey” y “Man in the Hills” al año siguiente se llevaron la fama, esta canción de panafricanismo irredento cardó la lana, como saben todos los defensores del back-to-africa. El One-Drop de la batería, el teclado aguardientoso y las trompetas de babilonia te meten en el arca de Noé dirigidos por la voz rota de Winston Rodney. El abecedario del reggae-roots.

CULTURE – TWO SEVEN CLASH (1977 Joe Gibbs)
El Panafricanismo de Marcus Garvey llevado al extremo palabra por palabra en esta profecía bíblica. Aunque Joseph Hill defendió al máximo nivel la culture africana durante años, esta gema aun brilla.

DENNIS BROWN -(Don’t) Want to be no General 12” (1983 TAD/Yvonne’s)
El Príncipe Coronado del Reggae llegando a la cima del roots-reggae, con lo mejor del género, los Roots Radics y los Aggrovators en las backing band del Lp “Satisfaction Feeling”, y Sly & Robbie en la base rítmica y los efectos. Letras antimilitaristas en su faceta más conscious y un mantra sonoro que se te pega para flotar y volar.

GREGORY ISAACS – Soon Forward (1979 Virgin/Frontline)
Cumbre del Coolruler más roots, pero también de Sly & Robbie y del mismísimo Dennis Brown haciendo coros en el álbum. De los muchos “anthems” del mejor susurrador del micro, su “turn me on, turn me on, now”, se te clava como el cuchillo de la guitarra de Sly Dunbar sobre el skank de Robbie Shakespeare.

BUNNY WAILER – Rootsman Skanking/Coolrunnings (1982 Sonic Sounds. Live at Madison Square Garden, 1986)
Aunque ambas son pertenecientes a su disco “Rock ‘n’ Groove”, hemos hecho una excepción para ilustrar una de las mejores exposiciones de la fuerza tribal del Antiguo Testamento que se recuerdan, en este inolvidable show del patriarca de la Solomonic Reggae Orchestra con 18 músicos en el escenario y números incluso de claqué a la jamaicana. El combinado de estos temas es uno de los momentos cumbres del show y también de su carrera. Si aún no lo has visto, a qué esperas para bajártelo.

JACOB MILLER – Tired fi lick weed in a bush 7” (1976 Says)
Aunque “Tenement Yard” es más recordada y tuvo más éxito, y su grupo “Inner Circle” pasó a la historia del mainstream con “Bad Boys” para el TV Reality “Cops”, este himno anti-prohibicionista que repasa todos los garrison de Kingston, explica a voces por qué Jacob Miller, tío de Maxi Priest, está considerado uno de los mejores cantantes reggae de todos los tiempos, con ese soul contenido y esa forma de alargar las sílabas, siempre imitado y nunca alcanzado tras su muerte en un accidente de coche en 1980. Echadle un ojo en la peli “Rockers”.

THIRD WORLD – Cool Meditation (1979 Island)
Inefable pildorazo pop como pocos, que abrió el reggae a los clubs blancos como “Night Nurse” 3 años después, con esa armónica inmortal y esos falsettos que recordaban a los Four Tops en la era disco, sobre un skankin lleno de clase. Del esencial “Journey to Addis”. Ya, ya, “Now that we found love” marcó una época hasta en España.

SUGAR MINOTT – Hard Time Pressure (1980 Island)
Grabado por Prince Jammy en Channel One, representa el punto exacto del salto del roots reggae al lovers rock que tantos éxitos y prestigio le reportarían en los 80. Insustituible en el sugar & spice

WILLIE WILLIAMS – Armaggideon Time 7” (1979 Coxsone)
Uno de los últimos scorchers de Dodd que tuvieron éxito mundial, ya desde NYC, sobre todo después de la adaptación de The Clash. De hecho, basado en el riddim Studio One “Real Rock” de 1968, permanece como uno de esos hits underground en todo “sound” que se precie.

DILLINGER – Cocaine in my Brain (1979 Joe Gibbs)
“Eh Jim, just a minute, yo’”. La era de los bad boys modernos de la mano del hip-hop de Nueva York y los gangs de las drogas ha llegado. Y tenía que ser con el más sarcástico y bizarro de los toasters, colgado del punk- funk y la galaxia funkadelica . Siiiiicckkk!!

DR. ALIMANTADO – Best Dressed Chicken in Town (1978 Black Ark)
Simplemente maaaddd… Infeccioso desde el primer compás, los ecos y la perversión del toasting de U-Roy por los jóvenes de la coca, abriendo una nueva época, más violenta y salvaje, en esta versión loca del “Ain’t no sunshine” en el final de la era natty dread y que directo desde el gueto, supera muchas producciones del mismísimo Upsetter. Esencial.

JUNIOR BYLES – Fade Away (1975 Kaya)
Producido por Joseph Hookim para el sello Kaya y grabado en Channel One, Junior Byles que había sido artista de cabecera de Perry tras abandonarle Marley, y que se había visto decepcionado tras su apoyo a la elección de Michael Manley en el 72, llega a la cumbre de su estilo profundamente rasta, ital y vulnerable en este clásico que fue éxito instantáneo a los dos lados del charco. Las grandes esencias se guardan en tarros pequeños. Ideal para las muchas versiones toasting que ha tenido después.

ISRAEL VIBRATION – The Same Song (1978 Top Ranking)
El trio de poliomelíticos Skelly, Apple y Wiss, fieles seguidores de las 12 Tribus de Israel, son bien reconocidos en Europa con el apoyo de Roots Radics, por ser defensores con sus armonías vocales y tradición musical, de las esencias del classic roots reggae en los 80, contra viento y marea. Aunque un año antes tuvieron cierto éxito con el single “Why Worry”, esta canción que daba título al primero y mejor de sus álbumes, es una antología del género.

FRANKIE PAUL – Pass the Tu Sheng-Peng (1984 Channel One)
También llamado Kushunpeng, y con los Roots Radics en el riddim, es otro big tune adaptado por Junjo Lawes del Darker Shade of Black de Jackie Mitoo, y dedicado ingeniosamente a la ganja. La enorme voz góspel del ciego Frankie Paul ponía el resto.

YELLOWMAN – Zungguzungguguzungguzeng (1982 Junjo Lawes)
Real King del Dancehall  moderno. El albino maltratado que convirtió el drama personal en humor bizarro y trajo el  slackness a las letras y los shows, que son señas de identidad del dancehall desde entonces, en el tema que lo convirtió en estrella internacional hasta hoy día. Si no hubiera nacido habría que inventarlo. Además el riddim “Disease” que le sirve de base es uno de los más sampleados de la Isla desde entonces.

BARRINGTON LEVY – Under mi Sensi (1984 Jah Screw)
Legendario himno fumeta – “Hey, Babylon, you no like ganja man, but ya weed bring da foreign currency pon di island!/ To Babylon no badda charge me, SAY!”, con un riff de guitarra que ha pasado a la historia de los más sampledos del dancehall. El estilo vocal único de Levy es una de las señas de identidad del dancehall clásico, que luego sirvió de inspiración al estilo Waterhouse de Michael Rose y otros. Heeyy….

TENOR SAW – Ring the Alarm (1985 W. Riley)
Seguramente el riddim “Stalag 17” sobre el que se basa este himno, haya marcado un antes y un después en el dancehall. Aunque dicen que Max Romeo la grabó en el 72 pero nunca se llegó a editar, a quién le importa. No hay nadie que se precie desde los 80 que no haya cantado o pinchado sobre este riddim alguna vez.

WAYNE SMITH -Sleng Teng (1985 Jammys)
No necesita presentación. El principio de todo en el salto del dancehall analógico al digital y la coronación definitva de Jammys. Ese bajo tan killer puso el riddim bajo el foco protagonista y todavía lo hace hoy día.

JUNIOR REID – One Blood (1989 Big Life)
One Blood, One Heart, no digo más. Tras sustituir a Mykal Rose al frente de Black Uhuru, puso en primera línea internacional el conscious dancehall cuando casi nadie lo hacía, con su letra de resistencia a la opresión en Babilonia. Himno internacional sobre todo para los jamaicanos overseas. Boom-Shack-a-lack-a!!

CUTTY RANKS – The Stopper (1991 Fashion UK)
Después de pasar por todos los sound de la Isla, es curioso que el deejay estrella de la esencial Penthouse, acabara grabando en UK el definitivo himno que haría internacional al raggamuffin, con ese boom-bap terminal que se quedaría en el género para siempre.

TONY REBEL – Fire Burning 7” (1991 Penthouse)
Con el feat. de Marcia Griffiths, este aprendiz de la Youth Promotion de Sugar Minott y vecino de yard de Garnett Silk, fue de los primeros en fichar con Donovan Germain y en reivindicar la tradición cultural del reggae en el dancehall, lo que llegaba a extremos gloriosos en este clásico sobre el riddim “Feeling Soul”. Memorable y entrañable.

GARNETT SILK – Complaint 7” (199? Penthouse)
Aunque la melodía vocal de “Hello, Mama Africa”, su mayor éxito, permanece más en el imaginario general de los amantes del reggae, este reclamo que su amigo Buju versioneó hasta la saciedad, es para mí el mejor ejemplo de como un cantante y no un deejay ni un singjay, puede llevar al éxtasis un ritmo dancehall. Por eso es recordado junto a Dennis y Jacob Miller como uno de los mejores cantantes reggae de todos los tiempos.

SHABBA RANKS – Dem Bow 7” (1991 Epic)
Gracias a los buenos oficios de Sonia Pottinger como A&R de CBS, Shabba popularizó el músculo jamaicano en USA, abriendo la puerta de par en par al mercado del dios Dólar a todos los ruffnecks que siguieron después de él, hasta convertirse en un verdadero sex-symbol. Pero además este single sobre el riddim Pocoman Jam, abrió los ojos a los latinos hasta el punto de ser el riddim base sobre el que evolucionó el actual reggaetón.

MAD COBRA – Flexx (Time to have Sex) (1993 CBS)
Otro grande de la factoría Penthouse que rompió las listas de rap americano con este proverbial ejemplo de cómo los jamaicanos pueden tratar el sexo en sus canciones, y conseguir hacerlo comercial, sin dejar de ser casi explícito. Utilizando el “Just my Imagination” de los Temptations, tuvo tanto éxito que tuvo secuelas igualmente exitosas en clave r&b como “I wanna sex you up” en la popular “New Jack City”.

GARNETT SILK, COCOA TEA & CHARLIE CHAPLIN – Every Knee Shall Bow 7” (1995 VP)
Espectacular ejemplo de las exitosas “wicked combination” a trío, tan de moda en los 90, que superaba con mucho el original de Garnett, con la aportación más “bíblica” de lo habitual en él, del deejay Charlie Chaplin y el contrapunto vocal en clave dancehall clásico del gran Cocoa Tea. Insustituible en los sounds de la 2ª mitad de los 90.

BUJU BANTON – Destiny (1997 Penthouse)
El bad boy de “Champion” y “Boom Bye, Bye”, el gato negro, el malísimo Gargamel, convirtiéndose en profeta rasta. Algunos dirán que es una aberración, pero para muchas nuevas generaciones este himno africanista no tiene nada que envidiar al “Redemption Song” y todavía hoy suena igual de vigente que entonces. Además esta renovación terminó de consolidarlo como gurú jamaicano en California y toda la Costa Oeste.

SIZZLA – Babylon a  listen 12” (1997 Xterminator)
Imposible escoger un solo tema del singjay más controvertido e influencial de la historia del reggae, así que lo haremos personal, porque todo con Kalonji es personal. Me quedó con su registro del riddim “Mean Girls” que grabó Fattis Burrell simultáneamente para Capleton sin superar la toma de Sizzla, porque es uno de esos raros puntos de equilibrio en su carrera entre sus dos registros: el rasta de love&peace y el airado y bumboclaat, con toda la fuerza de la voz todavía joven de “Praise Ye Jah”.

BERES HAMMOND & BUJU BANTON – Pull it Up 7” (1999 Penthouse)
Claaasssic Chune de los Wailin Souls “Things & Time”, popularizado por el azúcar del irresistible Beres con los arañazos de Buju en su máxima expresión, para uno de los más jubilosos rompepistas dancehall que se recuerdan, con el “Action” de Nathine Sutherland y Terror Fabulous. Cantada en solitario, Beres también la editó simultáneamente para su propio sello “Harmony House” bajo el título de “Can You Play Some More”.

CAPLETON – Who dem? (Slew Dem) (1999  Mentally Disturbed)
El bombero en pleno efecto. JA no sería lo mismo sin los lanzallamas que se popularizaron en sus shows, gracias entre otros a este pepinazo, producido y arreglado por Ward 21 y King Jammys y editado originalmente en el subsello de éste, aunque luego apareció en el Lp “More Fire”. Es verdad que su registro rasta desde “Raggy Road” también había contribuido a hacerle muy popular fuera de JA, pero su influencia internacional definitiva desde que subió los decibelios de la cruzada unabomber en “Pure Sodom” en el 97, está aquí en el paroxismo de esa voz rota que creó escuela.

BEENIE MAN – Zim, Zimma (Who Am I) 7” (1998 Greensleeves)
Aunque los buenos aficionados guardamos casi más en el recuerdo “Romie”, “Girls dem Sugar y “Nah Bow” hay que reconocer que el rey de las Dancehall Queens llegó al top con esta competi de Mercedes y BMW sobre el riddim “Playground”, y que su popular “oh, na, na, na, na, na/ zim, zimma/ who got the keys to my bimma” llegó tan lejos que hasta el mismísimo Redman tuvo éxito con su propia versión en las listas de hip-hop.

BOUNTY KILLER & BARRINGTON LEVY – Living Dangerously 12” (1996 VP)
Brutal éxito hasta en el Billboard que convirtíó al duro Killah en leyenda internacional y gloria nacional, aunque Kartel haya tratado de enterrarlo. Bounty habrá hecho muchas cosas, unas más brillantes y otras más planas, pero su inapelable estilo vocal unido al irresistible timbre de Barrington Levy y un ritmo infeccioso por debajo, reventó los clubs del mundo entero. The Alliance!

T.O.K – Chi-Chi Man (1999 VP)
“From dem a par inna chi chi man car/ blaze di fire mek we bun dem!!!! (bun dem!!!!)…”. Quién no ha coreado ésto alguna vez?. Alex, Flexx, Bay-C y Craigy T se llevaron el gato al agua en la época de las grandes crews, con su abuso del drama y hasta la opereta con la llegada del 2K (alguién se acuerda de Bucaneer?) con este himno que hizo comercial la homofobia rampante en la Isla durante todos los 90.

VYBZ KARTEL – Ramping Shop (2008 NotNice)
Gaza te gustará o no, pero estareis de acuerdo que Ramping o Romping Shop es una joya del slackness en versión moderna, donde sin dejar de ser amable se es todo lo explícito que el dagga puede ser, como ya hizo Cobra con “Flexx”. Esto puesto en el contexto del “Dancehall Hero” actual hace que el número permanezca en la memoria colectiva por encima de su autor por mucho tiempo.

Contenidos del programa:

• Ultima emisión de la temporada de las novedades desde Jamaica con Tune In!.
• Recuerdo a Amy Winehouse tras su fallecimiento.
• Especial dedicado al Rototom Sunsplash con música de alguno de los artistas que forman el cartel de este año y con entrevista en directo a su máximo responsable Filippo Giunta.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel y Alex

Asistencia técnica:  Alex y Papa Dick

DURANTE EL MES DE AGOSTO TOMAMOS VACACIONES. REGRESAMOS EL PRIMER MARTES DE SETIEMBRE. NOS REENCONTRAMOS EN ROTOTOM. BUEN VERANO. ONE LOVE.

Contenidos del programa:

• Nuevo especial en memoria de Bob Marley en el 30 aniversario de su muerte. Freedom Cry nos ofrecen algunos de los tratamientos actuales sobre ritmos de Marley.
• Dubforce presentan su última colaboración de la temporada.
• El Garance Reggae Festival centra la mayor parte de este programa. Ranking Rick pone música de los artistas que intervienen en la edición de este año.

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Dirección:  Sensi twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Iker

FEEL THE REGGAE INSIDE WITH SOUNDSYSTEM FM!!!

Contenidos del programa:

• Nuevo 7″ de Deep Root con Abassi All Stars y Vibronics. Dub Conference nº9.
• Adelanto del primer disco de Sr Wilson que estará a la venta el próximo otoño con el nombre de Good Man Style.
• De nuestra agenda repasaremos los conciertos mas importantes de la semana. Roy Ellis en el festival Lagata Vajunto; Ghettoman presentando su trabajo “Justice”; y Andrew Tosh y John Holt como protagonistas del concierto benéfico Reggae por Japón.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex

FROM THE NUMBER ONE STATION…!!!

Contenidos del programa:

• Repasamos de nuevo el último trabajo de BDF “Forward To Jah”.
• Prestamos especial atención al Nowa Reggae, que se celebra este fin de semana, junto a dos de sus responsables, Roc y Miquel. Escuchamos a Ruben Lopez, Gappy Ranks, Pioneers, Duane Stephenson y Tarrus Riley.
• También nos ocupamos de los artistas de reggae que figuran en el cartel de Cruïlla BCN como Lee Perry, Max Romeo, Madness o Alborosie.
• Fin de temporada para los directos del reggae a cargo de Dance Crasher con su Crucial Moments.
• Acabamos la emisión con un tema de Nkulee Dube, hija del desaparecido Lucky Dube.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

POSITIVE VIBRATIONS ON THE AIR!!!

De la misma manera que mientras paseamos por Trench Town no podemos disociarlo del personaje de Bob Marley, hoy en Jamaica si hay un barrio que se puede asociar con un artista, ese no es otro que Gaza y Vybz Kartel.

Antes de escribir este artículo voy a hacer una declaración de intenciones, yo soy fan de Gaza o como dirian por aquí A strait Gaza me seh. Con Vybz Kartel me ocurre como con el R Madrid, pierdo toda la objetividad y siempre que un jugador blanco cae en el area, no se que me pasa, pero yo siempre veo un penalty clarisimo. Incluso si el que cae es Di Maria.

Dicho esto prosigo, Gaza city, cuyo nombre real es Waterford es un Scheme (unas cuantas manzanas de casas que viven en comunidad) dentro de la municipalidad de Portmore. Portmore es la ciudad dormitorio de Kingston, donde por un módico precio uno puede vivir en una casa digna con mejores facilidades que en un ghetto de Kingston por una renta parecida. A Portmore le apodan la Sunshine City, un microclima hace que una ciudad de una isla tropical tenga unos indicides de pluviosidad tan bajos que aquello parece el desierto de Almeriía. Las casas de Portmore parecen hornos.

Waterford se encuentra en el limite de la municipalidad de Portmore, pegado al hipodromo de Caymanas Park, donde Bob Marley y Skill Cole se vieron en un problema de carreras amañadas por la que algunos estudiosos piensan que desemboco en el posterior intento frustrado de asesinato que sufrio Bob Marley. De ahí que por muchos años se le conociese como border line que vendría a significar algo asi como la frontera.

Cuando el archifamoso actor Keith “Shebadda” Ramsey, el ser humano con mas pluma que esta isla ha conocido, fue preguntado en television sobre su cuestionada tendencia sexual, Shebadda respondió Im on the border line. A los habitantes de Waterford no les gusto que el nombre de su barrio fuese asociado con un actor homosexual y decidieron buscar un nombre nuevo, de ahi salió Gaza City.

El año pasado rodando Hit me with Music yo necesitaba si o si entrevistar a Vybz Kartel. Fue una media hora de una charla amenisima, inteligente, divertida y para mi de muchisimo interés. Unos vecinos de Waterford me dijeron que conocian a Escobar, el lugarteniente de Kartel, y que podrían apañarme una visita a Gaza con la camara y el micrófono listos. Iba a conseguir quiza los planos más dificiles de todo este trabajo. Gaza no es un lugar fácil. Pero para un fan de VK como yo era casi mi aspiracion suprema.

Y para Gaza nos fuimos, 3 blanquitos en Gaza con camaras es todo un canteo. Pero merecería la pena. Como era de esperar, los primeros chavales que nos vieron nos preguntaron que pintabamos ahí, le dijimos que queriamos hablar con Escobar. Al oir el nombre de Escobar el chaval se puso todo serio y nos acompaño a su casa. La entrada del barrio está flanqueada con una especie de panel como el que hizo Jesus Gil para Marbella, donde dice GAZA CITY. Razonamos unos minutos con Escobar, le dijimos que VK había dado el visto bueno, le dimos 30€ y nos pusimos a grabar como locos. El barrio al vernos se empezo a poner caliente. Gente salía de todas partes dando voces sobre lo maravillosa que es la Gaza City y nos dieron un tour turistico en el que abundaban las pintadas omnipresentes de VK asÍ como de otros artistas miembros del Portmore Empire -que asi le llaman también-. La salida pelín tensa y a toda velocidad.

El resultado quedó plasmado en el documental, para los que vayan a estar en Rototom este año habrá una proyección el dia 19 (dentro de las ACR Meetings) con un coloquio al día siguiente, creo que en la Reggae University.

He escuchado mil veces aficionados a la música, tanto fuera como dentro de Jamaica que VK representa la decadencia absoluta de lo que en otros tiempos era una isla que daba grandes talentos musicales. Voy a intentar explicar a pesar de todo la importancia que tiene VK como artista. Estoy de acuerdo que hay muchisimos artistas que cantan mejor que VK, que su imagen es impresentable desde que se ha bleachado -acción de aclararse el color de la piel-. Que muchas de sus letras son violentas y son todo menos un ejemplo. Que otras muchas de sus letras demuestran un machismo nada aceptable en nuestro comportamiento ético, que trata a sus artistas como si fuesen sus súbditos, que es tan impresentable, que no solo tiene revocadas todas las visas para viajar a los USA, si no que además, los presidentes de algunas islas caribeñas han vetado personalmente sus actuaciones por representar todo lo peor que un artista puede parecer. Y entonces ¿porque este hombre esta en la cima de los artistas en la Jamaica del siglo XXI?

Creo que para entender este fenómeno hay que por fuerza pasar unos días por Jamaica. La música de VK se podría definir como omnipresente. Si alguien que esta visitando Jamaica quisiese apartarse del personaje en cuestión, tendría que quedarse todas sus vacaciones en el hotel.

Adija Palmer, que así se llama VK empezó su carrera en su barrio llamándose Adi Banton, por supuesto en honor a Buju. Banton en patois es un contador de historias. Después fue creciendo bajo los auspicios de la Alliance agrupación de Djs liderada por Bounty Killa para el cual escribió unos 30 temas.

El primer suceso que catapulto a VK a una dimensión diferente fue su enfrentamiento físico en el Sting de 2003. VK se había liado a mamporros ni mas ni menos que con MR Sting, el mismísimo Ninjaman. ¿Cómo explico a alguien que me esta leyendo el efecto social de un suceso semejante? ¿Cómo un emergente DJ se atreve a pegar a Ninjaman en un Sting? Conmoción social. El gobierno toma medidas inmediatas, detiene a los dos DJs durante 4 días. Primer aviso.

Después de varios éxitos bajo el auspicio de Bounty, en el 2006 salta la noticia. ¡VK deja la Alliance! Recuerdo la portada del Star de aquellos días. ¡Era como si Messi dejase el Barca para irse al Madrid! VK dice en público que deja a Bounty, que Bounty no puede retenerle. Nueva conmoción social. ¿¿¿Bounty despreciado???? ¿Qué esta pasando?

VK lo confirma en rueda de prensa y además avisa de que el sera el líder de un nuevo grupo de artistas con base en Gaza. El Portmore Empire. Increíble, ¿un tipo no solo se lía a mamporros con Ninja si no que se atreve a abandonar públicamente al general de las 5 estrellas?

Su ascensión después de el efecto mediático de su salida de la Alliance es meteórica. Se gana el respeto de toda la sociedad por algo en particular. Lo extremadamente original de sus líricas. De acuerdo, demasiado violentas, demasiado explicitas, pero seguro que menos violento que la Iliada y menos explicito que el Marques de Sade. La salida de VK de la Alliance favorece el ascenso de Mavado. A VK le molesta de que el ex-barbero de la comunidad de Cassava Piece trate de hacerle sombra.

En al año 2008 toda la isla esta pendiente de los duelos dialécticos que salen cada semana donde se escuchan tales burradas que incluso se crea una división social en Jamaica, los partidarios de Gaza y de Gully Side, que se va volviendo bastante violenta, con muchísimos incidentes de todo tipo.

El año termina enfrentándolos en el Sting, 40.000 personas abarrotan el show. Kartel gana a los puntos. No hay KO.

Después de Sting, los incidentes siguen produciéndose hasta que el gobierno decide tomar cartas en el asunto, los ministros de seguridad, cultura, y el portavoz gubernamental obligan a escenificar un acuerdo de paz bajo los auspicios del todopoderoso C Dudus Coke, ahora en EEUU acusado de narco. El West Kingston Jamboree ve a VK y Mavado actuar juntos. La guerra ha terminado.

En el 2009 otro salto adelante. La balada porno romántica -Rampingshop- junto con Spice entra el el billboard americano y es el tema del año en Jamaica.

La repercusión en EEUU es tal que la lista de artistas que graban con VK se compone por Jay Z, Rihanna, Missy Elliot, Busta Rhymes, M.I.A, Pharrell, Kardinal Offishal, Akon, Jim Jones y Eminem. No esta nada mal para el díscolo chico de Waterford.

Eso en el exterior, en el interior, su banda de lugartenientes pasan de ser unos desconocidos a ponerse de inmediata actualidad. Jah Vinci, Popcaan, Lisa Hype, Shawn Storm, Gaza Kim crean el grupo de dancehall puntero dejando atrás a DJs de la talla de Bounty o Beenie Man.

Durante todo el 2010 y lo que llevamos del 2011 aproximadamente sale una mix tape con 24 temas nuevos de VK cada dos meses. Este hombre trabaja duro, eso es innegable. Yo no paro de oírlos. Hay temas divertidos, sociales, sexuales, herbalistas, horteras, románticos, y sobre todo el placer de compartir ese enganche absoluto con la inmensa mayoría de la población, eso es probablemente el legado inmenso de este hombre. Nos tiene prácticamente a todos los que aquí vivimos abducidos como el flautista de Hammelin.

Ahora pido por favor una especie de referendum en el foro. Podría sin problemas escribir Pon DI Gaza II. Pero es que no se si resulta pesado o falto de interes, por favor, los que leis mi blog, decidid vosotros que hago. ¡Democracia real ya!

Texto: Fernando García-Guereta.

Contenidos del programa:

• Ultimos temas de la novedad del mes, “Message Music” editado por Pressure Sounds con temas de la época digital de Augustus Pablo.
• En Mento Corner un tercer capítulo dedicado a los hoteles de la costa norte jamaicana.
• Con Tune In! nos ponemos al dia de las novedades jamaicanas y hacemos una semblanza de Busy Signal que nos visita este domingo en Barcelona.
• Nuevas grabaciones de BDF en el sello One In The Spirit: “Forward To Jah”.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex

REFRESCA LOS SENTIDOS CON SOUNDSYSTEM FM!!!

Claro que aunque las raíces jamaicanas no estén en el imaginario popular sobre GSH, hay más paralelismos de los que pareciera, desde que irrumpiera sentando cátedra en el estilo “spoken word”, con su primer álbum “Small Talk at 125th & Lenox” en 1970, que le hizo famoso como poeta de la blaxploitation y precursor del rap político junto a los Last Poets. Aquella crónica social del momento, desmoronados los sueños de igualdad racial y derechos civiles de los 60, y a punto de estallar el escándalo Watergate con Nixon en el poder y Vietnam como castigo de los disidentes, que se llamó “The Revolution will not be Televised”, se convirtió en icono instantáneo de la protesta afro: desde los black panthers al hip-hop vía Public Enemy en la intro de “It takes a nation of millions to hold us back”, del mismo modo que años después “We Almost Lost Detroit” se convirtió en himno para los No-Nukes de Harrisburg en el 79, aunque había sido escrita para su álbum “Bridges”, 5 años antes de que Meryl Streep protagonizara la heroína antinuclear Karen “Silkwood” para Hollywood.

Y cómo Marley, desde el inicio con Bob Dylan, pero también con los Miracles y los Moonglows, Curtis Mayfield & los Impressions o el mísmismo Barry White; con esa fórmula mágica tan africana de percusión tribal y poesía, si acaso algo de flauta y algún teclado cortesía de su socio Brian Jackson, que luego repetiría en la cara B de su tercer álbum “Free Will” (72), GSH también rendía tributo frecuentemente a sus mayores: Billy Holiday y Coltrane (a los que dedicaría su encendido “Lady Day & John Coltrane”), Otis Redding, José Feliciano o Nina Simone, pero también a su muso, el rey del jazz-poetry Langston Hughes y el academicismo africanista de Leroi Jones y sus influenciales análisis sobre la cosmovisión afroamericana y harlemita, el encarcelado Huey Newton o el asesinado Malcom X. Palabras mayores.

Y también cómo Marley, si éste sufrió un intento de asesinato por su influencia política y social, GSH estuvo en el punto de mira permanente del FBI durante todos los años 70. No era de extrañar, pocos proclamaron tan alto y claro aquello del “I’m Black & I’m Proud”.

Pero su “black & proud” nace realmente de sus tiempos en la Lincoln University de Pennsylvania, donde se haría amigo para siempre de una promesa del basket luego conocida como Kareem Abdul Jabbar y conocería a su alter-ego Brian Jackson, con el que formaría el grupo aficionado “Black & Blues”. Y sobre todo, cuando recala en el entonces multicultural barrio de Chelsea en NYC, donde confluiría con gente como Richie Havens y Joe Bataan –que luego haría el instrumental de “The Bottle”-, algunos de los futuros miembros de Mandrill y el mismísimo José Feliciano al que podías acudir a ver tocar la guitarra a la puerta de la misma Pizzería de vez en cuando, por unos centavos. Mención aparte para el incombustible H Rap Brown, en la estela de Stokley Carmichael, cuyos performances incendiarios del estilo “If America don’t come around/We’re gonna burn it down” le llevaron a ser Ministro de Justicia de los Black Panthers, hasta que fue condenado a cadena perpetua por disparar a un policía, nunca se supo bien si en defensa propia, en un país en el que como él decía: “En América la violencia es como un pastel de fresa”.

Con H Rap Brown y el enorme bluesman Leon Thomas de “Damn Nam (Ain’t going to Viet Nam)”, GSH y Brian Jackson compartirían sus inicios en el influyente sello discográfico “Flyin’ Dutchman” (El Holandés Errante) creado a la sazón por el gran productor de jazz Bob Thiele (Satchmo, Sheep, Dizzie, Coltrane y todos los grandes), quien se inauguró por su cuenta en 1969 precisamente autofinanciando “Small Talk at 125th & Lenox”, el primer álbum de GSH, tal era el empuje del poeta y novelista, tras haber comprobado al ver a los Last Poets en una aparición universitaria, que sus poemas también podían subirse a un escenario. Precisamente con su percusionista Charlie Saunders y en honor a ellos y su “East Wind” (el colectivo activista impulsado por Last Poets en paralelo al auge de Malcolm X, que solía reunirse en un centro llamado “Pride, Inc.” en el este de Harlem, de cuya dirección GSH sacó el título).

Desde entonces es sabido que “El Nuevo Poeta Negro” (como se decía desde la portada de aquel primer compendio de crítica social y racial al consumismo, la superficialidad y la hipocresía americanas) escribiría como pocos en el manejo del inglés, sobre la brutalidad policial (“No Knock”, “Jose Campos Torres”), las drogas (“Home is where the Hatred is”, “Angel Dust”) y el alcohol (“The Bottle”), los escándalos políticos (“H20gate Blues” y “We beg your pardon” ó “Shah Mot” sobre el Irangate, y su sesión continua sobre Ronald Reagan en “B Movie” y “Re-Run”), la represión racial sistemática (“Winter in America”, “The Klan”, “Angola, Lousianna” en tributo al tremendo caso de Gary Tyler, al estilo de Mumia Abu Jamal, aún en la prisión estatal cumpliendo condena por un crimen que no cometió en un juicio repugnante; o “Johannesburg” sobre las luchas de “Soweto” en el 75), pero también sobre las nucleares (“We almost lost Detroit” y “South Carolina” con uno de los primeros almacenes de residuos nucleares conocidos), la pena de muerte (“Waiting for the Axe to fall”) o sobre la tradición americana del blues en “Biccentenial Blues”:

“America provided the atmosphere for the blues and the blues was born/The blues was born on the American wilderness/The blues was born on the beaches where the slave ships docked/Born on the slave man’s auction block/The blues was born and carried on the howling wind/The blues grew up a slave/The blues grew up as property/The blues grew up in Nat Turner visions/The blues grew up in Harriet Tubman courage/The blues grew up in small town deprivation/The blues grew up in big city isolation/The blues grew up in the nightmares of the white man/The blues grew up in the blues singing of Bessie and Billie and Ma/The blues grew up in Satchmo’s horn, on Duke’s piano and Langston’s poetry, on Robeson’s baritone”. Puro patrimonio americano, puro patrimonio de la humanidad. Como el blues. Buscad la letra entera y comprenderéis porque el verdadero Blues Quartet del Bicentenario lo formaban Gerald Ford, Ronald Reagan, Jimmy Carter y Henry Kissinger.

Piezas que todas juntas compondrían por sí solas, sin música, una de las más importantes antologías de la poesía social de todos los tiempos. Con semejante escritura, no es de extrañar que además del GSH cantante y poeta, también estuviera el GSH novelista. En sus tiempos de Universidad, dejó sus estudios para volver al Bronx y escribir en 1970 “The Vulture”, la historia de un extraño asesinato contada por cuatro personajes que conocieron al asesinado cuando era niño y que se musicaliza en su primer álbum, y “The Nigger Factory” en 1972, sobre la reivindicación de la acción directa para equiparar los derechos de los estudiantes negros en Universidades supremacistas como la de Sutton en West Virginia, hasta que con “Circle of Stone” obtuvo ese mismo año el título de Master en escritura creativa por la prestigiosa John Hopkins University. Ya en los años 2000, entre entradas y salidas de la cárcel y los centros de rehabilitación acabó escribiendo “The Last Holiday”, sobre la reivindicación del día de Martin Luther King como fiesta nacional, que había encabezado Stevie Wonder.

Pasaron los años y los convulsos 70 y los cambios tecnológicos de los 80 y el ojo crítico de GSH siguió ahí. Atento a los cambios y nombrado Padrino del Rap por muchos como Chuck D. (“hacemos lo que hacemos, por lo que él hizo”) ó KRS-One, advirtió a los nuevos poetas de la calle de su responsabilidad con la verdad en “Message to the Messengers”:

“Older folks in our neighborhood got plenty of know-how/Remember if it wasn’t for them, you wouldn’t be out here now/And I ain’t comin’ at you with no disrespect/All I’m sayin’ is that you damn well got to be correct/Because if you’re gonna be speakin’ for a whole generation/And you know enough to try and handle their education/Be sure you know the real deal about past situations/It ain’t just repeatin’ what you heard on the local TV stations/Sometimes they tell lies and put ‘em in a truthful disguise/But the truth is that’s why we said it wouldn’t be televised.”

Pero empezamos preguntando que hacía GSH en un blog de reggae. Antes de su cuatrilogía de álbumes en el filo de los 80 con el elegante Malcolm Cecil (productor del “Innervisions” y otros clásicos de Stevie Wonder) en “Secrets” (todavía con Brian Jackson), “Real Eyes”, “Reflections” y “Moving Target”, GSH y Brian Jackson habían firmado en 1975 con el potente sello Arista, bajo la denominación “Midnight Band”. Probablemente el periodo más recordado y pletórico de su carrera. El primer álbum de ese nuevo contrato se llamó “First Day of a New Day” y en él se incluía “The Liberation Song (Red, Gold & Green)”: “There are three colors on our flag now, brother/One red, one black, and there’s one green/There are three colors on our flag now, sister/Can you tell your babies what they mean?”. ¿Te suena?. Dedicada a las revoluciones caribeñas y en especial a la jamaicana, GSH cambiaba el amarillo de la bandera por el rojo de la sangre de los hermanos. Aunque sin tocar reggae, su conexión con las Antillas continuó en ese periodo con el clásico “It’s your World” (1976)”, un doble que recoge grabaciones en directo y temas inéditos y que ha pasado a la historia por esa mezcla única de blues con latin jazz y funk donde el boogaloo se adueña de “The Bottle” ó el smooth jazz que se sirve con su voz grave en “New York City” se desbarata en descarga de latin jazz en cuanto la multiculturalidad de la Gran Manzana se deja suelta.

Así que, no es de extrañar que cuando el periodo de free jazz de Arista llega a su fín, GSH vuelva en 1980 a la carga, rindiendo su personal tributo a la grandeza universal alcanzada por el reggae en “Storm Music” para el álbum “Reflections”, el único tema estrictamente reggae de su repertorio: “From time to time the darkness comes along to terrorize the weak and challenge the strong./The storm is coming, it grows on the waves/from Johannesburg to Montego Bay./What´s that music playin´ on the radio?/What´s that music playin´ everywhere I go?/I don´t think I´ve ever seen/another music that could make me feel/like that music playin´ in my heart.”

Ni tampoco es de extrañar que el reconocimiento a su descomunal figura le llegara de la misma Jamaica, como estrella invitada del Reggae Sunsplash en un año, 1983, donde monstruos como Gregory Isaacs con “Night Nurse” y Sugar Minott estaban en el esplendor de su carrera y del festival. Felizmente, todas las esencias de GSH, sus grandezas y sus demonios, el peso entero de la diáspora africana, pero también su ácido sentido del humor, puede verse en su incursión en el Caribe de “The Bottle”. Denso e iniciático, frágil y aromático, como el propio reggae, el largo viaje pone la piel de gallina. Juzga por ti mismo.

Tuve la oportunidad de entrevistarle en la Barcelona pre-olímpica de 1991, en lo que creía su primera visita a España con la Amnesia Express. Luego Ragna me contó que estuvo con él en 1985. Había visto su vídeo de 1988 “Tales of Gil” y no me había gustado nada. Demasiado disperso e introvertido. Estaba nervioso, pensando que como tantos otros maestros, el desgaste del tiempo no le haría justicia a su propia memoria. Además venía de un incidente tras otro en las aduanas con la coca y el crack. Se lo dije. Cuando terminó el concierto, su road manager vino corriendo desde el otro extremo de la sala, todo pletórico, para reclamarme: “¿qué te dije, qué te dije?”.

El año pasado reapareció fuera de tiempo con “I’m New Here”, por mucho que Mos Def o Nas le rindieran pleitesía. Como uno de aquellos crooners de izquierdas que cantaban country en las carreteras polvorientas del Medio Oeste a mediados de los 50 a lo Woodie Guthrie o como un viejo bluesman del sur camino de un Chicago, al que tal vez nunca llegara. Desde hacía años las clínicas americanas rechazaban tratarle de un Sida nunca oficialmente declarado. No era cómodo como paciente, como no lo fue para el sistema. Pero en tiempos de anti-sistemas y revolución, no seríamos lo que somos si no fuera por personalidades rebeldes con causa como la suya. Llora la guitarra. Llora el teclado. Llora la flauta. Lloran los bongos. Lloran las almas de la buena gente por el Poeta del pueblo que se fue. Descanse en paz, GSH!.

Carlos Monty. Junio 2011

Contenidos del programa:

• Los Pericos actuan en Barcelona el próximo jueves. Hoy presentamos su último trabajo  junto a grandes artistas del reggae, como celebración de sus 25 años de existencia: “Pericos & Friends”.
• En nuestra agenda escuchamos algunos temas de Romain Virgo que actua este sábado en Granollers y ponemos un tema de la nueva incorporación al Rototom 2011: Queen Ifrica.
• La novedad del mes repasa algunos temas producidos en la era digital por Augustus Pablo. El trabajo se llama “Message Music” y lo edita Pressure Sounds.
• Dubforce nos vuelve a hipnotizar con su selección de roots y dub de primera calidad.
• La parte final del programa la dedicamos a un nuevo especial recordando los 30 años sin Bob Marley. En esta ocasión seleccionamos algunas versiones de sus temas mas famosos a cargo de sus compatriotas jamaicanos.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Manel, Lio y Papa Dick

SUMMERTIME HOTTER THAN HOT AT SOUNDSYSTEM FM!!!

Contenidos del programa:

• Mento Corner. Nuevo capítulo de nuestro programa dedicado a las raíces del sonido jamaicano. Hoy con Lord Jellicoe.

• Escuchamos el último trabajo de Third World, “Patriots”, repleto de grandes colaboraciones (Tarrus Riley, Marcia Griffiths, Gregory Isaacs, Toots Hibbert…)

• Estrenamos nuestra novedad del mes, “Message Music”, dedicada a las grabaciones digitales de Augustus Pablo. Edita Pressure Sounds.

• Escuchamos las últimas incorporaciones del Rototom 2011, Rita Marley (en representación de Julian, Stephen y Ziggy) y Linton Kwesi Johnson.

• Nuevo 10″ del sello Universal Egg: “Fire In The Hole Meets Zion Train”.

• Liquidator edita nuevo single de los Granadians Del Espacio Exterior.

• Volvemos a gozar con las canciones de una nueva estrella del reggae, Sophia Squire.

• Dub Store reprensa algunos singles oscuros del sello Kentone, a ritmo de ska!

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex

THE REGGAE VIBES STRAIGHT TO YOUR HEAD!!!

Contenidos del programa:

• Programa especial con la participación en directo de artistas, djs, cantantes y selectores para celebrar los 22 años de vida de nuestro/vuestro programa! Con: Soweto (unplugged) y una hotta than hot session con Badalonians feat. Wilson, Leones Humildes, Dance Crasher feat. Irie Soldiah y Freedom Cry!!!.

• Crucial Moments. Dance Crasher nos traen una nueva selección de los directos perdidos del sonido jamaicanos.

• Y Barracuda nos informará del ganador del Rototom Reggaecontest.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

FEEL GOOD WITH SOUNDSYSTEM FM, IT’S CELEBRATION TIME!!!

• Dem Nuh Easy. Sista Thunda y dj Barracuda vuelven a activar su radar en el planeta reggae.
• Especial en memoria del batería jamaicano Lloyd Knibb muerto el pasado día 12.
• Nuestra novedad del mes “Our Favourite Beres Hammond Songs”.

Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Dr. Decker

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

FEEL THE REGGAE VIBES WITH SOUNDSYSTEM FM!!!

Fuente de muchas controversias es la incompresión de muchas personas que amamos el Reggae sobre textos y actitudes homófobas en la cultura jamaicana. Sin duda si hay un barrio donde ese tema es más candente que en ningún otro ese es New Kingston.

NK fue construido como nuevo distrito financiero y ecónomico de la capital en los tardíos años 60 para alejar los bancos y otros edificios financieros de la creciente decadencia del Downtown. ¿Quién querría ir a hacer negocios a un lugar dónde los indígentes, rastas u otras gentes pululan por las abarrotadas calles del Downtown? Nadie.

NK tiene dos vidas claramente diferenciadas, la diurna y la nocturna.

El eje de KN es el boulevard Knutsford. Una avenida que va de norte a sur desde la calle Trafalgar hasta la calle Oxford atravesando unos 10 bloques de calles aproximadamente.

El ella están construidos los dos grandes hoteles, el Hilton (ahora llamado Whyndam) y el Pegasus. Grandes hoteles para hombres que vienen a hacer negocios a Jamaica. Enfrente del Pegasus esta Emancipation Park, con la célebre escultura de una mujer y un hombre de raza negra, desnudos mirando al cielo. Tal como pasó en Paris con la torre Eiffel en el momento de su colocación fue objeto de enorme controversia, dado que las dos personajes estan desnudos y sus atributos sexuales son bastante notables, especialmente el del varón que dejaría al David de Miguel Angel como el hombre del “penecillo”. Subiendo hacia arriba hay algún ministerio, los edificios de las compañías de telefonía móvil (extranjeras por supuesto) y los 3 grandes bancos del país. Tambien foráneos, faltaría más. Varios restaurantes de comida rápida, alguna librería y poco más. Ah se me olvidaba, la embajada de España.

Al caer la noche NK se transforma de distrito financiero en distrito de ocio. Esto le convierte en el centro de la controversia por la visiblidad homosexual que con cuentagotas se aprecia en NK.

En NK hay restaurantes excelentes, clubs, hoteles, gogos y muchos lugares de ocio.

La sociedad jamaicana es abrumadoramente contraria a la homosexualidad, esto no es una opinión mía, esto es un hecho. Y los que empezamos a escuchar Reggae y nos atraía el mensaje de defensa de ciertas minorías no acababamos de entender ese ataque a una minoría indefensa. Yo no quiero tomar partido ni juzgar, me interesa más dar un testimonio o una explicación más que un juicio sobre lo que ocurre.

Como he dicho NK no representa la mayoría de barrios de Kingston. En los barrios y el campo se rechaza claramente la homosexualidad, si bien hay que reconocer que la femenina cuenta con mucho menos beligerancia que la masculina.

Y la pregunta es ¿Porque?

La primera respuesta que yo daría sería de origen religioso. Los jamaicanos son un pueblo masivamente bíblico. No importa si cristianos de muchísimas denominaciones, rastas, judíos, etc. Todos ellos tienen a la biblia como libro de cabecera, incuidos gangsters, djs, políticos, etc. De hecho el himno de Jamaica es una oración. Y la Biblia dice que todo hombre que yazca con otra persona de su mismo sexo es culpable.

Aunque nos parezca inconcebible a muchos de nosotros, mucha gente piensa que dejar a los homosexuales hacer días de orgullo podría acarrear castigos bíblicos tales como huracanes o terremotos. Tal como lo cuento.

También esta muy extendida la idea de que un homosexual varon es proclive a buscar relaciones con menores. De ahí tanta adversión al Papa de Roma como hay en Jamaica. Cualquier padre de familia que piense que un homosexual esta cerca de un pequeño suyo esta en peligro y la solución a ese peligro se llama Boom Bye Bye.

Muchos estareis pensando… ¡Qué brutos!

Pues así es, Jamaica es un país bruto, con toda la ignorancia y la incultura que deriva de la pobreza.

Pero también hay que dejar claro que ser homosexual no es peligroso en Jamaica si no se hace de ella una reivindicación u ostentación.

El genial bailarín Rex Nettleford fue recientemente enterrado con honores de estado, todo el mundo sabía de su homosexualidad, pero nunca la sacó del armario. El actor mas famoso de Jamaica Keith “Shebadda” Ramsey tiene más pluma que varios de los presentadores de Tele5 y va por la isla tan pancho. El juez malvado del equivalente a Operación Triunfo, Rising stars, tres cuartos de los mismo y nadie les dice ni pío.

En NK los gogos están plagados de lesbianas y mujeres bisexuales. Incluso hay un club en NK donde no dejan entrar hombres.

He oído decir, y esto la verdad es que no he ido a comprobarlo porque las fiestas de ambiente gay nunca me han atraído, que en las mansiones de las colinas de Kingston es el lugar donde se reunen los homosexuales varones y tienen sus fiestas en privado.

Estos son más o menos los hechos. Juzgad vosotros.

Texto: Fernando García-Guereta.

Contenidos del programa:

• Empezamos con Julian Marley recordando su concierto de hoy en Barcelona.
• Presentamos junto a algunos miembros de la banda el nuevo trabajo de Soweto, “South West Town”.
• Las últimas tendencias musicales en Jamaica con Tune In!.
• Nuevo repaso a la novedad del mes “Our Favourite Beres Hammond Songs”.
• Alpheus formará parte de nuestra agenda y acabamos la emisión con otro recuerdo al fallecido Lloyd Knibb como avance del especial tributo que le haremos en el próximo programa.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Dr. Decker

At the controls: Manel y Rankin’ Rick

WORKING FOR JAMAICAN MUSIC ‘TIL 1989!!!!!

• Nuevo especial en torno a la figura de Bob Marley a cargo de Josetxo Mintegui.
• Damos la noticia de la muerte de Lloyd Knibb, batería de los Skatalites y figura clave del sonido jamaicano.
• Nuevo capítulo de Dubforce con novedades de reggae-dub extrajamaicano.
• Y saboreamos de nuevo nuestra novedad del mes, “Our Favourite Beres Hammond Songs”.

Dirección:  Sensi Twins.

Presentación:  Dr. Decker.

At the controls: Manel y Ramón.

SOUND SYSTEM FM ALWAYS WITH JAMAICAN CULTURE!!!

El susurro de las olas del mar y el estallido de ellas contra las rocas, ayudaban a crear un clima perfecto para escuchar historias de duppies. Espíritus para algunos, simples duendes para otros que realizan todo tipo de travesuras, desde hacer que alguien tropiece, pellizcar en la oscuridad o robar un dulce. Estos traviesos personajes, se agrupan en buenos o malos; los buenos, según la tradición, son de color blanco, amarillo, rojo, verde, azul o transparente; los malos, son de color negro o gris.

Los duppies pasan de un mundo a otro en una trasmigración-purificación que culmina con el retorno a África, siempre vestidos de blanco, pues su estancia en el Caribe se considera una especie de paso por el purgatorio. Como toda leyenda, ésta varía según de donde proceda.

Allí seguíamos preparados para sentirlos y dejarnos llevar una vez más por la noche y sus misterios, aunque siempre a lo lejos, llegaba el rumor de un imparable sound system, esta vez de Boston Bay, que nos devolvía a la realidad en cuestión de segundos.

Todo está preparado para la gran velada: el agua caliente, las toallas, los cazos, un cubo y varias hierbas aromáticas que harán de nuestro mágico jardín, el mejor spa jamás nunca visto.

Nos desnudamos y dejamos que la brisa refresque nuestra piel, para más tarde empapar las toallas en el agua hirviendo y dejarlas caer sobre la espalda, los brazos, las piernas y el cuello. El agua nos devuelve un aroma intenso a las esencias que desprenden las hierbas. La sensación de descanso y serenidad nos ofrece un estado de desconexión total.

En este momento, Rassrod, con voz temblorosa, inicia como él sólo sabe, una historia fantástica que a base de rimas al más puro estilo dub poetry, nos envolverá como envuelve una serpiente a su presa. Interpreta cada palabra con suaves movimientos que lentamente te van hipnotizando, el tono de su voz se alza para resaltar la importancia de ciertas palabras, los ojos se mueven de un lado a otro, los cambios de voz son frecuentes e inesperados, los chasquidos de sus manos contra su cuerpo aportan sonoridad a la interpretación. Todo es real e irreal a la vez, el misterio nos domina.

Cuenta que el suelo que estamos pisando fue una antigua plantación de pimienta. Unas preciadas pero duras tierras regentadas hoy en día por nuevos dueños, a quienes vigilan y a veces hasta increpan los espíritus de los antiguos campesinos si éstos no hacen buen uso de ellas.

Dentro de la casa arde el incienso franciscano comprado a un conocido Bush Doctor del Donwtown de Kingston. El incienso ayuda a apaciguar las almas de los difuntos y ahuyentarlas hacia su lugar de reposo eterno. Una vez en paz, las ves volar en el oscuro horizonte de la noche. Ahora relajadas, en paz con la vida y descansando en la muerte, se zarandean y juegan entre las hojas de los plataneros. Se puede ver el rastro de luz que emanan, a veces amarillo, otras naranja o incluso un vivo color rojo que hace que parezca tan bonita esta danza de la muerte que sientes que nunca te gustaría despertar.

Bailan al ritmo de las rimas de la poesía conocida en las West Indies como Dubpoetry. Un estilo que nació en Jamaica a finales de la década de los setenta, en el que las interpretaciones poéticas son recitadas con bases de Dub o Reggae. A diferencia del Toasting o Dancehall, aquí éstas ya están estudiadas y no dejan mucho lugar a la improvisación.

La década de los 70’ fue marcada por un espectacular álbum de Linton Kwesi Johnson llamado Dread, Beat an’ Blood, aunque para la mayoría de jamaicanos, el gran Rey del Dubpoetry siempre será Mutabaruka que en 1983 sorprendía con el gran éxito del álbum Check it.

El orgullo africano siempre ha estado presente a lo largo de la historia de la música jamaicana, y el gran Mutabaruka dejó bien claro de dónde venían y a dónde se dirigían. Recordando parte de la historia en la que grupos étnicos africanos fueron traídos a esas tierras y que junto a los colonizadores, contribuyeron al mestizaje que caracteriza el criollismo surgido en todos los rincones del Caribe.

El lenguaje verbal y extra verbal, los hábitos alimentarios, la forma de vestir, gusto estético, la música, la sensualidad de sus bailes, el colorido de sus decoraciones, creencias, leyendas, etc. forman parte de sus gentes y lugares.

El amanecer nos sorprende. Tumbados en la tierra de lo que fue una plantación y ahora un inacabable jardín, buscamos sombra bajo un árbol de breadfruit. Seguiremos soñando y esperando la noche y con ella, la llegada de las penny wally, unas luciérnagas que revolotean danzando y emitiendo color igual que los duppies. De nuevo lo real y lo imaginario se hacen sombra, ¿qué es qué? ,¿duppy o penny wally? La pregunta queda en el aire, la respuesta la tiene uno mismo.

Habrá más oportunidades para descubrirlo, quizás en la próxima celebración, esta vez, una nine-night, una reunión que se realiza a los nueve días de ser sepultado un miembro de la comunidad, en la que se cantan himnos cristianos y se explican anécdotas de la vida del difunto. Con esto se pretende garantizar la paz de su alma. En estas reuniones, de forma furtiva, también se cuentan narraciones de fantasmas y aparecidos, en las que se mencionan una vez más a nuestros amigos los duppies.

Nota: Actualmente, Rassrod, regenta su casa-albergue, Patracey Yadd, Fairy Hill, Portland, Jamaica. Ofrece alojamiento, zona de acampada, rutas guiadas, espectáculos y noches temáticas de Dub poetry, comida y bebida ecológica, baños de hierbas, talleres de poesía y escritura, pero lo más importante, una experiencia inolvidable y una visión de la isla de Jamaica desde sus más puras raíces.

dubtraffickers@hotmail.com (for reservations, bookings & appointments)

Texto: Thunda

Foto: Alain Hottat
+info: www.jamaicashoots.com

Contenidos del programa:

• Entrevista telefónica con Carlos Monty y Josetxu Mintegui, los especialistas que este mes nos han elaborado especiales sobre Bob Marley para nosotros.
• Especial trabajado por Barracuda sobre los americanos Groundation, en directo en Barcelona el dia 15.
• Escuchamos “Vision“, el nuevo trabajo de Alpha Blondy.
• Recordamos las nuevas incorporaciones del Rototom 2011; Maxi Priest, Ali Campbell y Ken Boothe.
• Estrenamos la novedad del mes de mayo, “Our Favourite Beres Hammond Songs“.
• Los artistas jamaicanos cantan a Japón en “Starting Over“.
• Y recordamos a Bob Marley en el 30 aniversario de su muerte. ¡Larga vida al rey!.

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Dirección:  Sensi Twins.

Presentación:  Dr. Decker.

At the controls:  Rankin’ Rick.

BOB LIVES ON AT SOUNDSYSTEMFM!!!

¿Que hace que uno de los ídolos mundiales cuyo legado ha sido más manoseado y revisitado, siga vigente treinta años después de su desaparición?. Más allá del hombre, como cantaba en Jah Live!, su música y su mensaje siguen presentes e incrustados en la intimidad de la humanidad de uno a otro confín del mundo, desde los taxis de Dakar a las calles de Bahía, desde los laboratorios musicales ingleses a los ganchos corales de las mareas humanas en los macro festivales. Ué, ué, yee, eeeh!. Desde los coros góspel en Sudáfrica o Florida, su mystic revelation sigue siendo rito de liberación, anhelo y esperanza para millones de personas.

No pretendemos ponernos bibliográficos. Los que queráis saber que tengo que decir al respecto, ya tenéis mi biografía Positive Vibration (Ed. La Máscara, 1993), para capturar los datos, la pasión y las contradicciones de su vida ejemplar como gran héroe del tercer mundo. Pero Papa Dick y Dr. Dekker de Sound System FM me pidieron un especial sobre la leyenda para este 30 aniversario, que podréis escuchar desde su blog y vía reggae.es este mes y no pude resistirme.

Y colectando para el especial radiofónico, datos, versiones en todos los estilos, demos, tomas alternativas, ensayos en estudio, soundchecks e innumerables remezclas y mashups, uno comprende que si su impacto sigue aún hoy por encima de su propia música, por encima de los resultados de su carrera discográfica y su propia descendencia, es porque su legado guardaba el secreto de los elegidos. De los duppy conqueror que diría él recordando a su abuelo, el obeah Omeriah.

Y ese misterio, además de su formación inicial en las calles de Orange Market y Regent Street, y en la 2 de Trenchtown, de las enseñanzas vocales de Joe Higgs, de su leyenda buscavidas como Tuff Gong, de su periodo en los USA trabajando en las fábricas yankees como quería su madre Cedella, de sus servicios a la mafia americana de Danny Simms y Johnny Nash, y a la inglesa de Chris Blackwell, más allá de todo eso, puede que el origen esté en su inagotable capacidad para reinventar sus propias canciones, componer con doble y triple lenguaje a la vez, para distintos públicos, pero traspasar siempre con un corazón universal.

Mucho de eso puede verse ahora que las nuevas tecnologías han sacado a la luz multitud de imágenes y sonidos en ensayos de estudio como los de la Capitol americana en Catch a Fire, o los de Criteria en su periodo Miami del 79. Del mismo modo, las demos de Catch a Fire y Burning o de Kaya y Exodus, o las sesiones en Tuff Gong para las giras de Survival o Confrontation han acabado trascendiendo, por mucho que Chris Blackwell hubiera tratado de mantenerlos en secreto, como sus ocultos dubs, ahora agotados en su versión de vinilo, pero rescatados para siempre por internet.

Todas esas imágenes y sonidos, la mayoría de escasa calidad comparada con el estándar de hoy en día, construyen sin embargo una nueva visión de sus más conocidas canciones y de sus muchos músicos: arreglos distintos, riffs de guitarra luego olvidados sustituyendo los estribillos, teclados dibujando melodías que no trascendieron, y en el máximo de la magia del elegido, desnudo y enfermo, sólo armado con una guitarra y la determinación de quien se sabe en la verdad eterna, reinventando una y otra vez sus himnos Redemption Song o Comin’ in from the Cold en las relajadas sesiones de la Essex House en 1980.

Una visión diferente que prueba como la capacidad de emocionar del gran Bob sigue siendo inagotable, la magia de sus canciones, incluso las más comerciales o condescendientes, duradera y versátil más allá del formato o versión en que se interprete, y su emoción sencilla pero directa la mejor medicina para llevar la esperanza y la felicidad a millones de personas en todas partes del mundo (fijaros por Youtube en el éxtasis sudafricano de la adaptación góspel de No Woman No Cry por los Rootsriders con su cantante Junior personificando como pocos la personal voz de Nesta). Lo demás sobre su vida y su persona, sus leyendas urbanas, es prescindible treinta años después. Lo que queda es su presencia eterna haciendo un mundo mejor para todos.

Para los que queráis rememorar en un rato de radio esta mirada distinta, aunque condensada, a sus legendarias canciones, este es el tracklisting. Y para los que prefieran buscar por ellos mismos, que seguro que cada uno tenéis vuestra lista de favoritos en tan extenso repertorio, aquí tenéis las pistas necesarias para bucear en el legado de Jah.

Sound System Fm Marley Radio Special 30th Anniversary. Carlos Monty & Sr. Sito tracklisting:

1. Bob Words
2. Waiting in Vain (Blackwell Secret Dub)
3. One Love, One Heart (Studio 1 Wailin’ Wailers)
4. Rainbow Country Dub (Lee Perry)
5. Soul Rebel Dub (Lee Perry. Version 4)
6. Small Axe (Demo)
7. Stir it Up (Capitol Recordings 1973)
8. Stir it Up (Johnny Nash 7”)
9. Catch a Fire (BBC 2 1973)
10. Slave Driver (Capitol Recordings 1973)
11. Lively Up Yourself (Studio Version 1974)
12. I shot the Sheriff (Eric Clapton 7”)
13. I shot the Sheriff (Inner Circle cover 1975)
14. Bob Words
15. Jah Live (Criteria Studios Rehearsals 1980)
16. No Woman No Cry (Rootsriders & Ladysmith SouthAfrican Gospel Choir)
17. Smile Jamaica
18. Natty Dread (Live at One Love & Peace Concert. Kingston 1978)
19. War (Live 1979)
20. Natural Mystic Horns
21. Exodus Alternative
22. Exodus Dub
23. Punky Reggae Party (Babylon by Bus)
24. Popgrama TVE 1978. Corte 1
25. Popgrama TVE 1978. Corte 2
26. Three Little Birds (Barcelona 80 Soundcheck)
27. You Used to Call me Dada (unedit)
28. Is This Love (Rare Demo)
29. Is This Love (Esqueleto Spanish Version)
30. Running Away (Kaya Demos)
31. Could you Beloved (Tuff Gong Survival Rehearsals 1980)
32. Zimbabwe (Tuff Gong Survival Rehearsals 1980)
33. Zimbabwe (Cultura Profética Spanish Version)
34. Africa Unite Dubwise (Dean Frazer)
35. Redemption Song (Philadelphia Gospel Choir Live at Ethiopia)
36. Redemption Song (Essex House Tapes 1980)
37. Comin’ in from the Cold (Essex House Tapes 1980)
38. Forever Loving Jah (Tuff Gong Confrontation Rehearsals 1980)
39. Natural Mystic (Dennis Brown Cover)
40. Waiting in Vain (Cocoa Tea & Cutty Ranks cover)
41. Healing in Vain (NuffWish Mashup)
42. I shot the sheriff hip-hop medley (EPMD & Warren G.)
43. Time Will Tell (Kaya Demos)

Carlos Monty. Mayo 2011

• Crucial Moments. Dance Crasher nos traen una nueva selección de los directos perdidos del sonido jamaicano.
• Especial Bob Marley a cargo del periodista valenciano Carlos Monty, en conmemoración del 30 aniversario de la muerte del embajador del reggae en el mundo.

Diressión y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Ramón

SOUND SYSTEM FM KEEPS THE CULTURE ALIVE!!!

Acabo de salir de la página de reggae.es. Acabo de leer la crónica de Barracuda del concierto de Congos y Abyssinians. Y acabo de volver como un niño de 12 años a polemizar una vez más sobre el monotema en el foro. ¿Ha muerto el Reggae?

Yo como siempre trato de dar la visión de alguien que ha nacido en Europa y vive en Jamaica, y no deja de ser curioso para mi que una polémica que en Jamaica no existe en Europa cause tanta controversia.

Si vas a Half Way Tree y pides una mix tape de New Roots no saben que es eso. Pero si pides una de Reggae te la venden y todos los temas estan recién salidos de los estudios. Por supuesto te pueden gustar más o menos, cada uno tiene sus gustos, pero ¿porque los europeos etiquetamos una música que aunque nos guste no es originaria nuestra?, ¿os imaginais a unos japoneses inventando el concepto New Flamenco?

Cuando salgo a un street dance en Jamaica normalmente suelo tratar de llegar pronto, porque normalmente a partir de las 11 o 12 escuchas a Garnet Silk, Beres Hammond, Marcia Griffiths, D Brown, …

A medida que la noche avanza la música se va haciendo más actual, y según la gente se va poniendo a tono y como en todas partes del mundo se escuchan las últimas novedades que llenan las pistas de baile. Dancehall en vena es lo que a todo el mundo le pide el cuerpo a las 3, 4 o 5 de la mañana. A mi tambien. No tengo ganas de meditar a las 5, tengo ganas de ver a la gente desparramar y olvidar sus multiples penas bailando y haciendo ruido como posesos.

A mi me gustan todos los generos musicales originales de Jamaica, no puedo evitarlo. Cada genero tiene su lugar y su sentido. Mucha gente no acaba de entender el respeto enorme que todos los artistas de dancehall tienen por el reggae antiguo y por el reggae moderno. Incluso los supuestamente más desfasados como Vybz Kartel, de vez en cuando se hacen sus temitas reggae. En mi opinion Poor People Land de Kartel es la canción con la letra mejor escrita en un tema socialmente reivindicativo en lo que va de año. I-Octane es un huracán, Virgo sigue sacando temas interesantes, es una delicia escuchar a Courtney Young, Queen Ifrica sigue representando, los Morgan separados pero trabajandoselo. Tanya, Beres, Jr Gong, …

Aun y asi sigo escuchando el mismo argumento, el reggae ha muerto.

Saliendo de la penitenciaria general de Kingston, donde estuvimos en la última entrega, caminando hasta la esquina y doblando a la derecha vamos a parar a otro de los inumerables garrisons de Kingston. Rae Town es su nombre.

En Rae Town todos los domingos hay un street dance que sin duda sería el refugio de todos aquellos que piensan que el reggae ha muerto.

El bar donde se atrinchera el selector se llama Capricorn. En el Capricorn no pinchan ni Gaza ni Gully. En Rae Town las mujeres no van ataviadas a la última moda. Rae Town es un lugar perdido en el tunel del tiempo.

La mayoría del público es de edad avanzada, se visten de la misma forma que lo hacian hace 30 años, quiza hasta utilizan la misma ropa que entonces. El volumen es atronador, y la vibración pone los pelos de punta, la forma que tienen de pinchar en el Capricorn es única. Se escucha mucha música que no es de Jamaica también. Mísica negra de los 60, 70 y 80. Aun así, lo que más me gusta se escucha son los viejos temas de B Marley. En Rae Town uno piensa que así sonaban en su día cuando se hicieron éxitos.

Pero Rae Town tiene tanto encanto que no es extraño ver a artistas consagrados a pasar el domingo a dejarse ver.

Lo más sorprendente de Rae Town es que los abueletes llegan tarde y bien entrado el día y todos maqueados! A las 4 a las 5 hasta que sale el sol, solo de recordarlo me viene una sonrisa. Que gente dios mio! Encima un domingo.

El gobierno cerró el año pasado Rae Town alegando que hacían mucho ruido los abuelos, por suerte han recapacitado y todos los viejos maestros vuelven a atronar de Reggae las calles del Garrison.

Larga vida Rae Town!

Texto: Fernando García-Guereta.

Contenidos del programa:

• Lo nuevo de Abassi All Stars junto a los italianos Insintensi.
• Suena el recien llegado promocional de “South West Town”, nuevo trabajo de Soweto, como adelanto a la presentación oficial.
• En la agenda escuchamos a TOK, Gyptian y un adelanto del último disco de Alpha Blondy llamado “Vision”.
• Capítulo 26 de Mento Corner con la banda del hotel Silver Seas de protagonista.
• Las novedades desde Jamaica con Tune In!, de la mano de Freedom Cry.
• Presentamos los temas mas nuevos de la banda de dub STA.
• Un recordatorio de Bunny Ruggs y el repaso final a la novedad del mes (“The Return Of The Sound System Scratch”) cierran el programa de hoy.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick, Manel y Ramon

JAMAICAN CULTURE WITH SOUNDSYSTEM FM!!!

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• Dubforce. Especial dedicado al sello brasileño Digital Dubs, con Leones Humildes.

• Presentación de “Ashes”, primer disco de Dubby Yond y entrevista en directo con Dr.n´Ric.

• Especial dedicado a Sudafrica y el apartheid, con una selección de temas jamaicanos referidos a ello.

• Nuestra novedad del mes: “The Return Of The Sound System Scratch”, con temas inéditos y duplates exclusivos del Black Ark Studio de Lee Perry. Edita Pressure Sounds.

• Nuestra agenda y Shaggy como nueva incorporación del Rototom 2011.

Dirección:  Sensi Twins.

Presentación:  Dr. Decker.

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Ramón

STAY TUNED TO THE BEAT OF JAMAICA!!!

• Presentación del último recopilatorio de los californianos Groundation ” The Gathering of the Elders”.
• “Caicos Gal” es uno de los nuevos ritmos surgidos de Jamaica. Hoy escuchamos alguno de sus tratamientos.
• Con motivo de su próximo concierto, ponemos “Rootz”, último trabajo de los italianos Africa Unite.
• La novedad del mes vuelve a girar elrededor del maestro Lee Perry con la edición 70 de Pressure Sounds: “The Return Of Sound System Scratch”.
• Tenemos el recién estrenado 10″ de Akatz … A Go Go.
• También el doble cd de los catalanes Txilum, editado por Reggaeland bajo el título “Cultura Accidental”
• En Mento Corner le toca el turno a Duke Harris.
• Rankin’ Rick nos prepara un especial de los jamaicanos LUST.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Rankin’ Rick

SOUNDSYSTEM FM SPREADING JAMAICAN CULTURE SINCE 1989!!!

Queridos Reyes Magos de Italia. Este año he sido bueno, muy bueno, no como el año pasado que me trajisteis carbón. De verdad, que me he portado muy bien. He obedecido en todo a mis papás de las ONG. No me he descargado nada de internet, no vaya a ser que me riña la tita Sinde. Y he hecho varias rogatorias por el alma de los difuntos Marley, Tosh, Dennis, Sugar y los demás y hasta me he lavado con el jabón serigrafiado de Vybz Kartel. De verdad, he sido muy bueno.

Para este verano, ya he visto que me traeis mirra un día más (que contento que se va a poner el tito Alcalde), y que vienen de visita los abuelitos Bunny Wailer, Luciano, Toots Hibbert y luego otros jovenzuelos con voz ronca y ganas de liarla. Vamos a ver si vienen más animados que los Mighty Diamonds el año pasado. También he visto que ya habéis empezado a plantar árboles en la zona de camping, que parece que el cáncer de piel ya está a la orden del día entre los asistentes. Aunque ya que os ponéis, una piscinica para refrescarse, tampoco vendría mal, que la playa queda mu lejos para los que no quieren ser babilónicos y no llevan coche, y con la bici… uff, qué calor para subir esas cuestas desde la playa, se nos pasa todo el refrescón y para cuando llegamos al oasis del Rototom, ya estamos otra vez llenos de sudor y polvo.

Bueno, queridos Reyes Magos. Yo quería pediros mis regalos para este año. Para este año quisiera que venga la Tita Palmer, para que nos haga otro discursito bonito sobre las bondades de Jamaica, que me han dicho que “Jamaica no Problem”, ahora que, como dice la Honorable Ministra de Cultura, somos su embajada en Europa. Que nos cuente los bonitos suvenirs que podemos comprar en Tívoli Gardens, con sus casquillos de bala y todo, y cómo su gobierno se esfuerza para cumplir con la comunidad internacional. Yo ya tengo una foto de Dudus Coke para que me la dedique.

También quería pediros, si puede ser, que este año las pelis y los documentales tan chulos que traeis siempre, no se emitan a las 12 de la noche, cuando todo el mundo está viendo las maravillosas atracciones de los escenarios principales. Es que me da un poco de penita que luego sólo haya 15 personas viendo esas proyecciones tan chulas que no pueden verse de otra manera. Ya que estamos, a ver si poneis el docu “Hit Me” de mi amigo Fer, que de verdad, aunque es español y eso ya sé que va en su contra, ya lo han puesto hasta en la “General Penitentiary” y allí no hacen esos remilgos.

Mi estómago también quiere pediros que haya menos fast food y más ital food. O sea que traigais restaurantes con comida jamaicana y etíope, para que parezca de verdad lo que dice ser: un festival de cultura reggae. No puede ser que no haya Jerk Pork ó Jerk Chicken, ni que para tomarse una Red Stripe haya que pasar necesariamente por el Juanita Club de mi tito Julio. Si no hay ni Red Dragon ni ná. Vaaa… que vosotros tenéis muchos camellos y seguro que lo arregláis… sí?

Luego también quería pediros que organiceis un poco mejor los horarios de la Reggae University y las demás charlas culturales. Ya sé que sólo tenéis una carpa para eso y que no cabe todo a las horas apropiadas, pero es que para programar charlas a las 15 y 16 horas, con la que cae a mediodía con este sol taurino del Levante español, es mejor no programarlas, que el cuerpo es perezoso después de una mañana con resaca, y no se anima a salir de la playa. Así que, o programáis menos o disponéis otro espacio para poder programar simultáneamente y que el público decida donde quiere ir y sobre qué se quiere informar, porque lo contrario es llenar por llenar, o sea más, más y más, ver quien da más, y eso, suena un poco capitalista y consumista, no os parece?

Como ya sé que vosotros no sois de esos, sino que sois muy altruistas, pero ahora ya habéis visto que en España la gente responde a vuestros esfuerzos, también quiero pediros que este año no seais tan ingratos con los artistas españoles y los que participan desde aquí esforzándose para que vuestro festival salga bien. Que los valoréis más, por lo menos como valoráis a cualquier otro venido de cualquier otra parte del mundo, incluso de Italia, y les compenséis como se merecen. De verdad, aquí también sabemos decir big up, rasklaat y booyakaa!. Ya lo vísteis el año pasado. Así que un hotel y alguna paga para los conferenciantes, y un caché razonable para los artistas no es mucho pedir, o sí?. Y de los restaurantes y eso ni hablo, que una cosa es apoyar una causa noble y otra, poner la otra mejilla. Ya me decís.

También quiero pediros algo, muy seriamente. A partir de ahora, teneis que exigir que a los conciertos y soundsystems se vaya con etiqueta. Sí, con etiqueta. Qué es eso de que la gente venga con el bikini y el bañador como si vinieran recien salidos de la playa. Ni que fuera la Nit de Sant Joan entre universitarios borrachos. A los conciertos se tiene que venir como Jah manda. Las chicas bien peinadas y vestidas de punanis, listas para matar como cuando van al club o a la disco, y los chicos, nada de torsos al aire que parece que estuvieran en la disco del pueblo, ellos con sus camisetas o vestuario más elegante, sea en el estilo que sea, dispuestos a no dejar una loba sin bailar. Así que nada de pies negros y rastamaris de pastel, que mucho dreadlock, pero luego todos tienen visa oro. Un poquito de por favor. A ver si aprendemos que a estos eventos se tiene que venir a representar. Mira los del hip-hop como sí que lo tienen claro. Así que un poquito más de glamour y un poquito menos de jipismo, no vendría nada mal.

Bueno, no quiero ser pesado, que seguro que tendréis muchos regalitos que repartir a los buenos chicos y de buen corazón como yo. Como este será el segundo año, seguro que vienen más televisiones y prensa seria para que estéis contentos, seais respetables y las multitudes os llenen la caja. Así que no os preocupeis de nada. Ya sabéis que el Dios del Reggae os proteje y que en el país de los ciegos el tuerto es el rey. Pero dejad un poquito de vuestro oro, incienso y mirra en esta tierra, que aquí hay mucho infiel, y si no cuidais a vuestra clientela, a poco se van con Santa. No tengo más que deciros, cuidado con los renos, que la Guardia Civil es mu mala y ahora sólo se puede circular a 110, y arrivederci. Os espero. Ciao!.

Carlos Monty. Abril 2011

Contenidos del programa:

• Mas temas escondidos de la despensa de Lee Perry en la edición nº70 de Pressure Sounds “The Return Of Sound System Scratch”. Es nuestra novedad del mes.
• En nuestra agenda, escuchamos a los Abyssinians y una de las colaboraciones de Congos con los norteamericanos Groundation, con motivo de la actuación esta semana de los dos grupos vocales clásicos jamaicanos.
• Dance Crasher nos ofrecen nuevos directos en Crucial Moments.
• Entrevistamos en directo a Genis y Marc, los productores de los nuevos tratamientos del ritmo de Reggaeland “Dem Talking”.
• Segundo de los especiales que realizaremos durante el año en memoria del 30 aniversario de la desaparición de Bob Marley. Reproducimos alguno de sus temas mas clásicos en forma de Mash Up.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Manel y Ramon

Asistencia técnica:  Raul

REGGAE IS LOVE. JOIN THE SOUNDSYSTEM FM FAMILY!!!

Contenidos del programa:

• Bruno Blum se traslada a Eritrea para acercarnos el reggae, el blues y el jazz de Asmara All Stars en su disco Eritrea’s Got Soul.
• Dem Nuh Easy ocupa su hora de programa con Thunda y Barracuda.
• Traemos lo último del sello Crucial Ruler; su 10″ con Dixie Peach.
• En Mento Corner le toca el turno a Jamaica Duke.
• Con nuestra agenda recordamos de nuevo a Smiley Culture y nos acercamos al concierto de la semana con King Shiloh.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

JAMAICAN FLAVOUR FROM THE ROOTS!!!

Contenidos del programa:

• Presentación del trabajo de los cántabros Smooth Beans con la colaboración telefónica de Rudy King. Su titulo es At Low Fyah! y lo edita Liquidator.
• Rankin’ Rick hace una semblanza del cantante Luckie D.
• Las novedades salidas de Jamaica con Tune In!
• Otra pequeña dosis del último disco de Etana “Free Expressions”
• Y nuestra agenda con la música de James Hunter y Gramophone All Stars.

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Dirección:  Sensi Twins

Presentación:  Papa Dick

At the controls:  Rankin’ Rick

Asistencia técnica:  Alex y Manel

JOIN THE REGGAE TRAIN IN SOUNDSYSTEM FM STATION!!!

Contenidos del programa:

• Abrimos el programa con la noticia de la inesperada muerte del cantante Smiley Culture.
• Recordamos, a ritmo de reggae, los 20 años de la desaparición del cantante francés Serge Gainsbourg.
• La novedad del mes nos vuelve a traer a Etana con su nuevo trabajo “Free Expressions”.
• Repasamos el recopilatorio del grupo inglés Talisman.
• En nuestra agenda escuchamos un tema de la nueva incorporación al próximo Rototom Sunsplash: Johnny Clarke.
• Hoy doble sesión de colaboradores: por un lado Dubforce y por otro el Again & Again que nos faltó la semana pasada.

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Dirección y presentación:  Sensi Twins

At the controls:  Manel

Asistencia técnica:  Alex

ZAMBULLETE EN EL SONIDO JAMAICANO CON SOUNDSYSTEM FM!!!

Contenidos del programa: